Exotism

Since the nineteenth century, artists, art theorists and art historians have dreamed of a Japanese material aesthetic—of the beauty of the formless, the ephemeral and the processual. This book is the first to explore this history: Japonism as a question of material aesthetics. It uncovers the historical, technical and discursive conditions on which the concept of a Japanese material aesthetic is based, and subjects the iconographic meanings so closely linked to the tradition of Japanese tea ceramics, wooden architecture or ink painting to a critical historical analysis. In doing so, it opens up new perspectives on the modernist art that emerged in Japan after 1945, which is shown to have radically challenged such iconographic fixations.

Im Supplément au voyage de Bougainville setzt sich Diderot am Beispiel Tahitis mit Fragen der Macht, der Sexualität und der Kolonialherrschaft auseinander. Der Text gilt als Paradebeispiel für die exotistische Verklärung eines fremden Naturvolkes als Kontrastbild zur Verkommenheit abendländischer Zivilisation. Und tatsächlich gibt es Stimmen im Text, die einer solchen Idealisierung und einem ‚Zurück zur Natur' das Wort reden. Aber es gibt auch andere. Erst die Auflösung der Stimmenvielfalt des Textes zugunsten der Identifikation einer eindeutigen Grundaussage lässt bestimmte Äußerungen im Text als Elemente einer systematischen ‚Naturtheorie‘ Diderots erscheinen. Jedoch muss eine solche Lesart nicht nur eine konstitutive Ebene des Textes – seine multiperspektivische Form – außer Acht lassen, sie verstrickt sich auch auf inhaltlicher Ebene in Widersprüche. In diesem Beitrag wird versucht, die verschiedenen Positionen im Text in ihrem Zusammenhang zu betrachten. Aus diesem Blickwinkel zeigt sich, dass Diderot sich keineswegs als autoritatives Sprachrohr der Natur aufführt. Im Gegenteil. Indem er die Vielfalt der Stimmen, die sich auf die ‚natürliche' Ordnung als Legitimitätsbasis ihrer jeweiligen Autorität beziehen, miteinander kontrastiert, zeigt er performativ, was es heißt, sich auf die Veränderlichkeit der Natur einzulassen, ohne den Anspruch zu erheben, sie ein für alle Mal festlegen zu können.

Si l’émergence et l’essor du Cabinet de curiosité au XVIème siècle traduit l’aspiration humaniste de construction d’un savoir encyclopédique, le statut du cabinet change dans la deuxième moitié du XVIIème siècle pour devenir un lieu de performance et de compétition sociale. Susciter l’émerveillement du visiteur, provoquer sa stupéfaction constitue le nouveau dessein du collectionneur mondain qui entend attirer chez lui la fine fleur de la bonne société. Dans ce cadre social compétitif, l’exposition dans son salon d’indigènes ramenés du Nouveau Monde n’a rien de très surprenant et annonce la prospérité des zoos humains et « freak shows » au siècle suivant. Face à l’absence de sources historiques rendant compte des conditions de vie de ces indigènes et des regards curieux dont ils étaient l’objet, les textes fictionnels apparaissent comme une ressource unique pour comprendre la spectacularisation de ces « bêtes curieuses ».
Le roman de Françoise de Graffigny, Lettres d’une Péruvienne, présente un point de vue unique sur cette curiosité voyeuriste. Une princesse péruvienne, Zilia, est ramenée contre son gré en France par le chevalier Déterville. Les lettres de la jeune femme témoignent de l’exoticisation ainsi que de la performance spectaculaire dont elle est l’enjeu : elle est exhibée dans un salon, objet de curiosité offert aux regards de tous. Le texte de fiction insiste sur les éléments de la mise en scène (les vêtements qu’on lui fait porter, la position spatiale qu’on lui fait adopter) permettant de la transformer en objet curieux, en véritable bête de foire.
Exprimé à travers le point de vue subjectif de Zilia, cette mise en représentation place le lecteur lui-même dans la position inconfortable de la bête curieuse, attestant ainsi du projet de la romancière française de dénoncer cette curiosité qui objectifie l’humain. Cependant, ce projet louable, visant à prévenir le lecteur des dangers de la mauvaise curiosité, n’est pas exempt lui-même d’une certaine exoticisation et objectification de son héroïne. Graffigny tomberait-elle elle-même dans le piège de la mauvaise curiosité ?

in: Dagmar Freist/ Sabine Kyora/ Melanie Unseld (eds):  Transkulturelle Mehrfachzugehörigkeiten - Räume, Materialitäten, Erinnerungen, Bielefeld: transcript Verlag 2019, 15-37.


This paper deals with trafficked children in the Holy Roman Empire of the German Nation in the long 18th century. As the Holy Roman Empire was geographically at the margins of the transatlantic slave trade and as the trade in children was not linked to the issues of slave labour and plantation economies that have been extensively addressed in the research on slavery, this phenomenon has often been overlooked. From a German perspective, however, children were not just one group among others to be “brought back” from the colonies; in fact, trafficking in children was a striking feature of human trafficking to the Holy Roman Empire. In this article I discuss the reasons for and dimensions of the phenomenon and analyse the consequences for the children affected.

Dans cet ouvrage, publié en 1911 et devenu introuvable, Cario et Régismanset souhaitent montrer comment le détail exotique – formé par « le souvenir vécu des pays lointains ou la vision imaginative des contrées exotiques » – a laissé sa trace dans la littérature de la métropole. Ce faisant, les auteurs posent la question de l’existence, ou non, du roman colonial français, cherchent à renouveler le roman français, et constatent l’importance d’un « exotisme nouveau ». Promouvoir l’œuvre coloniale est sans doute l’objectif principal de cet ouvrage. Au fond, L’Exotisme représente un texte clé pour ceux qui veulent comprendre cette notion, mais aussi le champ littéraire sous la IIIe République et le roman colonial, reconnu comme genre à part entière dans l’entre-deux-guerres.

Es fehlt Deutschland, aber insbesondere Argentinien nicht an Beispielen für Erfahrungen gescheiterter oder erfolgreicher Einwanderer. Argentinien ist als Einwanderungsland umfassend erforscht, die Einwanderung stellt einen Wesenskern des argentinischen Selbstverständnisses dar. Auch ist die Immigration der Deutschen dort dokumentiert, nicht aber ist es bisher gelungen, die Erfahrungen deutscher Einwanderung in Argentinien für Deutschland als Einwanderungsland des späten 20. Jahrhunderts fruchtbar zu machen. Die deutsche Wanderung nach Argentinien ist zeitlich und geografisch zu weit entfernt, als dass sie z. B. mit der Migration der Gastarbeiter ab 1960 nach Deutschland in Verbindung gebracht würde. Argentiniens Sozialgeschichte bietet jedoch ein großes Potenzial, denn die Geschichte und Erfahrungen deutscher Einwanderer in Argentinien geben ein vergleichbares, aber im Kern anderes Bild, als es diejenigen der Gastarbeiterwanderung nach Deutschland darstellen. Dem Kulturkonflikt weicht in der neuen Welt die kreative interkulturelle Neuschöpfung einer neuen Identität, die Altes und Neues verbindet. Buenos Aires und Argentinien versprachen Millionen von Einwanderern ein neues Leben, das " hacerse la América " wurde zum Allgemeinplatz, es blieb leider oft nur ein Traum. Viele Einwanderer des späten 19. und 20. Jahrhunderts scheiterten bzw. blieben in Buenos Aires in elenden Lebensverhältnissen stecken. Nicht hinterfragt wird in Argentinien jedoch die Vermischung der Kulturen. Deutschland begreift sich dagegen noch nicht als interkulturell, Argentiniens Identität findet darin aber gerade die Grundlage, auch wenn das Land seit seiner Gründung mit der Verbindung seiner unterschiedlichen Kulturen ringt. Die Verbindung der Migrantenkulturen dort wurde zur Basis einer neuen Identität, ganz anders als z. B. im angelsächsisch geprägten Nordamerika. Paul Zech kann als Avantgarde-Migrant eine paradigmatische Stellung im Prozess der Identitätskonstruktion einnehmen. Er war wohl der erste maßgebende deutsche Exilant und Expressionist in Argentinien, der angesichts der Machtüberlassung 1933 unfreiwillig seine Heimat verlassen hatte und über unterschiedliche, mehr oder weniger erfolgreiche Integrations-und Distanzversuche letztlich in der Kulturschaffung und -vermittlung seine neue Heimat fand. Erst zögerlich wird er aber von der argentinischen Literaturwissenschaft bemerkt. Hier steht er immerhin für den sog. " Avantgardetransfer " oder für die " Stadtbricolage ". 2 Zech erfasst und bearbeitet als deutscher Exilant in Argentinien auf seine Weise geradezu den Grundkonflikt des Landes: eine sich hinterfragende eurozentrische Moderne, die gegen ein verschüttetes altes und zugleich hervor drängendes neues Amerika steht. Es gelingt ihm in dem bedeutenden Zeitfenster der Dreißiger-und Vierzigerjahre schließlich, beides zu verbinden. Das Exil stellt dabei die Extremsituation der Migration dar. Zechs Grunderfahrungen werden so zu Metaphern des postmodernen Menschen, der haltlos zwischen einer Kultur und der anderen wandert und sich neu konstruiert. Wenn man eine wesentliche Erfahrung Zechs in der neuen Umwelt Argentiniens hervorheben muss, so ist es wohl die Krisenerfahrung in der amerikanischen Großstadt, die sich auf verschiedene Weise durch alle Phasen seines Exils zieht.

Sur la base d'une étude consacrée à la littérature coloniale et exotique belge de langue française et à l'aide d'exemples empruntés à d'autres littératures, la communication a pour but de proposer une typologie définitoire du paysage exotique et du paysage colonial. Cette typologie doit permettre une redéfinition théorique du concept d'exotisme, en relation avec le concept d’antexotisme. Elle constitue aussi une contribution à l'étude du paysage, à la fois comme concept et comme réalisation historique. Elle précise au passage les notions d’« exotisme critique » et d’« exotisme colonial ». Enfin, à propos de celui-ci, elle envisage doublement la dimension spirituelle du paysage, à la fois comme eschatologie anticipée et comme arrêt contemplatif, ouvert sur l’altérité.

Les Demoiselles d’Avignon, nos va a permitir en este texto abordar cuestiones relacionadas con la influencia y con la función que otras culturas han ejercido en las transformaciones artísticas occidentales y sobre todo con la fascinación ejercida por “lo primitivo” y las denominadas “Artes Primitivas” en el imaginario de los artistas y sus efectos en el mundo del arte.
(In book: PROCESOS ARTÍSTICOS Y OBRA DE PICASSO. UNA VISIÓN DESDE LA PRÁCTICA ARTÍSTICA., Chapter: 6, Publisher: Fundación Picasso - Museo Casa Natal, Editors: Salvador Haro González, pp.93-108)

The assumption that motivates this paper is that the songs may offer us an original
key to geography by providing useful information on the ways in which men represent themselves through the representation of an existing territory, or of a desired/imagined one. In particular, the essay will examine the work of Paolo Conte, one of the main Italian singer-songwriters as his songs contain stimulating narrative figures that we can consider archetypes of territoriality. This is particularly true at least as far as two interesting geographical figures are concerned, i.e. the province and the elsewhere. The first is a slow and opaque territory, characterized by a lifestyle centred on a different rhythm from those of the metropolis, and on the desire to escape from his greyness; the second is, geographically, the exotic, the novelty, the thrill that breaks the monotony. Through the description of these figures Conte’s songs can give us many information on the way men sense the places.

In Orbitor (Blinding), Cartarescu constructs and deconstructs the role of memory exploring memory’s relationship to immortality - mostly in the third book or father’s book, and memory in relation to creation - in the first two books, the mother’s book irrespectively the book of the self (the middle one). There is always an unescapable nostalgia from one metamorphosis to another. If Cartarescu, as a postmodernist writer, deconstructs some myths, he never does that to the all-encompassing myth of the book. Nostalgia regenerates this myth. Exoticism embodies the need for another dimension. It is also interwoven in the maternal and paternal genealogies of Mircea, the alter-ego of Cartarescu himself. Exoticism appears in Cartarescu’s dreamland as the provocation, as the challenge of the Double. Through exoticism and symmetry, Mircea wants to grasp his dream being, his inner dreamer. The underlying paradigm superior/inferior attributed to exoticism is totally out of question in Blinding, because here all exotic representations are based in oneiric landscapes. A realm where exoticism is preserved in its elements without having anything to do with commodities (see Huggan)is the dreamland of Mircea Cărtărescu’s writings. Butterfly symmetry is the preservation of halves, simultaneity is androgyny. Victor, the mirror-twin of Mircea, bound to him in a Narcissus-like story of love and abhorrence, is the embodiment of symmetry at its highest potential. REM is simultaneity, not symmetry. REM is the Entrance to Blinding’s manuscript labyrinth centre and the portal to a higher "blinding” reality. For Cartarescu, eternity is simultaneity. Bizarre and familiar, exotized Bucharest and exotized faraway lands have the consistency of dreams. Cartarescu's exoticism is a chrysalis of our chimeric alter-egos.
Key words: exoticism, exotized Bucharest, Romanian contemporary literature, postmodernism, Mircea Cărtărescu, alter-ego, oneiric landscapes, exotic couples, butterfly symbol, antipodes and symmetry, labyrinth, memory, mise en abyme, Monsu Desiderio in fiction.

On ne peut logiquement parler de Décadentisme sans évoquer celui qui fera véritablement figure de père, aux côtés de Baudelaire, pour les disciples de ce mouvement, à savoir Théophile Gautier (Paolo Tortese). Ce grand voyageur, découvre l’Algérie en 1845, le pays n’est pas encore pacifié et il s’agit pour lui de répondre à une commande, celle d’un ouvrage qui ne verra jamais le jour, et qui pourtant, déjà, est annoncé sous le titre de "Voyage pittoresque en Algérie" .
Pourtant Théophile Gautier écrit, décrit, scrute et s’interroge sur ce voyage mais de façon disruptive, comme s’il existait dans ce séjour algérien de 1845 non pas un mais des voyages. Ainsi c’est par fragments que seront publiés ces récits en 1854 dans "La Revue de Paris" avant des éditions plus complètes et généralement posthumes. Car ce voyage en Algérie n’amène pas seulement Théophile Gautier à un simple périple géographique mais à un véritable déplacement culturel, temporel, spirituel et une plongée dans un monde presque fantasmagorique qui fascinera et effrayera simultanément cet amoureux des Mille et une Nuits. En témoigne les deux récits que sont « La Danse des Djinns » ou « Les Aissaoua ».
Or ces visions, par un effet de contamination subtil, délicat, presque imperceptible amène le lecteur à un vertige proche du mal-être, à la frontière « entre enthousiasme et mélancolie » comme l’indique le titre de l’ouvrage d’Alain Montandon dédié à Théophile Gautier.
En choisissant de ne jamais honorer cette commande, y a-t-il chez Gautier un refus muet, face à une colonisation qui s’accélère, une Algérie orientale qui se meurt ? Il semble en effet qu’il existe, dans ces regards de Gautier sur cette colonisation en marche, dans les interstices du texte, une condamnation silencieuse et pourtant lisible. En compagnie de l’Européen qui de temps en temps désapprouve avec mépris les mœurs algériennes, cohabite le Décadent qui condamne l’acmé d’une modernité absurde et parfois même cruelle.

Article paru dans Le Livre du monde et le monde des livres. Mélanges en l'honneur de F. Moureau, Paris, PUPS, 2012, p. 891-901.
A partir de la région du "Liban", l'article examine les procédures de description et de construction d'un espace, quand elles se fondent sur l'imaginaire. Enjeu géopolitique qui explique l'attention que lui prêtent les voyageurs au tournant des XVI et XVIIe siècles, le Liban reste le territoire enclavé et enchanté où se déploient rêverie de la merveille et quête de terre promise.

Eingang gefunden haben und welche Rolle dieser Aspekt bei der Etablierung des europäischen Beduinenbildes gespielt hat. Zuvor gilt es allerdings zunächst, die zeitgenössischen Debatte um die Bedeutung der ‚Ehre' wie auch die Rolle, die der Orient als Referenzobjekt in diesem Zusammenhang spielte, kurz zu skizzieren.

Tiki-Restaurants als exotisierende Kommodifizierung mimetischer Repräsentationen Polynesiens?

Die US-amerikanische Restaurantlandschaft der späten 1950er Jahren war von den sogenannten Tiki-Restaurants geprägt. Diese Lokale bildeten den Dreh- und Angelpunkt einer auch außerhalb der Gastronomie stattfindenden Modewelle, die den Amerikanern ein Stück Südseeromantik für Zuhause versprach und erst in der nächsten Dekade abebben sollte. Knallbunte Cocktails, mit Ananas angerichtete Chicken Wings sowie provozierend freizügig gekleidete Kellnerinnen lockten damit, polynesische Kultur „authentisch“ zu erfahren und diverse Tabus der damaligen Zeit unter dem Deckmantel des ethnographischen Interesses brechen zu dürfen. Dieses Erlebnis wurde – zumeist im Schatten gigantischer, mysteriös anmutender Holzfiguren, die die altertümliche, wohlwollende polynesische Gottheit Tiki abbilden sollten – inszeniert. Bereits in den 40er Jahren gab es in Kalifornien und von da ausgehend, in ganz Nordamerika zahlreiche populäre Bars und Restaurants, die mit polynesischer Küche und tropischem Dekor warben. Mit dem in wenig differenzierter Sekundärliteratur verbreiteten Missverständnis, die bloße Inkorporation solch exotischer Stilelemente allein würden ein Tiki-Restaurant als solches auszeichnen, soll direkt zu Beginn dieser Arbeit aufgeräumt werden: Denn erst Mitte der 50er tauchten die eben angeführten Tiki-Figuren sowie anderen Tiki-Darstellungen in sämtlichen Bereichen des amerikanischen Alltags auf.1 Mit ihrer Präsenz ging die Umstrukturierungen von bestehenden polynesischen Restaurants und Eröffnungen von komplett neuen Gastronomiebetrieben einher, die retrospektiv als Tiki-Restaurants bezeichnet werden und Epizentren der Tiki-Modewelle darstellten – wie der historische Abriss im zweiten Kapitel dieser Arbeit konkreter aufzeigen wird.
Dass vor allem westliche Geschäftstreibende durch die jüngere Geschichte hinweg immer wieder fremde Kulturen und Regionen für ihre kapitalistischen Zwecke ausnutzten, ist eine zentrale Erkenntnis wissenschaftlicher Forschung des Postkolonialismus. Vertreter letzterer wie Christopher Balme oder Graham Huggan haben bereits zur Rolle polynesischer oder allgemein pazifischer Kultur für den westlichen Mainstream geforscht. An Studien zum konkreten Phänomen Tiki-Restaurants mangelt es allerdings. Fraglich ist auch, wie authentisch so eine Repräsentation aus westlicher Perspektive überhaupt sein konnte. Um diese Problematiken zu bearbeiten, setzt sich diese Bachelorarbeit kritisch mit der Fragestellung auseinander, wie polynesische Kultur in den kalifornischen Tiki-Restaurants der 1950er Jahre repräsentiert wurde.
Dabei bezieht sich „kalifornisch“ auf die Herkunft der Tiki-Kultur und -Restaurants, deren Geschichte im folgenden Kapitel dargestellt wird. Das schlagartig erfolgreiche Konzept wurde von Gastronomen in allen Bundesstaaten der USA jedoch so rapide kopiert und gleichförmig umgesetzt, dass de facto kein relevanter Unterschied zwischen einem Tiki-Restaurant in Kalifornien und einem solchen in einem anderen Staat feststellbar gewesen sei.2 Der viel zitierte Tiki-Historiker Sven Kirsten merkt sogar an, dass der tropische Charakter der Tiki-Restaurants und ihr damit verbundenes Eskapismuspotential in weniger sonnigen Bundesstaaten noch herausragender war, da sie dort in stärkerem Kontrast zum örtlichen Klima standen.3 Als Gegenstand der Analyse bietet sich mir tatsächlich kein Tiki-Restaurant in Kalifornien an, wie etwa das Trader Vic’s in Los Angeles, da ich keinen Zugriff auf eine ausreichende Dokumentation habe. Der dieser Arbeit zugrundeliegenden umfassenden Recherche in den Berliner und Kölner Bibliotheken und Museen, sowie ergänzenden Onlinequellen nach eignen sich zur Bearbeitung des Themas stattdessen das Mai-Kai in Fort Lauderdale, Florida und der Kahiki Supper Club in Columbus, Ohio. Beide Restaurants sind ausreichend dokumentiert, inkorporieren stilgetreu die typischen Merkmale der Tiki-Gastronomie, wie im dritten Abschnitt dieser Arbeit deutlich werden wird, und waren äußerst populär. Während das Mai-Kai 1956 pünktlich mit dem Durchbruch der Tiki-Kultur eröffnete, experimentierten die Betreiber des Kahiki Supper Clubs in den 1950er Jahren mit einer Bar namens „Grass Shack“, die jedoch 1959 abbrannte. Dabei studierten sie die Alleinstellungsmerkmale der sich schnell etablierenden Tiki-Restaurants und setzten diese dann in vollem Umfang in ihrem 1961 auf dem alten Grass Shack-Grundstück errichteten Kahiki Supper Club um; dieser wird im Folgenden „das Kahiki“ genannt. Das Kahiki hatte in den 1950ern Jahren also noch nicht geöffnet, inkorporierte aber die typischen Merkmale dieser Dekade in Vollständigkeit4 und ist als „Prachtexemplar der
[Tiki-]Eventgastronomie“5 ein geeigneter Untersuchungsgegenstand zur Analyse der in den 1950er Jahren betriebenen Tiki-Restaurants, deren Ursprung in Kalifornien liegt.
Diese beiden Beispiele operationalisiere ich als Untersuchungsobjekt stellvertretend für die aus Kalifornien kommende Bewegung der Tiki-Restaurants in den 1950er Jahren. Methodisch werde ich die beiden Restaurants nach Erika Fischer-Lichtes Kategorisierung theatralischer Zeichen im dritten Teil meiner Arbeit im Sinne einer Aufführung analysieren. Dabei beziehe ich die Analyse auf Abbildungen, die im Anhang der Arbeit zu sehen sind. Diesen Ansatz verknüpfe ich im folgenden Teil mit Stephen Greenblatts Begriff des mimetischen Kapitals, da dieser seinem Ansatz die Idee der Repräsentation, entsprechend der Idee einer Aufführung nach Fischer-Lichte, zugrunde legt: Was für Bilder wurden in den Tiki-Restaurants dargestellt, wie genau evozierten sie die Südsee-Atmosphäre und woher stammen sie? Im fünften Abschnitt der Arbeit wird das Phänomen dann unter den Gesichtspunkten Kommodifizierung und Exotisierung kritisch untersucht. Als historische Kontextualisierung wird nachfolgend zunächst die Entwicklung der Tiki-Restaurants in den1950er Jahren. Methodisch werde ich die beiden Restaurants nach Erika Fischer-Lichtes Kategorisierung theatralischer Zeichen im dritten Teil meiner Arbeit im Sinne einer Aufführung analysieren. Dabei beziehe ich die Analyse auf Abbildungen, die im Anhang der Arbeit zu sehen sind. Diesen Ansatz verknüpfe ich im folgenden Teil mit Stephen Greenblatts Begriff des mimetischen Kapitals, da dieser seinem Ansatz die Idee der Repräsentation, entsprechend der Idee einer Aufführung nach Fischer-Lichte, zugrunde legt: Was für Bilder wurden in den Tiki-Restaurants dargestellt, wie genau evozierten sie die Südsee-Atmosphäre und woher stammen sie? Im fünften Abschnitt der Arbeit wird das Phänomen dann unter den Gesichtspunkten Kommodifizierung und Exotisierung kritisch untersucht. Als historische Kontextualisierung wird nachfolgend zunächst die Entwicklung der Tiki-Restaurants in den USA skizziert und der Umfang der sie umgebenden Tiki-Kultur erklärt.

La presencia en época moderna de elementos exóticos en el hogar de los eclesiásticos, especialmente los capitulares, es un signo de ostentación que responde a los comportamientos de la élite. En el caso de los miembros del clero secular local, además, resulta poco conocida. Para su análisis nos centraremos en la ciudad de Córdoba durante los reinados de Felipe II y Felipe III.

Il saggio tratta fondamentalmente di due questioni strettamente correlate: 1) il passaggio tra la dimensione plastica e quella figurativa nell'analisi semiotica dell'architettura considerata come forma di “rappresentazione”; 2) il fenomeno dello “esotismo” inteso come fase del processo di sussunzione di forme provenienti da culture altre entro una data sfera culturale. Il caso dell'antropomorfismo nell'architettura di Guarino Guarini – anche per il confronto con la letteratura autografa dell'autore – offre un caso assolutamente esemplare della distinzione tra le tecniche di deformazione plastica e quelle di invenzione figurativa, fornendo del tema una evidenza didattica.

"Dança, exotismo e morte: a Salomé de Strauss e outros paradigmas da representação do poder feminino no início do séc. XX", A música e a dança nas artes plásticas do século XX, (Coords.) Acciaiuoli e Ferreira de Castro, Lisboa, Colibri, pp. 123-140.

Salomé - na ópera homónima de Richard Strauss - vive da energia dos olhares masculinos que para ela são dirigidos. A dança surge como índice de libertação de um corpo que até aí se encontrara confinado a apertados códigos gestuais e a espaços domésticos fortemente regulados. Surge ainda como índice de evanescência mental de uma mulher que será estudada por analistas, como Freud ou Charcot, e revista por pintores, escritores, estetas, que se deslumbram por uma sintomatologia profundamente teatral. Moreau, Munch, Beardsley, Klimt e tantos outros, fascinam-se por esta competência feminina sedutora e letal, do mesmo modo que Huysmans, Flaubert, Mallarmé ou Wilde. A construção de uma nova identidade feminina corresponde a uma inquieta indagação sobre o próprio ser, que se suspeita não ser uno nem dominado pela razão ou por uma lei metafísica. Strauss concilia esta intranquilidade numa ópera trágica, e interroga musicalmente o poder da dança, que é o próprio poder feminino, e as suas consequências radicais. Volta a incidir sobre esta aspecto quando propõe a Elektra que dance sobre o sangue derramado pelo homicídio da sua mãe e do seu padrasto. Pretende-se partir, nesta exposição, dos dois referidos momentos de dança das óperas ‘Salome’ e ‘Elektra’ de Richard Strauss, e integrá-los numa problemática que as liga a um prolífico imaginário feminino que pontua a expressão pictórica e literária da época, com a intenção, por um lado, de questionar a possibilidade de representação das próprias valências do inconsciente, por outro, de reflectir sobre uma instabilidade psico-social que caracteriza a alvorada do século XX.

Resumen:
El ciclo narrativo de 'Empresas y tribulaciones de Maqroll el Gaviero' concluye con dos  textos:  “Jamil”  y  “Un  rey  mago  en  Pollensa”;  en  ambos  cambian  de  una  manera evidente las reglas que han guiado las empresas de su protagonista. La desesperanza como principio vital se atenúa a la vez que se mantiene un ver la existencia desde la melancolía (otro de los rasgos que definen la narrativa de Álvaro Mutis). Todo ello sucede en un paisaje teñido desde un orientalismo peculiar, en el que la Historia del Mediterráneo adquiere una importancia fundamental y es la tabla de salvación para la angustia de vivir.

Abstract:
The narrative saga 'Empresas y tribulaciones de Maqroll el Gaviero' concludes with two texts: “Jamil” and “Un rey mago en Pollensa”; in both, the rules that led the works of their protagonist are changed. The hopelessness as a vital principle is attenuated, but he continues to see existence from melancholy - this is a distinctive trait of Álvaro Mutis’ narrative. This happens in an orientalist landscape where the History of the Mediterranean acquires great importance and it is the last hope to the anguish of living.

L'ouvrage rassemble des pièces éparses de travaux conduits sur un quart de siècle à propos des représentations de l'Orient arabe et des échos ou remplois qu’elles connurent dans les régions dont elles à rendaient compte. Il s’attache à suivre dans toute leur variété les parcours biographiques de ceux qui les produisirent, auteurs connus ou au contraire insuffisamment identifiés, de façon à illustrer la multiplicité des modes de représentations et des itinéraires de ceux qui en furent les vecteurs.
Partant du principe que l'on peut représenter la même chose (mais avec des contraintes différentes) par les différents procédés de l'image - dessin, peinture, affiche, photographie -, par la description littéraire ou scientifique (spécialement, pour notre cas, l’ethnographie), il réfléchit sur les conditions d'élaboration des figurations du social dans l'histoire, et leur legs aux sociétés d'aujourd'hui.
C'est en effet un héritage difficile dont doivent traiter les Etats nouvellement indépendants, travaillés qu’ils sont par des recherches identitaires autant que par leurs confrontations à l'Occident, que d'avoir à traiter d'un stock documentaire, savant ou fantasmatique, produit dans le cadre de la curiosité coloniale, mais qui reste souvent le seul témoignage sur leur passé ou leur diversité interne.
Bien que ces interventions soient rangées en phases, en thèmes et perspectives (y compris quelques aveux biographiques), l’auteur assume ici la "stratégie du lièvre", soit une démarche cherchant à sillonner l’espace, la durée et les points de vue, sur un Orient qui doit en ressortir avec d’autant plus de relief.

L'aventure introduit dans la lecture, donc dans la vie, la part du rêve, parce que le possible s'y distingue mal de l'impossible .» Entre la vie quotidienne et les voyages exotiques 1 dans lesquels le danger et la mort peuvent frapper à tout moment, le lecteur n'est pas dupe de l'irréalisme des romans d'aventures. Toutefois, c'est là le propre de tout genre littéraire que de créer une invraisemblable vraisemblance qui ne fonctionne qu'à l'intérieur d'une oeuvre de fiction. La cohérence de la logique interne devient alors plus importante que le réalisme: «Que la vraisemblance soit sauve, tout au moins au début, et le lecteur se laissera entraîner dans les aventures les plus débridées », c'est là le pacte de vraisemblance du

Cet ouvrage, issu du travail de thèse, mobilise un certain nombre de textes et de lettres inédits pour questionner le « cosmopolitisme » d’un des plus célèbres passeurs de littérature étrangère de la première moitié du XXe siècle : Valery Larbaud. Toute la complexité de l’œuvre de cet écrivain, critique et traducteur tient à son traitement des frontières géographiques, politiques, littéraires ou linguistiques. Dans quelle mesure ce « métis des lettres » – dont le métissage s’avérera des plus calculés – s’ouvre-t-il à l’Autre et renouvelle-t-il la représentation littéraire autant que la traduction de l’étranger ? Quelles sont les révolutions et les réactions du cosmopolitisme larbaldien, dont les traits contradictoires réagissent à l’environnement intellectuel contemporain ? Substituant aux approches in vitro de l’œuvre larbaldienne sortie de tout contexte, une analyse in vivo rendant compte des mouvements mêmes de l’œuvre, cette étude entend défiger l’image de l’amateur cosmopolite.

Le roman a considérablement renouvelé son rapport aux espaces lointains au cours des dernières décennies. Du Proche-Orient au Far West ou aux déserts sahariens, les auteurs parcourent le monde à grandes enjambées mais informent un rapport souvent désabusé et volontiers critique face à des lieux uniformisés ou marginalisés par la mondialisation. À rebours de l'exotisme classique et de la littérature de voyage traditionnelle, ils récusent un rapport exalté aux espaces parcourus et explorent de nouvelles voies de décentrement et d'itinérance tout en renégociant les modalités esthétiques d'un désir d'altérité toujours vif. Les contributions réunies ici rassemblent des chercheurs internationaux et sondent ces nouvelles cartographies néo-exotiques, contre-exotiques, post-exotiques-à l'oeuvre dans le roman français et francophone.

Throughout his long career, Georges Moustaki was well known in France as a Greek singer, although this identification was never clearly established and the contours of his Greekness never well defined. This text aims to analyse the relationships between Moustaki and Greece by describing his family background and his experience as a singer and a militant, and the influence the social and ideological context had on the development of his career and the many ways in which he was identified. It is based on the analysis of a corpus of lyrics, interviews and biographical accounts in which Moustaki occasionally mentions his national or spiritual affiliations. In these various sources, Greece paradoxically appears as the land both of claimed roots and of an idyllic personal mythology. The variability of such self-identifications has to do with the specific environment of each interview and the different phases of his life.

Du croquis à la peinture à l’huile, restées à l’état original ou diffusées par l’intermédiaire de la gravure, seules ou en conjonction avec le récit viatique, les images du voyage en Orient véhiculent une image riche en contrastes et souvent ambivalente. Au siècle des Lumières, de l’Acropole et des Pyramides d’Égypte aux vestiges de l’Empire byzantin et aux prestiges de la Cour ottomane, il s’agit d’autant d’images apparemment disparates, mais qui proposent un regard nouveau sur l’Orient méditerranéen. Source d’inspiration et de réflexion pour les artistes et les architectes, les images viatiques, qui alimentèrent les débats artistiques de l’époque, sont un ensemble précieux et irremplaçable pour le géographe, l’historien, l’ethnologue et le littéraire. Dans une approche thématique de l’Orient méditerranéen, cet ouvrage traite successivement du paysage, de l’histoire naturelle, des vestiges antiques, de l’architecture moderne et des populations. Il s’attarde, en outre, sur les analogies, les divergences et la complémentarité des images viatiques françaises avec celles d’autres voyageurs notamment britanniques. Si l’iconographie viatique du XVIIIe siècle a repris et développé des stéréotypes existants, elle fut le témoignage d’un orientalisme précoce, original, coloré d’anciennes rêveries sur l’Orient des merveilles renouvelées par la civilisation ottomane et procurant aux restes de la Belle Antiquité le vernis de la nostalgie.

Die Redensart »sich von etwas oder jemandem ein Bild machen« meint nicht nur im übertragenen Sinne den Versuch, ein Anderes zu verstehen. Sie belegt auch begrifflich, dass ein essentieller As-pekt von Kunst, vom Bild als Medium, die Funktion von Erkenntnis durch Anschauung ist. Das " selbstgemachte " Bild vom Anderen, vom Fremden, kulminiert in der Geschichte des Galathea-Mythos. In schriftlicher Form findet sich die Geschichte über einen Künstler, der sich in eine von ihm geschaffene Statue verliebt und sie dadurch zum Leben erweckt, zuerst in Ovids Metamor-phosen. Seitdem ist das Thema nicht nur literarisch in Variationen immer wieder neu erzählt wor-den. Gerade die bildende Kunst hat sich des Motivs in jeder nur denkbaren Weise angenommen. Dabei ist die Geschichte von Pygmalion und Galathea nicht einfach nur eines unter anderen Motiven, die sich zur visuellen Darstellung eignen; Der Mythos stellt Fragen nach dem Sinn und Zweck von Kunst, nach den Voraussetzungen ihrer Entstehung und ergründet das Verhältnis des Kunstschaffenden zum Betrachter. Daher erfährt die Geschichte besondere Aufmerk-samkeit von der kunsttheoretischen Forschung, insbesondere der Rezeptionsästhetik. 1 Wenn es im Folgenden um das Bild des Fremden in Kunst und Ethnologie um 1900 geht, dann sollen dabei die Fragen, die der Galathea-Mythos aufwirft, behandelt werden. Davon ausgehend, dass die formale Verwandlung eines realen Ob-jektes in ein Objekt der Kunst oder Wissenschaft nicht ohne gewisse Übersetzungsprobleme vonstatten geht, werde ich zunächst Werk und Ar-beitsweise des polnischen Ethnologen Bronislaw Malinowski näher betrachten, der zu den Vätern der Ethnographie zählt. Danach werde ich am Beispiel einiger Exotisten zeigen, welches Bild vom 2 Fremden die Kunst um 1900 entwarf, um anschließend Vergleiche zwischen Kunst und Wis-senschaft zu ziehen. In beiden Fällen, der künstlerischen sowie der wissenschaftlichen Vereinnah-mung, stellt sich die Frage nach der Objektivität der Erkenntnis über das erwählte Objekt, bzw. sujét. Die Arbeit ist auch vor dem Hintergrund der aktuellen Debatte um die Objektivität oder den Wahrheitsgehalt von Text-und Bildmedien zu lesen.

Cet ouvrage propose de faire résonner les différents sens de la notion de « frontière », qu’elle soit nationale ou culturelle, éditoriale ou auctoriale pour explorer la question de l’érotisme dans la littérature française du XXe siècle. Une transgression érotique des frontières nationales est-elle possible dans un siècle nourri par la haine de l’Autre ? C’est aussi sur l’histoire de l’édition et de la réception des écrits érotiques que se penche cet ouvrage, en cherchant à ressaisir le mouvement par lequel la littérature érotique passe du secret au grand jour. Ce questionnement sur l’intégration d’espaces autrefois marginaux au champ de la littérature légitime invite ainsi à une réflexion sur la valeur et la définition du littéraire.

Héritier d’une importante fortune, le Genevois Gustave Revilliod (1817-1890) consacre sa vie, d’une part aux lettres et à l’édition, d’autre part à ses collections composées principalement d’arts appliqués et de beaux-arts. En philanthrope, il entend offrir ces dernières à l’étude comme à l’admiration de ses concitoyens. Dès 1866, il ouvre à des visiteurs choisis le premier «musée» qu’il a installé dans la demeure familiale de la rue de l’Hôtel-de-Ville. Dix ans plus tard, il se lance dans la construction d’un musée baptisé Ariana en mémoire de sa mère, dans le parc de Varembé, immense domaine familial sur lequel s’installera plus tard la SDN (devenue par la suite l’ONU). Ses voyages, en Europe, en Egypte et en Asie, seront l’occasion d’acquérir des objets d’horizons multiples qui témoigneront d’un goût profond pour la diversité humaine et ses talents variés. Légué à la Ville de Genève avec une grande partie des biens du mécène, le Musée Ariana sera peu à peu réorganisé et ses collections dispersées entre les autres musées municipaux. C'est à explorer leur disposition d'origine et ses significations que s'attache cet article.

The palm Amazonian fruit açai (Magnoliophyta: Arecaceae, Euterpe oleraceae Martius) has been applied in folk medicine.1 Nowadays, this exotic berry fruit is commonly used to make beverages (i.e. juices) and food preparations (e.g. ice creams).

Em seu ensaio intitulado “Milton Hatoum e o regionalismo revisitado”,
a crítica Tânia Pellegrini estabelece um vínculo estrito entre a escrita
hatoumiana e a estética regionalista. Nesse estudo, ela aponta também
para a existência de um “certo exotismo” nas obras romanescas de Milton
Hatoum, presente tanto nas situações narrativas ligadas às experiências
locais como nas que se inserem na problemática da alteridade. Para a
crítica, no entanto, o exótico em Milton Hatoum sofre um processo de
“relativização” na medida em que o universo amazonense evocado ao
longo do romance passa pelo olhar de personagens locais ou assimiladas
que, ao fazerem parte do espaço amazonense, não o idealizam, mas vêemno com a “lucidez melancólica” de quem o conhece.

Passeur de frontières et non démolisseur de celles-ci, comme on l’a trop souvent écrit, Larbaud ne pouvait se détourner d’un genre où s’exerce « le besoin fondamental de transgression », selon les termes de Breton. Cette contribution souligne combien les frontières identitaires – vêtements, corps et langues – sont, dans l’œuvre larbaldienne, consubstantielles au désir. Pas de désir chez Larbaud sans racines, pas d’érotisme sans exotisme.

in: Karine Rance et al. (eds.): La scène de la rencontre. Altérités en dialogue de l'Antiquité à nos jours, Clermont-Ferrand: Presses Universitaires Blaise Pascal, 203-223.

This paper deals with trafficked children in the Holy Roman Empire of the German Nation in the long 18th century. As the Holy Roman Empire was geographically at the margins of the transatlantic slave trade and as the trade in children was not linked to the issues of slave labour and plantation economies that have been extensively addressed in the research on slavery, this phenomenon has often been overlooked. From a German perspective, however, children were not just one group among others to be “brought back” from the colonies; in fact, trafficking in children was a striking feature of human trafficking to the Holy Roman Empire. In this article I discuss the reasons for and dimensions of the phenomenon and analyse the consequences for the children affected.

The Exposition Universelle of 1878 has been partially eclipsed in the historiography due to the great public success reached by others exhibitions that took place in Paris before and after that year. However, the 1878 exposition was really important. We make in this article a general revision of the contents of this exposition and we study in a more detailed way three special and outstanding contexts: the “Street of the Nations”, the colonial section and the Archaeology and Anthropology expositions.

RiCOGNIZIONI. Rivista di lingue, letterature e culture moderne, 3 • 2015 (11) LA CONSTRUCTION IDENTITAIRE EN POLYNÉSIE FRANÇAISE : CHRONOTOPES DE L'INSULARITÉ Paola CARMAGNANI ABSTRACT • Since its "discovery", Tahiti has been shaped by the colonial imagination as an exotic Eden where you could go back to the happy and motionless time of myth. Within this very space though, lie the seeds of another temporality that will eventually precipitate the exotic dream into the flow of History. Facing these colonial visions, Polynesians have shaped new geo-cultural representations, designed to found a national identity. These new narratives, however, seem to be trapped into a History where no decolonization process ever occurred and which keeps looking back to an original Eden forever lost.