História da arte no Brasil

Catálogo bilíngue da exposição Pequenas Escalas. Projeto contemplado pelo Prêmio Funarte Conexão Circulação Artes Visuais - Atos Visuais. Realizado na Galeria Fayga Ostrower - Complexo Cultural Funarte, em Brasília, de 25/10 a 16/12 de 2018, com itinerância para o Centro de Artes Visuais Galeria do Largo, em Manaus, de 24/01 a 28/04 de 2019. Projeto gráfico de Lucas Sargentelli.

Resumo: O presente artigo consiste em apresentar uma produção particular do pintor Thomas Georg Driendl, intitulada "Vista da Baía de Guanabara", bem como certos aspectos ligados ao pintor e ao contexto da pintura de paisagem do final do século XIX no Rio de Janeiro.

For Walter Benjamin (1987), the soul, the eye and the hand are enrolled in the
same field and the interaction between them, define a practice. The real story is a practice that is not unique voice: gestures decisively involved in the expression of this handmade relationship. The experiences of the narrator and the other creates a “solid, useful and unique product.” When transporting this view to the Art and Patrimony, aims to
analyze how the artist can be a narrator and his useful and unique product takes place
through drawings that express the voice of indigenous cultures.
Keywords: Image and Culture/ Narrative/ Patrimony/Indigenous Culture/ Comic Books.
Resumo: Para Walter Benjamin (1987), a alma, o olho e a mão estão inscritos no
mesmo campo e a interação entre eles, definem uma prática. A verdadeira narração
é uma prática que não é exclusiva da voz: os gestos intervêm decisivamente na expressão desta relação artesanal. As experiências do narrador e as dos outros criam um “produto sólido, útil e único”. Ao transportar este ponto de vista à Arte e ao Patrimônio, pretende-se analisar como o artista pode ser um narrador e seu produto útil e único se realizar através de desenhos, que expressem a voz de culturas indígenas.
Palavras chave: Imagem e Cultura/Narrativa/ Patrimônio/ Cultura Indígena/
História em Quadrinhos.

Os oratórios domésticos de caráter devocional manufaturados em Minas Gerais nos séculos XVIII e XIX, embora se configurem como elementos distintivos da cultura religiosa mineira, ainda não foram estudados sob a ótica de conjunto. Objetos pertencentes à classe do mobiliário com função religiosa, os oratórios domésticos em Minas Gerais ainda permanecem figurados como obras menores e carecem de uma atenção especial da historiografia da arte brasileira, que se volta especialmente para os grandes monumentos. O presente estudo visa trazer à luz, sob o ponto de vista da História da Arte, os elementos formais constitutivos dos oratórios domésticos em Minas, a saber: a conjunção do vocabulário retabulístico com a miniaturização das formas e a integração das expressões da arquitetura, pintura e escultura que formam o oratório doméstico como uma “obra de arte total”. Nesse sentido, esta pesquisa visa compreender (num primeiro momento) o oratório doméstico numa perspectiva histórica, onde buscamos entende-lo em consonância com a história da vida privada e a história da religiosidade católica, assim como compreender (num segundo momento) o desenvolvimento dos oratórios domésticos na Europa a fim de estabelecer os modelos formais (que aqui chamamos de antecedentes europeus) que se fizeram representar nos oratórios mineiros, possibilitando o entendimento da adequação das formas estrangeiras e o seu desenvolvimento local. Por último, esta pesquisa busca compreender as representações iconográficas cultuadas nos oratórios domésticos em Minas, a fim de identificar as predominâncias iconográficas e as representações do hagiológico cristão como elementos constitutivos da religiosidade privada e doméstica no Setecentos e Oitocentos mineiro.

PALAVRAS-CHAVE: Oratório doméstico, Antecedentes europeus, Religiosidade doméstica, Análise Formal, Iconografia


The domestic oratories produced in Minas Gerais during the XVIII and XIX centuries, though treated as important components for the local culture, had not been studied from a global angle. Seen as an element that belongs to a class of sacred furniture, the domestic oratories in Minas Gerais are considered as unimportant objects for almost the whole Brazilian art historians, with ones prefer the great monuments. The objective of this production is to bring a new light, from another point of view, about the formal elements that distinguish the domestic oratories in Minas Gerais, namely: the domestic oratories vocabulary in association with a specifics manifestation of architecture, and paint and sculpture, which ones are responsible for build the domestic oratories as a "work of art complete". On the whole, this research intends to understand the domestic oratory from a historical perspective, which is tried to get interpreted in consonance with the history of private life and the history of catholic godliness, on the other hand, also intends to learn how the domestic oratories had grown in Europe with the intent to determinate the formal models (which here we will name as European ancestors) that were portrayed by the oratories produced in Minas Gerais, allowing us to understand how the international oratories influenced the local oratories. Finally, this research demand learns the iconography representations that were worship inside the domestic oratories in Minas Gerais, intending to recognize the iconography's acceptance and the representation of the Christian hagiology as an important component of private godliness and home godliness during the seventh and eighth century in Minas Gerais.

KEYWORDS: Domestic oratory, European antecedents, Domestic religiosity, Formal Analysis, Iconography

Este estudo pontua sua análise no uso intenso do desenho na obra de Leonilson. O pensamento sobre o desenho do artista está estruturado em três diferentes pilares: sujeito, temporalidade e cartografias. Seu desenho será estudado através de elementos formais e de elementos biográficos, uma vez que sua obra traz questões de confissão de um diário íntimo.

O presente estudo investiga a posição das artes visuais na experiência intelectual e criativa do poeta e escritor modernista Oswald de Andrade (1890-1954). São analisados não apenas seus textos sobre arte, mas também a presença das artes visuais nos livros de poesia Pau Brasil (1925) e Primeiro caderno do aluno de poesia Oswald de Andrade (1927), assim como nos romances Os Condenados (1922-1934) e Marco Zero (1943-1945). Também são discutidas as relações que o escritor manteve com artistas brasileiros e estrangeiros, além de sua participação em situações importantes envolvendo as artes visuais no país, como a Semana de Arte Moderna; a primeira exposição de Tarsila do Amaral no Brasil; o Clube dos Artistas Modernos; os Salões de Maio. A proposta é averiguar como Oswald de Andrade atuou em um período importante para a história da arte moderna no Brasil, especialmente na cidade de São Paulo, compreendendo as décadas de 1910 a 1940, que são as balizas cronológicas adotadas, tomando-se como referências o texto “Em prol de uma pintura nacional”, publicado em 1915, e o romance Marco Zero II: Chão, publicado em 1945. Singulares do ponto de vista da escrita e das estratégias discursivas que mobilizam, os textos de Oswald de Andrade que discutem as artes visuais revelam um pensamento em constante movimento e atento ao que entendia serem as demandas de uma época de transformações e de luta pela construção de uma sociedade menos opressora, na qual as artes ocupavam posição estratégica. Com base na investigação desse material, defende-se aqui que as artes visuais foram um elemento constitutivo de sua experiência intelectual e criativa, não ocupando uma posição secundária em relação à sua atuação como escritor, poeta e jornalista polemista.

Athos Bulcão é um artista de grande relevância para a arte no Brasil, devido à peculiaridade de seu trabalho no espaço público que tanto contribuiu na interação arte-arquitetura brasileiral.
A obra do artista ganha nova dimensão quando se estuda seu processo criativo, analisando suas composições, temas, cores e também a execução e instalação dos seus painéis de azulejos. O tema merece ser estudado com cuidado e aprofundamento, no sentido de se compreender a contribuição do artista para as artes modernas aplicadas no nosso país e mesmo no exterior.
Palavras – chave: Modernismo – azulejaria – Athos Bulcão  -
Concretismo

A partir del análisis de obras de Lygia Pape, intentaremos demostrar la ausencia de una ruptura total en la concepción espacial del movimiento neoconcreto brasi-leño respecto de su predecesor, el movimiento concreto. A su vez, recurriremos a las bases teóricas adoptadas por cada uno de los grupos artísticos en sus manifiestos fundacionales, de forma tal de poder comprender el universo epistemológico en el que concebían sus obras. La hipótesis versará sobre la idea de que existió una exacerbación de la lectura fenomenológica por parte del Grupo Frente que confundió a la crítica en su postura de que el movimiento neoconcreto se oponía a la con-cepción espacial racionalista (propia del concretismo). El seguimiento de la obra de Pape, a través de dos repre-sentativos trabajos pertenecientes a los distintos momentos mencionados del arte brasileño, servirá como excusa para ilustrar la convivencia de ideas supuestamente antagónicas.

Estudo da pintura do retrato em Portugal e no Brasil entre 1804 e 1834, e da importância das circunstâncias da sua produção: necessidades políticas, de afirmação e construção de prestígio social, e o colmatar das saudades. Neste período marcado pelas invasões francesas, as Guerras Liberais e a independência do Brasil, mais do que uma expressão artística individual, o retrato reflecte as ambiguidades de uma sociedade que se quer representar. Muitos artistas, sobretudo retratistas em miniatura, permanecem anónimos. Em contraste com o Norte da Europa, dispõem de poucas oportunidades de exposição. Redes de apoio clientelares facilitam as encomendas, mas os auto-retratos revelam a fragilidade da situação dos pintores. Os retratos do rei, último símbolo de estabilidade, podem ser comprados num incipiente mercado de artes. A circulação de modelos e pintores internacionais e o confronto das expectativas de retratado e retratista implicam numa produção heterogénea.

Study of portrait painting in Portugal and Brazil from 1804 to 1834 and the importance of the circumstances surrounding its production: political, social and emotional functions. Portraits were created by political necessity, to assert and construct social prestige, and to preserve the memory of loved ones. In a period marked by the French invasions, Liberal Wars and Brazil’s independence, they reflect the ambiguities of a society willing to represent itself -rather than individual artistic expressions. Several artists, particularly miniature painters, remain anonymous. Social networks facilitated commissions, but self-portraits reveal how fragile was the painter’s social status. They had fewer opportunities to exhibit their work than in Northern Europe. Portraits of the king, the last symbol of stability, were acquired in an art market. The circulation of international models and painters and the confrontation between artists and sitters’ expectations resulted in a heterogeneous production.

Tese de Doutorado.  USP, 2017.

A presente investigação versa sobre as controvérsias acerca da institucionalização da história da arte no Brasil, tendo como objeto central os debates sobre a criação de cursos de graduação na área, por meio do qual objetiva-se refletir sobre a formação e a presença do historiador da arte no Brasil e questionar a relevância da autonomia institucional e epistemológica da história da arte.  Pretende-se, a partir de uma história das instituições, empreender uma reflexão epistemológica sobre a presença da história da arte e a formação do historiador da arte no Brasil.  Procura-se demonstrar a tese de que a preocupação em constituir um espaço de formação específica em história da arte em nível de graduação e a problematização das histórias da arte produzidas nas universidades brasileiras (evidente, por exemplo, na forma como são propostos os currículos destes cursos) são fundamentais ao debate acerca do que se compreende por história da arte no Brasil hoje e estão diretamente relacionadas ao amadurecimento e à consolidação da autonomia da história da arte enquanto campo científico no país.  Para isso, avaliou-se que as particularidades que envolvem a constituição e a configuração atual da história da arte no Brasil poderiam ser mais bem compreendidas retomando o que outrora se projetou, revendo os percursos e avaliando os percalços, de forma a revelar o lugar que a história da arte ocupa hoje no âmbito científico brasileiro.  O período histórico que o projeto de pesquisa abrange tem como marco inicial a década de 1950, quando teve início uma série de manifestações favoráveis à criação de um curso superior de história da arte, com destaque para a atuação do historiador da arte Mario Barata.  Em 1963, foi criado o primeiro curso específico na área, alocado na estrutura do extinto Instituto de Belas Artes do Rio de Janeiro (IBA-RJ), que originou o bacharelado hoje oferecido pelo Instituto de Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (ART/UERJ).  O recorte estende-se até as duas primeiras décadas do século XXI, quando ocorreram importantes reformulações naquele curso e foram criados quatro outros, vinculados à Escola de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da Universidade Federal de São Paulo (EFLCH/UNIFESP);  à Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ); ao Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul (IA/UFRGS);  e ao Instituto de Artes da Universidade de Brasília (IdA/UnB).  Por fim, propõe-se que o reconhecimento das especificidades e limitações da história da disciplina no Brasil possa ajudar a compreender o que significa hoje produzir história da arte entre nós, bem como criar condições fecundas para que se possa prosseguir a partir de tais questionamentos.

Tese de doutorado em História (PPHIST/UFPA), defendida em 2019, que trata das artes visuais no campo artístico especializado em Belém, especialmente no período compreendido entre 1957 e 1985. Esse período marca, na cidade, o contato e a absorção de valores e práticas das correntes artísticas internacionalistas, como o abstracionismo modernista, as vanguardas pós-modernas e a chamada arte contemporânea. O modo como o campo local estabeleceu relações de abertura e fechamento a essas correntes é estudado a partir das teorias da colonialidade. Habitualmente, as décadas de 1960 e 1970 são vistas como o momento em que a arte contemporânea se estabeleceu mundialmente, por isso essa tese pode ser entendida como uma narrativa de ‘história da arte contemporânea’. Em Belém, a consolidação desse paradigma artístico foi vivenciada a partir de transições movediças – lentas, descontínuas e vacilantes – em que houve uma evidente disputa entre valores globais e práticas locais. As tensões entre ‘global’ e ‘local’, na arte produzida na cidade nesse período, condicionaram o surgimento de projetos artísticos importantes e ainda pouco conhecidos e debatidos. Para muitos desses projetos, as ideias e imagens de Amazônia eram componentes fundamentais – tema que pode acrescentar novas informações e abordagens ao debate sobre ‘arte brasileira’ naquelas décadas.

Inicialmente retoma-se neste artigo o debate entre o antropólogo britânico Alfred Gell e o filósofo norte-americano Arthur C. Danto a respeito da relação arte/artefato para, a partir das questões suscitadas acerca da noção de “armadilha”, confrontar essas considerações com a análise comparativa entre relativismo cultural e perspectivismo ameríndio desenvolvida pelo antropólogo brasileiro Eduardo Viveiros de Castro. Em seguida, busca-se averiguar a repercussão dessas ideias na abordagem da produção cultural dos povos indígenas no Brasil, examinando-se um estudo de caso em relação à conjuntura recente de assimilação e circulação de referências indígenas no sistema de arte contemporânea.

RESUMO: Este ensaio analisa alguns princípios referentes à curadoria, contextu- alizando-a historicamente ao mesmo tempo em que aborda aspectos relativos à sua prática no contexto contemporâneo: a natureza de seu ofício, sua condição intermediária entre profissão e função, os diferentes perfis, experiências e tarefas de quem a exerce. Por fim, colocam-se certas questões acerca do ensino e forma- ção em curadoria, de modo a fomentar o debate e a tentar circunscrever o campo de ação de tal prática.
PALAVRAS-CHAVE: curadoria; crítica de arte; artes visuais.

ABSTRACT: This essay examines some principles about the practice of curatorship, contextualizing it historically at the same time that addresses aspects of their prac- tice in the contemporary context: its nature as metier, their intermediate condition between profession and function, the different profiles, experiences and task who exercises it. Finally, puts up some questions about teaching and training curator- ship in order to foster debate and trying to limit the action field of that practice.
KEYWORDS: curatorship; art criticism; visual arts

A monarquia brasileira, estabelecida em pleno processo de independência das colônias americanas, precisava se afirmar diante do crescente movimento republicano que a rodeava não só através da criação de sua própria imagem, mas também das alegorias de seus inimigos. Partindo do projeto de monumento de Francisco de Azevedo Monteiro Caminhoá para comemorar a Guerra do Paraguai, cuja estátua central foi rejeitada pela Academia Imperial de Belas Artes, realizamos um estudo iconográfico e comparativo da corporificação de um Império masculino e, em contraposição, do monstro da tirania ou da anarquia como inimigos abstratos do Império, principalmente através de obras “menores”, mas de alta circulação.

Tendo como ponto de partida a análise do Monumento a Carlos Gomes (1922), presente no Vale do Anhangabaú, e destacando a questão da cenografia como elemento chave para compreensão deste espaço e da própria concepção do citado conjunto monumental, este trabalho desdobrou-se num estudo acerca da obra do escultor italiano Luigi Brizzolara (Chiavari, 1868-1937), o autor do monumento, cuja destacada atuação na cidade de São Paulo suscitou um justo interesse acerca deste pouco conhecido artista, mas também sobre o cenário geral que possibilitou ou motivou sua vinda ao Brasil.


Having as its starting point the Carlos Gomes Monument (1922) at the Vale do Anhangabaú (São Paulo) and highlighting the scenography issue as a key element to the understanding of this space and even of the monumental set itself, this work consists of a study about the italian sculptor Luigi Brizzolara (Chivari, 1868 - 1937), responsible for making the monument. His important performance in the city of São paulo has produced not only a keen interest about this little known artist but also about the overall picture that made it possible and prompted him to come to Brazil.

Após uma década e meia de visibilidade (1930-1945), a arte social perdia espaço para a arte abstrata que contava com o apoio da Associação Internacional de Críticos de Arte (Aica) e profissionais associados à instituição, como Mário Pedrosa. Durante os anos 1950 e início dos 1960, várias foram as divergências e o debate se intensificou entre essas duas tendências.

O propósito do presente artigo é trazer à luz breves considerações sobre os problemas inerentes à leitura e fruição da obra de arte contemporânea. Considerada por alguns críticos como uma arte de difícil acesso, onde os paradigmas e cânones tradicionais não são adequados ao seu entendimento. Essa a arte exige um novo olhar e uma postura dinâmica entre a obra comtemplada e o contemplador da obra, onde produção e interpretação estabelecem uma relação dialética. Pois, a obra de arte é necessariamente um estímulo a um processo de interpretação que por sua vez é o resultado de um processo de formação e de conhecimento ativo e pessoal.



Palavras-chave: arte contemporânea, arte conceitual, crítica e interpretação da arte



Abstract



The aim of this article is bring a briefly introduction about problems related to reading and interpretation of contemporary art work. Considered na artwork of difficult access by many critics, where the paradigms and traditional canons are not appropriated for this understanding. Thus artwork requires a new look and new dynamics posture berween the contemplate artwork and contemplator. Production and interpretation establish a dialectical relationship, once the artwork is a stimulus a process of training and active personal knowledge.

Keywords: contemporary art, conceptual art, criticism and interpretation of art

Thiago Ferreira. O MAM Rio e a construção discursiva do pós-incêndio. Rio de Janeiro, 2018. Dissertação (Mestrado em Artes Visuais) – Escola de Belas Artes, Universidade Federal do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 2018

Resumo: Aliado à proposição de Walter Benjamin de pensar uma escrita histórica que corresponda ao “estado de exceção”, este estudo apresenta a análise do debate crítico e dos enunciados que sustentaram as ações institucionais no período logo após o incêndio no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, em julho de 1978. Entende-se esse momento como o da instauração de um estado de intensa violência discursiva, em que, a partir da mobilização de categorias tais como urgência e necessidade, a suspensão ética é admitida, criando território para atuações que se beneficiam da situação de tragédia.
Este estudo busca também estabelecer correspondência entre os processos do pós-incêndio e o local privilegiado que o MAM Rio sempre ocupou, na indistinção entre as esferas pública e privada, apontando as ações pautadas em excepcionalidades como um atravessamento comum da esfera pública nesse contexto.

Esta dissertação tem como objeto central o quadro Amuada, do artista brasileiro Belmiro de Almeida (1858-1935), pertencente ao acervo do Museu Mariano Procópio de Juiz de Fora (Minas Gerais – Brasil). Representa uma figura feminina em um ambiente fechado, traz em sua fatura um singular tratamento cromático e pinceladas que remetem ao pontilhismo. Inicialmente, foram observados os critérios de interpretação e recepção lançados sobre a obra, tanto em seu momento de exposição em 1906 e, em seguida, nos critérios contemporâneos ligados à sensibilidade modernista do século XX. No segundo momento, apoiados nessas duas maneiras de ver em temporalidades distintas, procurou-se cruzar o quadro com fontes visuais ligadas ao tema e tratamento plástico empregados pelo artista. Nesse sentido, buscou-se ampliar sua compreensão dentro do panorama da História da Arte nacional e internacional.
PALAVRAS-CHAVES: Belmiro de Almeida, arte brasileira, pintura, pontilhismo, representação do feminino.
Cette thèse a l'objet central Amuada, de Belmiro de Almeida (1858-1935), appartient à la collection du Musée Mariano Procopio de Juiz de Fora ( Minas Gerais - Brésil) . Est un personnage féminin dans un environnement fermé , apporte dans son maîtrise un seul traitement chromatique et coups qui se réfèrent au pointillisme. Initialement , les critères pour l'interprétation et la réception ont été observés lancés sur le travail, tant au moment de l'exposition en 1906 , puis dans les critères contemporains liés à la sensibilité moderniste du XXe siècle . Dans la deuxième phase , soutenue dans ces deux façons de voir différentes échelles de temps , nous avons essayé de traverser le cadre avec les sources visuelles à proximité de l'objet et de traitement plastique employées par l'artiste. En ce sens , nous avons cherché à élargir leur compréhension dans le panorama de l' histoire de l'art national e international.
MOTS-CLÉ: Belmiro de Almeida, art brézilien, peinture, pointillisme, représentation du féminin.

Artigo publicado em 2018 nos Anais do Congresso do CBHA. Este artigo se debruça sobre o uso da ideia de 'Amazônia' nas artes visuais brasileiras. Considera esse uso uma questão que atravessa muitas gerações de artistas, na própria região ou fora dela. Foca em um conjunto de artistas que produziram a partir de Belém (PA), especialmente na primeira metade dos anos 1980. Nesse período, o campo artístico em Belém estabeleceu um debate teórico e artístico a respeito da 'visualidade amazônica', que conseguiu configurar o reconhecimento da produção local pelas instituições do eixo RJ-SP. Aponta-se alguns aspectos da conjuntura que possibilitou o surgimento desse debate.

El propósito de este artículo es abordar tendencias recientes relativas a la teoría y método en arqueología enfocando el estudio de las imágenes en el mundo amerindio. Se elabora un análisis histórico de los abordajes teóricos para demostrar la larga permanencia del enfoque representacional, para luego reconocer una ruptura a partir de los debates sobre las nuevas materialidades, en particular, el abordaje ontológico que se opone a la lógica del simbolismo y ofrece otras posibilidades de análisis por medio de metodologías no-representacionales. Palabras clave: arqueología, mundo amerindio, iconografia, métodos, nuevas materialidades Revista Kaypunku / Volumen 4 / Número 1 / Junio 2019 / pp. 69-99 Documento disponible en línea desde: www.kaypunku.com Esta es una publicación de acceso abierto, distribuida bajo los términos de la Licencia Creative Commons Reco-nocimiento-NoComercial-Sin ObraDerivada 4.0 Internacional (http://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/), que permite el uso no comercial, compartir, descargar y reproducir en cualquier medio, siempre que se reconozca su autoría. Para uso comercial póngase en contacto con [email protected] * A compreensão de outros mundos: teoria e método para analisar imagens ameríndias Understanding of Others Worlds: Theory and Method for the Analysis of pre-Columbian Images La comprensión de otros mundos: teoría y método para analizar imágenes amerindias

Este artigo trata da arte brasileira dos anos 80, a partir de um evento chamado Moto Contínuo, realizado em Curitiba, em 1983, articulando-o com o discurso crítico-historiográfico referente à Geração 80, que reforça a conclusão de que o período seria marcado pelo “retorno da pintura”, em oposição à arte da década anterior. Criticando esse tipo de reducio- nismo historicista, objetivamos oferecer parâmetros para se discutir algumas estratégias pelas quais a historiografia da arte brasileira se constrói.
Moto Contínuo; arte na década de 1980; discurso crítico.

This article is about Brazilian art from the 1980`s, starting from a particular event called Moto Contínuo, which took place in the city of Curitiba, in 1983, and articulating it with the critic-historiographic speech about Geração 80, which rein- forces the conclusion that the period would be marked by the “return of painting”, in opposition to the previous decade’s art. Criticizing this kind of historic reductionism, we aim to offer parameters in order to discuss some strategies by which the Brazilian art historiography is build.
Moto Contínuo; art in the 1980`s; critical speech.

O presente artigo, em forma de verbete enciclopédico, apresenta a análise iconográfica e iconológica da escultura "Perseu Libertando Andromeda" do artista brasileiro Francisco Manuel Chaves Pinheiro, antigo professor de escultura da Academia Imperial de Belas Artes.
A elaboração e publicação deste artigo em fóruns acadêmicos na internet foi requisito de avaliação para a disciplina História da Arte no Brasil III, do curso de Conservação e Restauração da EBA/UFRJ, oferecida em 2015.1.

Disponibilização das edições da antiga Revista Rotunda, vinculada ao Centro de Pesquisa em História das Artes no Brasil (CEPAB), do Instituto de Artes da UNICAMP.
ISSN – 1678–7692
Editores responsáveis: Lygia A. Eluf e Paulo M. Kühl
Secretária: Ynaiá Barros / Comissão de Redação: Eliana Ambrósio, Flávio Cardoso de Carvalho

Este artigo analisa o primeiro cartaz concebido pelo artista suíço Jean-Pierre Chabloz para o Serviço Especial de Mobilização de Trabalhadores para a Amazônia (SEMTA) no ano de 1943: a peça intitulada Mais borracha para a vitória. Serão abordadas questões referentes ao tratamento estético adotado por Chabloz e aos conhecimentos do artista acerca das atividades relacionadas à produção de borracha, assim como será discutido o caráter idealizado da cena representada.

This article analyzes the first poster designed by the Swiss artist Jean-Pierre Chabloz for the Special Service for the Mobilization of Workers to Amazonia (SEMTA) in 1943: a piece entitled More rubber for victory. Issues related to the aesthetic approach adopted by Chabloz and the artist’s knowledge of the activities related to rubber production will be addressed, as well as a discussion of the idealized character of the scene represented.

O presente trabalho apresenta um estudo de caso sobre os discursos da crítica de arte a respeito das gravuras de Renina Katz. A produção analisada, composta por xilogravuras e linoleogravuras, corresponde aos anos de 1948 a 1956, período em que a artista se dedicou à temática social, marcada pelas representações das figuras de camponeses, retirantes e favelados. Posteriormente, tais séries foram organizadas e compiladas na publicação do álbum Antologia Gráfica (1977), editado cerca de duas décadas após a produção das matrizes, que teve o importante papel de resgatar a produção da juventude
da artista e reinseri-la no circuito comercial e artístico. Desse modo, tendo por base tal publicação, este trabalho buscará apresentar um estudo centrado na singularidade das primeiras produções de Renina Katz, no delinear de sua trajetória, mas também a recepção crítica que seu trabalho recebeu na década 1950.

As pesquisas sobre coleções artísticas têm cada vez mais importância na historiografia artística; porém, dentro deste tema, as coleções de escultura permanecem muito mais desconhecidas e em alguns casos completamente ignoradas. Na presente comunicação, pretendemos nos aproximar a este tipo de coleções no Rio de Janeiro do Segundo Reinado através da documentação inédita do espólio do escultor e professor da Academia Imperial de Belas Artes, Honorato Manuel de Lima, que detalha as esculturas que o artista possuía na hora de sua morte em 1863.

A partir da análise desta coleção, podemos entender melhor as escolhas e finalidades da coleção e do artista e a influência destas na sua produção, assim como os modos de comércio de gessos de esculturas antigas, destacando a figura do escultor Leon Despres de Cluny,  que forneceu à Academia Imperial a maioria das sucessivas coleções dessas obras. Assim, a coleção de Honorato Manoel de Lima é comparada com a coleção da Academia Imperial de Belas Artes, da qual se oferece documentação inédita sobre sua formação, sua compra e sua recepção, a coleção escultórica mais importante do Império, originada por sua vez pela compra de outra coleção privada, a do professor Marc Ferrez.

Esta proposta discute um tema escassamente tratado, oferecendo documentação inédita que permite uma melhor compreensão tanto da arte oitocentista como da escultura em particular, aprofundando na temática das coleções escultóricas, suas funções, suas caraterísticas e os circuitos de comércio das mesmas.

O texto apresenta as linhas gerais do projeto “Historiografia da Arte no Brasil: textos fundamentais, narrativas para outra prática futura”, ainda em fase inicial: questões metodológicas, análise da constelação de referências bibliográficas e alguns pressupostos teóricos. Objetiva a divulgação e o compartilhamento de interesses de investigação, por meio de futuras trocas com pesquisadoras e pesquisadores da História da Arte no Brasil.

Gonzaga Duque, em A Arte Brasileira, ao retratar o pintor Pedro Américo de Figueiredo e Melo 1 , afirma que, para conhecer o famoso autor da Batalha do Avaí, era necessário freqüentá-lo na intimidade de seu ateliê, longe dos olhares do público. Afastado das pressões políticas e dos títulos altissonantes conquistados na Europa, Américo, aos olhos do jovem Duque, tornava-se simpático, querido, em seu sentimentalismo exacerbado e seu amor sincero pela Itália e por sua terra natal, a Paraíba. Ironicamente, na página seguinte, Gonzaga Duque empresta de Émile Zola uma expressão para definir o caráter de Pedro Américo: o pintor seria um "idealista histérico" 2. A prova estaria, segundo Duque, no romance O Holocausto, segundo o crítico uma espécie de auto-biografia romanceada, em que os elementos essenciais do temperamento de Pedro Américo estariam dispostos à apreciação do seu leitor. Pedro Américo, de fato, havia publicado o romance O Holocausto em 1882, em Florença. 3 A Biblioteca Nacional do Rio de Janeiro possui o exemplar que foi oferecido pelo autor ao crítico Félix Ferreira, que também o assinou 4. O Holocausto não encontrou uma segunda edição; para além da curiosidade bibliográfica, seria interessante retirar o livro do esquecimento, já que é o centro da discussão do jovem Gonzaga Duque com Américo, além de auxiliar num panorama mais preciso da vida e da obra de quem, lado a lado de Vítor Meirelles, tornou-se expoente máximo da Academia Imperial de Belas-Artes. O romance inicia com a história de um bebê enjeitado, nascido em Areias, Paraíba (terra natal de Pedro Américo). Uma escrava boa e corajosa, Bárbara, o adota; o autor diz * Doutoranda em Teoria e História Literária (IEL-UNICAMP), pesquisadora do CEPAB e do Projeto Temático Cicognara, Mestre em História da Arte e da Cultura e em Sociologia (IFCH-UNICAMP).

Este estudo aborda a forma de instalação e organização das oficinas de talha itinerantes, maneira de organização profissional relativamente comum no Brasil Colonial. Para tanto, utiliza-se como estudo de caso a trajetória de Guardiano José das Chagas (Rio de Janeiro, ca.1744 – Guaratinguetá[?], após 1809), entalhador nascido no Rio de Janeiro e que se estabeleceu com oficina, sucessivamente, em Parati e em Guaratinguetá, com obras nessas duas cidades e em povoações próximas. O registro de suas mudanças de município é um caso bastante interessante para se compreender como se davam as relações entre contratantes e os artífices contratados no Brasil de fins do século XVIII e inícios do XIX e as dinâmicas de confecção e entrega de obras de grande peso e volume, como os retábulos das igrejas das cidades mencionadas.

Resumo: O texto aponta os diversos atores sociais que produziram, comercializaram e usaram joias na antiga Vila Real de Nossa Senhora da Conceição do Sabará, hoje cidade de Sabará, um antigo arraial que se transformou em um dos maiores centros produtores de ouro de Minas Gerais no século XVIII. Pretende-se estabelecer as diversas relações e posturas daquela sociedade perante o uso e a posse de joias. Cada possuidor de joia naquele período tinha uma justificativa para tal utilização, sendo as mais comuns a demonstração da religiosidade e a demonstração do poder que essas joias proporcionam. A aborda-gem perpassa por quais os atores e quais suas expectativas com relação ao uso das joias, bem como a re-lação entre os tipos mais utilizados, sempre embasados na documentação produzida pelos cartórios de Sabará durante o século XVIII. Vamos, nesse texto, entender como joia, o artefato feito a partir de ma-teriais nobres, como ouro e prata, com ou sem o uso de pedraria. Palavras-chave: Joalheria, Minas Gerais, Design de joias, Cultura Material. Abstract: The text points out the various social actors that produced, marketed and used jewelry in old Vila Real de Nossa Senhora da Conceição of Sabara, today city of Sabara, an ancient village that has become one of the largest producers of gold centers of Minas Gerais in century XVIII. It is intended to establish the various relationships and attitudes that society to the use and possession of jewelry. Each jewel possessed at that time had a justification for such use, the most common being the demonstration of religion and the demonstration of the power that these jewels provide. The approach which permeates the actors and what their expectations regarding the use of jewelry, as well as the relationship between the most popular types, always grounded in the documentation produced by the notary Sabara during the eighteenth century. Come on, this text, understand how jewel, the artifact made from noble materials such as gold and silver, with or without the use of precious stones.

Existing scholarship on the Brazilian 1960s has prioritized the participatory art of Hélio Oiticica and Lygia Clark, emphasizing their transcendence of the discrete and static art object as the epitome of Brazilian modernism. What is less recognized is the role figurative artists played in the same interrogation of the conventions of artistic representation. This dissertation details the propagation of vernacular subjects and commercial techniques in Brazilian art of the 1960s in tandem with the diffusion of art into interactive and ephemeral propositions. It asserts that depictive and experiential art have more in common than previously recognized.

Brazilian artists invoked popular culture and relied upon modalities suited to local conditions to scrutinize the inequities and idiosyncrasies resulting from the nation’s inchoate modernization at mid-century. The consequent seizure of power in 1964 by an increasingly repressive military regime, and its capitalist aspirations amid the Cold War, exacerbated the Brazilian intelligentsia’s longstanding skepticism of economic and cultural dependency on foreign entities. That wariness is evident in the critical distance Brazilian artists maintained from U.S. Pop art. Although they shared Pop artists’ interrogation of the high-low cultural dialectic, the majority of Brazilian artists dismissed Pop as too acquiescent to a model of consumerism they associated with the authoritarianism of the military regime and believed to be incompatible with Brazilian underdevelopment. This study unpacks that interpretation as well as Brazilian artists’ kinship with Pop’s “new realist” corollaries, including French Nouveau Réalisme and Figuration narrative, to elucidate the transnationality of the Brazilian avant-garde while underscoring its individuality.

This dissertation puts forth a multidisciplinary account of Brazilian modernism, making frequent reference to the productive exchange of visual artists with their contemporaries in poetry, theater, film, and music. It assesses Brazilian artists’ critique of modernist epistemologies emanating from the U.S. and Europe, as exemplified by Tropicália—a strategic redeployment of essentializing tropes of Brazilian underdevelopment theorized by Oiticica. It comprises four chapters that draw from primary sources and interviews and analyze previously unacknowledged popular source materials.

Chapter One addresses Waldemar Cordeiro as a bridge between the non-representational art of the 1950s, which united art and industry, and the pictorial and participatory models of the 1960s that exposed the insufficiencies of Brazilian modernity. Chapter Two locates in the work of Antonio Dias a metacritical antagonism of artistic representation and media specificity. Chapter Three assesses the disparate invocation by Rubens Gerchman and Claudio Tozzi of commercial and popular elements: Gerchman revalorized the “bad taste” of the Brazilian underclass; Tozzi applied the distancing devices of Pop to his portrayal of revolutionary subjects. Chapter Four traces how artists moved away from individual and permanent artworks, as well as conventional exhibition models, throughout the later 1960s. This final chapter spans the advent of the most repressive period of military rule, in December 1968, which led to the dissolution of a relatively cohesive Brazilian avant-garde, the decade-long formation of which is a central thread of this dissertation.

Este artigo apresenta um conjunto de artistas brasileiras que partiram de diferentes regiões do Brasil em direção à França, durante o final do século XIX e inicio do século XX, tendo um mesmo objetivo em comum: estudar na Academie Julian em Paris. Esse conjunto de mulheres se materializa a partir da analise dos registros contábeis da Academie Julian que foram doados aos Archives Nationales em 2015 e recentemente disponibilizados para consulta publica em 2018. Essa segunda parte do fundo documental revela a presença de inúmeras artistas brasileiras importantes para a Historia da Arte nacional e permite atualizar dados e informações de pesquisas já existentes sobre esse sujeito.

Qual a importância da definição de um lugar artístico para a obra de um artista em meio ao espaço social das artes? O lugar que a obra ocupa também localiza o artista? A fim de apresentar e discutir estas questões, elencamos como objeto de pesquisa a série de pinturas inttitulada "Sequências Brasileiras", produzida em meados dos anos 1960 e 2000 pelo artista visual Paulo Menten (1927-2011). Com isto, este escrito busca identificar na criação artística enunciada nesta série nos anos 1960 e nas produções antecedentes, os vestígios de um momento de passagem entre uma hegemonia figurativa para a abstrata nas artes visuais em São Paulo entre os anos 1950 e 1960. A partir de uma breve contextualização histórica e crítica deste período em relação ao meio artístico paulistano, nos lançamos à interpretação das obras supracitadas tendo em vista o discurso da crítica de arte na época sobre a produção deste artista, numa tentativa de enfim localizá-lo.

93 COLAB ORAÇÕES | ALBERTO MARTÍN CHILLÓN ANSEIOS DE ETERNIDADE: o uso do mármore no Brasil imperial 1 Alberto Martín Chillón Recebido em 13/02/2015 Aprovado em 20/03/2015 escultura mármore século 19 Brasil O mármore se constitui como um dos materiais prediletos e mais nobres do labor escultórico, e seu uso e domínio definem o grau de desenvolvimento e civilização de um povo, ideia que permeia a época imperial brasileira. Mediante estudo cronológico focado nesse material, em geral escassamente abordado, nos aproximaremos da história da escultura imperial brasileira. Não são poucas as ocasiões nas quais o mármore foi, durante o Império brasileiro, procurado no território nacional, visando estabelecer uma indústria própria e próspera. Um dos primeiros casos conhecidos dessa busca foi a expedição do naturalista prussiano 2 Frederick Sillow ou Friedrich Selo (1789-1831), um dos primeiros exploradores da flora brasileira, cuja carta datada de janeiro de 1830 informou ao governo que, no seu recorrido pela província de Santa Catarina, havia encontrado "pedreiras de bellissimo marmore branco sacharino, e corado compacto". 3 Pouco sabemos sobre as descobertas desse naturalista que estaria realizando uma carta geográfica e topográfica da parte sul do Brasil 4 no momento de sua súbita morte, antes de 1835. Chegou em 1814 ao Rio de Janeiro a convite do cônsul russo, o barão Von Langsdorff, e receberia um salário público como cientista. Participou das expedições do príncipe alemão Maximilian zu Wied-Neuwied e de Georg Wilhelm Freyreiss, e depois de expedições financiadas pela Prússia pelo sul do Brasil e o atual Uruguai para recolher amostras de plantas, sementes, madeiras, insetos e minerais. O envio dessa carta poderia corresponder a uma dessas expedições, mas sabemos também que Sillow foi encarregado, por mandato imperial, de recolher os ossos de um ictyosauro achado no rio Arapey. 5 Seria interessante conhecer se o doutor Sillow foi encarregado diretamente de procurar recursos naturais, entre eles o Anúncio da marmoraria de Antonio Garcia; Almanak Administrativo, Mercantil e Industrial do Rio de Janeiro, Negociantes, 1878: 809 YEARNINGS FOR ETERNITY: THE USE OF MARBLE IN IMPERIAL BRAZIL | Marble is one of the favorite and finest sculptural materials, and its use and mastery define the degree of development and civilization of a nation, an idea that pervades the era of the Brazilian Empire. This article analyzes the history and use of marble in the Brazilian imperial sculpture.| Sculpture, marble, 19th century, Brazil. 54 O Brasil Artístico, 1857: 17-18.