Drawings

Ignazio Enrico Hugford (1703-1778) was a painter of English origin who was trained under Anton Domenico Gabbiani. As art dealer and connoisseur, he was among the most important collectors of works on paper in eighteenth-century Florence and had prolific and wide-ranging contacts throughout Europe. He was in close touch with Francesco Maria Niccolò Gabburri, and his correspondents also included Pierre Jean Mariette and Giovanni Gaetano Bottari. Among the over three thousand drawings bequeathed to his heirs and acquired in 1779 for the Uffizi by its director Giuseppe Pelli Bencivenni, one hundred and five sheets were attributed to artists of non-Italian schools. The attentive descriptions of Pelli’s inventory, the characteristic framing applied by Hugford and his inscriptions on some of the sheets have made it possible to identify almost all of these drawings, now in the Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi. Research has also revealed Hugford’s talent as connoisseur, his interest in certain artists, and how Northern European drawings were regarded in the Florence of his time. This group includes sheets attributed to the Germans Dürer and Holbein, the Flemings Spranger and Lucas van Leyden, the French Callot and La Fage, and the Portuguese Francisco Vieira. Although many of these attributions are no longer acceptable, the identification of individual drawings has made it possible to confirm their authorship, and in some cases to suggest new attributions.

This essay examines and discusses a hitherto unpublished drawing reproducing a fresco in Siena, now lost but traditionally attributed to Simone Martini by sources ranging from Ghiberti to Della Valle. The drawing, from the collection of the art historian Jean-Baptiste Seroux d’Agincourt housed in the Biblioteca Apostolica Vaticana, prompts discussion regarding the painting’s iconography and style.

Amongst the more than four thousand drawings of the collection of Count Charles Cobenzl, formed in Brussels between 1761 and 1768 and today mostly in the State Hermitage Museum in St Petersburg, are a number of small sheets kept under the name of Abraham van Diepenbeeck. The author clarifies their relationship to his oeuvre, identifying them as designs by different artists for in-text illustrations in books published in Antwerp in the second quarter of the seventeenth century. The history of these drawings, some of which were formerly in the celebrated drawings collection of the banker Pierre Crozat in Paris, throws light on the circulation of drawings in the eighteenth century. Moreover, it provides the first indications of the composition of the drawings collection of François-Ernest de Salm Reifferscheid, Bishop of Tournai, of which little was previously known.

Kattingeri Krishna Hebbar was born at Kittingiri in the Udupi district of Karnataka. In his childhood he played with clay, and tried to form toys out of it. He also tried to draw with charcoal on the wall of his house the copies of the mythological pictures of Ravi Varma. This inclination towards drawing resulted into his entry in the Chamrajendra Vadiar Technical School for the study of painting. While watching Indian classical dance, he was attracted by the graceful movements of the body and the limbs of the dancer. He expressed in lines on his sketching pad, often without even his looking at the result on paper. His hand started moving automatically, charged with emotion and guided by music. In this process the flow of line was all that mattered.

Although his celebrated pupils, Guido Reni, Francesco Albani and Domenichino, flourished in the Eternal City, during his lifetime the Antwerp-born painter and draughtsman Denys Calvaert (c.1540–1619) probably visited Rome only once, between 1573 and 1576. While Calvaert’s sojourn in Rome is recorded in documents and early sources, the evidence of his artistic activity is rather meagre, which has led to some misinter- pretations and chronological confusions. The discovery of a group of drawings that can be confidently attributed to Calvaert and precisely dated to his years in Rome adds visual substance to documenting the artist’s presence in the city, which was crucial for his training as a draughtsman and his future development as an artist.

Le Conte des sept mendiants de Nahman de Bratslav (1775-1810) fut lu et admiré par, entre autres, F. Kafka, M. Buber ou S.Y. Agnon. Comme le veut la tradition des contes populaires juifs d'Europe orientale, il a été, en 1810, dit en yiddish lors d'un repas du Shabbat par son auteur. Il a ensuite été transcrit en hébreu et en yiddish et a abondamment circulé au point de devenir un des textes classiques de la littérature juive. L'originalité de cette édition est de présenter une nouvelle traduction du yiddish, à partir d'une des premières versions du Conte. Les peintures et dessins de Sandra Zemor, qui a su remarquablement transcrire l'univers spirituel de Nahman de Bratslav, lui font écho. Les correspondances entre les thèmes fondamentaux de la tradition juive et leurs résonances contem-poraines dévoilent ici plus que la légende. Loin d'être unique-ment une histoire juive des temps anciens, le récit et son accom-pagnement pictural doivent être abordés comme une médita-tion pour le peuple juif de notre temps. Sandra Zemor est une artiste reconnue. Elle a exposé en France, en Israël, en Italie et aux états-Unis. Elle travaille avec la matière, la lumière et les encres. Elle a récemment présenté un impressionnant ensemble de dessins et de peintures autour de l'univers poétique de Léonard Cohen. Elle réalise des installations, des vidéos, des objets peints et a édité quatre livres. Jean Baumgarten est directeur de recherche au CNRS. Il a publié des articles, des livres sur l'histoire culturelle du judaïsme ashkénaze, le hassidisme, l'histoire du livre juif et la littérature yiddish ancienne. Il a rédigé la préface, l'avis au lecteur (Pour se guider et se perdre dans le Conte des sept mendiants) et traduit le conte à partir de sa version princeps en langue yiddish. Prix public ttc (France): 24 €

The Colección de cuadros y planos sobre de Cerdeña y Sicilia en los anõs 1717, 1720 (Madrid, Biblioteca Nacional de España MSS 6408) is an archive of military maps complementing the Memorias written by Jaime Miguel de Guzmán-Dávalos, second marquis of la Mina, who had participated in these campaigns. The Colección illustrates some of the most important events of the Italian campaigns against the Quadruple Alliance of Britain, France, Austria and the Dutch Republic (1717–1720). Comparison of the maps and other drawings with details in la Mina’s Memorias allows us to clarify his main objective in compiling the text, which was to record the operations faithfully for use in military education.

Antonio Gámiz Gordo (2012): "J. F. Lewis's original drawings of the Alhambra palaces (1832-33) / Los dibujos originales de los palacios de la Alhambra de J. F. Lewis (h. 1832-33)", EGA Expresión Gráfica Arquitectónica, nº 20, Valencia, p.76-87.
https://doi.org/10.4995/ega.2012.1406

L’articolo tratta due disegni custoditi presso la Biblioteca Ambrosiana che inducono a riflettere sul considerevole fascino che le collezioni romane hanno esercitato sugli artisti, specie nel corso dei secoli XV–XVI; si fa riferimento, in particolare, alla raccolta di Andrea della Valle, tra i primi a riunire ingenti quantità di sculture antiche, considerato precursore del moderno collezionismo.
Il primo foglio preso in esame, databile entro il primo quarto del ’500, trova rispondenza in un rilievo raffigurante "Artemide e Apollo" presso Villa Medici a Roma, ma che precedentemente era parte di quell’insieme di marmi che scenograficamente ornavano il giardino pensile di palazzo della Valle.
Il secondo disegno - da ricondurre a un maestro toscano attivo nella seconda metà del secolo XVI, forse gravitante intorno alla cerchia di Andrea Boscoli - deriva dal "Ganimede con l’aquila" agli Uffizi e dal "Bacco con cane", oggi nel Palazzo Medici-Riccardi a Firenze, sculture esposte entrambe nella raccolta del cardinale della Valle fino all’acquisizione da parte di Ferdinando de’ Medici all’inizio degli anni ’80 del XVI secolo.
Seppure di attribuzione incerta, i due disegni dell’Ambrosiana costituiscono un’ulteriore testimonianza del momento aureo vissuto dalla collezione della Valle prima della sua dispersione.

"Le sacrifice et la création dans l’œuvre d’Antonin Artaud, Georges Bataille et Sergueï M. Eisenstein », in Le sacrifice et le don : Représentations dans la littérature et les arts francophones, sous la direction de Irène Chassaing et Juliette Valcke, avec la collaboration de Ziyan Yang, Moncton, Perce-Neige, 2018, pp. 131 - 150.

https://www.horti-hesperidum.com/show.php?item=228

L’ottavo fascicolo (IV, 2014, 2), curato da Francesco Grisolia, è intitolato Studi sul Disegno italiano tra Connoisseurship e Collezionismo e comprende contributi, riflessioni e novità sull’attività grafica di diversi artisti dal Rinascimento al Novecento, così come su collezionisti e nuclei di grafica. Connoisseurship e collezionismo dialogano e si intersecano in questa raccolta dedicata al disegno italiano. Per il Cinquecento sono presenti: Bernardino Luini, Aurelio Luini e Giovanni Paolo Lomazzo, di cui si esamina la pratica di firmare e annotare i disegni; il gusto per l’antico della scuola di Fontainebleau tra Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio e Léonard Thiry attraverso un foglio apparso sul mercato. Il disegno del Seicento si muove tra Firenze e Napoli: uno studio stilistico e iconografico che prende le mosse da un bozzetto di Lodovico Cardi detto il Cigoli e già ascritto a Francesco Curradi; un altro con novità sui disegni del napoletano Aniello Falcone. Sempre a Napoli ci conduce l’esame di un bozzetto su carta di Domenico Antonio Vaccaro e sul suo processo creativo. Sono presenti ricerche sulla raccolta del vicentino Pietro Stefanoni, antiquario-editore in rapporto con Cassiano dal Pozzo e Sebastiano Resta, e sul fondo di grafica del Museo Civico di Pescia, dove spicca la collezione del frate pittore Alberico Carlini da Vellano. Chiude il volume un’analisi sul disegno italiano a cavallo tra gli anni Sessanta e Settanta del XX secolo attraverso le idee e le opere di alcuni protagonisti.

The Free University in Berlin, conceived by the architectural firm candilis-Josic-Woods, raises questions about how social and utopian agendas emerged over an extended design process. This article analyzes how the architects conceptually linked the ideas of "stem" and "web" to establish the unified concept of "groundscraper." it also investigates the urban and environmental issues raised by the architects' intentions to instigate socio-political change. Beginning with the initial diagrammatic proposal, through the development of a site strategy, to the final construction of the building, candilis, Josic, and Woods explored the urban issues that grew out of their active participation in the Congrès International d'Architecture Moderne (ciAM) and, later, in meetings of a splinter group known as team 10. From its inception, the Free University project encouraged exchanges among different disciplines, resulting in a heterogeneous, multilevel grid that increased urban density at the site. Linking stem with web in the groundscraper concept at the Free University building culminated in a hybrid connecting the high-rise structure to the ground in a manner that unites architecture with social sciences, engineering, and urbanism.

To cite this paper:  Ford, Chris. (2012). “The Composite Drawing in Architectural Education,” Proceedings of Design Communication Association 2012: Graphic Quest. Stillwater OK: Oklahoma State University, October 2012

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This paper presents the context of, and larger educational pedagogy for, the execution of Composite Drawings as a presentation requirement for academic studios. Although Composite Drawings have a proven history as both effective and engaging graphic artifacts, we are witnessing a decline in their number in recent years. This paper will contextualize the contemporary condition in which Composite Drawings are today conceived, identify the cultural impediments that must be transcended, and share those physical attributes of student solutions that have proven to be most compositionally effective. This paper and associative presentation shall incorporate historical examples by professionals and student work from eight years of architectural design studios to further demonstrate both the benefits and liabilities of the Composite Drawing as a focused representational endeavor.

Children have largely been overlooked as research participants in anthropological work. The anthropology of childhood has played an instrumental role in bringing attention to this fact, and it has highlighted important contributions children's viewpoints can make to our discipline. In this article, we present three case studies that involved children as active participants through the use of visual methodology: Vindrola-Padros's research in Argentina used drawing techniques to document children's experiences of oncology treatment; Johnson's work in Kenya used photovoice with children living in orphanages to understand their coping strategies; and Pfister's study in Mexico City looked at how combining dance and drama encouraged participation among deaf and hearing children. [agency, children, drawings, performance, photovoice, visual methods] bs_bs_banner

Los ingenieros del Renacimiento a menudo ocultaron mediante criptografía los secretos de su trabajo en materia de fortificaciones, máquinas de guerra o juguetes mecánicos para el divertimiento de sus gobernantes. Leonardo también tuvo la misma necesidad respecto a ciertos planos de máquinas capaces de moverse por sí mismas, e ingenios militares. Pero el pensamiento de Leonardo va bastante más allá del de cualquiera de los hombres de ciencia de su tiempo. De hecho, él tenía el concepto de módulo, por medio del cual descomponía la máquina en sus elementos, entendiendo cada uno de ellos como un objeto en sí mismo, reproducible y susceptible de ser empleado de manera diferente en diferentes contextos. Gracias a esta innovadora concepción de la máquina como un objeto-proyecto Leonardo es capaz de ocultar los planos de sus inventos, diseminando cada uno de sus elementos en dibujos distintos sin numeración, y dispersos en diferentes páginas, tan numerosas que aún hoy para reconstruir el proyecto completo de un invento es absolutamente necesario el concepto de hipertexto.

ITA
Nato da genitori inglesi e allievo di Anton Domenico Gabbiani, Ignazio Enrico Hugford (Firenze, 1703-1778), noto per la sua attività di collezionista, conoscitore e mercante d’arte, fu anche pittore molto attivo nella Firenze del Settecento. L’analisi della sua produzione grafica, sia attraverso fogli noti, ma in parte inediti, sia per mezzo di novità qui presentate, consente di gettare luce sul suo percorso artistico, sempre in stretto rapporto con le altre attività, tra cui quella di professore all’Accademia del Disegno. A partire dai disegni giovanili, con ritratti di condiscepoli e nudi accademici, passando per studi preparatori di diverso genere, di stili e tecniche anche molto distanti, e fino ai fogli della piena maturità, Hugford si rivela disegnatore eclettico, che guarda tanto a Gabbiani e al classicismo di stampo correggesco, quanto ad artisti di ambito tosco-romano (Cortona, Volterrano, Maratti, Luti, Morandi) a lui contemporanei o di poco anteriori, dei quali collezionava e vendeva disegni e dipinti.

FRA
De parents anglais et élève d’Anton Domenico Gabbiani, Ignazio Enrico Hugford (1703-1778) est principalement connu pour son activité de collectionneur, de connaisseur et de marchand d’art. Il fut aussi un peintre très actif à Florence durant le XVIIIe siècle. L’analyse de sa production de dessins, qu’il s’agisse de feuilles connues en partie inédites, ou de plusieurs nouveautés, permet d’éclairer son parcours artistique qui était étroitement lié avec ses autres activités, en particulier celle de professeur à l’Accademia del Disegno. De ses dessins de jeunesse (portraits de ses confrères et études de nus), en passant par des études préparatoires, stylistiquement et techniquement très variées, jusqu’aux feuilles de la pleine maturité, Hugford se révèle être un dessinateur éclectique. Il regarde aussi bien Gabbiani et le classicisme dérivant de Corrège, que des artistes du milieu tosco-romain de son époque ou légèrement antérieurs (Pietro da Cortona, Volterrano, Maratti, Luti, Morandi), dont il collectionnait et vendait par ailleurs les dessins et les tableaux.

The article discusses Andrea del Sarto's use of cartoons throughout his career and gradual transition to the involvement of members of the workshop in the design process. Presented here for the first time with an attribution to Andrea del Sarto is a large-scale fragment of a drawing of a young boy looking and pointing toward the right, the only surviving example of a fully autograph cartoon for a painting within the artist’s corpus of drawings and a crucial missing link for the full understanding of his working method.

From: "Horti Hesperidum" vol. 4, n. 2 (2014), Studi sul disegno italiano tra Connoisseurship e Collezionismo, pp. 9-57

Abstract: Diffusa principalmente in area nordeuropea, la pratica di firmare i disegni si rivela ancora rara e inusuale tra i disegnatori italiani attivi dal primo Cinquecento. Un foglio poco noto conservato a Lisbona e attribuibile al pittore del Rinascimento lombardo Bernardino Luini (doc. 1501-1532) rappresenta il punto di partenza per riesaminare la funzione e il significato di scritte, annotazioni e firme sui alcuni disegni dell’artista. Avviata da Bernardino Luini, la tendenza a firmare composizioni su carta sarà adottata da suo figlio, l’artista Aurelio Luini (1530-1593) e promossa da altri artisti appartenenti all’Accademia della Val di Blenio – come Giovanni Paolo Lomazzo (1538-1592) – per i quali l’uso della parola scritta si rivela talvolta funzionale a comprendere il significato dei disegni.

Popularized in Northern Europe by draftsmen and engravers, the practice of signing drawings was still an uncommon one among artists active in Italy during the early Cinquecento. An overlooked drawing in Lisbon, signed by the Lombard Renaissance painter Bernardino Luini (doc. 1501 – 1532) offers the chance to review the numerous inscriptions and signatures left by this master on his rather small corpus of drawings and to evaluate their meaning and function. Extensively adopted by Luini, this practice was later embraced by his son, the artist Aurelio Luini (1530-1593) and by other Lombard masters gathered around the so-called Accademia della Val di Blenio - like Giovanni Paolo Lomazzo (1538-1592) - where the use of words was highly instrumental in explaining the subtle meanings of their drawn images.

Questions the story of Michelangelo burning his drawings at the end of his life.  Suggests that Michelangelo’s change of practice late in life meant that the artist made many fewer drawings than he did earlier in his career and many fewer “collectible” drawings of the type he once made forTommaso de’ Cavalieri and the now deceased Vittoria Colonna.  Thus, he likely burned much less than is generally supposed, and more likely compromising things such as his copy of the Beneficio di Christo, correspondence and poems (e.g. exchanged with Beccadelli), and maybe drawings for the Last Judgment (given the on-going criticism of that work).

[Prima ed. 2018. La seconda edizione accresciuta, riveduta e corretta è in preparazione]

Intelligente e vivace collezionista di disegni e fine connoisseur, padre Sebastiano Resta (Milano, 1635 - Roma, 1714) ha goduto di grande fortuna negli ultimi venti anni. Egli mise insieme una delle più ricche raccolte di disegni del tempo in svariati volumi, molti dei quali oggi sciolti e dispersi, ma di cui restano ancora splendidi esempi: la "Galleria portatile" nella Biblioteca Ambrosiana di Milano, il "Correggio a Roma" al British Museum di Londra, il "Libro d’arabeschi" nella Biblioteca Comunale di Palermo. Resta inoltre tenne le fila del mercato del disegno a Roma e in Italia nella seconda metà del XVII secolo e nei primi due decenni del XVIII, segnalandosi come consulente di uno tra i maggiori collezionisti europei del tempo: il marchese del Carpio, Viceré di Napoli.
Il fondo di disegni del Gabinetto dei Disegni e delle Stampe delle Gallerie degli Uffizi, notoriamente il più ricco in Italia, a lungo ritenuto indenne da contaminazioni ‘restiane’, conserva invece un intero album di disegni proveniente dalle sue raccolte, confluito nel 1779 e intitolato "Trattenimenti pittorici", purtroppo andato smembrato.

Assemblato a Roma nell’anno 1700 ca., il volume fu offerto prima in vendita al vescovo di Arezzo Matteo Marchetti, principale acquirente di Resta, poi in dono al re di Spagna Filippo V per il tramite di Francesco Tanca, un pittore napoletano di sua fiducia, che nel 1701 lo portò a Madrid. Il tomo rimase in Spagna, dove nel 1745 fu acquistato dal nobile fiorentino Giovanni Filippo Michelozzi, (+1777), a sua volta collezionista di disegni e stampe residente a Madrid, impegnato in attività commerciali, che lo portò a Firenze dopo averlo riordinato, rispettando l’ordine originario dei disegni e copiando le iscrizioni di padre Resta.
Alla morte del padre, gli eredi Michelozzi decisero di alienarne l’ingente collezione di grafica, che ammontava ad oltre 27.000 pezzi tra stampe e disegni. L’acquirente fu la Real Galleria fiorentina nel 1779 tramite l’intervento del direttore Giuseppe Pelli Bencivenni, noto studioso d’arte e funzionario con grande sensibilità per la tutela del patrimonio. Composto da 121 pagine per un totale di 135 disegni, il volume venne sciolto nel corso dell’Ottocento, non prima però che Pelli ne avesse fatto una dettagliata descrizione in un inventario di disegni, oggi indispensabile documento, insieme ad altri elementi e fonti antiche, per l’identificazione dei fogli.

Il volume qui ricomposto nella sequenza originaria, con saggio introduttivo e analisi di ciascun disegno, consente di aggiungere un ulteriore e importante tassello alla raccolta di grafica e alle attività di padre Resta. Nel volume "Trattenimenti pittorici" il collezionista aveva tentato di ripercorrere attraverso il disegno l’evoluzione della storia dell’arte italiana, dal '400 ai suoi giorni, da Donatello fino a Carlo Maratti, dando particolare rilievo alla scuola lombarda, a quella emiliana e alla veneta, oltre che ai disegni di artisti tardo-manieristi, àmbiti e periodi poco apprezzati ai suoi tempi, dimostrando un’apertura assai poco convenzionale, una libertà di pensiero, istanze e interessi storiografici che lo riscattano dai giudizi negativi troppo a lungo espressi dalla critica sul suo conto.

En este volumen se recogen las Actas del Simposio Internacional La Compañía de Jesús y las artes. Nuevas perspectivas de investigación, celebrado en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Zaragoza los días 19 y 20 de diciembre de 2013, vinculado con el Proyecto I+D Corpus de Arquitectura Jesuítica II; un proyecto interuniversitario e internacional, dirigido desde el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Zaragoza. En este encuentro quedó patente el renovado interés por el estudio del arte de los jesuitas y se expusieron las vías de investigación que se están desarrollando en diferentes universidades nacionales y extranjeras, presentadas tanto por prestigiosos estudiosos sobre el tema, cuanto por jóvenes investigadores, que explicaron sus trabajos, intercambiaron conocimientos, debatieron hipótesis, plantearon sus propuestas metodológicas y relataron la variada problemática surgida en cada investigación, con una discusión y debate en los que pudieron participar todos los asistentes. Todo ello se ofrece ahora al público en general –y a la comunidad científica en particular– en este volumen.

1.- Los Jesuitas y las artes. Nuevas investigaciones, nuevas visiones, por María Isabel Álvaro Zamora y Javier Ibáñez Fernández
2.- La arquitectura jesuítica en Aragón: primeras fundaciones. Objetivos y metodología de trabajo, por Naike Mendoza Maeztu
3.- El colegio de la Compañía de Jesús de Tarazona (Zaragoza): metodología de trabajo y fuentes para su estudio, por Rebeca Carretero Calvo
4.- La Compañía de Jesús en Navarra y las artes. Estado de la cuestión y fuentes para la investigación, por María Josefa Tarifa Castilla
5.- El Colegio de la Compañía de Jesús de Segovia. Fuentes y metodología de estudio, por Cristina García Oviedo
6.- El colegio de la Compañía de Jesús de Soria. Fuentes y metodología, por Fernando del Ser Pérez
7.- La Casa de Administración del Colegio Imperial de Jesuitas en Arganda del Rey (Madrid), por Raquel Novero Plaza
8.- La serie dei disegni della Provincia Mediolanensis Italiae, por Isabella Carla Rachele Balestreri
9.- Bartolomeo Ammannati, arquitecto y benefactor de la primera sede jesuítica en Toscana: San Giovanni Evangelista (1572-1592), por Teresa J. Gómez León
10.- Progetto e revisione. Il modo nostro nelle vicende del collegio dei Gesuiti di Iglesias, por Emanuela Garofalo
11.- A arquitectura das primeiras igrejas jesuítas em Portugal: São Roque de Lisboa e Espírito Santo de Évora. Confessionários, púlpitos e tribunas, por Rui Lobo
12.- Ciudad y territorio en las misiones jesuíticas de indios guaraníes, por Pablo Ruiz Martínez-Cañavate
13.- Identidad y globalización en las fachadas jesuitas de Pekín en el siglo XVIII, por Pedro Luengo
14.- La adopción del manual de Perspectiva de Andrea Pozzo en la docencia jesuítica española, por Sara Fuentes Lázaro
15.- Reconsideración de la iglesia del noviciado de San Luis, de Sevilla, a la luz del tratado del jesuita Andrea Pozzo, por Alfonso Rodríguez G. de Ceballos
16.- Tan verdadero Dios, como verdadero hombre: Cristo vestido de Jesuita, por Ángel Peña Martín

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