Poetology

Warum erzählt Hugo von Hofmannsthal um 1900 Geschichten noch einmal, die die Welt seit über 2500 Jahren kennt? Diese Frage führt ins Herz dieser Untersuchung, die einen neuen Zugriff auf Hofmannsthals Poetologie anhand seiner irritierend archaischen und ästhetisch so beweglichen Mythosvariationen der Jahrhundertwende vorschlägt. Die hier in den Blick genommenen Dramen suchen in einem ersten Schritt den Dialog mit ihren stets hochkarätigen Intertexten (Sophokles, Euripides, Aischylos, Nietzsche, Bachofen, Freud). Darüber hinaus aber generieren Hofmannsthals Stücke in der Friktion von theatralem und skripturalem Raum, Ritualität und Intertextualität zunächst den Aufbau (Figuration), fi nal jedoch den notwendigen Zerfall (Defi guration) der entworfenen Form (s)einer Mythosvariation. Das im Titel aufgenommene Zerstörende Zitieren beschreibt darum zum einen Hofmannsthals ebenso philologische wie poetische Technik im Umgang mit antiken Quellen, kulturphilosophischen Vordenkern und wissenschaftlichen Diskursen. Zum anderen zielt der Begriff auf die spezifi sche Darstellungsbewegung: In seinen Dramen führt Hofmanns-thal anhand des Scheiterns bestimmter repräsentationaler Formen den Einbruch von Präsenz in den Raum der Repräsentation vor. Die Abfolge von textgenerierender Figuration (Repräsentation) und einbrechender Defi guration (Numinoses, Präsenz) evoziert ein iteratives und darin genuin mythisches Erzählen. ANTONIA EDER, Studium der Neueren deutschen Literatur, Philosophie, Politologie und Psychologie an der Sorbonne IV, Paris und FU Berlin, Promotion 2010 mit vorliegender Arbeit an der Universität Tübingen.

Lässt sich die politische Problemlage unserer Zeit literarisch erfassen? Was ist die Rolle von Literatur im globalen Kapitalismus? Lässt sich ein dauerhafter Arbeitszusammenhang von Autorinnen und Autoren organisieren? Diesen Fragen widmete sich im April 2015 eine Schriftstellertagung unter dem Titel „Richtige Literatur im Falschen?“, die im Literaturforum im Brecht-Haus stattfand. In Zentrum stand die Frage nach dem Verhältnis zwischen Literatur, Engagement und kapitalistischer Gesellschaft. Der Band „Richtige Literatur im Falschen?“ zeichnet die Tagung dokumentarisch nach und präsentiert darüber hinaus aktuelle Statements der Beteiligten. Mit Beiträgen von Ann Cotten, Annett Gröschner, Joachim Helfer, Jan Loheit, Thomas Meinecke, Norbert Niemann, Helmut Peitsch, Monika Rinck, Kathrin Röggla, David Salomon, Stefan Schmitzer, Erasmus Schöfer, Ingo Schulze, Ingar Solty, Enno Stahl, Thomas Wagner, Michael Wildenhain und Raul Zelik.

Der Artikel stellt eine Unterrichtsreihe zum Ariadne-Mythos bei Ovid für den Lateinunterricht in der gymnasialen Oberstufe vor. Beigefügt sind ein Tafelbild sowie Kopiervorlagen mit den für den Unterricht aufbereiteten Textstellen, Abbildungen, einer Karte und eine Übersicht über den notwendigen Aufbauwortschatz.

Pour moi je me résume tout cet enchantement de la mer en me disant qu'elle ne cesse de montrer le possible à mes yeux.« 1 (Valéry, Regards sur la mer) »La mer, la mer, toujours recommencée« 2 (Valéry, Le Cimetière marin 3 ) Unzählige Schriftsteller und Dichter lassen sich durch das Meer inspirieren. Das Meer findet sich in verschiedensten Textgattungen thematisiert, verbunden mit facettenreichen rhetorischem Stilmitteln, doch Polyvalenz und Polysemantik des Meeres werden in ihrem Potential selten so stark ausgeschöpft, dass nahezu alle denkbaren Formen, in der das Meer zur Sprache kommen kann, in einem Werk versammelt sind. Ein auffälliges und beeindruckendes Beispiel für diese Vielfältigkeit der Verwendung des Meeres findet sich im OEuvre Paul Valérys, das Prosa, Gedichte, Essays, Notizen und Erinnerungen umfasst, in denen das Meer erscheint. 4 Eine besondere Stellung nimmt dabei ein berühmtes Langgedicht ein: Le Cimetière marin. Dieses Gedicht, dem sich bereits viele Literaturwissenschaftler gewidmet haben, vereint zahlreiche Stilmittel, um das Meer zu besingen oder um durch das Meer das Gedicht singen zu lassen, doch finden sich ebenso Andeutungen einer Theorie des Gedächtnisses, die Valéry nie ganz entwickelt hat, die ihn jedoch zeitlebens beschäftigte. Es soll der Versuch gemacht werden, diese Andeutungen nachzuvollziehen und aus den Fragmenten Valérys Vorstellungen zu erschließen. Le Cimetière marin wurde erstmals 1920 in der Nouvelle Revue Française 5 veröffentlicht; zunächst noch in einer anderen Strophen-Anordnung als später. Eine endgültige Gestalt erhielt das Langgedicht mit der Publikation in dem Gedichtband Charmes 6 von 1922.

Hasło „nastrój” stanowi próbę zdefiniowania tej kategorii na grun- cie poetologicznym. Choć sam termin pojawiał się często w dys- kusjach o literaturze już w epoce romantyzmu i symbolizmu, jego znaczenie odczytywano raczej intuicyjnie i arbitralnie i stanowił on bardziej środek estetycznego wartościowania dzieł literackich niż ściśle określone pojęcie z zakresu literaturoznawstwa. Postulo- wane przez H. U. Gumbrechta nowe spojrzenie na nastrój i zapro- szenie do rozważania go w kategoriach teorii literatury i kultury oraz poetyki wymaga jasnego określenia jego pozycji w repertuarze pojęć poetologicznych i podjęcia próby zdefiniowania naukowych funkcji, które ta tradycyjna, ale odczytywana przez Gumbrechta w zupełnie nowy sposób, kategoria mogłaby realizować.

This essay demonstrates that the creation of a poetic language of love in the "West-östlicher Divan" is deeply rooted in a specific tradition within Western intellectual history that Goethe had actively engaged with in his early work, and that was vehemently discussed during his lifetime: namely, the translation, adaptation, and interpretation of the biblical Song of Songs (Hohes Lied). More specifically, I claim that the Song provides the model for the poetology of love that Goethe develops in the ‘Buch Suleika’.

1 Desidero qui ringraziare i professori Fabrizio Desideri e Remo Bodei per l'attenzione che hanno dedicato al mio lavoro, il professor Roberto Diodato per il suo affetto, anche da lontano, il professor Guido Boffi perché, senza di lui, non sarebbe mai cominciata.

What does it mean to define a poem as “living” or “alive”? How, if at all, is it possible to capture life, the living element, in a poem? Is it not true that poetry, qua talis, is a “living language”, different from the “dead” speculations of the intellect? Or is there maybe a kind of poetry that is “more alive” than others, in that it is able in itself and through its effects to represent life? At the turn into the Nineteenth century (1798-1800), Friedrich Hölderlin explored such issues, which were crucial to his own personal intellectual and poetic development. My volume examines Hölderlin's passionate search during the years 1798-1800, through an analysis of its forms, articulations, and outcomes in his works.
Hölderlin devotes to his search of the Lebendiges in der Poësie, the living element in poetry, some of his most important works, such as the project of the literary journal Iduna, the tragedy Der Tod des Empedokles and his various and complex poetological writings, including the fragment Über die Verfahrungsweise des poetischen Geistes, which is possibly one of the masterpieces of poetology of the last two century.
He shares this interest in the concept of life and its manifold implications with many other contemporaneous thinkers. Together with Hegel, Schelling, Fichte, Schiller and Sinclair, they form a tight Konstellation, where Hölderlin's role is that of experimenter and propelling force. The Introduction of my book (pp. 7-24) is devoted to the analysis of this Konstellation of thinkers and poets who attempt, between the end of the Eighteenth century and the beginning of the Nineteenth, to understand theoretically, to reproduce in poetry and to communicate effectively in their works and writings the concept of “life”. 
The first chapter of the book (pp. 25-62) is devoted to the analysis of the project of the literary journal Iduna. Following the example of the successful journal “Die Horen”, edited by Friedrich Schiller in 1795-1797, Hölderlin invites in 1799 leading personalities of his epoch (philosophers, poets, thinkers, such as Friedrich and August Schlegel, Schelling, Schiller, Goethe) to contribute to his projected journal. As he writes in one of the Werbebriefe for Iduna, the journal was expected to be able to “put in circulation as effectively as possible the living soul of the humanity”, to put people in contact and strengthen social bonds. Although only few critical studies have examined in detail Hölderlin's project of Iduna, my book shows how important this project is in order to understand correctly the socio-political and “humanistic” aims that animate Hölderlin's poetic works. Among the short essays (written personally by Hölderlin) to be published in Iduna, there is an important text, entitled Über den Gesichtspunkt aus dem wir das Altertum anzusehen. In this text Hölderlin describes his theory of the origin and functioning of the arts: each work of art, in the past and today, originates from a single, “living” source, named Grund, which is in itself unattainable; from this Grund arise and to this Grund return all the Bildungtriebe and Kunsttriebe, that is the multiplicity of formative and artistic impulses that lead the artists in the productive process of their works. As Hölderlin writes in the essay, the necessary condition for the creation of a “living” work of art (a living poem; for instance: eine lebendige Dichtung) is that the artist follows his own pure formative impulse, avoiding any kind of imitation of ancient (already “formed”, therefore “dead”, “positive”) works of art. The principle of imitation of the Ancients is one of the highly debated topics at the end of Eighteenth century. Unfortunately (for a series of reasons that I describe in detail in the book) Iduna turned out to be a failure.
The second chapter of my book is devoted to the analysis of the three different versions of the dramatic pièce Der Tod des Empedokles, a project that absorbed Hölderlin for more than three years and was definitely abandoned in 1800. The three versions are incomplete; after writing the third one, Hölderlin attempted explicitly to give philosophical substance to his dramatic poem, writing a complex and highly theoretical text, entitled Grund zum Empedokles. In november 1798, while he was working on the second version of the drama, he wrote to his close friend Friedrich Neuffer: “Das Lebendige in der Poësie ist jezt dasjenige, was am meisten meine Gedanken und Sinne beschäfftiget. Ich fühle so tief, wie weit ich noch davon bin, es zu treffen, und dennoch ringt meine ganze Seele danach und es ergreift mich oft, daß ich weinen muß, wie ein Kind, wenn ich um und um fühle, wie meinen Darstellungen an einem und dem andern fehlt [...]” (Friedrich Hölderlin to Friedrich Neuffer, 12.11.1798). The question of the poetic representation (and representability) of the “living element” (das Lebendige) absorbs Hölderlin completely. Between 1798 and 1800 he was persuaded that the best form of representation for the living element was the tragedy. After three unsuccessful attempts to complete Der Tod des Empedokles, Hölderlin abandoned his dramatic project at the beginning of 1800.
The third chapter of my book is devoted to the analysis of a fragmentary text, named Wenn der Dichter einmal des Geistes mächtig ist... (also known as Über die Verfahrungsweise des poetischen Geistes), that Hölderlin begun to compose immediately after abandoning the project of Der Tod des Empedokles, in 1800. As I show in detail in the book, the central problem that this fragment attempts to focus is, again, the poetic representation/representability of the “living element”. After the failure of Iduna and Der Tod des Empedokles, the fragment Wenn der Dichter einmal des Geistes mächtig ist... constitutes Hölderlin's renewed theoretical attempt to describe the difficulties involved in the poetic representation of the “living element”. It is a kind of phenomenology of the creative process, a description of the decisive steps that a poet has to complete in order to compose his poem. The main result of the vertiginous theoretical analysis developed in the fragment are the so-called “laws of the alternation of the poetic tones” (Wechsel der Töne), that, according to Hölderlin, were expected to allow definitely the representation of the “living element” in the poem. In other words, these laws were expected to make it possible to “capture” life, the living element, in the poem. As we know from Hölderlin's poetic works, the application of the theoretical laws of the “alternation of the tones” to the poems turned out to be, again, a failure.
My general claim in this book is that the specificity of Hölderlin's poetics and poetology is that his search for the Lebendiges in der Poësie ultimately acquires ambiguous tonalities. His increasingly bold experimentation with new and peculiar poetic forms and theoretical attempts to capture life is accompanied by an increasing corrosion of those same expressive forms. In his last poems, dedicated to the changing of seasons, the rugged elementariness of the bare poetic mono-tone weaves together life and death (pp. 162-164).

This article explores the influence of Orthodox theology on Rainer Maria Rilke’s poetry and poetics. It traces the pathways of his experience of Russian Orthodox spirituality as essential to his understanding and reception of these motifs. His introduction to Russian culture, his travels and his exchange with leading artists of Russian movements of art, as well as his studies of Russian literature and religious philosophy are considered for this process. The basis for this reception in Rilke’s Spiristic and Spiritualistic convictions, and in his interest for Paganism are considered as well. Rilke’s fundamental epistemological critique of  rising Materialism, which he shared with other members of the Symbolist movement, and of the secularisation of Western European culture, with its ‘death of God’ experience, are considered with a view, on how he adopted figures of Orthodox (and Neoplatonic) epistemologies to counter the position of a technocratic Positivist ‘Naturalism’, of whose limitations and essential negativity he remained deeply convinced.
Rilke’s reception of these experiences, perceptions and forms of thought, are reflected with regard to present positions in the academic study of Esotericism and Religion. The focus of this study is to show that Rilke’s experience and reception of core motifs of Christian Orthodoxy provided him with conceptual and poetic means to develop a poetry based on a spiritual perception and conceptualisation of the world. In this regard, his inclusion of the personal experience of secularisation in a ‘post-secular’ episteme and poetology, as emerging in his last poems, is noted as interesting development of the Orthodox motifs in the course of his life. This article is intended to inspire to further studies in this field.
In the time between the submission of this article at the UNESCO institute of Inter-Cultural and Inter-Religious Studies, formally accepted as contribution to a then unfinished dissertation project, and the present, some aspects indicated in the original paper have been worked out in new articles. These and other recent publications relevant to this complex have been included here.

En el presente trabajo se propone el análisis semiótico de un poema a partir de diversos conceptos poetológicos aplicando el método y nociones del trabajo de Antonio Domínguez Rey, no sin antes esbozar el contexto teórico preciso para el análisis. Asimismo, se ilustra el proceso con fragmentos de la obra poética de este autor con el fin de mostrar de qué manera se imbrica con las tesis de su obra poetológica.

//

In this paper it is proposed a semiotic analysis of a poem from various poetological concepts by applying the method and notions from Antonio Domínguez Rey's work, not before outlining the necessary theoretical framework for analysis. Likewise, the process is illustrated with fragments from this author's poetic work in order to show how it overlaps with the theses from his poetological work.

Dieser Aufsatz untersucht die Funktion des Fluchens und Beschimpfens für die Lyrik Heinrich Heines. Es soll gezeigt werden, dass der Fluch nicht bloß religiöse, psychologische oder juristische Dimensionen aufweist, sondern auch poetologisch relevant ist. Dabei möchte ich auf Texte eingehen, die »bewusst verletzend« sind. Das Urteil »bewusst verletzend« stammt von Bundeskanzlerin Angela Merkel. Allerdings äußerte sie es nicht über einen Text Heines, sondern über das Gedicht des TV-Moderators und Komikers Jan Böhmermann, das dieser in seiner Sendung »Neo Magazin Royale« auf dem Sender ZDFneo am 31. März 2016 vorgelesen und inszeniert hatte. Böhmermanns »Schmähkritik« ist bei aller Verschiedenheit der Kontexte im Kern aus ähnlichen Gründen skandalös wie ein politisches Gedicht Heines, das ebenfalls fast ausschließlich aus obszönen Beleidigungen 1 besteht und das ich in diesem Aufsatz diskutieren möchte. Das gegen den preußischen König Friedrich Wilhelm IV. gerichtete Gedicht »Schloßlegende« wird -ähnlich wie Heines Angriff auf August Graf von Platen 2 -noch im 21. Jahrhundert als »Skandalon« 3 und als »ungeheuerlich« 4 wahrgenommen und weist ein beträchtliches Irritationspotenzial auf. Im Folgenden sollen aber weder die politische Skandalwirkung der Literatur noch die juristischen Implikationen und Folgen der verletzenden Rede erörtert werden. Vielmehr möchte ich einen Vorschlag machen, wie mit dem Irritationspotenzial der literarischen Schmährede literaturwissenschaftlich umgegangen werden kann.

This article is intended to be an exegetically useful foundation for a theory of Biblical Hebrew (lyrical) poetry, with the center of gravity in the psalms. I take up the research on poetry of pioneer linguists and literary theorists Bühler-Jakobson and Lotman and its application to Biblical Hebrew poetry by, among others, Alter, Berlin, and Nel. I describe “repetition” (or recurrence) as the basic phenomenon. It subsumes not only parallelismus membrorum but also other forms of poetic and structural equivalence. This characteristic feature of biblical poetry establishes a multidimensional network of intra- and extratextual connections that produces a compaction and polysemy not found in the same density and complexity in other literary genres. Important insights are exemplified by three psalms that I have selected for their appropriateness (Pss 3, 13, and 130). The purpose is to elucidate the theory and make it useful for the exegesis of lyrical biblical texts.

This text on the keyword “mood” offers an attempt to de- fine that category in the context of poetics. Though the term itself frequently appeared in discussions of literature in the eras of Romanticism and Symbolism, its meaning was then understood more intuitively and arbitrarily and it constituted rather a means of aesthetic evaluation of lit- erary works than a strictly defined concept in the field of literary studies. A new approach to the idea of mood pro- posed by Hans Ulrich Gumbrecht and his simultaneous exhortation to examine it within the categories of literary and cultural theory and poetics demands a clear defini- tion of its position among poetics concepts and an effort to define the function in scholarly discourse that could be performed by this category—a traditional one, but read by Gumbrecht in a completely new fashion.

Annette Vonberg ZUM ASPEKT DES FESTLICHEN IN RAINER MARIA RILKES SONETTEN AN ORPHEUS Einleitung Dort erhob sich ein Hügel, worauf sich ebenes Brachfeld breitete..., so setzt die Orpheus-Legende an dem Punkt ein, bis zu dem Rilke sie in seinem in den 1907 herausgegeben Neuen Gedichten veröffentlichten Gedicht Orpheus. Eurydike. Hermes 1 bearbeitet hatte, das Orpheus' gescheiterten Versuch, Eurydike aus der Unterwelt in das Leben zurückzuführen, beschreibt. Dort erhob sich ein Hügel, worauf sich ebenes Brachfeld breitete, schön umgrünt vom fröhlichen Wuchse des Grases. Schatten nur fehlte dem Ort. Als hier sich setzte der hohe Göttersohn und Prophet und Getön entlockte den Saiten, kam der Schatten dem Ort. Nicht fehlte der chaonische Wipfel, nicht Heliadengehölz, nicht hoch belaubte Eichen [...] Solcherlei Waldungen zog der Gesang her; und in des Wildes stummer Versammlung saß, und im Schwarm der Geflügelten, der Sänger. 2 Es war diese Schilderung der Orpheus-Legende aus dem 10. Buch der Metamorphosen Ovids, die Rilke in einer lateinisch-französischen Ausgabe, zusammen mit der Reproduktion einer Federzeichnung des italienischen Renaissance-Malers Cima de Conegliano 3 und der Krankheitsgeschichte der mit 19 Jahren gestorbenen Tänzerin Wera Ouckama Knoop vorlag, als er sich Ende Januar 1922 in der begünstigenden Einsamkeit des Chateaus de Muzot zurückzog, um sich erneut zur Arbeit an den Duineser Elegien zu sammeln, mit denen er seit zehn Jahren gerungen hatte. Verehrte, liebe Freundin, schrieb Rilke wenige Tage später, am 7. Februar, an die Mutter Weras, Gertrud Ouckama Knoop, in einigen unmittelbar ergriffenen Tagen, da ich eigentlich meinte, an anderes heranzugehen, sind mir diese Sonette geschenkt worden. Sie werden beim ersten Einblick verstehen, wieso Sie die erste sein müssen, sie zu besitzen. Denn, so aufgelöst der Bezug auch ist (nur ein einziges Sonett, das vorletzte, XXIVe, ruft in diese ihr gewidmte Erregung 1 Rainer Maria Rilke, Sämtliche Werke (im folgenden als SW referiert), Frankfurt a. M. 1955, Bd. I., S. 542 2 Ovid, Metamorphosen, in der Übertragung von Johann Heinrich Voss, Frankfurt a. M. 1990, S. 243 3 siehe Ingeborg Schnack, Rainer Maria Rilke Leben und Werk im Bild, Frankfurt a. M. 1977, S. 266 Weras eigene Gestalt), er beherrscht und bewegt den Gang des Ganzen und durchdrang immer mehr -wenn auch so heimlich, daß ich ihn nach und nach erst erkannte -diese unaufhaltsame, mich erschütternde Entstehung.... 4 Weniger als drei Wochen später hatte sich nicht nur die Anzahl der Sonette an Orpheus um einen zweiten Teil auf 55 Sonette mehr als verdoppelt und abgeschlossen, sondern auch die Duineser Elegien lagen vollendet vor, und Rilke hatte seinen Brief eines jungen Arbeiters geschrieben, eine kleine Prosaarbeit, die mit ihren deutlichen religions-und gesellschaftskritischen Fragestellungen einzigartig in Rilkes Gesamtwerk dasteht und als prosaisches Komplement der Sonette und der Elegien verstanden werden kann. Während jedoch die Bedeutung der Elegien von Anfang an relativ wenig umstritten war, fiel die Beurteilung und Einordnung der Sonette der Rezeption sehr viel schwerer. Wenn dem zunächst Rilkes eigene Unsicherheit hinsichtlich ihres Stellenwertes Vorschub leistete, wie sie z.B. aus dem Brief an seine Verlegerin Katharina Kippenberg vom 23.2. 1922 hervorgeht, in dem er es ihr anheimstellt, selber eine Anordnung und Auswahl der zur Veröffentlichung kommenden Sonette (wenn Sie wollen, der Hälfte!) 5 vorzunehmen, so setzten sich die Differenzen der Rezeption der Sonette auch nach Klärung der anfänglichen Unsicherheit von Rilkes Seite fort. Diese Differenzen beziehen sich nicht nur auf ihren literarischen Rang, sondern auch auf viel offenkundigere Fragestellungen wie die Behandlung der Sonettform und die Form der Orpheus-Sonette. So wirft z.B. der Literaturhistoriker Walter Mönch Rilke vor, die Sonettform in die Gefahrenzone formaler Auflösung gebracht zu haben und stellt die Orpheus-Sonette als einen Rausch des dakthylischen Rhythmus 6 dar. Die

Der Aufsatz geht der Frage nach der Bedeutung der Dinge für die realistische Lyrik nach. Dinge sind quasi die »Elementarteilchen des Realismus«, die eine Referenz des Textes verbürgen bzw. simulieren sollen. Gerade der Dingbezug aber lässt etwa beim späten
Fontane eine homogene Wirklichkeit in eine Ansammlung kontingenter und unzusammengehöriger Einzelteile zerfallen, während Theodor Storm anhand animistischer Belebungen der Dinge im Zeichen des Todes eine verdrängte Dimension der Dinge und damit der kulturellen Konzeption von Wirklichkeit freilegt. Mit toten Subjekten, deren Körper zu Dingen werden, und Objekten, die belebt werden, streuen Storms Gedichte »Sand ins Getriebe eines binären Denkens mit klarem Entweder-Oder« und stellen die Dingkategorie selbst auf den Prüfstand.

Annette Vonberg Die zwei Hälften im Leben und Werk Friedrich Hölderlins Der Mythologe und Altertumsforscher Karl Kerényi läßt seinen Essay über Vergil und Hölderlin mit einem Zitat des Dichters T.S. Eliot beginnen: Die vorhandenen Denkmäler der Kunst stellen mit-und untereinander eine ideale Ordnung dar, welche dadurch, dass ein neues (ein wirklich neues) Kunstwerk sich ihnen zugesellt, eine gewisse Veränderung erfährt. Die bis dahin gültige Ordnung ist gleichsam abgeschlossen, bevor das neue Werk auftaucht. Damit sie auch nach dessen Erscheinen fortbestehe, muss die ganze bestehende Rangordnung einen, sei es auch noch so unmerklichen Wandel erfahren. Hat man sich einmal diese Idee der Ordnung, der höheren Form europäischer und englischer Literatur, zu eigen gemacht, so wird man in der Behauptung nichts Widersinniges erblicken, dass die Vergangenheit durch die Gegenwart eine genau so grosse Umwandlung erfährt, wie ihrerseits die Gegenwart ihre Richtlinien von der Vergangenheit erfährt.1 Kerényi, dem es in seinem Essay vor allem um die Beziehung zwischen Friedrich Hölderlins Hymne Friedensfeier und Vergils vierter Ekloge geht, spricht von einer Rückstrahlung Hölderlins auf Vergil und unternimmt den Versuch, bewußt in der Kreuzung des Neuen und Alten zu stehen und das Beste vom Kreuzfeuer zu ziehen.2 Damit gibt er einen zweifachen Hinweis in Beziehung auf Hölderlin: Bei Hölderlin laufen nicht nur eine Fülle von Fäden aus der Vergangenheit und der Zukunft zusammen, sondern er gehört auch, anders als etwa Johann Wolfgang Goethe oder Friedrich Schiller, zu den Persönlichkeiten, an deren Leben und Werk sich die Geister auf das Entschiedenste scheiden. Wer sich mit Hölderlin beschäftigt, tritt in ein Kreuzfeuer, und die literarische Landschaft, wie sie sich vom Standpunkt Hölderlins ausmacht, weist Formationen, Weiten und Tiefen auf, zeigt Farben und Lichtgegebungen, die bis in die jüngste Gegenwart formgebend wirken. Die folgenden Überlegungen stellen den Versuch einer Annäherung an den Standpunkt Hölderlins dar. Weil aber eine solche Annäherung immer nur selektiv sein kann, und das um so mehr, als sie auch den jeweiligen eigenen Blickwinkel oder vielleicht besser, die eigene Blickbewegung mit einschließt, möchte ich eine Frage stellen, die sich aus einem Gedicht ergibt, das für mich

Este estudio consiste en un análisis del poema ?ImprólogoE (Árbol adentro) de Octavio Paz, texto que sirvió de prólogo a la primera antología poética del poeta serbio Vasko Popa. Propongo leer ?ImprólogoE, texto hasta ahora no analizado críticamente, primero como práctica poética, que se va escribiendo como re exión sobre la poesía del amigo-poeta de Paz. En segundo lugar, es una indagación en torno al valor de la negación, un ejercicio lírico que se realiza a través de la repetida negación de poder realizarse. Por último, el poema ofrece una re exión poetológica novedosa acerca de la intertextualidad, concebida como diálogo poético ideado. De ese modo, Paz rea rma fen los terrenos nuevos de la negación, combinada con la intertextualidadf la potencia poética de apuntar, a través de las palabras, a un más allá de las palabras.

Responding to new anecdotage on eclogue three, 1 the present account starts with the eclogue's chronotopology including location by old beeches [1.a], taken to imply an economic system of production and exchange [1.b], that animates drama [2], which beyond the dramatic surface implies an agenda in poetics featuring amant alterna [sc. carmina] Camenae [3]:2 agenda realized with respect to contexts in both literature and culture [3.a], but particularly with respect to the rest of the eclogue book, where in recursive revision, alternos [sc.versus] Musae meminisse uolebant,3 and where.beech symbolizes development-from single broad, to dense green tops, to old and carved, to medium for new writing, but then tops broken, lost, yet beech at last implied to feed swine in Arcadia and get inscribed with loves to close the book [3.b]: all calculated in closely counted increments eclogue by eclogue connumerating also the third-{E. i} 5+5+63(+5)+5: {E. ii} 5+63 (+)5: {E. iii} 63<48>: {E. iiii} 63 [4].4

The 12th century Old Slavonic epic: “The Slovo o Polku Igoryeva” (“The Song of Igor’s Campaign” may be interpreted as a deeply pagan text with a thin Christian layer. It reflects the spirituality of the time of religious transition. R. M. Rilke was deeply attracted to it on the background of his interest in Slavophile philosophy, in Russian Symbolism, in Spiritism, Orthodox spiritual culture. In particular he was well familiar with developments in Russian art. Rilke knew Russian and learned Old East Slavonic to translate this epic to German. He found his ideal of a "theurgic" spiritual poetry embodied and encoded in this epic. It formed his further poetological development, even after his focus of interest turned to France and to Western Symbolism in his later work. Rilke's translation and his poems inspired by Russian Orthodoxy and Paganism contributed to the formation of the image of "mystic Russia" in German culture.
This paper analyses in particular the Pagan stratum of the Song of Igor's camapign and Rilke's reception of its spiritual poetology and his reception of it in the context of Symbolism and his own development as a poet.

Diese wissenschaftliche Studie, die leicht überarbeitete Version der in Basel eingereichten Dissertation (Dr. theol.), verfolgt zwei Hauptziele: Methodologisch geht es erstens darum, eine – vor allem in der deutschsprachigen alttestamentlichen Wissenschaft noch wenig beachtete – poetologische Zugangsweise zu erproben, die sich mit Blick auf die Psalmenlyrik nach Ansicht des Autors besonders nahelegt, und auf ein integratives Modell hinzuarbeiten. Dieser Ansatz wird zweitens beispielhaft an Psalm 77 erprobt – ein Psalm, der in der Wissenschaft noch nicht die ihm gebührende Beachtung gefunden hat.

This scientific study, the slightly revised version of the dissertation submitted in Basel (ThD), has two main objectives: Methodologically, the first objective is to test a poetological approach - which has received little attention, especially in German-language Old Testament scholarship - which, in the author's view, would be particularly useful with regard to psalm poetry, and to work towards an integrative model. Secondly, this approach is tested in Psalm 77 - a psalm that has not yet received the attention it deserves in science.
From the table of contents:
- First main part: Approaches
I. Questions of psalm research and objectives of this study
II. Accents of poetry research and objectives of this study
III. Access and procedure
IV. History of Research of Psalm 77
- Second main part: Psalm 77: Text form and message content
I. Text delivery, text entry and structuring
II. Text analysis on colon, verse and stanza level
III. Text analysis on stanza, punch and text level
IV. On the Threshold to the Diachrony: Reflections on the Form, Function and Location of Psalm 77
- Third main part: Psalm 77 and its environment: origin, embedding, effect
I. The Origin of the Psalm
II. Conditions, references and horizons of the Psalm
III. To the historical place of the Psalm
IV. Canon and Reception Historical Considerations on the Context and Posthistory of the Psalm
- Conclusion: Results
- Appendix
- Bibliography
- Register of references

REVIEWS: RefFo 7 (16.2.1996) 15 (E. Kellenberger); ZAW 108 (3/1996) 491 (H. Spieckermann); JETh 10 (1996) 192–194 (H.H. Klement); Bib. 78 (1/1997) 108–111 (D.K. Berry); BZ 43 (2/1999) 297–298 (J. Becker); ThRv 95 (1999) 447–448 (E. Zenger).

The purpose of this paper is to analyze Propertius’ poem 1,2,
where Cynthia is introduced to the readers. Following the hermeneutical guide of those scholars who interpret amor and puella as metaliterary tropes, and abandoning, thus, the traditional biographical reading, I claim that a close reading of this elegy allows us to conclude that the figure of the beloved functions as a metaphor of the ideal poetical product envisaged by Propertius. Shaping what will become
a Leitmotiv in his subjective amatory poetry, Propertius establishes the indivisible association of poetry and love through the identification of Cynthia with his own love poetry.

ZUSAMMENFASSUNG: Die jüngere Psalmen- und Psalterforschung wird in Anlehnung und unter Würdigung von Erich Zenger kurz skizziert und eine in jüngster Zeit artikulierte Kritik an der Berechtigung einer Psalterexegese konstatiert. Weil damit grundsätzliche Anfragen zum Psalter als Komposition verbunden sind, werden in einem Zwischenschritt hermeneutisch-methodische Reflexionen zur sprachlichen Gestalt und Funktion von Poesie und von poetischen Konfigurationen angestellt. Der Grad des Verhältnisses von disjunktiven und konjunktiven Sprachsignalen führt zur Entscheidung, von einer Kompilation oder Komposition zu sprechen. Mit Blick auf die Psalmen ist von einem Doppelgebrauch auszugehen: Die Psalmen sind mit Bedacht eingefügt und arrangiert und in dem Sinn Teil einer Komposition (Buchgebrauch). Zugleich sind sie (weiterhin) als Einzelpsalmen wahrnehmbar und verwendbar (Einzelgebrauch). Der Komposition kommt dabei poetisch wie theologisch der Vorrang zu. Anschliessend werden Ps 25–34 eingehend untersucht. Das Augenmerk liegt namentlich auf dem Aufweis der zentrierenden Anlage dieser Kleinkomposition als konjunktiv wirkendem und Kohärenz mit sich führendem Phänomen. Herausgearbeitet wird die Charakterisierung durch akrostichische und alphabetisierende Muster, die Verklammerung der Eckpsalmen 25|34, die Positionierung des Zentrumpsalms 29 und die Korrespondenzen innerhalb der inneren Ringstrukturen (Ps 28|30; 27|31 und 26|32f.). Eine chiastische Arrangierung in dieser Komplexität ist mit der Annahme lose zusammengestellter Psalmen (Anthologie) nicht vereinbar, sondern verweist auf eine intentionale Gestaltung. Zumindest für Ps 25–34 (MT) ist die Anthologie-These als falsifiziert zu betrachten.

ABSTRACT: This article first sketches recent scholarship on the Psalms and Psalter as it has drawn upon the work of Erik Zenger. It then cites a very recent critique of approaches to the Psalter as a coherent composition. In order to respond to this fundamental challenge, the article goes on to offer some hermeneutical-methodological observations concerning the form and function of poetry and poetic configurations. The decision as to whether the Psalter is a compilation or a composition will be determined by the ratio of disjunctive to conjunctive linguistic signals contained in the text. The evidence is that the Psalms have been subjected to a twofold use. On the one hand, they have been intentionally placed in their current arrangement and as such are to be considered parts of a composition (i.e. the Psalter as a book). On the other hand, their original literary independence can still be observed and actualized (i.e. the Psalms as individual units). In this twofold usage, poetic and theological priority is nevertheless to be given to the broader compositional shape. Finally, this article will provide a detailed analysis of Pss 25–34. It will concentrate on this sub-unit’s concentric shape which focuses on the central element, a composition that generates coherence across conjunctive psalms. Evidence will consist in the use of acrostic and alphabetising patterns, the bracketing function of Pss 25 and 34, the central position of Ps 29, and correspondences within the inner ring structures (Pss 28|30, 27|31, and 26|32–33). The chiastic arrangement of this composition poses a serious challenge to the contention that the arrangement is nothing more than a loose connection (i.e. an anthology). Rather, it is the result of intentional shaping. As such, at least as far as Pss 25–34 (MT) are concerned, the anthology thesis must be considered falsified.

Das Riechen stimuliert das Erinnern. Räumliche und zeitliche Differenzen werden überwunden und Absentes vergegenwärtigt. Im Ereignis des Riechens verschwimmen zudem die Grenzen zwischen dem Wahrnehmenden und dem Wahrgenommenen. 1 Diese entdifferenzierenden Funktionen korrelieren auch mit der materiellen Beschaffenheit der Düfte. Als flüchtige Stoffe besitzen sie die Fähigkeit, ihren materiellen Ursprung in besonderer Weise zu evozieren: Sie schaffen eine Präsenz des Körpers, ohne selbst Körper zu sein. 2 Die affektive Wirkung des Riechens und die materielle Eigenart der Düfte waren in ihren Grundzügen bereits in der Antike bekannt. 3 Die mnemonische Potenz der Olfaktion speist sich aber nicht ausschließlich aus psychologischen und stofflichen Gegebenheiten. Erinnerndes Riechen konstituiert sich auch durch kulturelle Praktiken. Eine besondere Relation von Material und Zeit entfalten hierbei seit jeher die Essenzen. Als Extrakte oder Destillate besitzen sie eine stoffliche Verbindung zu ihrem vergänglichen Ursprung und ermöglichen dem flüchtigen Stoff eine Dauerhaftigkeit. Die Produktion dieser Düfte besitzt eine ganz bestimmte, pluritemporale Zeitstruktur: 4 Sie weist im Moment der Herstellung zum einen in die Vergangenheit, da in der Essenz das ‚Wesen' eingefangen wurde, und zum anderen in eine unbestimmte Zukunft, in der das in der Produktion Zerstörte -zumeist Blüten -für eine gewisse Dauer und in einer bestimmten Form wieder gegenwärtig wird. Diese Mnemotechnik wurde bereits früh zu einer Metapher der Literatur mit selbstreflexiver, ja poetologischer Note. 5 Aus einer wissensgeschichtlichen Perspektive stellt sich allerdings die Frage, inwiefern -über die poetologische Metaphorik hinaus -die Phänomenologie des Riechens und die kulturellen Praktiken der Olfaktion die Produktion, Materialität und Rezeption der Literatur mitbedingen und formen. Diese Frage drängt sich mit Nachdruck für die französische Literatur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts auf. Düfte, Gerüche sowie ihre Wahrnehmung sind von Balzacs Comédie humaine bis Émile Zolas L'Argent in einmaliger 1

Cet article propose une relecture d’un passage célèbre de la correspondance de Kleist où ce dernier cherche dans la musique la « formule algébrique » de la littérature. Conçue comme une microlecture (close reading) contextualisée, cette contribution cherche à établir ce qu’on peut vraiment comprendre de ces formulations célèbres et passablement floues, et à définir le cadre de compréhension de ce texte où la littérature cherche en-dehors d’elle-même la « formule » de son fonctionnement.

[Deutsch] "Heinrich von Kleist versucht sich im Tonsatz. Über einen Brief aus dem Jahr 1811"
Dieser Aufsatz schlägt eine erneute Lektüre einer berühmten Passage in Kleists Briefwechsel vor, in der Kleist in der Musik und insbesondere im "Generalbass" die "algebraische Formel" der Literatur sucht. Als kontextualisierte close reading konzipiert, versucht dieser Beitrag herauszulesen, was man aus diesen berühmten und eher vagen Formulierungen wirklich verstehen kann, und den Rahmen für das Verständnis dieses Textes zu definieren, in dem die Literatur außerhalb ihrer selbst nach ihrer "Formel" sucht.

[English] "Heinrich von Kleist studying musical composition. About a letter from 1811"
This paper proposes a close reading of a famous passage in Kleist's correspondence, in which Kleist searches in music for the "algebraic formula" of literature. This contribution seeks to establish what can really be understood from these famous and rather vague formulations, and to define the framework of understanding of this text where literature looks outside of itself for its own "formula".

Il saggio tenta di rivalutare la lirica di Salvatore Quasimodo, al di là della ben nota controversia se esista un primo o un secondo Quasimodo. Dietro il variarsi di motivi, stili e note patetiche c'è una doppia struttura pertinente della sua opera: da una parte si mantiene una grammatica iconologica che fa della sua opera una importante testimonianza della sua poetica discorsiva che, dopo la prima guerra mondiale fino agli anni sessanta, si è eretta critica di un razionalismo tecnicistico, incline a ideologie dittatoriali. D'altra parte c'è una intenzione fondamentale mai messa in dubbio: rifare l'uomo -proprio tramite il trobar clus di un mondo immaginario ma inducendo così a un pensare vivificante.

Die Möglichkeit dieser Übertragung des ursprünglich rhetorischen Begriffs gründet im Wandel kunsttheoretischer Paradigmen im 2. Drittel des 18. Jahrhunderts. Untersucht werden Bedeutung und Funktion des Erhabenen sowie der Stellenwert von Naturdarstellung in der 'empfindsamen' Kunsttheorie, um von hier aus die Gemeinsamkeit beider Bereiche als ihre identische emotive Qualität zu bestimmen.

The transfer of the concept of the sublime from its original rhetorical context to objects of external nature has been made possible by the change of paradigms in the theory of art which occures in the second third of the eightteenth century. This article analysis both meaning and function of the sublime as well as the place allotted to the representations of nature in the 'sentimental' theory of art. This correlation of the sublime and nature reveals their identity in the perception of a common emotive quality.

Der Beitrag von Lena Abraham untersucht, wie in Stifters Erzählung "Die Narrenburg" der Konflikt zwischen verschiedenen bestehenden Bau- bzw. Schreibstilen in einer Rückorientierung auf die 'natürlichen' Urformen des Bauens bzw. Erzählens gelöst wird. Die hier in Szene gesetzte Rückbesinnung auf das Nest und die mündliche Erzähltradition der Sagen, Mythen und Märchen ist jedoch nicht als Absage an die Kultur und eine vollständige Rückkehr zur Natur zu verstehen. Vielmehr bieten diese 'Naturformen' den Ausgangspunkt für eine neue "Art" zu bauen bzw. zu schreiben, die sich programmatisch in der Glashaus-Architektur des Gewächshauses manifestiert und von dieser herleitet. Es entsteht, so Abraham, eine Art 'Gewächshaus-Poetik', die an mündliche Erzählformen anknüpft, diese jedoch wieder in eine schriftlich kultivierte Form überführt.

https://www.rombach-verlag.de/buecher/suchergebnis/rombach/buch/details/lebens-und-liebesarchitekturen.html

[cat] En els seus assaigs L’art du roman, Les testaments trahis i Le rideau, l’escriptor txec Milan Kundera proposa una concepció de la novel·la com a forma de coneixement de l’existència. Aquesta idea es fonamenta, d’una banda, en la seva pràctica com a novel·lista i, de l’altra, en la seva exegesi de l’obra dels seus autors de capçalera: Hermann Broch, Robert Musil i Franz Kafka. A partir de l’anàlisi de les lectures de Kundera es proposa un estudi crític sobre la noció de ‘coneixement específicament novel·lesc’, basada en les nocions d’assaig, pensament, reflexió i meditació. A la vegada, per mitjà de l’anàlisi de les preguntes clau que estructuren la lectura, s’exposa l’hermenèutica de la novel·la inscrita en els assaigs d’aquest autor. Finalment, gràcies a l’estudi de la recepció acadèmica dels seus textos, i de l’herència kunderiana a la revista L’Atelier du roman, es mostren les contribucions de les nocions poetològiques desenvolupades per Kundera als debats de la teoria de la novel·la.

[en] In his essays L’art du roman, Les testaments trahis, and Le rideau, the Czech writer Milan Kundera suggests a conception of the novel as a form of knowledge of existence. This idea is based, on the one hand, on his own experience as a novelist and, on the other hand, on his interpretations of the literary work of his pléiade of authors: Hermann Broch, Robert Musil and Franz Kafka. A critical study of his idea of ‘specifical novelistic knowledge’, based on the notion of essay, meditation, reflection, and though, will be developed through the analysis of Kundera’s readings. Moreover, the analysis of the key questions that structure his readings will show the hermeneutics of the novel built in the authors essays. Finally, the study of the academic reception of his work, and the kunderian heritage of the review L’atelier du roman will show the contributions of Kundera’s essays to the debates of the theory of the novel.

This entry attempts to explain what the mechanisms that govern the experience, familiar to every reader of literary works, of a particular aesthetic frisson elicited by a small passage in a work or even a single sentence. After presenting a handful of very general ways of under- standing the category of aptness, the author moves to consider the subject of the possible shades of meaning it can take on depending on whether we treat it as an immanent trait of a given literary utterance or as a quality that takes form only during the process of the work’s reception.

ABSTRACT This essay demonstrates that the creation of a poetic language of love in the West-östlicher Divan is deeply rooted in a specific tradition within Western intellectual history that Goethe had actively engaged with in his early work, and that was vehemently discussed during his lifetime: namely, the translation, adaptation, and interpretation of the biblical Song of Songs (Hohes Lied). More specifically, I claim that the Song provides the model for the poetic language of love that Goethe develops in the ‘Buch Suleika’, a language which is understandable on at least two levels — on a public level, as orientalist poetry by one of the most eminent poets of his epoch, and on a deeply personal level, as a mutual declaration and confession of love.

Die eigentliche Aufgabe des lyrischen Dichters«, so hat Theodor Storm in einer Besprechung der Lieder der Liebe des heute vergessenen M. Anton Niendorf bemerkt, »besteht aber unserer Ansicht nach darin, eine Seelenstimmung im Gedichte derart festzuhalten, daß sie durch dasselbe bei dem empfänglichen Leser reproduziert wird«. 1 Auch sonst argumentiert Storm auf dieser Linie, wenn es um Lyrik geht: »Erlebnis«, »Stimmung«, »Gefühl«, »Herzblut«, 2 »Innerlichkeit«, 3 »Naturlaut«, »Unmittelbarkeit« 4 -das sind die wohlbekannten Vokabeln, mit denen Storm die »Aufgabe« des »Dichters« absteckt. Er bekennt sich damit dezidiert und ostentativ zum dominanten goethezeitlichen Lyrik-Paradigma, das in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts -und weit über dieses hinaus -ebenso obsolet ist, wie es hartnäckig und geradezu flächendeckend fortdauert. Angesichts des Todes des hochberühmten, von ihm jedoch als Kunstgewerbler und Vielschreiber wenig geschätzten Emanuel Geibel hat Storm betont, nicht dieser, sondern er selbst sei der »letzte Lyriker«, 5 eine Feststellung, in der sich die Emphase, einen bereits verlorenen Standard zu verteidigen, in ein Untergangsszenario einschreibt. Storms Diagnose wird dadurch verkompliziert, dass er als Autor realistischer Novellen bekannter geworden ist denn als Lyriker und als solcher überdies selbst nur sehr bedingt mit seiner eigenen 1 Theodor Storm, Lieder der Liebe von M. Ant. Niendorf, in: Ders., Sämtliche Werke in vier Bänden, hg.

in: A. Gerok-Reiter/ A. Wolkenhauer/ J. Robert/ S. Gropper (Hrsg.), Ästhetische Reflexionsfiguren in der Vormoderne (Germanisch-Romanische Monatsschrift, Beiheft 88) , Heidelberg 2019, 111-131.

Abstract:
The study is dedicated to the poetological figures of reflection in the Roman poet Lucretius’ didactic poem de rerum natura. It concentrates on the term of the elementa, which put letters and particles of matter into relation terminologically, on the image of the new ground that the poet must break with his work, and on the complex ‘honeyed-cup simile,’ whose subject matter is the relationship between form and content, author and reader.
Lucretius is among the first in Rome to give a name to phaenomena of literary theory – on the basis of the Epicurean model of society and well before the Augustan poets. The study aims at the recognition of his characteristic metaphorical use of language as a distinctive step towards the development of literary terminology, and at the identification of his specific methods. The conspicuous accumulation of figures of reflection in certain text passages of Lucretius’ work (‘cumulus formation’) results in a poetological marking as well as the emergence of macro figures. Accordingly, aesthetic figures of reflection are not only conceivable individually, but also as group and structural phenomena and, therefore, should be studied in context. The study shows in a close reading how different figures of reflection interact in the ‘honeyed-cup simile’ and ipso facto invalidate the accusation of great conceptional simplicity in Lucretius’ work that has often been voiced by research. It closes with a tentative suggestion for a new reading of the famous biographical narrative of Lucretius and the love potion, which is introduced as a residuum of a critical engagement with the figure of reflection of the honeyed cup.

Inhalt:
1. Einleitung
2. Ästhetische Reflexionsfiguren in Lukrez' Lehrgedicht:
    Elementa: Welt und Dichtung folgen der gleichen ratio
    Neuland: Der Dichter als einsamer Entdecker
    Der Honigbecher: Eine Gabe ans Publikum
3. Dei sprachliche Form der Reflexionsfiguren
4. Ausblick (die Ambiguität der Gabe)