El ciclo del amor

El género musical no tiene tirón en España. Tiene que tratarse de una obra muy conocida, publicitada y con un reparto estelar (caso de Los Miserables) para que la película pueda estrenarse en condiciones. Y ya sabemos que los españoles no somos fans de los subtítulos… Incluso he llegado a oír que los musicales deberían estrenarse completamente doblados. El caso es que The Last 5 Years se estrenó el pasado mes de febrero en Estados Unidos con muy poquita repercusión, así que lo más probable es que no llegue nunca por aquí o que con un poco de suerte salga directa a DVD… un día de estos.

The Last 5 Years está basada en un musical de Jason Robert Brown representado en el Off-Broadway (la versión alternativa y pequeña del popular distrito teatral) que cuenta de principio a fin la historia de amor de Cathy, aspirante a actriz, y Jamie, novelista en ciernes. La peculiaridad reside en que la película está estructurada en base a números musicales protagonizados alternativamente por ambos protagonistas; mientras que los de él siguen un orden cronológico, los de ella van al revés, desde que termina la relación hasta sus inicios. Parece complicado pero no lo es, porque su historia de amor es sencillita y resulta muy fácil situarse dentro de ella. Así, presenciamos la exaltación y la pasión del amor recién descubierto, la felicidad que se produce cuando se consolida y la frustración al ver que la relación se termina y la persona amada ha pasado a convertirse en una desconocida, de la misma forma que vemos cómo aumentan las inseguridades de ella al tiempo que él gana confianza en sí mismo gracias a su éxito profesional.

Jamie Dorman y Anna Kendrick conforman una pareja con química y con un tremendo talento para el canto, siendo plenamente capaces de mantener la película ellos dos solitos, pues el resto de personajes no son más que figurantes y extras sin frase. El repertorio musical es un tanto irregular: hay canciones que están bastante bien, sobre todo las que interpreta Kendrick y The Next Ten Minutes, que marca el punto de encuentro entre ambas líneas narrativas, pero otras resultan alargadas sin necesidad. Da la impresión de que su director, Richard LaGravenese (el de la insufrible Posdata: Te quiero), ha querido ser excesivamente fiel a la obra teatral, y no le ha echado demasiado imaginación a la hora de trasladarla al cine; no siempre se aprovecha el contraste entre un número musical y el siguiente, y hacia el final de la película nos interesa ver más cosas sobre el final de la relación en vez de  presenciar otra canción de cuando estaban tan cursimente enamorados.

The Last 5 Years no pasará a la historia de las grandes historias de amor del celuloide, ni siquiera de las del cine indie americano, pero es una pieza curiosa y, dentro de lo que cabe, solvente, que invita a la fácil identificación con su pareja protagonista; recomendada especialmente para los fans del género musical y los de Anna Kendrick, quien, por mucho que la queramos, debería de parar de cantar ya si no quiere encasillarse.

6’5/10

A pequeña gran escala

Dir.: Peyton Reed
Int.: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas, Corey Stoll, Michael Peña, Bobby Cannavale, Judy Greer, Martin Donovan
¿De qué va?: Enfundado en un traje que le permite reducir su tamaño, aumentar su fuerza y comunicarse con los insectos, Scott Lang es un ladrón de guante blanco que se convierte en el protegido del Dr. Hank Pym. Junto a la hija de este, Hope Van Dyne, Lang deberá llevar a cabo un robo en el laboratorio del científico Darren Cross.

Reseña: Cuando Edgar Wright abandonó la dirección de Ant-Man muchos nos sentimos decepcionados con Marvel, al demostrar que su apoyo por los directores con identidad propia no era tan importante como sus planes unitarios a largo plazo, y el escepticismo nos invadió al saber que no sólo su guión había sido bastante retocado, sino que su sustituto sería alguien tan convencional como Peyton Reed. Daba la impresión de que Marvel ya no sabía qué hacer con la película y que incluso la habían dejado un poco de lado al concentrar sus esfuerzos en promocionar Vengadores: La era de Ultrón. Y tal vez sea esa falta de ambición la que ha provocado que Ant-Man resulte una película tan refrescante y disfrutable.

Siguiendo la estela de flirteos con distintos géneros de las últimas películas de Marvel, Ant-Man es una película de atracos con superpoderes de por medio, los cuales son traspasados de un veterano y distinguido mentor a un pupilo díscolo pero habilidoso, con la hija del primero como gancho del plan y catalizador de ambos. En cierta manera, recuerda al arco argumental de La máscara del Zorro, y es fiel a su espíritu de aunar acción con comedia, teniendo unos gags mucho más afinados y mejor implementados que los vistos en Vegadores: La era de Ultrón. No gestiona mal los lugares comunes por los que transita (relaciones paternofiliales, el entrenamiento del héroe, los planes del malo…), pero su mayor baza reside cuando el héroe se vuelve diminuto y nos descubre un mundo inaudito, inmenso, en contraste con los espacios reducidos en los que se desarrollan los acontecimientos en tamaño real. El clímax llega con una batalla final en las Antípodas de la aparatosidad habitual, y que saca provecho de la diferencia entre la acción vista a través de los ojos humanos y de los de un insecto, ofreciendo momentos delirantes y abogando por el ‘menos es más’.

A pesar de los abdominales que ha sacado Paul Rudd para la ocasión, su papel no dista demasiado de los que suele encarnar, el de un tipo simpático, campechano e incluso entrañable, un Robin Hood moderno que quiere reformarse para poder estar cerca de su hija y ser la figura paterna que ésta necesita (una relación menos cursi de lo que puede parecer). Rudd y su co-protagonista femenina, una Evangeline Lilly con mucho carácter, son dos grandes fichajes para la factoría Marvel a los que deberían darles crédito en el futuro. En cuanto a Michael Douglas, se muestra tremendamente carismático y cómodo, y Corey Stoll cumple como villano pero tampoco resulta especialmente memorable; el que sí sorprende, y para bien, es Michael Peña, en un personaje que cumple una función puramente cómica, y aun teniendo todas las papeletas para ser cansino funciona, y muy bien.

Ant-Man es, contra todo pronóstico, un soplo de aire fresco dentro del género de superhéroes por su ausencia de ínfulas trascendentales, por tomarse en serio a sí misma en su justa medida y porque es capaz incluso de que sintamos cariño por las hormigas digitales. A pesar de que el espíritu de Edgar Wright se hace patente en muchos diálogos y situaciones, lo cierto es que Peyton Reed carece de su nervio y estilo visual, así que el mayor hándicap de la película reside en la sombra de la duda de lo que podría haber sido y no fue. No obstante, el resultado no es un descalabro ni mucho menos, y funciona como buen punto y aparte a la Fase 2 de Marvel, consiguiendo que crucemos los dedos para que esta hormiguita obrera tenga el hueco que le corresponde en la Fase 3.

7’5/10

El poder es poder

Creador: Beau Willimon
Int.: Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Kate Mara, Mahershala Ali, Molly Parker, Derek Cecil, Rachel Brosnahan, Corey Stoll
Emisión: 2013 – Actualidad, Netflix
3 temporadas

Hace dos años que Netflix revolucionó el panorama televisivo mundial, pasando de ser una plataforma de visionado online a productora de contenido propio. También causó revuelo su estrategia de mercado, dejando a disposición del usuario la temporada completa, conocedores de que ahora es más tendencia el binge-watching (esto es, pegarse una atracón de capítulos, uno detrás de otro) que el tradicional visionado televisivo de un episodio por semana. Y todo ello empezó con una serie cuyo éxito ocasionaría la producción de nuevas series bajo el sello de Netflix y las envidias de la competencia, como Amazon, que también acabaría sumándose al carro. Esa serie es House of Cards.

Remake de una miniserie británica del año 1990 que a su vez se basaba en una novela de Michael Dobbs, House of Cards gira en torno a Frank Underwood, un congresista del partido demócrata que utiliza todas las armas a su alcance para acabar con sus rivales políticos y conseguir así alcanzar posiciones de poder más acordes a su desmedida ambición. Su primer objetivo es ocupar la Secretaría del Estado, pero él quiere más, mucho más. El juego de mentiras, traiciones, manipulaciones y artimañas que realiza Underwood con la ayuda de su jefe de personal, Doug Stamper, y con la complicidad de su esposa, Claire, no dista demasiado de las que ocurrían en las esferas de poder de la Roma Antigua o de la Edad Media. La principal diferencia es que aquí las puñaladas por la espalda se realizan vistiendo un impoluto traje, y que la sangre rara vez salpica. El sueño americano jamás había sido tan atrozmente aplicado ni había lucido tan bien.

El sistema político americano es tan complejo y diferente al nuestro que es fácil perderse cuando Underwood pone en marcha algunas de sus maquinaciones. El método de lanzar cada temporada de forma completa también influye en la concepción de los episodios, ya que están diseñados en buena parte para verse del tirón, y no siempre empiezan recordándote lo que ha pasado previamente ni terminan con un final propiamente dicho. Pero a pesar de la confusión que puede despertar su enrevesada trama, resulta más complicado aún no dejarse fascinar por una serie que es clase y distinción en estado puro, a pesar de toda la corrupción y maldad humana de la que estamos siendo testigos directos y partícipes, a través de las ocasiones en las que su protagonista habla directamente a cámara, rompiendo la cuarta pared y confesando a los espectadores lo que jamás sería capaz de decir en la vida real; un recurso del que se abusa mucho en los primeros episodios y que es prácticamente abandonado en la tercera temporada.

Tan sorprendente fue que David Fincher se encargara de la dirección de los dos primeros episodios de la serie (manteniéndose ligado a posteriori como productor ejecutivo) como el fichaje de Kevin Spacey ejerciendo de protagonista, teniendo en cuenta sus cada vez más esporádicas apariciones en el cine. El actor resulta tan convincente dando vida a la amoralidad y la vileza personificadas que su encarnación está a la altura de sus personajes más emblemáticos, como el Lester Burnham de American Beauty. Sin embargo, Spacey tiene a su mayor enemigo como co-protagonista: Robin Wright, su esposa en la ficción. Claire Underwood ha pasado de ser una cómplice de su marido que se limita a mirar para otro lado a ejercer una importancia capital en la carrera política del mismo, desvelándose paulatinamente el enigma que envuelve la naturaleza de su matrimonio y sus motivaciones personales. La tercera temporada, que en cierta parte ha cambiado la dinámica de la serie, ha destacado principalmente por incrementar la importancia de Claire en las tramas, lo cual no sólo ha servido para que disfrutemos de una mayor presencia en pantalla de Wright (que también ha dirigido algunos episodios), sino para que la actriz pueda realizar una master class de elegancia y talento interpretativo. Claire ha gozado de una gran evolución convirtiéndose en el foco de atención, y la serie se ha beneficiado mucho de ello.

No obstante, House of Cards cuenta también con un buen puñado de personajes secundarios que refuerzan el enganche a la misma, como Doug (Michael Kelly), la leal mano derecha y ejecutora de Underwood, Jackie Sharp (Molly Parker, incomprensible ausencia en los Emmy este año), una congresista que no se dejará instrumentalizar tan fácil como nuestro querido villano tenía planeado, o Zoe Barnes (Kate Mara), una inexperta periodista que Frank manipula para extender su control en los medios de comunicación. Mejor no cogerle especial cariño a ninguno, puesto que los personajes pueden desaparecer repentinamente de la historia, sobre todo porque Underwood tiene una gran facilidad para deshacerse de ellos cuando dejan de serles útiles o ponen en peligro su estatus.

Aunque el realismo de House of Cards esté cada vez más en entredicho, lo cierto es que en tres temporadas ha construido un universo propio en el que todo puede pasar, y nos lo creemos a pie juntillas de la misma forma que disfrutamos cuando el protagonista se sale con la suya por los pelos y flipamos con sus escenas de sexo, retorcidas y siempre basadas en una dinámica de dominación y sumisión que sintetizan las relaciones de poder entre los personajes. En cualquier caso, el significante sigue siendo el mismo y es verazmente aterrador: el sistema está podrido, eso ya lo sabemos, pero de lo que no tenemos ni idea es de quiénes son los que toman las decisiones que afectan al mundo entero, ni las circunstancias en las que las toman, ni lo que ocurre en sus despachos a puerta cerrada. Estamos jodidos.

La diva y sus demonios

Cuando Amy Winehouse falleció en el 2011, ingresó en el llamado ‘Club de los 27’ de estrellas malditas como James Dean, Jim Morrison o Kurt Cobain, jóvenes que vivieron la vida de forma tan rápida e intensa que se fueron de forma prematura,  privándonos al mundo de un talento que, tal vez, no supimos aprovechar. Tras realizar una alabada radiografía del piloto de Fórmula Ayrton Senna, el cineasta Asif Kapadia centra su atención en la autora de Rehab, con el fin de indagar en las causas  por las que la cantante de jazz de mayor proyección de la última década acabó saboteando tanto su carrera profesional como su vida.

Kapadia ha hecho buen acopio de videos caseros, fotos, cuadernos y declaraciones de los familiares y allegados de la cantante, a los que en vez de ver hablando frente a la cámara tan sólo oímos de fondo mientras vemos un collage de recuerdos y momentos privados, públicos y robados de Winehouse. La historia de la ascensión de un ídolo y de su posterior declive, perpetrado por los mismos que la auparon, la conocemos de sobra por historias precedentes, pero en este caso resulta particularmente íntima en la honestidad implícita en las declaraciones de la propia Winehouse y en la asociación de las brillantes letras que compuso con acontecimientos clave de su vida, como su turbulenta historia de amor con Blake Fielder. Amy no contiene nada especialmente revelador sobre las circunstancias de su caída en desgracia, pero sí que da la impresión de ser un documento veraz y bastante completo sobre su vida personal y su carrera artística. Tal vez se valga demasiado del material de la misma prensa amarilla a la que pone en tela de juicio, pero resulta necesario para dar una visión completa del fenómeno mediático.

Lo que hay detrás del nombre es una chica humilde de un talento inmenso que caminó tan cerca del precipicio, alentada por su padre, su marido, su equipo y la presión mediática, que acabó cayendo en él. Buena parte de su inspiración provenía de su lado personal más inestable y turbulento, y quizás por ello nadie, salvo sus amigos más cercanos, se preocupó especialmente en ayudarla, no fuera a ser que el negocio se terminara; ahí es donde reside la parte más terrorífica de la historia. En definitiva, Amy es un documental hábil y bien facturado capaz de interesar a los neófitos de la música de Winehouse, pero que resulta imprescindible para todos aquellos que se sientan un poco huérfanos desde la desaparición de una figura tan controvertida, apasionante y trágica como las canciones que compuso.

7’5/10

O.C: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)

¿De qué va?: Pepi es violada por su vecino policía, arruinando el negocio que tenía pensado la joven de vender su virginidad. Buscando venganza, Pepi traba amistad con la esposa del policía, Luci, que tiene tendencias masoquistas. La relación que se crea entre Luci y Bom, una rockera diabólica, será una de las muchas vivencias que experimentarán estas tres amigas en la Movida madrileña.

Reputación: Ópera prima de Pedro Almodóvar, para la que escribió un guión inicial en 1976, cuando trabajaba para Telefónica como empleado administrativo, aunque lo reescribió durante el rodaje. Tardó dos años en rodar la película debido a las dificultades que tuvo para reunir todo el presupuesto, 500.000 pesetas que hoy en día equivaldrían a 3.000 euros, y que se consiguieron a través de donaciones realizadas por amigos. El equipo no contaba con permisos para grabar en la vía pública, de ahí que sólo se rodara el número de tomas en exteriores imprescindible para el filme y poder así evitar posibles multas por parte del Ayuntamiento de Madrid. El rodaje de la película está lleno de anécdotas curiosas, como que las plantas de marihuana del piso de Carmen Maura pertenecían al propio Almodóvar, que Alaska la rodó siendo menor de edad, o que se utilizó cerveza y una pera de farmacia para la famosa escena de la lluvia dorada. Aunque la cinta fue recibida con una fría acogida, está considerada como un documento imprescindible de la Movida madrileña y permitió que Almodóvar continuase rodando películas hasta que alcanzó el reconocimiento unánime con ¿Qué he hecho yo para merecer esto! (1984).

Comentario: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón es Almodóvar en su esencia más primigenia, sin adulterar. El terrible sonido, la descuidada fotografía o lo mal que actúa Alaska hacen que parezca una película casera. Sin embargo, se nota que está rodada con más pasión que técnica, y se vislumbran los toques almodovarianos que tras ser pulidos lo catapultarían al éxito años más tarde, como la saturación de colores, el humor que combina sofisticación con bizarrismo español o la exaltación de la figura femenina como heroína tan magnética como desquiciada. El guión es un sinsentido pero se deja querer  gracias a momentos remarcables como el de la lluvia dorada, los anuncios de las bragas Ponte o el de la canción Murciana marrana, y a frases de comicidad absurda impagable como “¡Sí, soy una víctima de la ola de erotismo que nos invade! ¿Y qué?”. La prefiero mil veces antes que a Los amantes pasajeros.

Próximo visionado: La prima Angélica (1973)

La aventura de crecer

Dir.: Pete Docter, Ronaldo Del Carmen
¿De qué va?: Riley es una niña que, como cualquier ser humano, se deja llevar por sus emociones primarias: Alegría, Tristeza, Miedo, Asco e Ira. Ellas habitan en el Cuartel General, el centro de control de su cabeza, desde donde la ayudan a sobrellevar el trance de dejar atrás su vida en Minnesota cuando su padre acepta un nuevo trabajo en San Francisco. Aunque Alegría intenta mantener una actitud positiva, el conflicto de emociones surge al tener que hacer frente a una nueva ciudad, una nueva casa y una nueva escuela.

Reseña: Desde que Pixar empezara su andadura en el cine con el respaldo de Disney, se ha caracterizado por crear historias más sorprendentes que los clásicos de su mecenas, los cuales, a fin de cuentas, están basados la gran mayoría en leyendas, cuentos de tradición oral y en relatos de los hermanos Grimm y de otros autores. En cambio, Pixar siempre ha ido más allá, tal vez bajo ese esquema que circula por la red que plantea que cada una de sus películas se ha creado a partir de la pregunta “¿Qué pasaría si los juguetes/los bichos/los peces/los superhéroes, etcétera, tuvieran sentimientos?”, pero que siempre les ha funcionado de maravilla. Tras una pequeña racha de estrenos menores, ensombrecidos por el buen trabajo que está haciendo Disney por su cuenta, Pixar vuelve para demostrar que sólo necesitaba un poco de tiempo para sacarse de la manga (o más bien del cerebro) otra obra maestra, no ya de la animación, sino de la cinematografía mundial.

Del revés, cuestionable título español de Inside Out (mejor su título francés, Vice Versa), surgió a raíz de que su co-director, Pete Docter, descubriera que su alegre hija de 11 años se estaba convirtiendo en una taciturna adolescente. Tal transformación interior, que no es otra cosa tan global como personal que el crecimiento y la madurez, se ha recreado a través de lo que sucede en una sala de control mental en la que cinco personitas, cada una definida por una emoción primaria, responden ante los estímulos que recibe una niña que está empezando a aprender sobre los vaivenes de la vida. Pixar ha logrado que algo tan complejo como es la ciencia cognitiva parezca sencilla, un gran parque de atracciones en el que los procedimientos mentales se llevan a cabo con un ingenio, una precisión y una llaneza asombrosas.

El pensamiento abstracto, la creación de sueños, el olvido de recuerdos…  La forma en la que visitamos todas estas operaciones mentales resulta tan sorprendente como divertida, a bordo de un carrusel de risas y lágrimas lleno de colorido e imaginación, que carece de baches narrativos y que se mantiene siempre fiel a su idea, a diferencia de otros títulos de la casa como Up o WALL-E que, aun siendo películas notables, se fueron por la tangente respecto a sus premisas argumentales. Incluso es capaz de otorgar de profundidad y aristas a unos personajes compuestos por una única emoción y que cobran vida no sólo gracias a un guión cuidado hasta el más mínimo detalle, sino a un repertorio de voces que, al menos en la versión original, encaja a la perfección; los fans de Parks and Recreation sabrán que no hay nadie mejor para encarnar a Alegría que la mujer que da vida a Leslie Knope, la muy grande Amy Poehler, secundada por un elenco (Mindy Kaling, Bill Hader, Phyllis Smith…) que  también realiza un trabajo sensacional.

Se suele decir que las películas de Pixar contienen mensajes que los niños son incapaces de percibir, que se mantienen distraídos con la gracia de los muñequitos. Sin entrar a debatir, lo que pasa con Del revés es que está destinada a tocar la fibra de los adultos porque les habla directamente de algo por lo que todos hemos pasado: hacerse mayor con la consecuente y dolorosa despedida de la infancia, de los juegos y de la inocencia; de aceptar los cambios y que la tristeza es una parte esencial de la vida para aprender, crecer y mantener vivos ciertos recuerdos difíciles que son vitales para seguir adelante. Los niños no han vivido lo suficiente para percatarse de estas lecciones de vida, pero ya crecerán, volverán a ver la película, y lo comprenderán, y se sentirán igual de embargados por el halo nostálgico que evoca esta película, tan pequeña, grande, simple y compleja como la vida misma.

9/10

El resurgimiento del Hombre sin Miedo

Creador: Drew Goddard, Steven S. Knight
Int.: Charlie Cox, Deborah Ann Woll, Elden Henson, Vincent D’Onofrio, Rosario Dawson, Toby Leonard Moore, Ayelet Zurer, Vondie Curtis-Hall
Emisión: 2015 – Actualidad, Netflix
1 temporada

Tengo una confesión que hacer: a mí me gustó Daredevil. Sí, aquella denostada película protagonizada por Ben Affleck que Fox sacó para aprovechar el boom de los superhéroes recientemente inaugurado por Spiderman. Vista ahora resulta bastante ridícula y caricaturesca, pero en aquella época quedé tan fascinado al descubrir a Elektra (y a Jennifer Garner, aún no había visto Alias), la música de Evanescense (sic) y al justiciero ciego, que empecé a coleccionar los cómics, hasta que me di cuenta de que pagar 3 euros semanales por ellos era demasiado para mi economía de estudiante escolar y los abandoné. La mala acogida tanto de la película (180 millones de dólares a nivel mundial, 100 más de los que costó) y la del spin-off de Elektra provocó que Fox descartara la secuela y se decidiera por un reboot que hubiese dirigido Joe Carnahan (El equipo A) si no fuera porque los derechos sobre el superhéroe expiraron y volvieron a Marvel, ya convertida en una superpoderosa productora cinematográfica.

Con Daredevil de vuelta, la pregunta era qué hueco le correspondería en el entramado de películas de Marvel; la respuesta nos pilló a todos por sorpresa: Daredevil sería la primera de un conjunto de series producidas para Netflix a la que le seguirían Jessica Jones, Luke Cage, Iron Fist y The Defenders, siendo esta última una reunión de los cuatro superhéroes luchando codo con codo, emulando a Los Vengadores de la gran pantalla. Así, Marvel ampliaría un poco más su poder en la pequeña pantalla tras los buenos (pero no sensacionales) resultados que ha obtenido en ABC con la emisión de Agentes de SHIELD y Agent Carter, pero en la plataforma más importante de contenidos audiovisuales domésticos a día de hoy. La siguiente e inevitable pregunta era si Daredevil sería capaz de justificar su existencia y destacar con una identidad propia. La respuesta es un sí rotundo.

La serie, ideada por Drew Goddard (La cabaña en el bosque) pero desarrollada por Steven S. DeKnight (Spartacus: Sangre y arena) después de que el primero se fuera a Sony para rodar esa película de Los Seis Siniestros que ha quedado en dique seco tras el nuevo reinicio de Spiderman, se centra en la doble vida de Matt Murdock: abogado novato de día, enmascarado que lucha contra el crimen en Hell’s Kitchen de noche. La historia forma parte del Universo Marvel, de ahí que justifiquen la corrupción y la especulación inmobiliaria por la que está atravesando el barrio al ser una de las zonas más perjudicadas de Nueva York en la lucha de los Vengadores contra los Chitauri. Hay más guiños a los superhéroes de la casa, pero no pasan de ser alusiones esporádicas, porque Daredevil marca su propio camino, uno que bebe directamente de la etapa en la que Frank Miller se encargó del cómic y le dio la entidad y la notoriedad que necesitaba, dejando a un lado los convencionalismos del género de superhéroes para integrarlo en un contexto más próximo al noir criminal.

Y así tal cual es la serie, no tanto una historia de orígenes de un superhéroe como un relato sobre un hombre dispuesto a marcar la diferencia, cueste lo que cueste, en un sistema corrupto hasta la médula cuyos hilos mueve un poderoso hombre en la sombra. El que Daredevil no sea un producto para el cine, y por ende destinado a vender la mayor cantidad de entradas posible a un público de todas las edades, permite que sea una serie adulta en la que se incluyen escenas cuyo grado de violencia no veríamos jamás en una película Marvel, como la decapitación de un personaje a base de portazos de un coche. Por otra parte, la serie da más importancia a las flaquezas de su protagonista que a sus habilidades sobrehumanas; a fin de cuentas, se trata de un tipo vestido de ninja que lucha sólo, sin escudo que lo proteja ni un equipo que le guarde las espaldas y, claro, la somanta de palos que se lleva a lo largo de la temporada es muy dolorosa.

La elección de Charlie Cox para dar vida a Matt Murdock me provocó indiferencia; tan sólo lo conocía de Stardust, donde estaba bastante soso. Sin embargo, la sorpresa ha sido grande, pues el actor tiene el talante requerido y resulta completamente convincente y empático como héroe, y el resto del elenco tampoco se queda corto: Elden Henson hace muy bien su papel de Foggy, el mejor amigo, pero es inevitable que la atención se desvíe a Deborah Ann Wall, fantástica como Karen Page y algo más que una simple secretaria, contando con su propia trama de peso dentro de la serie, y a Vincent D’Onofrio dando vida a un terrorífico Kingpin, al que le dan cancha para mostrar su lado más sensible con la ayuda de la elegantísima Ayelet Zurer, sin caer nunca en la caricatura (nada que ver con lo que hizo en Jurassic World). También es necesario destacar a Rosario Dawson, que mantiene una química brutal con Cox, pero es una lástima que su participación se haya reducido a unos pocos episodios, siendo su desaparición de la trama un tanto incomprensible.

La primera temporada de Daredevil arranca con mucha fuerza, destacando un brutal plano secuencia de acción en la línea del visto en Old Boy, pero casi llegando a la recta final baja un poco  la marcha para volver a coger fuerza en los últimos episodios. La serie ha gustado tanto que a pesar de que no entraba en los planes iniciales ya se está rodando una segunda temporada a la que se unirán personajes tan importantes del cómic como El Castigador (Jon Bernthal) y Elektra (Elodie Yung). Aún hay mucha tela que cortar, como las fuertes convicciones católicas de Murdock, su relación con Karen o las secuelas que dejará en esta última las experiencias vividas, así que esperemos que la segunda temporada no se separe del buen camino iniciado, a pesar de que el protagonista ya sea reconocido como Daredevil y lleve un traje de superhéroe cuyo diseño es sensiblemente mejorable, todo sea dicho.

El silbidito de la conciencia

Jerry es un amable pero un tanto raro trabajador de una fábrica de accesorios de baño de una pequeña localidad americana que sueña con la atención de la chica inglesa que trabaja en contabilidad. Su relación tomará un giro inesperado a raíz de un homicidio involuntario que llevará a Jerry a dejarse aconsejar por su perro y por su gato, ejerciendo el primero de la voz de su buena conciencia y el segundo del lado más oscuro y sádico de la misma. Este es el argumento del guión que Marjane Satrapi (Persépolis, Pollo con ciruelas) rescató de la ‘Black List’ para realizar The Voices, una comedia tan negra que puede tomarse como una tomadura de pelo.

La película se vale del tema de las enfermedades mentales severas  y de la figura del asesino psicópata a lo Norman Bates para crear una comedia cuyas risas son generadas más por incomodidad que por otra cosa, aunque haya escenas tan dramáticas que la gracia no se puede encontrar en ninguna parte. Sus drásticos cambios de tono descolocan pero juegan a favor del tema central de la película, esa dualidad entre una fantasía feliz y optimista  frente a una realidad sucia y deprimente que se revela en los fugaces instantes en los que dejamos de ver el entorno de Jerry desde su punto de vista, o en el divertido y lisérgico número musical que acompaña los créditos finales. ¿Es mejor abrazar la locura y vivir en una feliz ilusión o doparse para formar parte de una realidad que nos es ajena?

Ryan Reynolds se ha convertido en un cenizo para la taquilla pero aquí demuestra lo buen actor que puede llegar a ser. Consigue que hasta lleguemos a sentir simpatía por su personaje, un niño grande de buen fondo pero con una psicopatía que le supera, y no cae en las estridencias que suelen acompañar a esta clase de interpretaciones que se meten de lleno en la locura. También está muy bien acompañado por la sensual Gemma Arterton, el objeto de deseo inalcanzable, y por la siempre encantadora Anna Kendrick, símbolo del cariño y la comprensión que Jerry necesita en su vida. Ambas tan carismáticas como dramáticas cuando las circunstancias lo requieren. Las voces del perro y del gato, los particulares Pepito Grillo del protagonista, merecen una mención especial, perfectamente integradas y muy divertidas. De hecho, los mejores gags corren a cargo de Don Bigotes y sus viles ocurrencias.

The Voices es una mutación entre comedia, terror, thriller y drama psicológico equilibrada en la dosificación de los géneros pero irregular en su ejecución, con repentinos cambios de tono y ritmo. Su bipolaridad no será del gusto de todos y le falta una personalidad más fuerte para convertirse en obra de culto. Sin embargo, todos aquellos interesados en las rarezas nacidas en el propio seno de Hollywood encontrarán en ella una curiosa pieza que invita tanto a la reflexión sobre el tratamiento de las enfermedades mentales como a echarnos unas risas incómodas a costa de las mismas.

7/10

Mis adorables lacayos

Dir.: Kyle Balda, Pierre Coffin
¿De qué va?: Desde el principio de los tiempos, los Minions son unos seres que siempre buscan servir al amo más vil de todos. Tras una serie de vasallajes frustrados, los Minions entran en depresión, así que tres de ellos, Kevin, Stuart y Bob, emprenden un viaje para conseguir una jefe a la que seguir, Scarlet Overkill, la villana más mala y popular del mundo en los años 60.

Reseña: Los Minions se ganaron el derecho a protagonizar su propia película al ser lo mejor de la blandita Gru, mi villano favorito, y lo recalcaron en una secuela en la que sus responsables se dieron cuenta del fenómeno que tenían entre manos al otorgarles más protagonismo y centrar en ellos su estrategia de merchandising. Sin embargo, por muy monos y simpáticos que sean, los Minions no pueden escapar a la prueba de fuego implícita en todo spin off: demostrar que lo que funciona en pequeñas dosis puede ser igual de efectivo a granel. ¿Lo habrán conseguido?

La película arranca de forma inmejorable contándonos los orígenes de los Minions y sus meteduras de pata al servicio de diferentes villanos a lo largo de la Historia,  para luego detenerse a finales de los años 60, cuando los tres Minions que protagonizan la historia se separan del grupo para ir en busca del amo definitivo. La ambientación es otro de sus puntos fuertes, sacando partido del contexto histórico, la estética sesentera y la música de la época para dotar de una identidad colorista y particular al filme. Las identidades del trío protagonista también están muy bien definidas, basadas en arquetipos clásicos (el líder, el hippie y el inocente) y que, sumadas al carácter patoso y cómico que han heredado estos personajes de grandes de la comedia muda como Charlie Chaplin o Buster Keaton (salvando las distancias), dan pie a varios gags muy divertidos y para todos los gustos: físicos, referenciales, escatológicos, elaborados y facilones.

Al entrar en escena Scarlet Overkill  (doblada al español por una muy eficiente Alexandra Jiménez) la película toma derroteros más convencionales, persecución alocada incluida, y aunque mantiene buenos niveles de diversión y simpatía pierde fuelle respecto a su principio, sobre todo en el tramo final, que parece que nunca va a terminar. A Los Minions le ha pasado lo mismo que a Los pingüinos de Madagascar: demuestran que son capaces de liderar una película por sí mismos pero les ha tocado una empresa que no saca partido de todo su potencial. Sus directores ni siquiera se molestan en introducir la clásica moraleja dirigida a los más pequeños porque saben lo que se traen entre manos: una comedia ligera para que un gran público de todas las edades pase un buen rato, al tiempo que aumentan las ventas de los muñequitos, las camisetas y demás. Las tramas ambiciosas mejor dejarlas en manos de Disney y Pixar.

6’5/10

Vida desahuciada

Dir.: Juan Miguel del Castillo
Int.: Natalia de Molina, Mariana Cordero, Jaime López, Mercedes Hoyos, Gaspar Campuzano, Montse Torrent, Natalia Roig, Manuel Tallafé
¿De qué va?: Rocío es una joven madre soltera y sin trabajo que vive con su hijo de 8 años en un piso que no puede pagar desde hace meses. Entre la vergüenza y el temor de perder la tutela, Rocío sufre en soledad una situación que empeora día a día. La denuncia del propietario de la vivienda precipitará la amenaza de la orden de desahucio.

Reseña: Dado el clima social que tenemos en España desde hace años, tarde o temprano tenía que llegar una película que denunciase un drama por el que pasan muchos españoles cada día: la impotencia ante la ausencia de empleo y la inminente amenaza de perder la casa. Menos mal que el debutante Juan Miguel del Castillo ha rodado ya Techo y comida, porque con la entrada en vigor de la Ley Mordaza quizás no se lo hubieran permitido a partir de ahora ¿no? Bueno, mejor no nos pongamos demagogos, que para eso ya está Twitter.

Techo y comida gira en torno a Rocío, una joven sin estudios, madre soltera y de familia en paradero desconocido que es propensa a despertarse en medio de la noche presa del pánico. Pánico de no poder encontrar un trabajo, pánico de que la echen de su casa, pánico de que le quiten a  su hijo. Para cuando llegue el subsidios del gobierno, quizás ya sea demasiado tarde. Ella es, al fin y al cabo, una cría abandonada a su suerte, con escasos recursos para salir adelante, pero que tomará medidas desesperadas por sobrevivir un día más. Rocío es encarnada por una irreconocible Natalia de Molina, en las Antípodas de la luminosidad que desprendía en Vivir es fácil con los ojos cerrados, realizando una interpretación desnuda, frágil y rabiosa de una heroína condenada a la tragedia. La película se mantiene fundamentalmente sobre sus hombros, y es gracias a ella que nos la creamos, a pesar de que su acumulación de infortunios y mala suerte esté a punto de alcanzar los irrisorios niveles de Precious.

El principal y gran inconveniente de Techo y comida, por el que muchos sentirán rechazo hacia ella, es su tendencia al subrayado. Su director y guionista rodea a la protagonista de personajes egoístas, algunos incluso sin rostro, con nula empatía, lo cual resulta una vía rápida para enfatizar el drama. La solidaridad o, cuanto menos, la amabilidad, están convenientemente ausentes en la trama. La excepción es una bondadosa vecina que le echa una mano y su casero, que a pesar de su apariencia de ogro también necesita con urgencia el dinero de la renta. La escena más poderosa y emotiva de la película establece un ingenioso y contrastado paralelismo entre el drama individual respecto a una celebración nacional, pero también es un tanto tendenciosa al catalogar ésta como un simple plan y circo para la ciudadanía. No seré yo quien diga lo contrario, pero todo el mundo necesita un poco de respiro también.

Techo y comida es un potente y pertinente drama social, cuyo espíritu no se distancia demasiado del de aquella joya del neorrealismo italiano llamada Umberto D., y cuya eficacia se canaliza por un lado a través de la portentosa interpretación Natalia De Molina (firme contendiente al premio de mejor actriz en los próximos Goya) y por el otro a través de una historia que resulta tan tremenda que puede resultar forzada. Todos conocemos casos como el que se nos cuenta en la película, ya sea por cercanía o por la televisión (sobre todo la que trafica con el porno-drama), y las lecturas de la película son tan evidentes que no hacía falta, por ejemplo, que concluyese con la misma pregunta que se utiliza para su promoción. La reflexión surge sin necesidad de traerla a empujones.

7/10

O.C: Repulsión (1965)

¿De qué va?: Carol Ledoux es una bella y reprimida joven que vive con su hermana Helen en un apartamento de Londres. Carol experimenta sentimientos contradictorios de atracción y aversión a los hombres, acentuados por la relación que mantiene su hermana con un hombre casado. Cuando la pareja se marcha de vacaciones, Carol empieza a tener alucinaciones paranoides.

Reputación: Primera película de Roman Polanski rodada en inglés, al tiempo que precursora de su conocida como trilogía de apartamentos, continuada con La semilla del diablo (1968) y El quimérico inquilino (1976), las tres ambientadas en edificios de grandes urbes y cuyo terror se va desarrollando dentro de las mentes de sus protagonistas. Polanski indicó en su autobiografía que su co-guionista, Gérard Branch, y él idearon el filme como una manera de financiar la realización de la no tan comercial Callejón sin salida (Cul-de-sac, 1966), que también fue rodada en Reino Unido. Afortunadamente para ellos, la película fue un éxito, ganando el premio extraordinario del jurado y de la crítica del Festival de Berlín. Catherine Denueve tenía 21 años cuando interpretó el papel, siendo también su primera producción rodada en inglés, y tuvo prohibido ver a cualquier hombre a lo largo del rodaje, incluido su marido. Curiosamente, Repulsión es la primera película en la que se oye un orgasmo real de una mujer en ser aprobada por el censor británico.

Comentario: Si tuviera que escoger una de las películas que componen la trilogía de apartamentos de Polanski, me quedaría con Repulsión. Tal vez porque haya sido un referente para Darren Aronofsky a la hora de realizar Cisne negro, uno de mis filmes de cabecera, pero también porque me fascina la forma en la que el director francés ha plasmado el deterioro mental de la protagonista (una turbadora Catherine Deneuve), estableciendo un paralelismo entre su salud mental con el estado del apartamento, plagado de simbología fundamentalmente sexual y fetichista (las grietas en las paredes, la postal de la Torre de Pisa, los brazos que atrapan a la chica en el pasillo, la navaja…) y acompasado de unos efectos de sonido que marcan el ‘in crescendo’ insano de la película, como las campanas del convento de clausura cercano o ese inquietante ti-tac del reloj. Es algo obvia en sus propósitos pero no por ello menos efectiva. Repulsión, como viaje sin retorno hacia la demencia, se siente asfixiante y en primera persona.

Próximo visionado: Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)

Itinerario de estrenos de julio 2015

Después de que Jurassic World revitalizara la taquilla mundial a base de dentelladas (ha sido la película más rápida en alcanzar los mil millones de dólares de recaudación), julio se presenta como un mes rico en estrenos interesantes y variados, una oferta muy completa para que cualquiera pueda encontrar algo con lo que poder refugiarse de los calores veraniegos: animación, superhéroes, drama, comedia, romance… Como muestra de esta diversidad, he aquí la lista de recomendaciones para este mes. ¡No hay excusas para quedarse en casa!

Los Minions: Spin-off de Gru, mi villano favorito centrado en los lacayos de su protagonista, los Minions, que han despertado tanto furor que ya protagonizan su propia película, que cuenta sus orígenes y cómo, en su constante búsqueda del amo más vil al que servir, acabaron trabajando para la tan temida como admirada Scarlet Overkill durante los años 70. Kyle Balda (Lorax. En busca de la trúfula perdida) y Pierre Coffin (Gru 2) dirigen el filme que cuenta con las voces de Sandra Bullock (Cuerpos especiales) y Jon Hamm (Mad Men) en la versión original, mientras que en España tenemos las de Alexandra Jiménez (Requisitos para ser una persona normal) y Quim Gutiérrez (Sexo fácil, películas tristes). Ha tenido críticas mixtas pero lo petará en taquilla igualmente.
Estreno: 3 de julio

Magic Mike XXL: Secuela de la exitosa película de los strippers masculinos dirigida por Steven Soderbergh, que ha cedido la dirección a su habitual responsable de segunda unidad Gregory Jacobs, que pone en imágenes un guión que ha co-escrito Channing Tatum (Foxcatcher), también protagonista del filme. Matt Bomer, Joe Manganiello, Adam Rodríguez y Kevin Nash repiten también en esta secuela en la que, a pesar de haberse retirado, Mike es convencido por sus colegas para hacer un último espectáculo en Myrtle Beach, iniciando así un viaje en el que vivirán experiencias inolvidables. Elizabeth Banks (Los juegos del hambre: Sinsajo – Parte 1), Donald Glover (Community), Amber Heard (3 días para matar), Jada Pinkett Smith (Gotham) y Andie MacDowell (Footloose) son las principales incorporaciones. Las críticas no han sido malas pero tampoco tan buenas como las de la primera.
Estreno: 10 de julio

Love & Mercy: Biopic del músico y compositor Brian Wilson, fundador de los Beach Boys, que alterna dos momentos cruciales de su vida: cuando alcanzó el éxito y la fama con su banda siendo un chaval y cuando sus problemas mentales y nerviosos se agraviaron a los cuarenta y tantos. Bill Pohlad, productor de filmes como 12 años de esclavitud o El árbol de la vida, dirige con Paul Dano (Prisioneros) y John Cusack (Maps to the Stars) encarnando a Wilson en las dos líneas temporales y con Elizabeth Banks y Paul Giamatti (The Amazing Spider-Man 2) dando vida a su esposa y a su terapeuta respectivamente. Ha cosechado críticas muy positivas en Estados Unidos.
Estreno: 10 de julio

Del revés (Inside Out): Tras un año de ausencia, Pixar vuelve a la carga con una historia que nos traslada al interior de la mente de una niña llamada Riley, en la que sus emociones (alegría, tristeza, asco, ira y miedo) la guían en su desarrollo vital. Pero a pesar de que Alegría intenta mantener siempre una actitud positiva, las emociones chocan cuando la familia de Riley se muda y deben decidir cómo afrontar el cambio de ciudad, de hogar y de colegio. Pete Docter (Up) y Ronaldo Del Carmen (La misión especial de Dug) dirigen un filme que cuenta con las cuerdas vocales de Amy Poehler (Parks and Recreation) y que se presentó fuera de concurso en el pasado Festival de Cannes con una gran ovación. No sólo ha cosechado críticas excelentes, sino que debutó en el box-office americano con 91 millones de dólares, marcando el récord de mayor recaudación para una película que no es una secuela ni un remake.
Estreno: 17 de julio

Entourage (El séquito): Salto al cine de la serie televisiva de HBO que estuvo en antena entre los años 2004 y 2011 producida por Mark Wahlberg (y basada en sus propias vivencias). La película se ambienta años después de cuando terminó la serie, mostrándonos cómo le va a la estrella de cine Vincent Chase, a sus colegas y a su representante, que siguen de fiesta en fiesta y en busca de mantenerse en la cumbre de Hollywood. Su creador, Doug Ellin, dirige el filme con el mismo elenco de la serie (Adrian Grenier, Jeremy Piven, Kevin Connolly, Jerry Ferrara y Kevin Dillon), así como con un gran repertorio de caras conocidas encarnando a versiones paródicas de sí mismas. La serie está muy bien pero, a tenor de las críticas, al filme le pasa lo mismo que la adaptación al cine de Sexo en Nueva York, ofreciendo un escaparate de lujo pero flaqueando en su espíritu. Veremos.
Estreno: 17 de julio

Ant-Man: La Fase 2 del universo cinematográfico de Marvel concluye con la película sobre el Hombre Hormiga, que fue un proyecto auspiciado y trabajado por Edgar Wright (Bienvenidos al fin del mundo) durante una década, hasta que se desentendió del mismo cuando Marvel quiso imponerle cambios en el guión para que se ajustara al resto de sus películas, siendo sustituido por Peyton Reed (Di que sí). Paul Rudd (Los amos de la noticia) fue uno de los responsables de retocar el libreto, además de ejercer de protagonista de esta historia sobre un ladrón que a pesar de querer redimirse acaba aceptando la misión de un científico de llevar a cabo un elaborado plan de robo, enfundándose en un traje que le confiere el poder de modificar su tamaño hasta el de un insecto y de poder comunicarse con las hormigas. Completan el reparto Michael Douglas (Así nos va), Evangeline Lilly (El Hobbit: La batalla de los cinco ejércitos), Corey Stoll (Ahí os quedáis), Michael Peña (Corazones de acero), y Bobby Cannavale (Annie). Los primeros comentarios han sido positivos, con mención especial a las escenas que aparecen a mediados y al final de los créditos.
Estreno: 24 de julio

El secreto de Adaline: Melodrama romántico y de corte fantástico que se centra en la figura de una mujer nacida a comienzos del siglo XX que a los 29 años sufre un accidente que le confiere el don de la eterna juventud. Tras años de vida solitaria y de permanecer con la misma edad durante ocho décadas, conocerá a un hombre por el que valdría la pena perder la mortalidad. Lee Toland Krieger (Celeste and Jesse Forever) dirige el filme protagonizado por Blake Lively (Salvajes), cuyo papel estuvo a punto de ser interpretado por Natalie Portman y Katherine Heigl. Michiel Huisman (Juego de tornos), Harrison Ford (Los mercenarios 3) y Ellen Burstyn (Interstellar) la arropan en una película que ha obtenido críticas regulares, pero en absoluto tan malas como cabría esperar. Al menos parece mejor que las adaptaciones de libros de Nicholas Sparks.
Estreno: 31 de julio

 

Otros estrenos:

Aprendiendo a conducir
Estreno: 3 de julio
Tráiler
Crítica

A primera vista (The Way He Looks)
Estreno: 17 de julio
Tráiler
Crítica

Actor del mes: Paul Rudd

Nombre completo: Paul Stephen Rudd

Fecha de nacimiento: 6 de abril de 1969

Lugar de nacimiento: Passaic, New Jersey (EE.UU.)

Filmografía destacada:

Sausage Party (sólo voz) (2016)
Captain America: Civil War (2016)
The Revised Funtamentals of Caregiving (2016)
The Little Prince (sólo voz) (2015)
Wet Hot American Summer: First Day of Camp (TV) (2015)

Ant-Man (2015)
They Came Together (2014)
Los amos de la noticia (2013)
Proceso de admisión (2013)
Prince Avalanche (2013)
Si fuera fácil (2012)
Las ventajas de ser un marginado (2012)
Sácame del paraíso (2012)
Our Idiot Brother (2011)
¿Cómo sabes si…? (2010)
La cena (2010)
Te quiero, tío (2009)
Mal ejemplo (2008)
Paso de ti (2008)
El novio de mi madre (2007)
Lío embarazoso (2007)
Los diez locos mandamientos (2007)
Noche en el museo (2006)
Virgen a los 40 (2005)
El reportero (2004)
Friends (TV) (2002 – 2004)
Por amor al arte (2003)
Wet Hot American Summer (2001)
Las normas de la casa de la sidra (1999)
200 cigarrillos (1999)
Mucho más que amigos (1998)
Romeo y Julieta de William Shakespeare (1996)
Fuera de onda (1995)


Méritos: Que los actores cómicos estén infravalorados y que éstos necesiten hacer papeles dramáticos para ser por fin reconocidos no es ninguna novedad. Tal vez por ello, la carrera de Paul Rudd se ha mantenido estable en el tiempo, desde que debutase encarnando al encantador hermanastro de Alicia Silverstone en Fuera de onda, pero sin despuntar demasiado, y eso que es uno de los rostros más reconocibles y prolíficos de la comedia americana del siglo XXI, omnipresente en el subgénero de hombres con síndrome de Peter Pan iniciado por Judd Apatow (Virgen a los 40, Paso de ti, Si fuera fácil…). Nos convenció a todos de que era la pareja perfecta para Phoebe en Friends y lo solemos salvar de la quema de sus películas más olvidables, pero nadie le había confiado el peso de una gran producción…

Hasta que llegó Edgar Wright, y vio en él al actor perfecto para dar vida a su superhéroe favorito: el Hombre Hormiga. Por desgracia, Wright desertó poco antes de empezar el rodaje cuando Marvel quiso imponerle una serie de cambios en el guión para adaptar la película a su universo cinematográfico, siendo reemplazado por el menos personal Peyton Reed (Di que sí, Abajo el amor).  La gran incógnita ahora no es sólo si Ant-Man tiene sentido sin Wright al frente, sino si se convertirá en el primer fracaso de Marvel, a pesar de la curiosa campaña que le ha dedicado la compañía para promocionarla. Rudd tiene asegurado su futuro en la compañía al menos para un par de películas más, esperando a ver si convence su cambio de registro a héroe de acción. No obstante, tiene una carta escondida bajo la manga para este verano en forma de serie de Netflix: Wet Hot American Summer: First Day of Camp, precuela de la comedia de culto en la que Rudd recuperará uno de sus personajes más memorables. A fin de cuentas, el superpoder de Paul Rudd es, que cae tan bien que siempre saldrá ileso de cualquier descalabro en el que se envuelva… y no envejecer, eso también.

Extras:

Tráiler de Ant-Man

Tráiler de Hot Wet American Summer: First Day of Camp

Lip Sync Battle en The Tonight Show con Jimmy Fallon

Billy on the Street: Would You Have Sex With Paul Rudd?

Go Kindergarten – The Lonely Island feat. Robyn

Test: “¿Puedes diferenciar al Paul Rudd viejo del joven?”