Alberto Savinio

Questa Nota rielabora, con lo stimolo di nuovi, inediti documenti custoditi rispettivamente presso il Fondo Savinio (Archivio Contemporaneo A. Bonsanti del Gabinetto G.P.
Vieusseux, Firenze; qui AS) e presso l’Archivio di Valentino
Bompiani (Fondazione « Corriere della Sera », Milano; qui
FB), alcune idee svolte nel saggio Nationalismus und Europäismus in Savinios Essays nach dem Ersten Weltkrieg, uscito negli Atti del Convegno di Osnabrück del 2002 (Savinio Europäisch, a cura di Andrea Grewe, in collaborazione con Sabine Kleymann, Erich Schmidt Verlag, Berlin, 2005, pp. 21-36) e nell’intervento tenuto al convegno 1943-1944 Roma occupata
– Roma alleata il 3-4 giugno 2014 in occasione dell’anniversario
della Liberazione di Roma.

Qual è stato l'atteggiamento della stampa del tempo fascista nei riguardi della danza teatrale? Quali i discorsi, le istanze e l'immaginario che, sull'argomento, emergono dalle colonne di quotidiani e periodici? Il volume affronta simili questioni mediante l'analisi di un'imponente mole di documenti quasi totalmente inediti e capaci di aprire prospettive inusuali sulla danza italiana del primo Novecento. Dal riconoscimento della danza come autentica forma d'arte alla contrapposizione (spesso violenta) fra "tradizione" italiana e "modernità" straniera, dalla difesa della tecnica accademica all'apprezzamento per forme di danza "libera", infatti, la stampa intercetta, filtra e rielabora processi culturali di ampia portata, la cui complessità è qui presa interamente in carico e restituita mediante una costante lettura critica delle fonti. Ne risulta un lavoro intimamente "corale", in cui le voci di anonimi cronisti si intrecciano con quelle di uomini di teatro e di artisti di spicco e che, proprio in virtù del suo carattere polimorfo, riesce forse ad aprire uno squarcio sulla contraddittorietà di un'intera epoca storica, il tutto mantenendo sempre fermo il punto di vista, volutamente e proficuamente "minore", sul corpo che danza.

recensione a Maria Elena Cialente, L’altro e l’assente. Fantastico italiano del Novecento, Solfanelli, Chieti, 2017,
in Quaderni d’altri tempi, dicembre 2017, ISSN 1970 - 3341 http://www.quadernidaltritempi.eu/la-mente-la-morte-e-il-fantastico/

Oggetto di analisi sono le riscritture della favola apuleiana di Amore e Psiche in 'Angelica e la notte di maggio' e in 'La nostra anima':
alla luce delle riflessioni di Savinio nella prosa 'Metamorphoseon', vengono valorizzati gli 'agganci' con il testo antico, sia di natura tematica che stilistica: in 'La nostra anima', in particolare, la tecnica del 'pastiche' consente di integrare nella prosa saviniana sia lunghe citazioni latine, sia stralci di traduzione del testo apuleiano (identificata in quella di M. Bontempelli per la 'Collezione  Romana' di E. Romagnoli). La riscrittura di Savinio risulta 'corrosiva' non tanto nei confronti del testo antico, quanto di una certa lettura 'à la mode', pesantemente influenzata dall'estetismo dannunziano.

editore di Luciano. Un percorso attraverso le lettere Quale utilità possono recare le opere di Luciano al secolo presente, ed alla nazione degl'Italiani, pei quali è fatta questa traduzione? Credenze, sapere, costumi, lingua, tutto ora è mutato e diverso dall'antico; pure i vizi e le sciocchezze che Luciano derise, rimangono e rimarranno sempre, sebbene piglino altre forme: e la verità che egli disse, siccome non era nuova al suo tempo, così non è vecchia nel tempo nostro, e giova sempre ripeterla (SETTEMBRINI 1861, p. 167).

Alberto Savinio (Atene 1891 - Roma 1952)1 - pseudonimo di Andrea De Chirico - si è rivelato una delle personalità più poliedriche e geniali del panorama artistico italiano ed europeo del Novecento. Saggista intelligente e raffinato, pittore, scrittore e musicista, dal 1945 egli impegna quasi tutte le proprie risorse artistiche nell'ambito della comunicazione, attraverso i giornali, il teatro, la radio, il cinematografo - cosciente del compito civile dell'artista, soprattutto in un'epoca che sanciva (o sembrava sancire) definitivamente la fine dei "modelli" occidentali - stato, famiglia, chiesa... e, più in profondità, Dio stesso. Lungi dal voler proporre con la propria opera altri modelli, l'impegno di Savinio si esplica soprattutto nel proclamare questa nuova situazione storica e nell'esortare i propri contemporanei ad accettare positivamente questo 'orfanismo' per tramutarlo in uno strumento di libertà e di dialogo interpersonale e interculturale. Significativi sono i suoi scritti sulla "sorte dell'Europa",2 che egli auspicava unita e liberata dai conflitti e i regionalismi che la dilaniavano - e la dilaniano tuttora.
La coscienza di un'assenza di centro nell'esistenza e dunque nella cultura, porta Savinio a non attribuire un primato alle differenti forme d'espressione artistica, ma a spaziare dall'una all'altra, proclamandosi polemicamente - in tutte - "dilettante". Emblematico è il caso della breve opera lirica Orfeo vedovo, del 1950, di cui è contemporaneamente librettista, compositore e scenografo e in cui, con un procedimento tipico in moltissime sue produzioni, riporta il mito classico a dimensioni contemporanee e borghesi, fortemente connotate in senso comico.

Contributi culturali (il commento e la traduzione di una scelta di scritti saggistici relativi alle opere saviniane "Ascolto il tuo cuore, città" e "Souvenirs") trasmessi nelle due puntate monotematiche del programma "Diari e lettere" ("Dnevnici i pisma") sulla Terza rete della Radio croata e successivamente pubblicati in rivista.

Questa tesi si concentrerà su un’opera per il teatro di Savinio, l’Alcesti di Samuele, scritta tra il 1947 e il 1948, edita nel 1949 da Bompiani e successivamente da Adelphi (1991), e dopo travagliate vicende, messa in scena nel 1950 al Piccolo Teatro per la regia di Giorgio Strehler, riscuotendo tuttavia aspre critiche da parte della critica e del pubblico stesso. Malgrado ciò credo che quest’opera offra spunti molto interessanti su numerose tematiche che verranno analizzate: la Guerra, il ricorso al Mito e l’impossibilità del “tragico” nell’Europa contemporanea, la famiglia borghese come istituto conservatore dei costumi in un’epoca segnata da una profonda crisi civile e sociale, riflessioni sulla vita e sulla morte. Nell’analisi di un’opera così densa è stata utile la lettura parallela di alcuni saggi di Alberto Savinio raccolti sotto il nome di “Sorte dell’Europa”, nei quali l’autore esprime con originale lucidità la situazione storica, politica e sociale dell’Europa, suggerendo le possibili vie d’uscita dal clima del conflitto mondiale, sotto il segno di una confederazione di Stati in un unico organismo politico ed economico europeo.
Soluzione oggi come allora di grande attualità.

La cultura dei primi anni Venti del Novecento è illustrata attraverso la documentazione offerta dalle collaborazioni di Alberto Savinio ai due quotidiani filo-governativi, la cui terza pagina era diretta da Ardengo Soffici. In appendice l'elenco degli articolo di Savinio pubblicati su "Nuovo Paese", "Corriere Italiano" e "Galleria" tra il 1923-1924.

Rappresentato la prima volta postumo nel dicembre del 1954 a Bologna, e pubblicato su Sipario nel 1948, un mese dopo l'omonimo racconto apparso tuttavia in prima stesura sul Corriere d'informazione col titolo emblematico Morte ammazza noia, e successivamente nella raccolta Tutta la mia vita del 1953, col titolo sintetico La famiglia Mastinu ovvero Morte ammazza noia, La famiglia Mastinu è uno dei testi teatrali nei quali Savinio, subito dopo il secondo conflitto mondiale, scaglia la sua veemente polemica contro la società borghese, quella che, col suo lassismo e conformismo, ha permesso l'ascesa del fascismo e, soprattutto, la degradazione d'ogni valore etico 1 . Come il dramma Alcesti di Samuele, scritto durante lo stesso periodo, la pièce rientra perfettamente nella filosofia dell'arte saviniana che vede nell'artista, in accordo con il surrealismo 2 , colui che può far esplodere tutte le dighe entro le quali il borghese nuota tranquillamente, sicuro che nessuna onda potrebbe mai disturbare la sua quiete. L'artista saviniano è il creatore utopico nel senso adorniano, vale a dire colui che non si figura un mondo alternativo a quello nel quale vive, ma in esso riesce a scorgere e a provocare quelle fratture dalle quali filtrerà l'inquietudine vitale in grado di scuotere l'uomo intorpidito dalla sicurezza fino a farlo risvegliare.

I saggi del volume si richiamano al concetto di ironia; ma è ironia compenetrata con una «pena» profonda e cosciente, come si riscontra nel saltimbanco palazzeschiano, nell’artista dello sberleffo (anche nel dizionario ungarettiano, «ironia» sarà termine del tutto simmetrico a quello di «malinconia»); l’ironia, coscienza di sproporzione degli eventi rispetto a scopi e attese umane, risulta un concetto non contraddittorio con la tragica esperienza d’una guerra planetaria e può formare il sintagma, tutt’altro che antinomico, di «guerra ironica»: «pare un’ironia», scrive Serra il 17 luglio 1915. Il riferimento all’«ironia di naufragi» può porsi quale una “linea guida” nello studio letterario del nostro Novecento: dalla Prima guerra mondiale, nel dialogo dissonante di Serra e Panzini, al fascismo, rivissuto da Pratolini e da Bilenchi, al dramma del «buffo», al «lettore orizzontale», Bazlen, con il suo naufragio interiore, nella conscia deriva d’un’immersione junghiano-bernhardiana e d’una profonda adesione taoista.

Alberto Savinio mira a rendere proprio il mito, dopo averlo sdradicato dalla inerte fissità in cui lo ha relegato la letteratura, che ne ha depauperato l’abbondanza semantica fino a disperderne il significato originale, pietrificandolo in statua. L’artista instillerà il soffio vitale a queste marmoree sculture, le aiuterà a muoversi fino a farle camminare, liberandole dalla loro eterna sincronia olimpica e immergendole nell’inesorabile diacronia del tempo storico attraverso una parafrasi mitopoietica. Savinio riconosce nella mitologia un linguaggio e nei singoli miti che la compongono lo status di parole: l’artista ha la potenziale facoltà, l’ineccepibile diritto, la straordinaria possibilità di muovere le seconde e ricreare i primi, rielaborandoli.

Il saggio prende in esame quattro novelle di G. de Maupassant, analizzandone il contenuto e lo stile, con particolare attenzione agli aspetti onomastico-letterari delle opere e alle capacità onomaturgiche dell'autore, ipotizzando, tra l'altro, la presenza del fratello dello scrittore, Hervé, fra le fonti alle quali attinse per "Le Horla". Particolare attenzione è dedicata a tale nome e alla traduzione in italiano del racconto eponimo, trasformato però in "Gorla" nell'edizione a cura di A. Savinio, che giustifica tale scelta con una lunga nota a piè di pagina: si tratta però di una soluzione in contrasto con non trascurabili strategie della traduzione letteraria, anche perché non tiene conto, in fondo, del possibile valore semantico di cui non sembrano privi il nome e il titolo in francese.

I. Renato Serra e Alfredo Panzini, l'Esame di coscienza di un letterato e il Diario sentimentale della guerra. Scambio testuale, dialogo abbozzato, colloquio muto, fra biciclette e trincee del primo conflitto planetario […] cotesta fiumana immensa irrompente schiumante che nel giro di brevissimi anni, quasi a un colpo, per uno squarcio di dighe s'è riversata sul mondo per virtù del pallido poeta eurasiano. Renato Serra gli dèi, la morale le usanze; la favella e la legge; vedere il portato di tanti secoli di storia, di tradizione, di civiltà disparate, confluire nello stesso punto, e urtarsi con tumulto di torrenti che s'incrociano; vedere, e tirar le conseguenze di questa gran lezione, non in ragionamento e teoria, ma in sapienza pratica, in abito del corpo e disposizion della mente pronta a giudicare e a operare, come l'arco già teso è pronto allo scatto.

La produzione più sperimentale di Alfredo Casella, nata negli anni Dieci, a contatto con le avanguardie parigine, è stata a lungo dimenticata dagli esecutori e dalla critica (una coltre di oblio che, del resto, ha coinvolto buona parte della musica della cosiddetta generazione dell’Ottanta). Il saggio intende colmare questa lacuna, offrendo per la prima volta una contestualizzazione storico-critica e un’analisi dettagliata di lavori come L’adieu à la vie, ciclo di liriche funebri su testi di Tagore, le Pagine di guerra, il Notturnino (dai Pupazzetti) e il poema A notte alta. Dopo il riconoscimento di alcuni caratteri che richiamano l’universo del tardo Liszt, le opere caselliane vengono indagate come espressione di una “musica della notte”, che si ispira all’ipnotico inizio del secondo tableau del Sacre du printemps e anticipa gli espedienti tecnico-stilistici dei notturni bartókiani. Di questo corpus di composizioni si rimarca la singolarità, la ‘coerenza’ di fondo (evidenziata da un fitto tessuto di rimandi autointertestuali): ciò che Casella realizza non si riduce a un plagio di stilemi altrui, ma è l'acquisizione di un codice personale, che si nutre del dialogo con le arti figurative. In tal senso, il saggio propone un'analogia tra le 'notti' caselliane e la pittura metafisica di Giorgio de Chirico, che proprio negli anni 1912-14 esponeva i suoi lavori nelle gallerie dei cubisti, a Parigi, con il plauso di Ardengo Soffici e di Apollinaire.

It has long formed an art historical truism that Ferrara’s notable Jewish history reinvigorated Giorgio de Chirico’s Metaphysical painting after 1915, when he settled here to serve during World War One.  “It was not simply the workshops, the streets, or the people which drew [him] to it,” writes the art historian Paolo Fossati on de Chirico’s time in the city’s former ghetto, “but a certain culture and a precise intelligence.”  How, precisely, did such an intelligence manifest itself?  What formed the extant dimensions of such a culture?  What, in short, is actually “Jewish” about de Chirico’s painted Jewish Angel, or his professed pictorial “evangelism,” or the increasingly involuted spaces of his painting after 1915?  To reduce the question of Jewishness solely to its symbolic content is to miss a vital facet of Metaphysical imagery.  For de Chirico’s avowed “Israelite system” distills ostensibly Jewish moral and cultural tendencies not simply to an arcane iconography, but – more ambitiously and ineffably – to an “ascetic” economy of painted form.

La "Nuova Enciclopedia" è un'opera letteraria di Alberto Savinio, che raccoglie un buon numero di voci scritte dall'autore tra il 1941 e il 1948 sui quotidiani La Stampa e Corriere della Sera e sulla rivista Domus.

Ma cos’è, davvero, la "Nuova Enciclopedia" di Alberto Savinio? È il divertimento letterario di un uomo che, con qualche eccesso di modestia, dichiara di non voler dare adito ad alcuna assolutezza della conoscenza, ma che comunque sceglie come forma quella dell’enciclopedia, celando nell’ironia del genere utilizzato e nel contrasto parallelo alla sua inevitabile connotazione, una certa unicità del messaggio, tanto diverso e stravagante se contestualizzato nel periodo storico in cui veniva scritto. Se Savinio non pretende di essere un Diderot moderno, di certo la forza della sua comunicazione rapisce il lettore.

L’originalità di Savinio, infatti, risiede nel riuscire a mediare riflessioni tanto alte attraverso canoni espressivi semplici ma tutt’altro che poveri, che non vogliono mai elevarsi a massime incontrovertibili ma che inevitabilmente accompagnano ad una completa e profonda riflessione.
Piuttosto le voci della Nuova Enciclopedia sembrano pensieri
intimi, dal carattere lirico quanto diretto. Lo spirito di Savinio è giovane e immortale, senza dubbio si contrappone all’animo di molti suoi contemporanei: Savinio è come un novello studente tanto lontano dall’enciclopedismo, che ama la dinamicità della vita, la molteplicità offerta dallo scorrere del tempo e la scoperta di ogni nuovo luogo.

Nel corso della tesi, analizzando alcune parti e alcuni argomenti puntuali, ho voluto ritrovare le caratteristiche originali e proprie dell’autore all’interno della raccolta di “voci” che è la Nuova Enciclopedia, che ho ritenuto essere una delle opere più complete e rappresentative di Alberto Savinio autore che, nel corso della propria vita ha avuto il piacere e lo slancio creativo di non volersi chiudere entro una definizione (che fosse
quella del letterato, del critico, del pittore o del compositore), preferendo di essere considerato come un “dilettante” alla perpetua ricerca di quella conoscenza universale che mai, questa volta per “definizione”, può essere raggiunta.

Relatore: Prof. Marcello Carlino

Una vida es lo que es para quien la vive y no para quien, desde fuera de ella, la contempla. En este sentido es como un dolor de muelas. La dificultad y, a su vez, la gracia de la biografía radican en que el biógrafo tiene que sustituir su punto de vista por el punto de vista del biografiado y conseguir que, en algún modo, le duelan a él las muelas de éste.

The subject of this paper is the relationship of Aldo Rossi’s architecture with the architecture of the Greek city and it is organised in two parts: the first part regards the question of classical architecture in Rossi’s work, while the second one focuses on the influence of Rossi’s architecture on the work of the Greek architects from the 1970s onwards. The purpose of this paper is therefore twofold: on the one hand, to examine the progressive aspect of the historical architecture, as Rossi puts it through his writings and work; on the other hand, the intention is to analyse how Rossi’s projects had been a source of inspiration for a number of Greek architects who worked in the Greek city, under the same criteria, and thus, being able to compare themselves to its heritage.

Bersagliato da critiche asperrime o esaltato come genio incompreso, il librettista Francesco Maria Piave (1810-1876) è indissolubilmente legato a Giuseppe Verdi, per il quale scrisse i versi di ben dieci opere, tra cui "Ernani", "Macbeth" (con Andrea Maffei), "Stiffelio", "Rigoletto", "La traviata" e "La forza del destino". Questa piccola monografia, che non è una biografia, né un’agiografia e neppure un libello, è un’estesa analisi sul più assiduo collaboratore verdiano tesa a fare un po’ d’ordine nel mare magnum di giudizi e pregiudizi vecchi e nuovi, uno screziato mosaico di voci tra Alberto Savinio, Umberto Saba e recensori e studiosi di ieri e di oggi all’ombra titanica di Verdi.

This paper studies the influence of a book held in Savinio’s personal library, La psicoanalisi by Enzo Bonaventura (Mondadori 1938), on the growing presence of psychoanalytic themes in Savinio’s works since 1940. Reading this book, Savinio takes up a Freudian conception of psychoanalysis, laying emphasis on topics like sudden surfacing of unconscious, Freudian slips, psychoenergetic, death instinct. This results in an empirical practice of psychoanalysis, averse to Jung’s archetypes, aiming to «give form to formless» of unconscious through a careful study of the indirect clues of daily life and affectivity.

Questa relazione si propone di analizzare l’elemento di Unheimliche ("perturbante") legato all’ambiente domestico, e in particolare all’arredamento, prendendo in esame il romanzo "Nascita e morte della massaia" di Paola Masino e i racconti "Vecchio pianoforte", "Casa «La Vita»" e "Paterni mobili" di Alberto Savinio.

Angelica o la Notte di maggio (1927) di Alberto Savinio, testo considerato minore all'interno della vasta produzione dell'artista, offre, invece, spunti di ricerca interessanti, che si muovono tra le istanze narrative novecentesche e le riletture di autori classici, di miti antichi e di suggestioni archetipiche. Per tali motivi si propone una lettura di Angelica attraverso le parole di Giacomo Leopardi, attraverso le tecniche e le figure di Ariosto, ma anche attraverso Savinio stesso, e tutto il portato innovativo, originale ed euristico che questa operazione comporta.

In  the Argonautica by Apollonius Rhodius, the Argonauts, back from Colchis where they had retrieved the Golden Fleece, reached the Adriatic Sea from the river Danube. Sailing up the Po and crossing the Tyrrhenian Sea, they got to the island of the Phaeacians in the Ionian Sea. they landed here also in the anonymous Argonautica Orphica, a er entering the Mediterranean Sea through the Strait of Gibraltar. In both epic poems many people come into contact between the Adriatic and the Ionian Seas: the Illyrians from the Northern Adriatic, the Phaeacians from Corcyra, the Greek Argonauts, and the Colchians, who come from the extreme borders of the world and represent radical otherness.
Some elements of these two narratives become crucial in the new ver- sions of myth in modern Italian literature: the European seas and rivers are interconnected and it is always possible to sail from one place to another; the Adriatic-Ionian basin is at the center of this network of European waterways.  The Adriatic and Ionian Seas create an area where dfferent people may live together and interact.
At the middle of the 16th century, after the Distinguished Order of the Golden Fleece – established by the House of Burgundy – had passed to the House of Habsburg, the myth was revived in two epic poems, La caccia by Erasmo di Valvasone and L’Egida by Girolamo Muzio (which initially celebrated just this order of chivalry).  They underline the multiethnic cooperation and the peaceful establishment of new towns by the Colchians, who lost the original negative connotation of cruelty and became migrants living with the people that had welcome them. In the context of the multiethnic Habsburg Empire, the coexistence of dfferent people is still essential in the eighteenth century, i.e. Alberto Fortis. In the second half of the twentieth century, the myth acquires new life in relation to the dramatic upheavals of states and people on the other Adriatic shore (starting from the vicissitudes of Italian people in Istria after the Second World War): the closing of the Adriatic border; the dissolution of the two Balkan coastline states; the new micro-nationalism and micro-statism that caused new wars and massacres; the Albanians’ migration in the 1990s. Hence, the obsession with identity that has hit the area bringing terrible disasters, has spread: it is the target of Claudio Magris’ attack, in which myth is the metaphor of the refusal of an Aristotelian notion of identity meant as something unchanged, static and predetermined.

Anteprima disponibile su google.books o sul sito dell'editore. Sul mito di Alcesti Euripide costruisce un dramma ambiguo, mescolando luoghi tipici della retorica tragica, elementi di marca satiresca, spunti di diatriba filosofica, intensificando l'aspetto paradossale della storia e restituendola come enigma che si condensa nel finale dominato dalla figura della donna velata. Un enigma che ispirerà, nel secondo dopoguerra, anche Alberto Savinio e la sua contestatissima pièce, Alcesti di Samuele, dove il mito s'intreccia alla storia vera di una donna ebrea, suicidatasi per non essere d'intralcio al marito in un'Europa insanguinata dalla follia nazista. Il rapporto fra modello e riscrittura, però, non si risolve in semplice "attualizzazione dell'antico": è un ben più sottile gioco di prossimità e distanziamenti, un dialogo che teorizza il proprio farsi. La tessitura analogica che connette il mito al contemporaneo si rivela spazio complesso e conflittuale, in cui alla narrazione si affianca una contronarrazione, al tragico l'antitragico, al mito la sua dissoluzione: proprio in questo si mostra del resto la profonda affinità di Savinio con Euripide, abile a scovare nei miti tensioni ossimoriche e destabilizzanti. Da entrambi Alcesti è messa in causa come incarnazione di un conflitto fra identità e rappresentazione (assenza e presenza), mentre lo scambio che sostanzia il suo sacrificio viene scandagliato su un piano in cui la dicotomia fra vita e morte si riduce a pura approssimazione.

mostra e catalogo a cura di Claudio Zambianchi con Flaminia Bulla, Marta Maria Caudullo, Federica De Giambattista, Giulia Papale, Francesca Petito, Patrizia Principi, Eva Scurto, Marta Variali e con Beatrice Bulla.
(traduzione del saggio a cura di Luca Olivier Gramazio)

L’opera letteraria di Alberto Savinio è caratterizzata da un’aperta ostilità nei confronti di Gabriele D’Annunzio (e del «dannunzianismo», storico e perenne), colpevole di ostentare in ogni aspetto della sua produzione artistica (dalla forma al contenuto) una retorica imbellettata e mistificatrice, che occulta l’essenza del reale e impedisce l’accesso alla verità della conoscenza. L’intervento si propone di indagare i luoghi dell’opera saviniana in cui tale ostilità diviene programmatica ed esplicita, al fine di
dimostrare che la polemica nei confronti di D’Annunzio e dell’estetismo costituisce per Savinio una battaglia dalla forte connotazione etica. Alla mistificazione morbosa della verità che l’esteta realizza in maniera seducente (una «morte profumata», una cosmesi funeraria), Savinio oppone infatti la sanità del suo surrealismo civico, la cui operazione di «svelamento» dell’occulto (l’ἄγνωστον di Hermaphrodito) ha il fine ultimo di garantire la piena consapevolezza dell’essere da parte dell’artista. A supporto di questa tesi, i testi che verranno presi in particolare considerazione sono il saggio Maupassant e l’altro (1944), in cui Savinio si produce in un organico j’accuse del «virus dannunziano», e la biografia della ballerina Isadora Duncan contenuta in "Narrate, uomini, la vostra storia" (1944), dove i poli inconciliabili dell’estetismo e del surrealismo metafisico si condensano nelle figure di Apollo («dio dell’estetismo») e della ballerina, in un gioco estremo che al superomismo dannunziano oppone – vittoriosamente – il supercivismo saviniano.

La riflessione sul tragico ha un ruolo centrale nel pensiero di Alberto Savinio e accompagna l’intero svolgimento del suo percorso intellettuale e artistico. Non solo Savinio torna più volte a esaminare sul piano estetico-filosofico le categorie di «dramma» e di «tragedia» – partendo naturalmente dall’analisi della tragedia greca, e associandovi la lettura di Vico, Leopardi, Schopenhauer, Nietzsche, Spengler e Freud – ma esse divengono anche elementi fondanti di una personale poetica, che nel corso degli anni va continuamente ridisegnando se stessa: dall’arte metafisica, che al tempo di «Valori plastici» si delinea come sola forma artistica capace di far rivivere lo «spirito tragico» proprio dei Greci e dell’infanzia dell’umanità, fino all’approdo ultimo a un’«arte intellettualistica» e mentale, che egli condensa nella definizione di «tragedia euripidea».
L’indagine sul tragico si affianca alla volontà di fornire un’interpretazione generale della civiltà greca e fornisce una chiave di lettura del classicismo di Savinio.


The reflection on the Tragic plays a key role in the thought of Alberto Savino and leads the entire development of his intellectual and artistic career. Not only Savino examines several times the aesthetic and philosophical categories of «dramma» and «tragedia» – starting from the analysis of Greek tragedy, and involving the reading of Vico, Leopardi, Schopenhauer, Nietzsche, Spengler and Freud – but these categories also become fundamental elements of a personal poiesis, which over the years is continually reshaping itself: from metaphysical art, which at the time of «Valori plastici» is regarded as the only form of art capable of reviving the «spirito tragico» of the Greeks, until the «arte intellettualistica» of his last period, which he express with the formula of «tragedia euripidea».
The investigation into the Tragic joins the desire to provide a general interpretation of Greek culture and provides a key to understanding the classicism of Savino.

Leggevamo e studiavamo molto”. Alberto e Giorgio de Chirico alla Braidense (1907-1910), in Origine e sviluppi dell'arte metafisica. Milano e Firenze 1909-1911 e 1919-1922, Atti del convegno di studi, Milano, Palazzo Greppi, 28-29 ottobre 2010, Scalpendi, 2011, pp. 11-25.