Arte Chileno

Texto curatorial de la exposición Juan Downey: El nudo de la vida en Galería Il Posto, Santiago, Chile (2020). La exposición propone una reflexión visual y conceptual sobre la obra temprana del artista chileno Juan Downey (1940-1993). La muestra explora parte del trabajo pictórico y gráfico principalmente de los años sesenta y setenta, mientras residía entre las ciudades de Barcelona, Madrid, París y Nueva York.

Presentación en LASA 2017, Lima Perú. Es un avance de investigación acerca de estrategias de protesta durante la dictadura chilena que utilizaron herramientas provenientes de las artes visuales para hacer una mayor resonancia en sus demandas. Se revisan casos de la Agrupación de Familiares de Detenidos Desaparecidos y de Mujeres por la Vida realizados en Santiago de Chile entre 1975 y 1986.

An argument is made in this article for the need to take into account in political science analyses of the Chilean contemporary art of memory that critically invokes matters, and issues connected to the dictatorship of Augusto Pinochet (1973-1989), and which have not been solved in democracy. Chilean art of memory– composed of those artistic expressions stemming from different artistic disciplines that problematize issues connected to the dictatorial past – questions democratic consolidation by these topics still present, advancing a new perspective on this same reality, a different outlook, otherwise absent from the official renderings that privilege consensus and democratic consolidation. In this sense, this article discusses the specific case of the disappeared of the dictatorship through the analysis of the artworks of eight Chilean contemporary visual artists, and with a focus on their distinct points of view that tackle three topics, the permanency of absence, the sites of memory, and the torturers. The conclusion of this brief article is that memory art presents perspectives absent from the institutional study preferred by political science’ analyses, and that analyzing these artistic expressions helps form a better understanding of the relation to the traumatic past.

En diferentes países del Cono Sur, los estudios de género y los análisis de las teorías feministas vienen creciendo con fuerza desde 1990. Esto ha motivado trabajos de recuperación de archivos e investigaciones sobre artistas mujeres que, si bien se desempeñaron o aún se desempeñan profesionalmente, han sido excluidas o marginadas de los relatos de la historia del arte del continente, los que han apelado frecuentemente a la idea de la figura excepcional para el ingreso histórico de unas pocas.
En las páginas aquí reunidas, lxs lectorxs encontrarán nuevas perspectivas de estudio sobre las artes del siglo XIX y XX de Argentina, Brasil y Chile, que dan cuenta de  artistas omitidas, buscando con ello problematizar el modo tradicional de escritura de las historias del arte. Asimismo, establecemos contacto con México, importante antecedente en esta área para nuestra región. En Compartir el mundo. Argentina, Brasil, Chile: la experiencia de las mujeres y el arte proponemos otras miradas, más inclusivas, de nuestros relatos artísticos.

Desde los años setenta, las imágenes de indígenas de Tierra del Fuego han sido utilizadas por artistas y críticos chilenos como signos de identidades marginales y memorias e historias colo- niales. Durante los años noventa, estas imágenes se volvieron un sitio privilegiado por medio del cual se articularon distintos tipos de miradas en torno a la identidad, el arte y la discusión sobre la democracia en Chile. En algunos casos, las imágenes fueguinas sirvieron para proponer hipótesis/interpretaciones sobre la posición marginal que ocupa el arte chileno (y por extensión, el arte latinoamericano) en los circuitos artísticos internacionales. Ello ocurría en un contexto en que las conversaciones en torno al multiculturalismo y las identidades comenzaban a dar paso a una preocupación por los efectos entrecruzados de un mundo cada vez más globalizado. En otros casos, las imágenes de indígenas y lugares imaginados como «extremos» dejaban de ser símbolos de la periferia para pensarse como bases de la experiencia de la marginalidad social y étnica viva dentro de Chile. Este ensayo analiza y trenza algunas instancias en el arte chileno de los no- venta en que se visibiliza una serie de cuerpos que entraron en conflicto con la apertura política, económica y social anunciada durante la transición democrática.

En 1990, coincidiendo con el fin de la dictadura en Chile, el Museo Nacional de Bellas Artes celebró el retorno de la libertad de expresión mediante una emblemática exposición titulada Museo Abierto. Sin embargo, aún en dicho espacio de libertad creativa, una obra fue censurada por su contenido travesti, lumpen y racialmente disidente. Se trataba de Casa Particular, video documental realizado en 1989 por las Yeguas del Apocalipsis (Pedro Lemebel y Francisco Casas) en colaboración con Gloria Camiruaga. Desde el punto de partida de Casa Particular, en este artículo se analizan algunas de las performances realizadas entre 1988 y 1996 por las Yeguas, colectivo que abordó las relaciones entre el sida, los derechos humanos y la disidencia sexual, racial y económica, para visibilizar, mediante sus prácticas performáticas, la continuación del orden hegemónico cultural de la dictadura en la transición neoliberal.

En diferentes países del Cono Sur, los estudios de género y los análisis de las teorías feministas vienen creciendo con fuerza desde 1990. Esto ha motivado trabajos de recuperación de archivos e investigaciones sobre artistas mujeres que, si bien se desempeñaron o aún se desempeñan profesionalmente, han sido excluidas o marginadas de los relatos de la historia del arte del continente, los que han apelado frecuentemente a la idea de la figura excepcional para el ingreso histórico de unas pocas.
En las páginas aquí reunidas, lxs lectorxs encontrarán nuevas perspectivas de estudio sobre las artes del siglo XIX y XX de Argentina, Brasil y Chile, que dan cuenta de  artistas omitidas, buscando con ello problematizar el modo tradicional de escritura de las historias del arte. Asimismo, establecemos contacto con México, importante antecedente en esta área para nuestra región. En Compartir el mundo. Argentina, Brasil, Chile: la experiencia de las mujeres y el arte proponemos otras miradas, más inclusivas, de nuestros relatos artísticos.

Teoría del arte y cultura pop japonesa: El investigador y teórico del Arte Diego Maureira (Chile, 1989) escribe los siguientes textos con motivo de su curatoría de la exposición “El Prisma Lunar” del artista Marco Arias.
Santiago de Chile.
Abril del 2018.

La pregunta sobre el libro fotográfico es aquella sobre las relaciones entre la palabra escrita y la imagen fotográfica, así como de su inscripción en la trama política, social y cultural de un contexto determinado. Desde cierto punto de vista podemos considerar esta relación como una tensión interna que se proyecta y expande hacia el exterior como una forma de resistencia ¿Por qué? Porque desde la perspectiva de esta tesis consideramos a nuestro corpus de libros fotográficos durante las décadas de 1970 y 1980 en Chile como un dispositivo contracutural que se produce en los intersticios de las redes de poder de un regimen autoritario que, principalmente durante la primera década, ejerció un terrorismo de estado que torturó, desapareció y asesinó a su pueblo.

Esto significó la pérdida de la capacidad de nombrar, como señalaran varios artistas e intelectuales en su momento: nombrar el nombre propio, nombrar la realidad; entonces ¿cómo señalar lo que estaba sucediendo? ¿cómo expresar el dolor que sentía? A través de formas oblicuas e intrincadas, a través de la imbricación de diferentes lenguajes y medios, a través de la imagen de la VIUDA que ilustra la solapa de este panfleto, fotografía de Paz Errázuriz que circulaba inserta en los periódicos clandestinos durante la dictadura, la mujer sola a la que le han robado sus compañeros e hijos, la compañera, la madre, el pueblo.

Lo que se pone en duda también al perderse la capacidad de nombrar es la identidad. Las mismas fotografías que son utilizadas para criminalizar al sujeto son "exhumadas" por estos artistas para devolver la palabra que nos pueda nombrar: una gallina es una revolucionaria, un hombre es una madre procreadora de sujetos que serán devorados, una mujer anónima o un delincuente  fotografiados en un periódico suburbano entra a las galerías de arte de la capital, una mujer desaparece sobre un fondo blanco porque ya no se reconoce ni como mujer ni como parte de un pueblo. Y todo el tiempo se está tratando de decir algo que queda atrapado en los huecos entre la palabra y la imagen fotográfica.

La lucha histórica entre la idolatría y la textolatría, como indicara Vilem Flusser queda de manifiesto en estos libros fotográficos, no sólo porque en ellos están siempre en tensión dialogante la palabra escrita y la imagen fotográfica, sino porque ellos fueron en sí mismos parte de una lucha por resistir y sobrevivir el dolor y la muerte de un pueblo entero dejando una pequeña huella que nos recuerde que la relación entre arte y vida no ha podido ni debe desaparecer para que la historia no se repita otra vez. Ayer fueron parte de la lucha política, hoy constituyen una lucha por la memoria, tan perdida en Chile.

This book analyzes the relationship between art and politics in two contrasting modern dictatorships. Through a detailed look at the Chilean and Romanian dictatorships, it compares the different ways in which political regimes convey their view of the world through artistic means. It examines how artists help convey a new understanding of politics and political action during repressive regimes that are inspired by either communism or anti-communism (neoliberalism, traditionalist, conservative). This book demonstrates how artistic renderings of life during dictatorships are similar in more than one respect, and how art can help better grasp the similarities of these regimes. It reveals how dictatorships use art to symbolically construct their power, which artists can consolidate by lending their support, or deconstruct through different forms of artistic resistance.

Arte pop contemporáneo en Chile: Extracto del libro "Astrónomos Sin Estrellas: Textos acerca del arte contemporáneo en el Cono Sur", de Guillermo Machuca. Editado por Diego Maureira. Ediciones Departamento de Artes Visuales. Facultad de Artes, Universidad de Chile (Santiago de Chile, 2018).

El presente texto aborda la obra visual "Un día entero de mi vida" producida por Eugenio Dittborn para ser enviada a la 5ª Bienal de Sydney en 1984. El texto propone un recorrido a través de las imágenes que se presentan en esta y otras obras del autor, donde la figura del deporte, específicamente la del nadador, funciona como un eje central en el repertorio de su trabajo. Así, el texto intercala distintos trabajos de Dittborn, hechos históricos y sociales y acontecimientos del circuito artístico local para generar un relato conducida por la figura de los nadadores en "Un día entero de mi vida".

Este ensayo contextualiza la publicación de una
carta inédita, que se reproduce de manera íntegra
como anexo, dirigida por el poeta y diplomático
chileno Diego Dublé Urrutia al pintor
gallego Fernando Álvarez de Sotomayor, con el
fin de presentarle al joven escultor colombiano
Rómulo Rozo al arribar éste a Madrid.

This essay contextualizes the publication
of an unpublished letter, reproduced with
integrity as an annex, sended by Chilean poet
and diplomat Diego Dublé Urrutia to Galician
painter Fernando Álvarez de Sotomayor, in
order to introduce the young Colombian
sculptor Romulo Rozo upon arrival it to Madrid.

El Museo Internacional de la Resistencia Salvador Allende estuvo activo entre 1975 y 1990 y fue conformado por un Secretariado General en Francia compuesto por Mário Pedrosa, José Balmes, Pedro Miras, Miguel Rojas Mix y Jacques Leenhard (quien participó entre 1977-1981) y por una Secretaría Ejecutiva llevada por Miria Contreras desde Cuba, con colaboración de Casa de las América. Los quince años de funcionamiento del MIRSA estuvieron caracterizados en propagar los ideales políticos, culturales y sociales de la resistencia chilena que se encontraba en países como Panamá, Cuba, Francia, Colombia, México, España, Suecia, Italia, Venezuela, Estados Unidos, Argelia, Finlandia, entre otros. Junto a esto, también se encargó de difundir el legado construido durante el gobierno de Salvador Allende y continuar con la gestión de donaciones de obras internacionales a su colección.

Sandra Parra, Licenciada en Artes Universidad Diego Portales
Sebastián Valenzuela-Valdivia, Encargado del acceso y difusión del Archivo MSSA

También fue publicado en: https://archivo.mssa.cl/pt/Gallery/81

El artículo aborda las reflexiones realizadas por Nelly Richard que estuvieron asociadas al arte marica u homosexual que se desplegó en los años 70 y 80 en Chile, al alero de la llamada "Escena de Avanzada", en la obra de Carlos Leppe y Juan Domingo Dávila. Estas conceptualizaciones son delimitadas y luego contrastadas con algunos puntos clave de la teoría queer contemporánea, particularmente con la noción butleriana de "performatividad del género" y también con la noción deleuziana de "repetición". El objetivo del texto es elaborar una distinción entre "repeticiones normativas" y "repeticiones subversivas" de las normas de género.

El artículo desarrolla una síntesis de la historia de la educación artística profesional en Chile en el periodo que va entre 1797 y 1947. El eje del relato es el modo en que desde el Estado se formó un sistema complejo que articuló la academia, el museo y el salón (en cuanto instituciones características del arte moderno) y en cómo este sistema ha moldeado el campo artístico local. Al mismo tiempo se abordan las diversas razones por las cuales en Chile se ha considerado relevante y necesaria la formación de artistas, y cómo éstas han cambiado en relación a las mutaciones del concepto de arte y de los paradigmas educativos.

Español / English
100 páginas + cubierta de flyer
32cm. X 23cm.
Azul y B/N

Investigadores colaboradores: Daniela Guerrero (Chile), Blanca Gutierrez (México), Patricio Gil Flood (Argentina-Suiza), Francisco González (Chile-USA), Samuel Ibarra (Chile), León Pagola (Chile), Victoria Wigzell (Sudáfrica), Niños y Niñas de La Caleta (Chile), Pablo Rocu (España).

Proyectos colaboradores: Ecole du non Travail (Suiza), GCAS Latinoamérica, Festival de Performance Arte y Trabajo (Chile), Fondecyt Patrimonio de la Conurbación de Concepción - Universidad de Concepción (Chile), World of Trophies (Sudáfrica), La Caleta (Chile), Eriazo, art practices from residual spaces (Bélgica-Suiza-Chile).

Un análisis del campo artístico chileno y de las relaciones de saber y poder que lo integran requiere necesariamente de conocer la historia de su formación. Esta hipótesis subyace a la ponencia que aquí presentamos y por ello hemos considerado que una breve historia de las instituciones del arte moderno en Chile puede constituir un aporte a la hora de pensar la educación artística contemporánea en este contexto.
La historia nos muestra que la institucionalidad artística moderna del arte -y sus relaciones de poder- se han erigido sobre la base de instituciones de vocación pedagógica. En Chile, como veremos, estas relaciones han perfilado el campo artístico local a partir de un proyecto educativo de características particulares. Sin embargo, el diagrama institucional se fundamenta en tres entidades que parecen bastante transversales en la formación del campo artístico moderno en diversos lugares del mundo: la academia, el museo y el salón. Si bien este modelo tendría su origen en Francia, ha tendido a adaptarse y articularse según los contextos locales. Esta ponencia realiza una breve aproximación histórica a este proceso de articulación.

Resumen Este artículo analiza la importancia que tiene en la actualidad Ronald Kay para la crí-tica de arte en Chile y, más concretamente, la relevancia de su texto Del espacio de acá, señales para una mirada americana (1980). Esto se debe a dos propuestas simultáneas que encontramos en sus textos: 1) la posibilidad de realizar una crítica deconstructiva de los imaginarios americanos en Chile, y 2) la continuidad que ofrece a los proyectos constructivos antes del Golpe de Estado en Chile (-1973). El principal objetivo de este artículo es dejar en evidencia la necesidad de volver a una crítica de arte que actualice el legado constructivista en la Historia del Arte; es decir, que visibilice el legado artístico que tuvo y tiene la ambición de transformar el mundo. Kay es un referente importante para dicha labor. Palabras clave: Ronald Kay, deconstrucción, constructivismo, crítica de arte. Abstract This article analyzes the importance of Ronald Kay in Chilean contemporary art criticism , and more particularly, the importance of his major critical work: Del espacio de acá, señales para una mirada americana [About This Space, Signs for an American Gaze] (1980). Such relevance emanates from two simultaneous proposals in his critical work: 1) the possibility of doing deconstructive criticism of American Imaginaries in Chile, and 2) the continuity his critical work offers to constructivist projects before the Chilean Coup D' état (1973). The main goal of this article is to unveil the need to return to an art criticism that gives continuity to the constructivist legacy in Art History; that is, an art criticism that identifies art works with the ambition to transform reality. Ronald Kay is a major reference for such endeavor.

From the starting point of a 1975 artwork made by Norwegian artist Kjartan Slettemark in Sweden to stop a tennis match in resistance to the Chilean military dictatorship, this article reframes the linear image of networks of solidarity and resistance through the gaps and connectivity of a mesh. It expands the figure of the mesh taken from critical materialism into the affective realm of art, historiography, and art institutions by exploring the cases of the museums Museo de la Solidaridad (1971-1974) and Museo Internacional de la Resistencia "Salvador Allende" (1975-1990). As this article delves into various knots and lacunas of the meshes of solidarity and resistance partaking in these museums, and analyzing the relations they wove, it also aims to reflect on the capacity of resilience of arpilleras, as well as on the generative possibilities of the incomplete labor of art history and its ethical and political responsibilities.

Notes on listening to images, based on Cecilia Vicuña's khipus. Text for "Folded Life. Talking Textile Politics." An online research and exhibition project, curated by Grant Watson. Johann Jacobs Museum, Zürich, Switzerland. May 2021.
https://foldedlife.johannjacobs.com/cecilia-vicuna/contextual-material/macchiavello-text/