Georges Didi Huberman

Nesse artigo, examinar-se-ão os modos em que o conceito de tempo aparece em La vida privada de los árboles de Alejandro Zambra. Para isso, focar-se-á no tempo como digressão e dispersão, a partir da suspensão e alongamento do presente por parte tanto do narrador quanto de Julián (um dos personagens centrais). O romance será analisado com base na ideia de tempo como digressão-tensão, as maneiras em que o narrador e Julián divagam, ao misturar presente e passado. O tempo (mundo/realidade) será examinado como bifurcação, isto é, argumentaremos que o romance é marcado por um imiscuir de tempos, de modo que não se pode determinar verdadeiramente o que aconteceu ou está acontecendo.

Como uma imagem do passado pode ajustar-se tao precisamente a atualidade? Documento ou arte, ilusao ou premonicao? Que historia esta imagem incendeia? A partir da premissa de que a imagem arde ao tocar o real (DIDI-HUBERMAN, 2012, p.208) e com base nas teses Sobre o Conceito da Historia de Walter Benjamin (2012), esse artigo se propoe a refletir sobre o trânsito das imagens do campo artistico ao documental, antecipando o acontecimento que faz explodir uma epoca para fora do curso homogeneo da historia.

O presente trabalho problematiza a nocao classica de utopia, perfurando-a com o conceito de profanacao, tal qual proposto por Giorgio Agamben (2007). Trata-se de um ensaio teorico onde se busca restituir a utopia - sacralizada como projeto, meta a ser atingida - ao uso comum. O estudo proposto se depara com algumas questoes: haveria na utopia abrigo para um exercicio etico capaz de potencializar processos de singularizacao? Tal experiencia, uma vez disparada, colocaria em questao algumas das linhas de forca que compoem os modos de subjetivacao hegemonicos no contemporâneo?

Por uma historiografia comparada da arte: uma análise das concepções de Riegl, Wölfflin eDidi-Huberman ... Arte, analisando as abordagens de três importantes historiadores da Arte: Alois Riegl (1858-1905), Heinrich Wölfflin (1864-1945) e Georges Didi-Huberman (1953). ...

Brandão (UFAL) RESUMO: Em A obra-prima ignorada, Honoré de Balzac (1799-1850) toma distância da sociedade francesa de seu tempo para enveredar pelos domínios da arte. Neste artigo pretendemos mostrar que, paralelamente ao discurso sobre quadros, pintores e técnicas pictóricas (desenho, luz, cor, movimento), o que move a narrativa é, substancialmente, o conflito entre criação e imitação.

No dia 11 de novembro de 2017, Georges Didi-Huberman inaugurou a exposição Levantes e lançou o livro Cascas no Sesc Pinheiros, em São Paulo. Os autores agendaram uma entrevista e foram atendidos pelo filósofo durante a montagem, junto aos trabalhadores do setor educativo. Caminhando por seções da exposição, Didi-Huberman dialoga com os autores sobre temas dos seus livros, explora a noção de “levante” e tece considerações acerca de obras específicas.

A palavra epidemia se relaciona ao prefixo grego epi (sobre/acima) e demos (povo), referindo-se, portanto, a algo tido como acima ou que incide sobre as populações: manifestações contagiosas que ocorrem de modo coletivo. Como a própria etimologia sugere, surtos de doenças são indissociáveis dos povos que afligem, servindo para se pensar tanto sua sujeição ao poder quanto as condições de possibilidade de seu aparecimento. A partir da análise de imagens de arquivo de duas das principais crises sanitárias ocorridas durante o Império e Primeira República - a febre amarela e a gripe espanhola - discorremos sobre o conceito de biopolítica, destacando suas nuances dentro de um contexto do Sul Global e, argumentamos que, mesmo frente ao sofrimento provocado, fotografias ainda nos oferecem mecanismos de nomear injustiças e se opor a enquadramentos higienistas.

The strategies of visual enunciation were the focus of one of the most significant debates on the testimonial power of photographic images in the twentieth century, although the question was not overtly defined in explicitly semiotic terms. I am referring to the discussion raised by the four wellknown photographs taken in August 1944 by a member of the Sonderkommando inside the Auschwitz-Birkenau camp and published, edited, shown in exhibitions ever since. Georges Didi- Huberman emphasized the crucial importance of the framing devices in those photos, thus provoking very harsh reactions against the application of general analytical tools to those documents. After briefly retracing the terms of the debate the article takes into account the 2014 work by Gerhard Richter, Birkenau, where the four pictures were transposed on canvas and then covered with a thick layer of 'abstract' painting. This work of art will not be called into question only by virtue of its explicit link with those documents, but because it turns out to be a pictorial reflection on the enunciational marks at play in those photos. If read through the prism of a theory of visual enunciation in the terms defined by Louis Marin, as the work itself invites us to do, Birkenau will allow, on the one hand, to fully acknowledge the testimonial power of the enunciational marks present in the photographs and, on the other hand, to get out of those interpretations which, by ignoring the possibility of transmedial comparison between enunciative strategies, simply considered those abstract paintings as a far too literal gesture of effacement of the subject - in the double meaning of sujet of the painting and inscription of a point of view.

One scene from Wim Wenders’ film “Alice in the cities” provokes us to think again about childhood. It’s a fresh polaroid snapshot, where we can see the faces of an adult (Phillip Winter) and a child (Alice) blending and mixing. Starting from this image, this paper makes its way through the movie’s plot, reflecting on the power of freedom that arises from an encounter with children and childhood. First, we examine the relationship between Winter and his job as a photo-journalist, discussing the character of his existential anguish and his supposed indisposition to becoming, which seems to be clear in the way that he reads his own photographs. In a second moment of the film, we understand Alice’s arrival on the scene as something capable of dispersing the circumstances that are constraining him by  hurling him into the unpredictable. This event is crystallized in one poetic gesture: the girl confronts the adult with her own face by drawing a self-portrait. Facialization and deterritor...

En esa conversacion, la pensadora norteamericana fue invitada a revisar su historia como lectora de Walter Benjamin y a actualizar esas discusiones en su produccion mas reciente y en la discusion con otros nombres del pensamiento estetico-politico contemporaneo.

Dirigido a qualquer pessoa interessada nas relações entre arte, gênero e sexualidade, o livro explica como grandes museus espanhóis foram ocupados por uma série de obras e exposições que tratam das dissidências sexuais e de gênero. O autor analisa a vontade de expor, classificar e pensar essas dissidências nas artes e oferece uma rica narrativa sobre o processo de construção da pesquisa, que leva o pesquisador a ser afetado por uma série de obras, situações e encontros dentro e fora dos museus. É um exercício etnocartográfico processual que resulta em críticas e pessoas artistas, curadoras, pesquisadoras e uma instigante proposta analítica. A obra foi produzida durante o período (2019-2020) em que o autor foi professor visitante na Universidade de Sevilha.

A questão central deste artigo gira entorno de um episódio concreto na reflexão de Didi-Huberman sobre as imagens, especificamente sobre suas frequentes elucubrações sobre borboletas e mariposas como objetos da visualidade. O que as formas desses frágeis insetos acrescentam à compreensão sobre as imagens e sobre historiografia da arte? A hipótese é que elas questionam o estatuto da imagem nos discursos da História da Arte Moderna. 

En su libro inconcluso y publicado póstumamente, Apología por la Historia, Marc Bloch entregó como legado a la posteridad una crítica fundamental al concepto de tiempo como objeto del análisis histórico. En las últimas décadas este tema ha conocido un renovado interés entre los estudiosos de la Historia. Dentro de dicho debate, en donde el tema del anacronismo ha venido a ocupar un rol protagónico, el historiador italiano Carlo Ginzburg y el historiador del arte y filósofo francés Georges Didi-Huberman,  han hecho aportes muy sugerentes. En este artículo pretendo pasar revista a dos intervenciones de éstos historiadores  sobre el tema del tiempo histórico para mostrar que a pesar de que adoptan posturas diferentes con relación al anacronismo, ambos están profundamente influenciados por la obra de Marc Bloch, situación que abre una serie de preguntas sobre las divergencias y convergencias que podrían existir en el desarrollo de su crítica.

En esa conversacion, la pensadora norteamericana fue invitada a revisar su historia como lectora de Walter Benjamin y a actualizar esas discusiones en su produccion mas reciente y en la discusion con otros nombres del pensamiento estetico-politico contemporaneo.

En el siguiente escrito buscamos presentar unas líneas de trabajo en torno al cine como un gestor multidisciplinar en las aulas, es decir, considerado como un aliado estratégico del docente a la hora de preparar, proyectar y presentar una clase. Priorizamos contextualizar el punto de emergencia del dispositivo cinematográfico para dar cuenta del proceso de formación de un discurso crítico sobre el cine y la sociedad, en los años en que se comenzaban a afianzar las líneas directrices del mundo moderno, es decir, a principios del mil novecientos. Para ello, dejamos indicado que nuestro sendero por este ensayo está orientado a presentar, someramente, algunos enfoques y perspectivas sobre el cine como un aliado estratégico en las aulas, a partir de ciertos antecedentes de la historiografía que vinculan el quehacer histórico con el trabajo cinematográfico y las potencialidades educomunicativas que la imagen despierta en los circuitos académicosFil: Carricart, Domingo. Universidad Naciona...

El artículo contiene algunas reflexiones sobre la estetización como fenómeno y sus efectos en el mundo del arte. Para comprender el despliegue histórico del proceso, se hace una revisión de las ideas desarrolladas por Benjamin, Bubner, Welsh, Serroy y Lipovetsky. En cuanto a los efectos de la estetización en las obras de arte, se analiza su neutralización y su posible desenlace fatal. En ese marco, se mencionan algunas propuestas para recuperar la ilusión, la trascendencia y el papel crítico del arte y, así, contener lo superfluo y su degradación a bella mercancía.

The moving image and the visual culture lay down a field of references between imaginary and projected image. Rite of Spring (a Manoel de Oliveira feature film from 1963) is a good exemple of this relationship. If, by one hand, it inaugurates inquisitive tools that will turn into recurring issues in the author’s vision of cinema, by stressing the distance between image and medium, by the theatricality of the performance and by the operative relationship constructed between rhythm and film editing, on the other hand, this film is also an excelent essay on the action of images, when confronted with the christian imaginary that we inherited through visual culture and ritual. This way, we propose to analyze Manoel de Oliveira’s Rite of Spring as a device for the comprehension of life’s theatricallity, and as game of mirrors with our mental images as well.

During the 2010s, Tamaulipas, a border state in northern Mexico, became a “silenced zone” for journalism as a result of the Mexican Drug War. In 2016, during an international theatre festival in the port of Tampico, the Stultifera Navis Institutom collective intervened at the headquarters of what used to be one of the most important journals in the city. The building, located in downtown Tampico, had been abandoned for thirty-three years. For three days, we brought the newspaper “back to life,” using only fake news. This essay recovers the experience of this multidisciplinary site-specific intervention by casting a critical look at its theoretical foundation in Jacques Derrida’s concept of “Hauntology” and Georges Didi-Huberman’s method of “Anachronism.” Engaging deontological debates within media practice and the “virtuality” concept in literature, it analyzes the use of fiction as an act of discursive rebellion. Finally, “spectrality” and Aby Warburg’s notion of “images in history...

Una de las características más notorias de la literatura contemporánea es la ambivalencia en la definición de su estatuto ficcional. En muchos de los textos que se han publicado en las últimas décadas y que se califican como novelas o cuentos, la ficcionalidad resulta –cuando menos– ambigua. Se trata de textos en los cuales la crónica, la autobiografía, la reflexión sobre el propio proceso de escritura o la escritura ensayística se entrelazan con fragmentos narrativos ficcionales, produciendo un cuestionamiento del estatuto de la ficción dentro de la literatura misma. En este artículo se afirma que el cine documental resulta un sitio propicio (un laboratorio), para pensar la transformación que sufre el concepto de ficción en el arte contemporáneo. A partir del análisis del documental Fotografías (2006), de Andrés Di Tella, se indagan ciertos procedimientos en relación al modo en surge la ficción en su interior. La expectativa es que esta indagación sirva como base teórica para pensa...

Este artigo toma o conceito de montagem operado na filosofia e nas artes por Deleuze e Didi-Huberman, realizando certa extração para compor uma problematização da montagem do pensamento e da escrita em educação. Toma-se, assim, a montagem como procedimento filosófico, gesto político e criação artística. Quando escrevemos em educação, sobre educação, para educadores, produzimos imagens de pensamento por meio de tais produções. Interessa, então, apreender os funcionamentos desse conceito para operá-lo nos deslocamentos possíveis do que se pensa e se escreve em educação, em especial, na escrita acadêmica. Entendemos que tomar a escrita como montagem do pensamento poderia operar como certa problematização do pensamento dogmático em educação.

Este artigo promove uma reflexão sobre o método de história da arte de Georges Didi-Huberman a partir da exposição Sublevaciones, realizada no Centro de Arte Contemporáneo de Buenos Aires no ano de 2017. Sua curadoria reuniu 300 obras relacionadas ao tema da sublevação de cerca de 100 artistas pertencentes ao período de meados do século XVIII até 2016. Através do diálogo entre as imagens expostas e alguns dos seus escritos e entrevistas foi possível observar a montagem como método, de forma que as imagens não são ilustrações de um tema, mas este surge das associações entre imagens, que levantam questões em permanente proliferação e abertura. A mostra é uma afirmação da afinidade entre Didi-Huberman e Aby Warburg, ao sublinhar a centralidade das imagens, na defesa do anacronismo, mas também no uso de materiais imagéticos diversos. Didi-Huberman revela o gesto de sublevar-se e amplia o inventário de fórmulas patéticas. As referências psicanalíticas emergem quando ele inclui imagens que remetem ao conceito de "inquietante estranheza" e quando associa as forças sublevacionistas à ideia de potência do desejo. A noção de transmutação de valores é demonstrada na constelação de imagens e o espectador contempla a sublevação de Atlas.

The aim of this article is to offer the lines of discussion that Jacques Ranciere and Georges Didi-Huberman have been holding for some years now. From the interpellation that Didi-Huberman in 2013 to Ranciere, we go through the texts in which they have been taking a position, in order to delineate the crosses and distancing between the two approaches. An approach to images ultimately indebted to the Schillerian free play as an instrument for putting in suspension the order and as a prefiguration of an emancipated community, and one that comes from an anthropological perspective enriched by psychoanalysis, phenomenology and dialectics where attention to “sensitive crystallizations” is the starting point.

Resumo O artigo problematiza o conceito de imagem a partir do pensamento de Maurice Blanchot e Georges Didi-Huberman. Explorando especialmente os conceitos de duplicidade da imagem em Blanchot e dupla distância do olhar em DidiHuberman, pretende-se verificar os pontos em que se faz convergir nesses autores um modo de operar o pensamento e a escrita sobre a arte em sua relação com a imagem. Nesse jogo, sujeito e objeto são lançados a uma instabilidade, movimento em que o sujeito se desfaz de si mesmo pela imagem, se desfaz de si no encontro com uma obra. Momento em que a imagem solicita a palavra e em que a língua torna-se o lugar desde onde podemos nos aproximar dela. The article problematizes the concept of image from the thinking of Maurice Blanchot and Georges Didi-Huberman. Exploring especially the concepts of duplicity of the image in Blanchot and double distance of the look in Didi-Huberman, it is intended to compose a starting plan that will allow to verify the points in whic...

O presente trabalho problematiza a nocao classica de utopia, perfurando-a com o conceito de profanacao, tal qual proposto por Giorgio Agamben (2007). Trata-se de um ensaio teorico onde se busca restituir a utopia - sacralizada como projeto, meta a ser atingida - ao uso comum. O estudo proposto se depara com algumas questoes: haveria na utopia abrigo para um exercicio etico capaz de potencializar processos de singularizacao? Tal experiencia, uma vez disparada, colocaria em questao algumas das linhas de forca que compoem os modos de subjetivacao hegemonicos no contemporâneo?

El presente trabajo se instala en el umbral entre estética y política para interrogar la obra más reciente de Georges Didi-Huberman. Se sostiene que su "pensamiento de las imágenes" no solo implica una política del arte, sino además un arte de la política, vale decir, una política estética que nos conduce a la arena del debate propiamente político, mostrando ya no solo las implicancias políticas de las imágenes, sino, de manera mucho más decisiva, los supuestos figurales de la política. Se proponen los principales rasgos de este programa para finalmente mostrar los alcances del montaje como apuesta estético-política de articulación de lo común, y como culminación de la intervención didi-hubermaniana.

Fil: Grossi, Bruno. Universidad Nacional del Litoral. Instituto de Humanidades y Ciencias Sociales del Litoral. Consejo Nacional de Investigaciones Cientificas y Tecnicas. Centro Cientifico Tecnologico Conicet - Santa Fe. Instituto de Humanidades y Ciencias Sociales del Litoral; Argentina

Este trabalho desenvolve dois prismas de leitura complementares e interdependentes a partir de uma leitura crítica de Noite dentro da noite (2017), romance de Joca Reiners Terron: os fantasmas e os palimpsestos. Para tanto, investiga as bordas porosas entre texto e imagem, história, memória e imaginação presentes no romance, uma obra de narrativa fragmentada em que cada capítulo é introduzido por uma fotografia em branco e preto rasurada. Enquanto o primeiro prisma, dos fantasmas, possibilita pensar os entrelaçamentos entre fantasia, imaginação, trauma e memória, o segundo, dos palimpsestos, circunscreve os procedimentos construtivos do romance, pensando a voz narrativa enquanto montagem intertextual de vozes e temporalidades. Composto como um percurso metalinguístico, o trabalho inicia-se por uma reflexão sobre os lugares da leitura e pela elaboração de um modo de ler crítico a partir do contato que propõe o semiótico Robert Scholes, via Roland Barthes, entre as noções dialéticas de “texto da obra” e “texto da vida”. Avança em seguida para o desenvolvimento dos dois prismas propostos, em um trajeto que passa pelas noções psicanalíticas de trauma e fantasia; pelas reflexões que fazem Luiz Costa Lima e Daniel Link sobre a imaginação e a memória; pelos sintomas, sobrevivências e anacronismos que propõe Georges Didi-Huberman e Giorgio Agamben via Walter Benjamin e Aby Warburg; e pelo conceito linguístico da intertextualidade. Ao dialogar com tais referências, acolhendo elementos múltiplos ao longo da leitura da obra de Terron, o trabalho propõe uma costura que reflete dialeticamente tanto a obra lida quanto a construção desta leitura, apontando, em sua conclusão, no sentido de um lugar inespecífico. This work aims to develop two complementary and interdependent prisms from a critical reading of Noite dentro da noite [Night within the night] (2017), a novel by Joca Reiners Terron: phantoms and palimpsests. The study investigates the porous borders between text and image, history, memory and imagination present in the novel, a fragmented narrative in which each chapter is introduced by a scratched black and white photograph. Whilst the first prism, phantoms, allows us to reflect upon the interweavings between fantasy, imagination, trauma and memory, the second, palimpsests, circumscribes the constructive strategies within the novel, thinking the narrative as an intertextual montage of voices and temporalities. Along a metalinguistic path, this study begins with a reflection on the places of reading itself and the preparation of a critical way of reading, based on the mutual implications between the dialectical notions of “text of the work” and “text of our lives” as they are proposed by Robert Scholes via Roland Barthes. The study then proceeds to the development of those two prisms, along a path that moves through the psychoanalytic notions of trauma and fantasy; through the reflections made by Luiz Costa Lima and Daniel Link on imagination and memory; through the symptoms, survivals and anachronisms proposed by Georges Didi-Huberman and Giorgio Agamben via Walter Benjamin and Aby Warburg; and, finally, through the linguistic notion of intertextuality. By moving along such diverse references and gathering elements throughout the reading of Terron’s novel, the study aims to reflecting dialectically both its object and its process, pointing, in its conclusion, towards a non-specific place.

La siguiente entrevista se realizo el 24 de abril de 2019 en el marco del ciclo de entrevistas “El intelectual y su memoria” de la Facultad de Filosofia y Letras de la Universidad de Granada. A lo largo de la entrevista, Georges Didi-Huberman reflexiono sobre el empeno que se halla en el centro de todo su proyecto intelectual y que no es otro que el de producir un pensamiento sobre pero tambien a partir de las imagenes que, incorporando las aportaciones de la fenomenologia y la filosofia politica, ponga de relieve tanto su materialidad y la carga emocional y antropologica que contienen, como las que son capaces de generar ellas mismas. Tal abertura de miras habria contribuido (y se hace manifiesto en sus ensayos) a superar ciertas restricciones que historicamente han arrastrado la historia del arte y la filosofia y nos ayudaria a entender con mas tino la complejidad de nuestro propio tiempo presente. Ademas, a lo largo de la conversacion Didi-Huberman arrojo datos interesantes sobre...

Ao longo desse ensaio, visamos articular algumas questoes relacionadas ao conceito de imagem na teoria estetica adorniana, estabelecendo as ressonâncias compostas pelos conceitos de aparencia e expressao no processo formativo da arte. Sem nenhuma pretensao exegetica, intuimos montar um dialogo entre Adorno e outros filosofos contemporâneos, como Jean Luc-Nancy, Jacques Ranciere e Didi-Huberman, num movimento siderante quanto a imagem artistica.

Este trabajo analiza cómo se leyó el surrealismo en aquellos momentos donde parecía amenazado por el fracaso de sus propósitos. Distintos escritos de Walter Benjamin, Georges Bataille y Maurice Blanchot se acercan a esta cuestión en el marco de una serie de discusiones que, aunque distanciadas en años y por la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial, parecen insistir en la misma cuestión: si acaso el arte es capaz de señalar a la vida política caminos posibles. Esta pregunta no puede provenir sino de un desplazamiento: de la lectura del manifiesto a la lectura de “políticas de la creación”. “Iluminación profana” (Benjamin), “ausencia de comunidad” (Bataille) y “distancia íntima” (Blanchot) son las figuras con las cuales estos autores señalan las supervivencias del surrealismo.

Avaliamos as questoes da discursividade visual do fotojornalismo moderno, a partir da expressividade somatica dos personagens de acontecimentos: as relacoes entre gestos e posturas dos actantes das imagens e a intensificacao passional da expressividade corporal, com o valor dramatico/discursivo que assumem, na cobertura dos acontecimentos. Ao final, avaliamos o processo historico de uma depuracao da intensidade passional dos gestos, como interrogacao do campo profissional do fotojornalismo acerca dos impasses decorrentes da reiteracao destas chaves «superlativas» da expressividade na imagem.

programaram fazer um trabalho conjunto que todavia nunca viria a concretizar-se 17. Notese ainda que Lemos contactou e fotografou em Portugal [c. 1950] a poetisa surrealista Nora Mitrani [1921-61], primeira biógrafa e uma das modelos [c. 1947-49] de Hans Bellmer 18. Lemos recentemente confirmou a "redescoberta" do seu trabalho fotográfico depois do 25 de Abril se ficou a dever a Jorge Molder, redescoberta que culminou, em 1994, na exposição e catálogo À Luz da Sombra, no Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa. 19. Mais recentemente, por ocasião [Novembro, 2009] de uma exposição de fotografias "esquecidas" pelo autor, os meios universitários, os jornais, as televisões, a rádio e o mundo artístico redescobre Fernando Lemos, não por todas as outras artes que desenvolveu, mas pela fotografia. E ele afirma que deixou de fazer todas as suas outras actividades para ser fotógrafo "para conhecer as pessoas que o rodeavam, as coisas à sua volta". Este objectivo terá sido de tal forma conseguido, que ao fim de três anos [1949-52] parou de fotografar. 20. A obra construída ao longo desses três anos constitui o objecto de estudo do presente trabalho, cuja razão e metodologia importa agora esclarecer. Como ponto de partida, estabelecemos o visionamento e a análise das imagens fotográficas de Fernando Lemos presentes nas colecções disponíveis nas instituições portuguesas: colecção da Fundação Calouste Gulbenkian, a colecção Berardo, a colecção Cupertino Miranda e a Colecção da INTRODUÇÃO-5 Ibid. Nesta conferência Lemos falou dessa sua viagem a Paris, bem como do meio artístico e intelectual nacional. Lemos fazia parte destes grupos. Ver também Luís Henriques [2003], 91 n214, acerca do "período de fermentação" em 1947 do Grupo Surrealista de Lisboa, bem como alguns dos autores que nessa altura liam, entre os quais Kafka [A Metamorfose], Freud [La Hystérie], além dos Manifestos do Surrealismo. Da leitura completa desta última referência torna-se claro o bom espírito de grupo existente.

Historiadores de arte questionam dois objetos fundamentais: em primeiro lugar, a história como narrativa e em segundo lugar, a imagem como uma forma de representação. Enquanto a maioria dos historiadores da arte são implicitamente filósofos da história e da imagem, muito poucos são tão explícitos sobre sua fundamentação filosófica como Georges Didi-Huberman. Afinal de contas, sua perspicácia é notoriamente conhecida. A questão central deste artigo gira entorno de um episódio concreto na reflexão de Didi- Huberman sobre as imagens, especificamente sobre suas frequentes elucubrações sobre borboletas e mariposas como objetos da visualidade5. O que as formas desses frágeis insetos acrescentam à compreensão sobre as imagens e sobre historiografia da arte? Minha hipótese é que elas questionam o estatuto da imagem nos discursos da História da Arte Moderna. Participação de Candida Almeida: tradução para português e colaboração na versão do artigo.

O presente artigo se constroi por via de estimulos provocadores do universo sci-fi do diretor Panos Cosmatos, no filme Beyond the Black Rainbow . Trata-se de uma leitura que percorre os paradoxos da narrativa filmica para compreender uma memoria de um futuro situado no passado. Um futuro do passado, sustentado pelo termo retrofuturismo e as simulacoes produzidas pelo cinema e pelas artes visuais.

The greater part of critical attention devoted to the contours of art history has focused on the Austro-German tradition and its legacy. Tracing the development of institutionalised art history in Germany, Switzerland and Austria-Hungary from the late nineteenth century onwards, ...

This article is built via provocative stimuli from the sci-fi universe of the director Panos Cosmatos, of the film Beyond the Black Rainbow. This is a reading that traverses the paradoxes of film narration in order to understand a memory of a future set in the past. A future in the past wich is supported by retrofuturism term and the simulations produced by film and by visual arts.

El presente artículo aborda el cine portugués contemporáneo y la relación que mantiene con la historia, no sólo de Portugal sino del propio cine. A través de las nociones de huella y ausencia, el texto propone buscar una contraforma de esa relación con la historia, en la que la huella supone la vivificación de un resto, espectro o figura ausente que se hace presente a través de la imagen. Esta imagen se construye como tiempo condensado, pervivencia de la historia y prueba de una cierta genealogía. De esta forma, se puede articular una historia de las imágenes del cine portugués a partir de la idea de contraplano. Se trata de un contraplano que en su aspecto límite es un contraplano con la muerte: aquello que cerca el plano, un vacío que resuena y deja ecos, un abismo vertiginoso declinado en forma de historia, de trayecto, de imagen-tiempo y otras modalidades que evocan una cierta antropología portuguesa, que se podría conectar con el saudosismo y sus relecturas críticas desde Eduar...

La monographie Image et pouvoir. Entretiens avec les penseurs français pré- sente sept entretiens avec les personnalités françaises reconnues en phi- losophie, sociologie et anthropologie. Menée par le désir de comprendre les différents aspects du rapport entre l’image et le pouvoir, l’auteur a sollicité les penseurs français choisis préoccupés systématiquement par ce problème.
L’ensemble est composé des sept entretiens: 1. Quelle poli­ tique des images? entretien avec théoricien de l’art plastique Georges Di- di-Huberman, 2. Les images ne représentent plus, entretien avec philosophe Jacques Rancière, 3. Image, sujet, pouvoir, entretien avec philosophe Ma- rie-José Mondzain, 4. L’imaginaire cybernétique, entretien avec philosophe Pierre Lévy, 5. L’ère d’images numériques, entretien avec sociologue Michel Maffesoli, 6. Globalisation de la vision, entretien avec anthropologue Marc Augé, 7. Construction du regard, entretien avec philosophe Monique Sicard.
Chaque entretien s’accompagne d’une caractéristique concentrée, censée présenter la spécialisation de l’auteur donné, les enjeux de sa conception et ses publications les plus importantes. Le livre est introduit par une étude d’auteur assez complexe, considérant le point de vue sur le rapport entre l’image et le pouvoir, tel qu’il est actuellement présenté en France dans les domaines de la philosophie et des sciences sociales.
L’enjeu de cette réflexion est de montrer que, malgré leurs différences considérables, les conceptions présentées ont un point commun: selon les auteurs, les images elles-mêmes ne disent rien, ni ne montrent jamais le tout. La seule chose qu’elles peuvent réellement faire, c’est faciliter notre partage du visible, en provoquant la parole à propos de ce qu’elles font voir et en nous incitant à construire nos représentations du monde. Telle est la limite implicite du travail de tout penseur cherchant a saisir le rapport entre l’image et le pouvoir: il n’est pas possible d’échapper à la pratique de la représentation, ni en la déniant, ni lorsqu’on la prend pour le sujet de notre réflexion. Cette pratique ambiguë ne peut pas être contournée, car on ne peut pas procéder autrement: tant qu’on choisit et utilise les images en tant qu’illustrations, on leur assigne une signification qui n’est pas la leur dans un sens absolu. Essentiellement politique, le travail de représentation ne cesse pas d’affronter le décalage insurmontable entre la nature de l’image et celle de la parole par laquelle nous la saisissons.

This essay aims to analyse the short story “A grave of fireflies”, written by the Japanese author Akiyuki Nosaka. Originally published in 1967, the text narrates the story of two siblings who try to survive the air bombings during World War Two. Both the importance and the significance of fireflies will be analysed, considering Georges Didi-Huberman and Pier Paolo Pasolini’s thoughts on the theme, as well as the historical and social contexts in which the narrative is set.

Um dos percursos possíveis para entendermos a presença de
Aby Warburg nas operações críticas de Georges Didi-Huberman
é seu estudo intitulado L’image survivante. Histoire de l’art et temps
de fantômes selon Aby Warburg,1 de 2002. Podemos marcar a importância
desse estudo para a exposição Atlas, ¿cómo llevar el mundo a
cuestas?, montada inicialmente no Museu Reina Sofía, em Madrid,
entre 26 de novembro de 2010 e 28 de março de 2011. Nessa
exposição, o Atlas Mnemosyne, de Warburg, é um lugar, mais precisamente
uma “mesa de orientação”,* onde a relação topográfica
entre “tableau” (quadro) e “table” (mesa) marca a diferença entre
aquilo que já está previamente fixo, designado pelo quadro, e uma
possibilidade heurística de um trabalho em via de fazer-se, apontada
pela mesa.