Pintura Abstracta

, nació en Coyoacán el seis de julio del cero siete (1907) y fue una pintora y poetisa mexicana. Frida creció en la famosa Casa Azul en Coyoacán, junto a su papá Guillermo Kahlo. Alemán, nacionalizado mexicano y su mamá Matilde Calderón. Frida tuvo tres hermanas, Matilde Adriana y Cristina; menor que ella once meses y un hermano Guillermo que murió a los pocos días de nacer. Además, Frida tenía tres hermanas mayores por parte de padre, Luisa, Margarita y María muerta al poco de nacer también. La infancia de Frida está marcada por las diversas enfermedades que padeció, dejándole secuelas permanentes; una pierna más delgada y nueve meses en la cama. Su padre como forma de animarla y para que le sirviera de rehabilitación, la animó a practicar diversos deportes, como el fútbol o el boxeo. A diferencia de la buena relación que mantenía con su padre, la relación de Frida con su madre está marcada por altibajos, no siendo ésta una constante en su vida. En mil novecientos veintidós (1922), ingresó en la Escuela Nacional Preparatoria de ciudad de México, donde quería estudiar medicina. Será aquí donde conocerá a futuros intelectuales y artistas mexicanos, como Salvador Novo y el que sería su novio; Alejandro Gómez Arias, entre otros. Frida ingresaría en el grupo de Los Cachuchas, llamados así por las gorras que usaban. Se autodefinían como un grupo político crítico de la autoridad y de las injusticias. Frida comenzó a trabajar como aprendiz en el taller de grabado e imprenta de Fernando Fernández Domínguez, un amigo de su padre que le enseñaba a dibujar copiando a Anders Zorn y el diecisiete de septiembre de mil novecientos veinticinco (1925), Frida sufrió un grave accidente de tráfico. El autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía. Padeció severas lesiones, entre ellas la múltiple fractura de la columna vertebral y la pelvis. Según ella fue una de las formas más violentas de perder la virginidad. Se tuvo que someter a diferentes métodos de recuperación que la marcarían para siempre, como corsés de yeso o mecanismos de estiramiento. Durante su larga convalecencia comenzó a pintar de manera constante y así es como la pintura cobra un lugar central en su vida. manuelverdugo.com

alfa xxvi-xxvii » comunicaciones abstracción, sensibilidad y vida. La lectura henryana de Kandinsky agustín Palomar Torralbo [email protected] 2 Resumen Este trabajo presenta la lectura que hace Michel Henry de la pintura abstracta de Kandinsky como una de las manifestaciones más importantes de la subjetividad humana, entendida ésta como sensibilidad. De esta manera, la pintura más abstracta de Kandinsky alcanzaría su comprensión más acertada en una fenomenología radical de la vida.

Resumen: El presente texto analiza la tendencia pictórica abstraccionista que surge en la ciudad de Tunja a partir de los años 80 del siglo XX; tendencia que a pesar de estar vigente, se enmarcará hasta finalizar los años 90, al considerarse esas dos décadas fundamentales para el desarrollo de la plástica contemporánea boyacense. Para realizar este recorrido, se revisaron los antecedentes del arte abstracto en Europa, Estados Unidos y Latinoamérica, haciendo énfasis en Colombia y Boyacá. La exploración parte de la ausencia y necesidad de construir estudios en el campo del arte contemporáneo en el Departamento.

En el marco de un replanteamiento general de las vanguardias y de una voluntad de reescritura de su historia, en la actualidad se ha empezado a revisar el estatuto del diseño -especialmente del diseño gráfico-en el surgimiento y el desarrollo de aquella revolución artística de principios del siglo XX. Desde la historia del arte y desde la estética, y a pesar de los prejuicios del modelo axiológico dominante, se comienza a percibir que las categorías de diseño y de lo gráfico juegan un papel fundamental en algunos aspectos de las vanguardias, especialmente en aquellos que tienen que ver con la idea de abstracción. Hace algunos años, a principios de los noventa, las historias del arte empezaron a considerar los objetos del diseño gráfico e industrial como parte de sus compilaciones visuales, aunque lo hicieran casi siempre como apéndice o margen del gran texto de la vanguardia. Estas ediciones mostraban, no obstante, las obras de diseño de los artistas de vanguardia no solo por su valor documental, concediendo mayor importancia a la faceta gráfica de los artistas visuales, desde Malevich a Vasarely o Maciunas. Aún así, esta reconsideración seguía atribuyendo un valor diferente a las obras pictóricas y a los carteles impresos, debido a la sublimidad que se seguía concediendo a la pintura -y posteriormente a su relevo en el arte conceptual-y que se negaba al diseño.

El objetivo general de este ensayo es discutir en imágenes y textos selectos algunas ideas que se propusieron en el Perú a mediados del siglo XX sobre el papel de lo andino en la nación moderna. El objetivo particular es estudiar representaciones visuales de Luis Montero, Felipe Guamán Poma de Ayala y Fernando de Szyszlo, centradas en el fin del incanato, y textos de Ricardo Palma, José María Arguedas, José Lezama Lima, entre otros, que postulan ideas acerca de la historia como continuidad no lineal, narrativas culturales alternativas a la histórica, e incluyen la figura mítica y continental del heroico caminante andino, protagonista de una gesta que amalgama los relatos de Inkarrí y la biografía del Che Guevara.

La obra de Víctor Ceprián es, de entre la de los autores contemporáneos, una de las que más poderosamente me han seducido en las últimas décadas. Su creación tiene gran valor plástico y gran fuerza expresiva. Muestra una trayectoria coherente y un lenguaje visual que impone su propia cosmovisión.

Pero lo puro, en una especie sencilla de sensación, significa que la uniformidad de la misma no es estropeada ni interrumpida por ninguna sensación extraña, y pertenece solo a la forma. Entonces puede hacerse abstracción de la cualidad de aquella [especie] de sensación (de si representa un color y cuál, de si representa un sonido y cuál). De aquí que todos los colores sencillos, en cuanto son puros, son tenidos por bellos; pero los mezclados no tienen esa ventaja, justamente porque, al no ser sencillos, carécese de medida para juzgar si se les debe o no llamar puros.

En el presente artículo se estudia una nueva serie del artista extremeño afincado en Sevilla, Joaquín González “Quino”. Varias han sido las muestras en las que ha participado, y no menos los premios que atesora, que lo certifican como uno de los artistas más prolijos y de mayor éxito del panorama sevillano actual. Su inquietud y trabajo infatigable, los pone al servicio de la investigación conceptual y plástica, que plasma en el lienzo dando lugar la mayoría de las veces a magníficas series que abordan temáticas, conceptos y estilos de lo más variopinto. En este contexto se sitúa Sociedad líquida, una nueva serie en la que se encuentra trabajando desde hace unos meses, y que centra la atención de estas páginas, en las que se presenta una primera aproximación.