Arte Contemporáneo Argentino

Desde sus orígenes hasta la actualidad, las residencias artísticas se han cimentado como uno de los elementos clave del campo artístico contemporáneo a nivel mundial. En el caso puntual de la Argentina, la historia de éstas se remonta a finales de la década de los noventa y llega hasta el presente con más de 40 residencias en funcionamiento a lo largo del país. Frente a la forzada interrupción de actividades a raíz de la pandemia del COVID-19, desarrollaron estrategias de trabajo y análisis interno que dieron lugar a la
posibilidad de tender vínculos, trabajar en red y poder identificar los principales desafíos a los que se enfrentan. De esta forma, las proyecciones a futuro de las residencias de la Argentina abren nuevas posibilidades en el campo cultural nacional.

Marcia Schvartz-ensayo biográfico hasta 2015 Arte Argentino Contemporáneo Dentro del escaso espacio que le ha dado la historia del arte argentino a las mujeres, Marcia Schvartz irrumpió en los ochenta, enérgica y talentosa para abrir camino y, a la vez, demostrar que la pintura seguía viva. Nació el 24 de marzo de 1955 siendo la menor de las tres hijas de Hebe Clementi, historiadora, y Gregorio Schvartz, editor. Su madre la llevó a tomar las primeras clases con el pintor Ricardo Carreira. Más tarde asistió a los talleres de la dibujante Rebeca Guitelzon y del escultor Luis Falcini. A los 15 años ingresó a la Escuela Municipal de Bellas Artes Manuel Belgrano donde fue compañera de los artistas Eduardo Stupía, Roberto Elía, Duilio Pierri, Jorge Pietra, Jorge Pirozzi y Felipe Pino, entre otros. En 1973, tras abandonar los estudios de arte, realizó un viaje por Brasil, Bolivia y Perú. Luego tomó clases con la grabadora Aida Carballo, a quien considera hasta el día de hoy 'su gran maestra'. Pasó fugazmente por los talleres de Jorge Demirjian y Luis Felipe Noé. También estudió cerámica, disciplina que desarrolló a partir de los noventa. Además de los artistas citados, en la producción de Marcia Schvartz pueden encontrarse referencias a la obra de Antonio Berni, tanto en su figuración crítica como en el uso de su técnica mixta que incorporaba objetos extra-artísticos; como también a Alberto Heredia y Norberto Gómez. Asimismo, la historiadora Viviana Usubiaga señaló que "su imagen fue influida por una serie de artistas, algunos de ellos amigos suyos, que forman una especie de coherente tradición contemporánea que la entronca con

El siguiente trabajo se propone realizar un análisis de la práctica y de la obra del artista plástico Santiago Erausquin, a partir de la lectura del artículo “Estudios Visuales y Políticas de la Mirada” (2006) de la autora franco-chilena Nelly Richard. La elección del tema se corresponde con afinidades particulares con los escritos de Richard y con la obra de Erausquin, pero también responde a la creencia de que entre ellos puede surgir un diálogo fructífero y dialéctico que aporte una nueva mirada en relación a la práctica del artista y su discurso.
El objetivo, entonces, fue confrontar un discurso teórico con el discurso que se desprende de una práctica artística y con la obra en sí misma, sin dejar de tener en cuenta que los objetos de análisis propuestos están interconectados y las diferencias de categoría entre ellos no responden más que a las necesidades de las disciplinas de las que provienen. La separación entre teoría y praxis es un punto de discusión cada vez más presente en el campo artístico y, en la comparación que se llevará adelante en este trabajo se verá cómo, en el cruce entre los discursos, las perspectivas se tocan en más de una ocasión. Así mismo se verá cómo la práctica de Erausquin es también una producción de sentido y una investigación, aunque sus elementos no sean las palabras.
El desafío principal del trabajo consiste en no forzar ni la obra ni el discurso de Erausquin para ponerlo en diálogo con las ideas de Richard, sino permitir que cada uno se manifieste en sus particularidades y que sea el diálogo fluido entre ellos el que permita arrojar luz sobre los puntos de contacto y las diferencias. Si bien el análisis es sobre la palabra de Erausquin en relación a su obra, es posible que este decir repercuta directamente sobre el hacer y por ende se generará una nueva lectura de la obra en sí.

En 2013 la obra Torso de Liliana Maresca fue adquirida por el Museo Nacional de Bellas Artes y actualmente se expone en la sala 40. Este hecho es un punto culmen de una serie de acciones y estudios que, desde mediados de los 2000, recuperaron la potencia de su obra y figura, que fuera prácticamente olvidada luego de su muerte en 1994. Desde entonces, se han publicado catálogos, artículos y ponencias que buscan reponer las claves de su poética, difícil de asir por efímera,
dispersa. Asimismo, algunos investigadores han propuesto una lectura de la producción de Maresca desde una perspectiva de género y de arte feminista. Hasta el momento no abundan trabajos que seleccionen una obra en particular de la artista y profundicen en su estudio.
En la presente ponencia nos interesa ahondar en los discursos, sensibilidades e imaginarios que Torso despierta en relación al concepto de cuerpo, teniendo en cuenta su actual inscripción
institucional. Nos proponemos recorrer el diálogo que, desde las paredes del MNBA, la obra establece con la tradición argentina del desnudo como género artístico. Observamos que Torso introduce por primera vez en el recorrido del museo una modulación singular del concepto de cuerpo. Dicha singularidad implicaría una integración sísmica de formas asociadas a lo femenino y formas asociadas a lo masculino. Proponemos que Maresca diseñó un cuerpo transgresor, sexuado en lo diverso, es decir, un temprano dispositivo condensador de los abordajes críticos de la sexualidad que emergieron en los años ‘80 y se extendieron en los ‘90. En este sentido, proponemos que la experiencia informalista del arte argentino y el acercamiento a la exploración biomórfica de Emilio Renart, toman en el Torso de Maresca resoluciones iconográficas completamente revolucionarias.

Resumen: El trabajo pretende explicar el modo en que surge la importante colonia judía en la Argentina como fruto de la emigración y del proyecto de asentamiento agrícola. Se trata de una comunidad cuya identidad se redefine a la par que la del país durante el siglo XX, dejándose influir por las circunstancias sociales, políticas y culturales nacionales o extranjeras. Estas circunstancias, que determinan la configuración temática en su expresión artística, permiten la producción de un arte puramente hebreo sin dejar de ser esencialmente argentino. Los artistas, mujeres en su mayoría, se forman en los diversos lenguajes internacionales accediendo a los circuitos del arte latinoamericano, israelí, europeo y norteamericano, sin ningún tipo de complejo cultural.
Palabras clave: Inmigración, colonia agrícola, Argentina, arte judío, identidad, siglo XIX, siglo XX.
Abstract: This paper aims to explain the way in which the important Jewish colony in Argentina arose as a result of emigration and the project of agricultural settlement. It is a community, whose identity is redefined at the same time as the country during the twentieth century, allowing itself to be influenced by national or foreign social, political and cultural circumstances. These circumstances, which determine the thematic configuration in artistic expression, allow the production of a purely Hebrew art without ceasing to be essentially Argentine. The artists, mostly women, are trained in the different international artistic languages accessing circuits of Latin American, Israeli, European and North American art, without any kind of cultural complex.
Keywords: Immigration, agricultural colony, Argentina, Jewish art, identity, 19th century, 20th century.

El siguiente trabajo se inscribe en el contexto argentino de la crisis socioeconómica del 2001, un punto clave en la historia del país. En unas pocas semanas, la convertibilidad peso- dólar había desaparecido, fugas masivas de capital ocurrían, los bancos habían bloqueado los retiros de dinero, el presidente de la nación se había retirado de la Casa Rosada en helicóptero y comenzaban a emerger manifestaciones, protestas, saqueos y robos en muchas partes del país. La situación económica permeó completamente la sociedad, que fue forzada a reformularse, adaptarse y organizarse a niveles mucho menores. La crisis afecto cada ámbito y esfera argentina; sufrió tanto la industria como la cultura y el arte, dejando a casi la mitad de los argentinos bajo la línea de pobreza. Un fenómeno particular en el sector anteriormente mencionado fue la conformación o solidificación de colectivos y grupos artísticos y el gran caudal de proyectos que los conectaban con públicos y espacios mucho más abiertos que los de épocas anteriores. Con el objetivo de abordar las problemáticas, los proyectos y el impacto de los colectivos artísticos en la esfera cultural argentina, en este trabajo se explorarán tres ejes que sostienen el marco en el cual se inserta el tema.
El primer eje abordará las consecuencias de las situaciones de crisis en las manifestaciones artísticas y culturales a nivel general y luego focalizándose en los efectos en diferentes países latinoamericanos. Esto resulta importante para plantear una base de elementos o secuelas en común que se pueden manifestar en una variedad regiones y épocas. Asimismo, podremos explorar los casos argentinos antes de su última crisis en el 2001, para nuevamente trazar paralelos entre las dos situaciones.
El segundo eje busca explorar las relaciones entre los artistas y las audiencias adentrándose en los albores de la estética relacional y el arte participativo. Este eje conceptual, permitirá abordar textos de crítica de arte, incorporando al proyecto vocabulario, referencias y nociones que servirán para describir e interpelar al tema central de la tesis, los colectivos artísticos, de manera más precisa. Si bien no todos los grupos se involucran en prácticas participativas, podemos encontrar una vasta cantidad que sí lo hacen. El cambio paradigmático en este sistema de producción también modifica la concepción de la obra de arte: el resultado final no es lo único valorado, sino también se puede tomar en cuenta el proceso. Para comprender las acciones de los colectivos artísticos argentinos del 2001 es importante tener en cuenta las nociones de autoría como también las relaciones con el
público/participante: ambas provistas por el bagaje teórico de la estética relacional. El énfasis reside en estudiar la manera en la cual los artistas colaboran con una variedad de personas en diferentes disciplinas tales como la música o la ciencia e inclusive con aquellos fuera de cualquier campo artístico o cultural.
El eje final se adentra en la conformación de los colectivos en sí. Trazando un panorama general de los primeros grupos artísticos en la historia, se repasan una serie de prácticas colaborativas y se ejemplifican en una variedad de proyectos de trabajo común. La idea es tener una idea clara de las distintas maneras de producir grupalmente para luego examinar bajo esta luz a los colectivos artísticos argentinos.
Mediante estos tres ejes, se busca tomar en cuenta la producción critica, literaria e histórica del tema para lograr un mayor entendimiento de esta nueva era de elaboración artística, colaboración y vinculación aún más profunda del arte con la vida cotidiana. Las ideas servirán como un apoyo para luego analizar detenidamente las acciones, identidades, objetivos y procesos de cuatro colectivos argentinos que surgen en el periodo que rodea a la crisis del 2001. Se busca, mediante los lineamientos generales, dejar un mapa de lecturas, conceptos, contextos y situaciones que nos permitan abordar el tema principal del trabajo desde un punto de vista interdisciplinario, variado y claro.

a principios de la década de 1950, algunas galerías de arte adoptaron una particular modalidad de exhibición de objetos artísticos que, programática y a la vez pragmáticamente, se desarrollaba en una instancia temporal precisa: el fin de año. al promediar la década, las exposiciones-feria de navidad y año nuevo eran reconocidas como parte "habitual" del calendario artístico, una "excelente iniciativa creada hace muy pocos años [que] se ha hecho ya una tradición entre nosotros". 1 a modo de oferta comercial navideña se presentaban distintos objetos artísticos, producciones "menores" dentro de la implícita jerarquía de las artes plásticas: obras gráficas y cerámicas junto a libros de arte, tapices y, eventualmente, biombos, bandejas y joyería diseñada por artistas poblaban las galerías en el mes de diciembre. a partir del repaso de esos eventos, el cronista de la sección "Cuadros y exposiciones" destacaba, en la edición de La Razón del 2 de enero de 1956, el espacio ganado por estas producciones en la cartelera porteña: la presencia del dibujo, de la estampa, de la cerámica, en proporción notable con respecto a la pintura y a la escultura, constituye acaso el rasgo más saliente de la temporada de exposiciones que está finalizando. Era realmente hora de que estos géneros que cuentan entre nosotros con extraordinarios creadores, ocuparan el lugar que al fin consiguieron. De este modo, es seguro que llegaremos a ver en las colecciones estas expresiones del arte que, en general, no habían merecido la atención del coleccionista.

En los últimos años del S.XX la Argentina se encuentra gobernada bajo los ideales del neoliberalismo económico y político. Desde las artes visuales los artistas se manifiestan con nuevas formas estéticas ligándose con jóvenes instituciones. Crean producciones simbólicas que reflexionan sobre el mundo expuesto a la proliferación y al poder de las imágenes; con una mirada sagaz discuten la historia. Englobados en distintos estilos analizaremos las obras de Marcos López, Marcelo Pombo, Omar Schirillo, Alejandro Kuroptawa, Lliana Maresca y Feliciano Centurión. Discutiremos la mirada de la crítica del período y el uso de los términos de Light, kitsch, Guarango y Diet para definir sus obras. Proponemos cruces y relaciones con la pervivencia del concepto de neobarroco, planteando que los artistas utilizaron distintas estrategias para develar una crítica despiadada a la idiosincracia de la sociedad de la época.

A partir del análisis de la serie El bestiario del artista argentino Jorge de la Vega, realizada entre los años 1963 y 1966, y una selección del bestiario existente en los relieves de capiteles, y otros elementos arquitectónicos, del período Románico en España, se planteó la existencia de un "diálogo" entre éstas expresiones en las que, más allá de diferir en tiempo, espacio, materia y técnica, perviven figuras similares con igual sentido: el de ser un monstruo.

Catálogo del 11° Premio Itaú de Artes Visuales, con ensayo general sobre las circunstancias del Premio, núcleos curatoriales y análisis de las sesenta y cuatro obras finalistas. Además imágenes de los trabajos acompañadas de comentarios de sus creadores, enlaces a videos, biografías, dictámenes y comentarios de los jurados.
Núcleos curatoriales: Incidencias socioeconómicas; Naturaleza: señalamientos e interpelaciones; Género, transculturaciones y desobediencias; Ejercicios de memoria, de la autobiografía a la historia; Materiales, procedimientos y simulacros; Puesta en escena, gestualidad y relatos; Universos culturales: identidades, reconocimientos y manipulaciones.

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação Interunidades em Estética e História da Arte da Universidade de São Paulo para obtenção do título de Mestre em Estética e História da Arte.
Área de concentração: Teoria e Crítica de Arte
Orientadora: Profa. Dra. Maria Cristina Machado Freire

Conceitualismos em trânsito: intercâmbios artísticos entre Brasil e Argentina na década de 1970 – MAC USP e CAYC. São Paulo, 2015. 213 p. Dissertação (Mestrado em Estética e História da Arte) – Programa de Pós-Graduação Interunidades em Estética e História da Arte da Universidade de São Paulo.

Esta dissertação apresenta uma reflexão sobre o intercâmbio artístico realizado entre São Paulo e Buenos Aires, no decorrer da década de 1970. Essa rede de trocas está focada no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP), sob a gestão de Walter Zanini, e no Centro de Arte y Comunicación (CAYC), dirigido por Jorge Glusberg. Para tanto, iniciamos com um breve estudo sobre as políticas de modernização cultural na Argentina e no Brasil, desde a fundação das primeiras instituições de caráter moderno, nas décadas de 1950 e 1960. Nessa trajetória, traçamos os locais na Argentina onde houve o estímulo às novas vanguardas, desde a ascensão da pop art até a desmaterialização do objeto artístico. Sabemos que o MAC USP e o CAYC constituíram-se como plataformas interdisciplinares e multimídias fundamentais para a ampliação e o incentivo das práticas experimentais, sobretudo da arte conceitual. Desse modo, estabeleceram-se como importantes polos de arte contemporânea na América Latina nesse período. Procuramos analisar os interesses particulares de ambas as gestões, o perfil institucional e os mecanismos de divulgação e circulação das propostas conceituais amparadas pelas duas entidades. E, por fim, mapeamos a presença dos artistas argentinos do Grupo de los Trece, ligados ao CAYC, no acervo do MAC USP.

Palavras-chave: Arte Conceitual, Arte Latino-Americana, Exposições de Arte.
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Conceptualisms in transit: artistic Exchange between Brazil and Argentina in the 1970s – MAC USP and CAYC. São Paulo, 2015. 213 p. Dissertation (Masters in Esthetics and Art History) – Interunits Postgraduation program in Esthetics and Art History, Universidade de São Paulo.

This dissertation offers a reflection on the artistic exchange occurred between Sao Paulo and Buenos Aires in the 1970s. This reciprocal network is centered in the University of Sao Paulo’s Museum of Contemporary Arte (MAC USP), under de auspice of Walter Zanini, and in Buenos Aires’ Art and Communication Center (CAYC), directed by Jorge Glusberg. We begin with a brief study of cultural modernization programs in Brazil and Argentina, as of the establishment of the first institutions of a modern nature, in the 1950s and 1960s. In this trajectory we map venues in which new avant-garde were stimulated, from the dawn of pop art to the dematerialization of the artistic object. We demonstrate that MAC USP and CAYC established essential interdisciplinary and multimedia platforms aiming at amplifying and motivating experimental practices, especially concept art, thus constituting important loci of contemporary art in Latin America at that time period. We aim to analyze the particular interests of each administration, their institutional profile and mechanisms to broadcast and promote conceptual propositions sustained by each organization. Finally, we trace the presence of Argentine artists of Grupo Los Trece, associated to CAYC, in MAC USP’s collection.

Key-words: Concept Art; Latin-American Art; Art Exhibits.

El análisis propuesto para este ensayo temático se centrará en la obra de Soledad Dabhar  “Still Life” del año 2011, vinculando las prácticas propuestas en esta video instalación, con modos de ver y de representación presentes en la cultura barroca.

Capítulo del libro Artistas y viajeros. Recorridos, migraciones y exilios en la cultura argentina del siglo XX; producto de proyectos de investigación en torno al tema de distintas formas del viaje como motor de la producción artística contemporánea. Se trabaja aquí la figura pionera del argentino Carlos Ginzburg, con su work in progress "Voyages" (1972-1982).

Pensar la obra de Omar Schiliro tropieza ante la dudosa posibilidad de construir hipótesis que se aproximen a la comprensión de lo excepcional. En primer lugar perturba, como en otros casos que ofrece la historia, el enorme contraste entre una vida trágica y el esplendor de su arte. Sus incesantes intentos de reparar daños tempranos, profundos, que lo llevaron a la búsqueda permanente de afecto, finalmente su muerte prematura, todos esos elementos están presentes, como estudió Norbert Elias, en la vida de Mozart 1 . Pero si en el caso de Mozart su amarga existencia puede percibirse en algunas de sus últimas obras como el Réquiem, no existen huellas en las obras de Schiliro ni de su niñez durísima ni de los múltiples rechazos a los que se vio expuesto, tampoco de su enfermedad ni del pánico que pudo haber sentido ante la conciencia de que la muerte lo encontraría prontamente. Sólo un arduo trabajo de transformación interior pudo llevarlo a ese estado del espíritu.

El siguiente trabajo está referido a una serie de discursos críticos hacia el arte argentino en los noventa y toma como materia de análisis tres su- cesos que tuvieron lugar en Buenos Aires durante el año 2003. El pri- mero corresponde a la muestra Subjetiva 1999-2002. Belleza y Felicidad en retrospectiva, curada por Emiliano Miliyo; el segundo a la muestra Ansia y Devoción curada por Rodrigo Alonso y el tercero al debate Ar- te Rosa Light y Arte Rosa Luxemburgo que tuvo lugar en el Malba y fue organizado por Sebastián Codeseira y personas vinculadas al Proyecto Venus y a la Fundación Start. Hemos asumido el recorte del objeto de estudio, “arte de los 90”, tal y como fue realizado por diversos trabajos publicados hasta la actualidad a los que hemos tenido acceso. Estos enfoques asumen como un hecho el vanguardismo de la llamada “generación del Rojas” en lo que hace a la definición estética de la década. Es decir, cuando hablamos de arte de los noventa o de arte light, nos referimos a ciertos elementos estéticos que han sido agrupados bajo esa denominación, tomando como parámetro una simplificación abstracta del estilo de las obras que fue- ron expuestas en la galería del Centro Cultural Ricardo Rojas que funcionó entre 1989 y 1994, a cargo de Jorge Gumier Maier. Entendemos que de por sí este recorte puede ser visto como arbitrario, sin embargo, nuestro propósito no es cuestionar la validez del mismo sino reflexionar acerca del marco social que dio lugar a su construcción y a la lectura realizada por los críticos. En ese sentido, el considerado arte light, funciona como un concepto a deconstruir, intentando dar cuenta de las relaciones de poder que han posibilitado su emergencia como objeto de análisis y como sujeto moralmente punible.

Resumen La transición del siglo XX al XXI dio lugar a uno de los cambios fundamentales en las artes de la Región Nordeste argentina: la irrupción del paradigma estético del arte contemporáneo. Nuevos lenguajes y modos de experiencia estética aparecieron en las artes de esta región a partir de diferentes procesos que afectaron la escena artística. Surgieron entonces dos formas principales de expresión artística que tratan sobre asuntos y problemas específicos de la región: por un lado el cuestionamiento del status artístico de las obras, los tipos sociales y las particularidades de las culturas locales y por otro, la participación activa y de conciencia de género de mujeres que ensayaron propuestas estéticas que cuestionaron las instituciones y operaron con sentido crítico sobre las formas del arte predominante entre las capas sociales medias. El objetivo de este trabajo se centró en la reflexión y análisis crítico de los procesos de transformación estética de las artes del Nordeste argentino de las últimas tres décadas, vinculado a la aparición de obras que se expresaron sobre la identidad cultural y los imaginarios sociales desde las artes visuales. Las piezas artísticas fueron analizadas a partir de la base del método iconográfico y el apoyo en la crítica feminista del arte, que aporta una perspectiva que valora las condiciones de producción y el lugar de enunciación de sus autoras y autores. Las artes visuales del Nordeste de los últimos veinte a treinta años, condensaron propuestas heterogéneas, algunas de carácter efímero y precario, que desafíaron los procesos de patrimonialización de las instituciones artísticas, al tiempo que promovieron la reflexión sobre el/ los lugar/es de circulación del arte y la relevancia/obsolescencia de las instituciones artísticas del Nordeste en el siglo XXI

Este artigo apresenta uma reflexão sobre o intercâmbio artístico entre o MAC USP (Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo), dirigido por Walter Zanini e o CAYC (Centro de Arte y Comunicación), sob a gestão de Jorge Glusberg, ao longo dos anos de 1970. Sabe-se que ambas as entidades se constituíram como plataformas interdisciplinares e multimídias fundamentais para o incentivo das práticas experimentais na região. Essa rede contribuiu para sedimentar a expansão de “um território dialógico transnacional”, que gerou diferentes experiências, sobretudo, a busca pelo diálogo “sensível ao problema cultural latino-americano”, conforme escrevera Zanini em correspondência ao argentino. Para analisar esse câmbio, apontaremos algumas mostras e artistas que passaram pelas duas instituições, tendo como foco a trajetória de Glusberg no Brasil, por meio do MAC USP e da Bienal Internacional de São Paulo. Se deter nessas redes nos auxilia na compreensão dos pontos de convergência institucionais que envolviam a organização de mostras, a proximidade teórica por certos tipos de debate e reflexões da época e, principalmente, as possibilidades de trocas artísticas.
Palavras-chave: Jorge Glusberg, Walter Zanini, Bienal de São Paulo, Década de 1970, Arte Conceitual.

Abstract
This article aims to present a reflection about the artistic exchange between MAC USP (Museum of Contemporary Art of Sao Paulo University) directed by Walter Zanini and CAYC (Art and Communication Center), under the management of Jorge Glusberg, over the 1970’s. As we know, both institutions were conduct as interdisciplinary and multimedia platforms, which encouraged experimental practices. This network contributed to solidify the expansion of “transnational dialogic territory”, which generated different experiences, especially the search for a dialogue “sensitive to cultural Latin American proble,” as Zanini wrote in correspondence to the argentine. To analyze this exchange, we will point out some exhibitions and artists who passed by both institutions, focusing on the trajectory of Glusberg in Brazil, through the MAC USP and the International Biennial of São Paulo. Considering those networks closely help us to comprehend institutional convergences and statements that involves organizing expositions; the theoretical proximity with determinate subjects and themes and, most of all, the possibilities of artistic interchanges.
Keywords: Jorge Glusberg, Walter Zanini, Bienal de São Paulo, 1970’s, Conceptual Art.

16 de marzo al 7 de abril de 2017-Granada Gallery-Buenos Aires El denominador común en el corpus de obras de Silvia Gai es la experimentación con lo orgánico que fluctúa entre lo humano, lo animal y lo vegetal según las variaciones de las búsquedas que la ocupen en cada momento. Se posiciona en el arte textil desde los noventa hasta la actualidad como una artista inagotable que increpa permanentemente materiales y técnicas creando métodos propios de producción, que incluso trascienden al objeto-obra e involucran al emplazamiento. En esta exposición conviven dos series precisamente vinculadas desde sus diseños orgánicos. El enorme Nido 1 de la intervención Bosque mineral 2 configurado a modo de una red, que puede expandirse o encogerse de acuerdo al espacio, admite incontables aspectos. Con esta pieza Gai llega por primera vez a desarrollar una obra textil de grandes dimensiones-400 x 200cm-siguiendo a aquellas de los cortes histológicos que realizó durante la década de 2000. Nido con doble entrada, Nido con huevo y Nido ocupado están tejidos con hilos y alambre de cobre y lurex, y se asemejan a los nidos colgantes que las aves construyen en las ramas de los árboles. En estos se hace evidente la estructura protectora a modo de ambiente contenedor que alberga la vida cual útero desde la gestación y que, con la apariencia de

Através da apresentação do trabalho de arte Tucumán Arde, realizado em 1968, na cidade de Rosário, Argentina, o texto recupera o debate sobre como as produções artísticas e as exposições de arte respondem à política de seu tempo. Tucumán Arde propôs ampliar os limites da arte por meio da incorporação de novos procedimentos e materiais que incluíam a política com o objetivo de incidir nas dinâmicas de transformação social e dialogar com um público de fora do sistema e dos circuitos internacionais da arte. Este texto constitui-se de duas partes, uma introdução e uma montagem com textos e imagens que apresentam personagens e acontecimentos desta história.

Este libro reconstruye, a partir de abundante documentación acopiada a ambos lados del Atlántico, el periodo hasta ahora quizá más oscuro en la trayectoria del artista Manuel Ángeles Ortiz: sus años de exilio en la Argentina, a partir de su llegada a Buenos Aires en 1939. Examina con detalle las múltiples acciones y el papel desempeñado por Ángeles Ortiz en el rico contexto del arte y la cultura argentinas de su tiempo, a la vez que se recupera de la dispersión y del olvido la amplia fortuna crítica de que gozó su obra en aquél país. Analiza su producción argentina como parte de un trayecto continuado de modernidad, iniciado en Europa antes de su exilio sudamericano, y proseguido luego de su retorno desde el mismo. Tras este, a partir de los años 50, varias de las series elaboradas por Ángeles Ortiz evidencian vínculos y deudas con lo aprehendido y desarrollado en la Argentina.

Artista visual nacido en Sauce, Blas Aparecido dialoga en esta entrevista sobre su producción que entrecruza lenguajes, temporalidades y técnicas y realiza apropiaciones  en clave kitsch-camp de iconografías divinas y prácticas de vinculación con lo sagrado. Habla de la relación de  su obra con el ritual y la exploración de identidades diversas y la espiritualidad más allá de los dogmas.

El texto analiza el énfasis semiótico de un sector de las prácticas de la vanguardia argentina de los años sesenta. Esas prácticas, inspiradas en la lectura de autores como Roland Barthes, se articularon en torno a conceptos como “discontinuidad” y “deshabituciación” para dar lugar a una serie de planteamientos sumamente novedosos en el contexto de la emergencia internacional del arte conceptual. Las propuestas de artistas e intelectuales como Ricardo Carreira, Roberto Plate u Óscar Masotta permitieron abordar las relaciones entre arte y lenguaje desde una perspectiva novedosa, que mani esta puntos de conexión, pero también profundas diferencias, con las obras de los artistas conceptuales anglosajones, habitualmente asociados al canon tautológico de las prácticas desmaterializadas. Ese análisis lingüístico fue acompañado, en el caso argentino, de una crítica de los medios que, sin duda, constituye una de las características más originales de la vanguardia del momento y que dio lugar a colectivos de experimentación de los cruces entre el arte y la comunicación como el grupo “Arte de los medios de comunicación”, integrado por el propio Masotta, los artistas Roberto Jacoby y Eduardo Costa y el periodista Juan Risuleo.

The text analyzes the semiotic focus of the avant-garde practices in Argentina during the sixties. These practices, inspired on the studies of authors such as Roland Barthes, were articulated around concepts like “discontinuity” and “de-habituation” to give rise to a series of highly innovative approaches in the context of international emergence of conceptual art. Proposals from artists and intellectuals such as Ricardo Carreira, Roberto Plate or Oscar Masotta allowed to address the relationships between art and language from a new perspective, which shows connection points, but also deep differences, with the works of conceptual artists in United States and Britain, usually associated with the tautological canon of dematerialized practices. That linguistic analysis was accompanied, in the case of Argentina, with a critique of the media. This is one of the most unique features of the vanguard of the moment and led to collective experimentation between art and communication as the group “Art of the media “, composed Massota own , artists Roberto Jacoby and Eduardo Costa and journalist Juan Risuleo.

Las artes multimediales son un campo emergente en la educación universitaria al día de hoy. La educación artística no son manualidades, tampoco es diseño, pero necesita de una estructura comunicación para alcanzar a su público lo que sucede solo si lo hacemos y tendremos que lidiar con todas las emociones que esto conlleva. Pensamos en la experiencia curricular de pensar en Artes Multimediales dentro de la Universidad de Palermo, como construcción de un propósito compartido desde injertar experiencia y emoción. En la inmediates de repensar el arte desde la auto eficacia de los alumnos y el docente revisamos aportaciones desde lo emocional y desde el aprendizaje experiencial en la enseñanza, de recepcionar y trasmitir arte. En la inmediates de repensar el arte desde la auto eficacia de los alumnos y el docente revisamos desde la educación emocional y desde el aprendizaje experiencial en la enseñanza para recepcionar y trasmitir. Las artes multimediales son un campo emergente en la educación universitaria, práctica en trasformación. La educación artística no son manualidades, tampoco es diseño, pero necesita de una estructura comunicación para alcanzar a su público lo que sucede solo si lo hacemos y tendremos que lidiar con todas las emociones que esto atrae. Pensamos en
la experiencia curricular, como construcción de un propósito compartido al injertar experiencia y emoción.

PROYECT  #SEVEN -2019 2020
#newbody #newworld #socialbody
Art, body and technology

Between December 2019 and all of 2020, from the quarantine of the Coronavirus pandemic, I developed a series of digital videos with animations format for the I Phone platform and future video installations, reconstructing the technological bonds based on mandatory social isolation. (ASPO)
I developed a critical technological theory about a new body, a new world and a new social body, a new society in the context of medicalization and population control, a biopolitical perspective according to Foucault.
Think the body, technology and society so that people and I can feel better about the pandemic social crisis.
Art as healing and social politics of the bodies.

Fabiana Barreda

En los últimos años del S.XX la Argentina se encuentra gobernada bajo los ideales del neoliberalismo económico y político. Desde las artes visuales los artistas se manifiestan con nuevas formas estéticas ligándose con jóvenes instituciones. Crean producciones simbólicas que reflexionan sobre el mundo expuesto a la proliferación y al poder de las imágenes; con una mirada sagaz discuten la historia. Englobados en distintos estilos analizaremos las obras de Marcos López, Marcelo Pombo, Omar Schirillo, Alejandro Kuroptawa, Lliana Maresca y Feliciano Centurión. Discutiremos la mirada de la crítica del período y el uso de los términos de Light, kitsch, Guarango y Diet para definir sus obras. Proponemos cruces y relaciones con la pervivencia del concepto de neobarroco, planteando que los artistas utilizaron distintas estrategias para develar una crítica despiadada a la idiosincracia de la sociedad de la época.