ARTES PLÁSTICAS, ESCULTURA

El artículo añade al catálogo de obras de José Ferreiro, el mejor escultor gallego del último tercio del siglo XVIII, unas esculturas que, en primer lugar, suplen el hueco del año 1773 de la producción de este imaginero, lo que nos permite establecer su evolución anual dentro del comienzo de la década de los setenta: 1772, esculturas del Monumento de Jueves Santo de San Martín Pinario; 1773 imágenes del retablo mayor de la Magdalena de Montemaior; 1774, grupo de la Transfiguración del retablo mayor del Divino Salvador de Orro; 1775, esculturas del retablo mayor de San Mamed de Carnota y de Santa María de Loureda, además de las obras del frontón y la  acrotera del Santiago Matamoros del Seminario de confesores y casas consistoriales de Raxoi; en segundo, nos ayudan, a su vez, a enriquecer dicho catálogo con la aportación de nuevas piezas como la imagen del patrón de San Juan de Ortoño (1767) o las esculturas de san Antonio de San André de Roade, San Pedro de Soandres y de Santa María de Cesar (1764); y, en tercero, nos sirven para establecer diferencias en el taller Gambino-Ferreiro, todavía en vida del maestro, entre el ‘estilo’ que consideramos más próximo a este y el que suponemos más cercano al discípulo, aunque, eso sí, sin caer en un atribucionismo a ultranza que nos lleve a aseverar que tal pieza es íntegra o parcialmente obra de uno o de otro.

RESUMEN

Esta Tesis Doctoral se ha conformado para dar a conocer e intentar revitalizar, el amplísimo repertorio de culturas que han manejado la representación a través del barro y la cerámica, en los territorios de América Latina. Por lo tanto, se muestran en este trabajo aquellas culturas que demostraron o demuestran vínculos artísticos con el material, por un lado, y por otro, concentrándonos en la representación del barro en el arte (escultórico). Éste último, en occidente fue considerado en el pasado, material y técnica artesanal, sometido a los límites y lindes entre arte y no arte; sin embargo, con este estudio se constatan, las fuertes relaciones culturales, artísticas y escultóricas de esta disciplina (y de forma ininterrumpida), con las sociedades latinoamericanas, consideradas como no-occidentales. Este estudio aborda un extenso recorrido por épocas pasadas y su evolución, hasta llegar a la cerámica escultórica producida en la actualidad, tanto en referencia a la representación que originan los artistas contemporáneos de hoy, adscritos a la tradición occidental, como del arte popular e indígena de estos territorios (sometidos, en mayor o menor grado, a patrones artísticos foráneos, en los últimos cinco siglos de su historia, modificando, y en cierta medida infravalorando, su carácter distintivo). Por consiguiente, con esta investigación se trata de dar a conocer estas cuestiones, en las que se entremezclan otras muchas que aún están en discusión, inmersas en el desarrollo del arte contemporáneo, teniendo en cuenta a su vez, los avances de los estudios científicos y los cambios que se generan en nuestros días, ampliando nuestra mirada hacia la multiculturalidad.

Abstract:

This doctoral thesis has been formed to raise awareness and to try to revitalize the vast repertoire of cultures that have handled the representation through clay and ceramics, in the territories of Latin America. As shown in this work, those cultures demonstrated or demonstrate artistic links with the material, on one hand and on the other, focusing on the representation of clay in art (sculpture). The latter was considered in the past, materials and craftsmanship, subject to the limits and boundaries between art and non- western art, but this study demonstrates the strong cultural, artistic and sculptural relations of this subject, and uninterruptedly, with Latin American societies, considered as non-Western. This Tesis address an extensive tour of past eras, and its evolution, up to the sculptural ceramics produced today, in reference to the representation which originates contemporary artists today, assigned to the western tradition, as the popular and indigenous art of these territories (subjected, in a  greater or lesser degree, to foreign artistic patterns, in the last five centuries of its history, modifying, and to some extent underestimated, the own character they had). Therefore, this research tries to make known these issues, in which many others are mixed and still under discussion, immersed in the development of contemporary art, considering in turn the progress of scientific studies and changes that are generated today, expanding our gaze to the multiculturalism.

El estudio de un conjunto de crucificados del oeste de Castilla y León, de características formales similares, y enmarcados  en la escuela escultórica centroeuropea, muestra que ya a finales del gótico y comienzos del renacimiento, se utilizó la tela encolada y el cabello natural como recursos plásticos, que hasta ahora habían sido considerados exclusivos de la teatralidad barroca. Se analizan sus aspectos formales y sus enormes analogías para establecer una tipología que los agrupe y defina, y se concluye con una aportación teórica para explicar el significado del uso de tales recursos en el momento de su creación.

El romanismo, estilo al que pertenecen las obras escultoricas estudiadas en este libro, es una adaptación del manierismo italiano de Miguel Ángel y sus seguidores que se caracteriza por la concepcion de figuras de gran idealización, de anatomia exaltada y pletóricas de fuerza. En esta publicación se analizan con detenimiento los retablos de finales del siglo XVI y comienzos del XVII en sus vertientes arquitectónica, escultural y pictórica de esta zona geográfica comprendida en el norte de la Península.
Se trata de un tema poco estudiado y con su abordaje se han intentado proporcionar las herramientas para que estas obras, algunas de ellas recientemente restauradas, sean valoradas y apreciadas como se merecen. Para ello, las obras se encuadran en el marco politico, administrativo, religioso y artistico del entorno de Tolosa, en Gipuzkoa, donde en el cambio de centuria artistas como Jerónimo de Larrea o Pedro de Goicoechea realizaron los retablos mayores de Itsasondo o Irura, en los que se consolida este nuevo estilo contrarreformista. El romanismo se ve analizado en su vertiente estilística, iconográfica o en sus fuentes gráficas, mientras que en cuanto a los artistas estudiados se centra la atención en los aspectos biográficos y profesionales, ofreciendo un amplio catálogo de obras que se distribuyen en el curso del río Oria, desde el actual Goierri hasta la costa cantábrica.

La extensa Comarca de la Comunidad de Calatayud es un territorio excepcional para el estudio de las artes plásticas del Renacimiento, dado que sus localidades conservan un verdadero tesoro de piezas de escultura, pintura, orfebrería y ornamentos sacros realizados durante dicho periodo cuyo estudio permite seguir los principales cambios de gusto o estilo que se dieron en esa época. El presente trabajo se centra en el análisis de las más notables piezas de escultura y pintura que se hicieron allí desde los primeros años del siglo XVI hasta 1610. Entre los artistas responsables de su ejecución figuran nombres tan destacados como Esteban de Obray, Gabriel Joly, Alonso de Villaviciosa, Damián Forment, Juan de Moreto, Juan Martín de Salamanca, Pietro Morone, Pedro Martínez el Viejo, Jaime Viñola y Felices de Cáceres.

in Res Literaria République des Savoirs (Usr 3608 du CNRS - Collége de France, Ens de la rue d'Ulm), Centre Jean Péepin (Umr 8230 du CNRS - Ens de la rue d'Ulm),  Les Cahiers de l'Ornement, 1, a cura di P. Caye e F. Solinas, Roma, De Luca editore 2016, ISBN 978-88-6557-272-6, pp. 175-196.

La reciente restauración de la portada de la colegiata de Santa María de Calatayud, impulsada por el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón, y llevada a cabo por la empresa Tracer Restauración y Conservación, ha exigido realizar, entre otras actuaciones, un apurado estudio histórico artístico del monumento.
La labor desarrollada en diferentes archivos bilbilitanos, aragoneses y estatales ha permitido reunir un gran número de referencias documentales que vienen a esclarecer tanto las circunstancias de su confección, como la verdadera naturaleza de las distintas intervenciones de que ha sido objeto a lo largo del tiempo, muchas de ellas desconocidas o insuficientemente estudiadas hasta ahora. Pero el trabajo, que se demostró de gran utilidad a la hora de afrontar la restauración integral de la portada y sus batientes de madera, no se limita a ofrecer una cuidadosa crítica de autenticidad de las mismas, sino que aporta una novedosa interpretación del conjunto, demostrando su relación con algunas de las manifestaciones más destacadas del primer Renacimiento normando, un contexto artístico sumamente interesante –caracterizado por la supervivencia de los presupuestos del gótico flamígero y la apresurada adopción del nuevo lenguaje all’antica llegado desde la Península Itálica– del que procedía Esteban de Obray, uno de los maestros que contrataron su ejecución. Además, el libro facilita el grueso de la documentación histórica reunida sobre la portada en un PDF adjunto en un CD.

Negli anni '40 del Novecento giunsero in Sardegna un gruppo consistente di reliquiari a busto, ma anche a braccio e a cassetta, tutti intagliati, dorati e decorati ad 'estofado', realizzati nel Napoletano agli inizi del XVII secolo e provenienti dalla chiesa di Santa Teresa a Massa Lubrense. Il testo ricostruisce il complesso iter di queste preziose opere, dall'estrazione delle reliquie nelle catacombe romane anche per intervento di ambasciatori spagnoli presso la Santa Sede, alla realizzazione dei manufatti per committenza gesuitica, fino al trasferimento nell'Isola, in cui ebbe ruolo il card. Alfredo I. Schuster.

protagonista durante tres siglos del culto mariano en su parroquia, la antigua imagen de la Virgen de la Concepción quedó relegada tras la entronización de la Inmaculada de Fernando Estévez en 1847. Aunque ahora es casi una pieza desconocida, fue objeto de la devoción de sus feligreses y cofrades, tuvo una notable presencia en la vida litúrgica y festiva de la Ciudad, atesoró vestidos, joyas y alhajas y, además, sirvió de modelo para otras representaciones artísticas. Debió ser la primera efigie de talla que bajo el título de la Concepción se veneró en la parroquia y figura por primera vez en sus inventarios en 1541, pues debe corresponder con la donada por Isabel Ramírez, quien su testamento otorgado en 1544 impuso a perpetuidad la celebración de la fiesta de la Inmaculada Concepción e hizo constar que en el «altar mayor tengo puesta una ymagen de la dicha advocación» 1 . Esta antigüedad ha demandado a lo largo de los siglos intervenciones sanadoras, cuando no reformas, que imponen cautela al valorar su estado primitivo 2 . El cronista Juan Núñez de la Peña recogió en 1676 la tradición de que esta imagen fue una «de las que en España se hicieron a petición 1 Archivo Histórico Provincial de Santa Cruz de Tenerife (en adelante ahpt): Protocolo notarial (en adelante Pn) 100 [escribanía de Mateo de Heredia], ff. 217-223. Nada sabemos sobre la procedencia de la imagen, si bien la tradición sugiere su factura sevillana. 2 Entre 1650 y 1659 -según Moure, en 1655-está documentada la intervención del pintor Gaspar de Quevedo, a quien se abonaron trescientos reales por «adereçar el rostro de Nuestra Señora que tenía unas rajaduras». Archivo Parroquial de Nuestra Señora de la Concepción. La Laguna (en adelante apc): «Libro iv de fábrica», f. 77v.

Artículo presentado en el VII Congreso Nacional de Hermandades y Cofradías, celebrado en Zamora los días 21-24 de febrero de 2019. En él hablamos sobre la recuperación cristífera del imaginero conquense Luis Marco Pérez para la Semana Santa de Cuenca en los primeros años del franquismo.

L’intervento è dedicato alla piena riscoperta stilistica di un busto quattrocentesco con l’effige del Cardinale Al- bornoz, opera commissionata verosimilmente nella seconda metà degli anni ’80 del XV secolo e da sempre conservata al Real Colegio di Spagna di Bologna. Dopo una lunga indagine stilistica, sulla base di numerosi confronti con le opere di Vincenzo Onofri, dei dati emersi durante il restauro e delle specificità storiche dell’oggetto artistico, il busto viene attribuito alla prima produzione del celebre scultore bolognese. Dall’analisi delle sue caratteristiche emerge una terracotta di grande qualità che ha conservato anche una parte consistente della coloritura originaria, in cui l’artista infonde caratteri stilistici puntuali, in linea con i migliori sviluppi della produzione cittadina di epoca bentivolesca. Alla poca fortuna che l’opera ha avuto in ambito storiografico si contrappone una notevole fortuna iconografica, poiché tutti i ritratti moderni del Cardinale mostrano le sembianze della bella terracotta policroma. Infine, l’indagine documentaria presso il Real Colegio ha disvelato come tra gli anni ’20 e gli anni ’30 del Novecento, per celebrare il ruolo e l’importanza di Albornoz e dell’istituzione ispanica, vennero realizzate e diffuse diverse copie del busto in gesso.

This essay focuses on the stylistic rediscovery of a fifteenth-century terracotta bust with the effigy of Cardinal Albornoz. The artwork was probably commissioned in the second half of the 80s of the XV century, and it has always been kept at the Real Colegio of Spain in Bologna. The bust is attributed to the first artistic period of the famous Bolognese sculptor Vincenzo Onofri; the attribution is based on a long stylistic investigation, with numerous comparisons between other terracotta artworks of the master, but also on the data uncovered by the restoration and on the historical specificity context. The high quality of the artwork, which preserved the original polychromatic coloring, and other proto-classical characteristics, is an important proof of the relationship between Onofri’s art and the best artworks of the Bentivoglio Hera. Across the centuries the bust had a great iconographic fortune, in fact the modern portraits of the Albornoz took their physiognomy from it. Finally, a documentary investigation at the archive of the Real Colegio revealed that, between the 20s and the 30s of the last century, several plaster copies of the bust were made to celebrate the cardinal’s memory and the Institution’s prestige.

This is from the book Why Art Cannot be Taught: A Handbook for Art Students (Urbana, IL: University of Illinois Press, 2001). The book is available on amazon, etc.

This chapter introduces the problematic: there is very little writing about the logic of teaching in art schools, except for some art education literature which tends to be abstract and disconnected from the ordinary conversations and concerns of the studio. The Introduction tells the relevant history of art academies and art schools--that is, the portions of that history that still effect the present. It's like an archaeology of the studio exercises that are given to students in first year (foundation) programs, and a history of the ideas that led up to the BFA (art major) and MFA (graduate degree).

Observância devocional e programa iconográfico 1 Com um interior marcado pelo esplendor característico do primeiro barroco português, a Igreja Paroquial de São Cristóvão foi, como é sabido, uma das poucas que escapou praticamente incólume ao Terramoto de Lisboa de 1755. Preservando íntegra, no essencial, a homogeneidade decorativa seiscentista, todo o espaço se mantém fiel à importante campanha concretizada no último terço do século XVII.

En Salta, en Buenos Aires o en Asunción, incluso en Aix-en-Provence, en Nueva York o en Londres, en una mesa, sobre una cómoda o en una repisa se luce una talla fabricada por los wichís del Gran Chaco. Son pequeñas esculturas figurativas en madera que representan animales (patos, corzuelas, pingüinos) o imágenes religiosas (Cristos, ángeles, cruces); son utensilios (fuentes, cucharas) y souvenirs muy diversos.
Entre los bienes manufacturados por los varones del grupo las tallas son probablemente el más importante por su valor económico, por el esmero y virtuosismo necesarios para confeccionarlas, y porque en la región se convirtieron en un símbolo del grupo étnico. Muchos varones wichís son tallistas, y todo indica que sus piezas dieron origen a las tallas modernas de otros indígenas del Chaco. Sin embargo, las tallas wichís no responden de forma directa a ninguna tradición ancestral ni forman parte de culto alguno, sino que constituyen el producto de un arte étnico inducido, orientado al mercado regional, nacional o internacional de artesanías. ¿De dónde salieron? Tanto los materiales, las técnicas y los temas de las tallas como su producción, su intercambio y su consumo son parte de un universo social y ecológico contemporáneo. Sin embargo, ¿no están también estos elementos profundamente enraizados en la historia del grupo? Precisamente, existen indicios que permiten remontar las tallas wichís a un tiempo anterior a la colonización: entre los wichís ‒y entre otros pueblos chaqueños con quienes están cultural, lingüística y geográficamente vinculados‒ existió una tradición antigua de utensilios de madera, en algunos casos con apéndices zoomorfos. ¿Hay, pues, en las tallas wichís algo de una sociocosmovisión netamente indígena? Si la respuesta fuese positiva, ¿cómo se añaden a esta serie los animales exóticos y los personajes del imaginario cristiano? Estas son las preguntas que intentaré contestar en las páginas que siguen, apelando a mi trabajo de campo, a algunas piezas de colecciones y a la bibliografía. Y con estas respuestas, intentaré mostrar que las tallas wichís son, en varios sentidos, imágenes de la alteridad.

Este artigo busca desenvolver algumas considerações sobre a obra de Paul Cézanne, dirigindo um olhar para as suas contribuições para a Arte Moderna e para as fases de produção artística de Cézanne. Em um primeiro momento, buscamos uma visão cronológica de seus trabalhos em fases que vão da contribuição romântica a uma fase especificamente moderna, na qual Cézanne experimenta um novo tratamento da Cor e da Forma, abrindo caminhos para serem seguidos pelos movimentos artísticos modernistas.

O mestre entalhador lisboeta Francisco Machado realizou uma série de retábulos por encomenda de D. Frei Luís da Silva Teles, arcebispo de Évora. Os contratos, entre outras cláusulas, estipulam a execução da obra de talha no próprio Paço Episcopal, uma relação privilegiada que permitiu ao arquitecto-entalhador a realização de obras fundamentais do Barroco no Alentejo, com o retábulo da Nossa Senhora dos Anjos, na Sé de Évora (1699) e o retábulo da capela-mor de Santo Antão (1702). O conjunto da obra de Francisco Machado põe em relevo a importância da relação de continuidade articulada entre um mestre-artífice e os seus mecenas. Pelo que conhecemos, Machado realizou cinco retábulos para a Companhia de Jesus e outros quatro, em sequência, sob a supervisão directa do Arcebispo de Évora. Para D. Luís da Silva Teles essas obras, cuidadosamente escolhidas para edifícios emblemáticos da cidade e das vilas do arcebispado – Igreja de Nossa Senhora do Bispo, em Montemor, Sé de Évora, Igreja Paroquial de Santo Antão, Igreja Paroquial de São Pedro -, possuem uma amplitude significante mais vasta, representando também a dignidade episcopal e a própria qualidade do seu governo pastoral. Os retábulos são uma demonstração pública da magnificência e da magnanimidade do arcebispo, da sua força moral e do seu zelo católico. Com seu autoritarismo e paternalismo atávicos impôs a realização da forma que mais lhe convinha: no Paço Episcopal, sob a sua supervisão, em prazos rigorosos.

Umas breves notas manuscritas atribuídas a Heliodoro da Cunha Rivara, com a identificação da autoria de diversas obras de talha dourada setecentistas dos templos da cidade de Évora, foram, muito provavelmente, o princípio da fama póstuma dos mestres entalhadores Manuel Abreu do Ó e Sebastião Abreu do Ó. O texto, tão categórico quanto sintético, anota, depois de comentar o total desconhecimento sobre o trabalho de mestres dos séculos anteriores:
“No princípio, porém, do século XVIII, começou a figurar os irmãos Abreus, que estenderam sua actividade além do meado do mesmo século. São obras delles a talha da Cartuxa, a capella-mor do Convento dos Remédios, e a capella-mor do Convento das Freiras de São José, mas nesta as molduras dos painéis são de Luís João”.
A fama que passava a unir os dois artífices não era pequena, já que ficava assim atribuído o retábulo da capela-mor da igreja do Convento da Cartuxa de Évora, um dos maiores e mais imponentes retábulos de talha da época, cujo douramento foi patrocinado por D. João V, em 1729, e também o retábulo da capela-mor da igreja do Convento de Nossa Senhora dos Remédios, considerado por Robert Smith um dos melhores conjuntos de talha Rococó do país. Para além da importância das obras ficava por explicar um percurso estético verdadeiramente singular que, partindo do Barroco Nacional, se exprimia também na talha do Mosteiro de São José, para atingir o seu apogeu no vocabulário Rococó do Mosteiro de Nossa Senhora dos Remédios.

Este trabajo propone analizar las relaciones entre escultura y arquitectura, en tanto expresiones culturales que durante los años 1930 y 1940 se amalgamaron en un mismo episodio estético desarrollado mayormente en el espacio público de la ciudad. La arquitectura pública modernizadora que construyó en esos años se caracterizó por incorporar decoraciones artísticas a sus construcciones. Allí, pinturas murales, vitrales, relieves y esculturas fueron empleadas para expresar las funciones sociales de las instituciones promotoras, en articulación con imaginarios más amplios que aludían a ideas sobre la nación representadas a través de sus paisajes, sus habitantes, sus principales actividades económicas y culturales.  Ya en aquellos edificios encontramos trabajos de escultores como José Fioravanti, Alberto Lagos y Luis Falcini, entre otros. Dentro de esta misma tendencia, se realizaron una serie monumentos construidos por iniciativa estatal. En esta ponencia se vuelve sobre ellos para repensar los vínculos entre escultura y arquitectura moderna que sugieren las obras. Enfocar el análisis sobre los intercambios entre ambas disciplinas permitirá una mayor comprensión de la producción monumental del período.

Estabelecendo como eixo estrutural as relações entre escultura, espaço e escala, esta pesquisa tem como foco aprofundar minha produção no campo da escultura, por meio da investigação teórica e de procedimentos desenvolvidos em ateliê. O estudo teórico considera observações a respeito da atuação do artista e do papel da escultura no espaço público da cidade, refletindo sobre a experiência estética neste contexto, complementado pelos exemplos dos artistas de referência, com produção escultórica nos períodos da arte moderna e contemporânea. As obras, selecionadas por aproximação poética, relacionam-se com o escopo desta pesquisa ora por procedimentos técnicos empregados, ora por reflexões conceituais por elas suscitadas. Estão reunidas em torno de qualidades da linguagem visual: transparência, sombra, densidade e linha. A pesquisa prática será apresentada por meio de registros do processo e de imagens dos resultados, nos quais a fotografia e a projeção de sombras são os caminhos para uma abordagem sobre o tema da escala.

Establishing as a structural axis the relationship between sculpture, space and scale, this research focuses on adding depth to my production in the field of sculpture through theoretical research and procedures developed in the studio. The theoretical study considers observations on the role of artists and sculptures in the city’s public space, reflecting on the aesthetic experience in this context. It is complemented by the examples of referential artists whose sculptural production took place in periods of modern and contemporary art. The works, selected by poetic proximity, relate to the scope of this research either through the technical procedures employed on them or through conceptual reflections raised by them. They are grouped by qualities of visual language: transparency, shadow, density and line. The practical research will be presented through case records and images of the results, in which photography and projection of shadows are the means for an approach based on the issue of scale.

La contextualización de la escultura procedente de la Vetus Urbs de Itálica
exige una exhaustiva revisión de las fuentes historiográficas acerca de la ciudad,
para esclarecer los datos que nos pueden aclarar sobre la procedencia y
circunstancias de su descubrimiento

Recientemente hemos descubierto la firma y la data del San Miguel venciendo al mal y del San Jorge y el dragón, dos de las cuatro magníficas esculturas de origen napolitano custodiadas en la sacristía de la iglesia de la colegiata del Santo Sepulcro de Calatayud. Este hecho nos permite engrosar sobremanera el breve catálogo artístico del escultor de Nápoles Jacobo Bonavita en nuestro país, hasta el momento limitado al Cristo de la Agonía de Urbasa, en la actualidad conservado en el Museo de Navarra en Pamplona.
En este texto realizamos el análisis artístico de ambas piezas, su estudio iconográfico y la revisión de sus posibles modelos en el contexto de la escultura napolitana del momento. Además, aclaramos y documentamos quién fue su propietario y cómo llegaron estas bellas obras a la iglesia del Santo Sepulcro de Calatayud.

Resumen El lenguaje clasicista inspirado en el arte romano de mediados del siglo XVI en el que se fundamenta la escultura romanista no se impone en Aragón hasta los años noventa del siglo, una fecha muy tardía en comparación con territorios próximos como Navarra o La Rioja, y ello a pesar de la presencia en el reino entre 1570 y 1574 de Juan de Anchieta, uno de los prin-cipales representantes de esta tendencia. El dominio del mercado zaragozano que ejerció Juan Rigalte durante el último tercio del siglo, un escultor muy tradicional y por cuyo taller pasa-ron algunos de los protagonistas de la nueva corriente en Aragón, caso de Juan Miguel Orliens, puede ser una de las razones que expliquen la tardía incorporación de la escultura aragonesa a la nueva corriente.
The classicist language inspired in the Roman art of around the middle of the XVI century , in which the romanista sculpture is based, didn't impose in Aragón until the nineties of the century, a late date compared to nearby territories such as Navarra or La Rioja, despite the presence of Juan de Anchieta in the kingdom between 1570 and 1574, one of the main representatives of this tendency. The dominion of Juan Rigalte, a traditional sculptor in whose workshop worked some of the main representatives of the new tendency such as Juan Miguel Orliens, over Zaragoza's market can be one of the reasons that explains the late entry of this new tendency in Aragón's sculpture.

1.º Encontro de História & Património de Mafamude. 16-05-2015. Resumo: Um estudo crítico sobre Joaquim Gonçalves da Silva (1863-1912) não pode escamotear as questões historiográficas relativas à emergência da denominada Escola de Escultura de Gaia. Um conceito avançado por António Arroio (1856-1934), em 1909, que coloca António Soares dos Reis (1847-1889) como o elo inicial da cadeia, seguido por Diogo de Macedo (1889-1959), em 1929 (publ. 1938), e materializado na exposição Escultores de Gaia, realizada na Casa-Museu Teixeira Lopes, em 1958. Não tendo sido incluído nesse grupo, podemos afirmar que os artigos publicados pelo Pe. Manuel Romero Vila (1912-1997), logo nos anos 60 do século XX, resgataram do esquecimento o nome de Joaquim Gonçalves da Silva e fixaram, em grande medida, a memória material do escultor. De forma complementar, conhecemos a sua fisionomia através do retrato desenhado por António Cândido da Cunha (1866-1926), atualmente na coleção da Junta de Freguesia de Santa Marinha.
Metodologicamente, a nossa investigação atendeu aos estudos do Pe. Romero Vila e integrou novos achados, explorando aspetos da Cripto-História de Arte. Deste modo, evoluímos no conhecimento sobre o percurso formativo que empreendeu, aprofundamos as parcerias profissionais que estabeleceu, com o estatuário António Teixeira Lopes (1866-1942) ou com o arquiteto José Marques da Silva (1869-1947), o que nos permitiu sistematizar a obra do escultor, objetivando práticas, técnicas e modalidades de produção (desenho, pintura, gesso, mobiliário, faiança, mármore, bronze), não descurando o seu envolvimento na dinâmica artística da época, sensivelmente, entre o final do século XIX e início de XX. Por extensão, apreendemos o contexto e cunho pessoal do seu processo criativo, o qual pontua na escultura funerária em bronze, de 1910, - A Dor, para o jazigo da família de João Pinho e Costa (1865-1956), no cemitério de Santiago de Riba Ul; e que culmina em 1912, com a conceção da monumental escultura, em mármore, - A Dor, realizada para o jazigo de José Pinto Mourão (1848-1911), no cemitério da freguesia de Mafamude.

Boletim da Associação Cultural Amigos de Gaia. Vila Nova de Gaia. 13.º Volume, n.º 83 (dezembro de 2016), p. 17-45.

"Les portraits de la fin du Moyen Âge diffèrent aussi bien des réalisations antérieures que de celles de la Renaissance. À la fois inscrits dans la tradition religieuse et reflétant une nouvelle vision du monde plus profane, ils se présentent comme des représentations novatrices de l'homme préfigurant les périodes ultérieures. Par-delà les expressions (dévotion, réalisme, art de cour) qui évoquent habituellement ces portraits les actes du colloque réunissant les contributions de spécialistes internationaux en une approche moins convenue montrent comment le portrait fut au coeur de la pensée et de la production d'une époque charnière.

CONTENTS

Dominic Olariu: Introduction

Jean-Claude Schmitt: La mort, les morts et le portrait

Beate Fricke: Visages démasqués – un nouveau type de reliquaire chez les Anjou

Agostino Paravicini Bagliani: Boniface VIII en images.
Vision d’Église et mémoire de soi

Dominic Olariu: Réflexions sur l’avènement du portrait avant le XVe siècle

Enrico Castelnuovo: Les portraits individuels de Giotto

Hans Belting: Le portrait médiéval et le portrait autonome. Une question

Anika Disse: Figures de l’auteur : Boccaccio dans son oeuvre

Albert Chatelet: Portrait et dévotion

Eberhard König: La réalité du portrait dans les manuscrits enluminés

Norbert Schneider: Aequalitas. Contribution à l’art du portrait de Jan van Eyck

Gregor Wedekind: Jeux de vérité. Portrait et réalité dans « Les Époux Arnolfini » de Jan van Eyck

Paul Werner: Katherina l’Africaine ou les ruses du dessin

Frank Zöllner: Botticelli portraitiste: réflexions sur l’histoire du portrait en tant que genre artistique

Danièle Cohn: Remarques philosophiques sur le portrait individuel

Links to the book:
http://www.aharoni.de/index.php/home-brett/9-buecher/38-2009-le-portrait-individuel.html

http://www.peterlang.com/Index.cfm?vID=430002&vHR=1&vUR=2&vUUR=1&vLang=E

REVIEWS
http://www.bm-poitiers.fr/userfiles/file/PDF%20MMA/portraitMMAdecembre.pdf

http://histara.sorbonne.fr/cr.php?cr=1132

VIDEOS OF THE CORRESPONDING CONFERENCE

Dominic Olariu and Jean-Claude Schmitt: Introduction
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1162&video=6321&format=68

Jean-Claude Schmitt
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1163&video=89144&format=68

Beate Fricke
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1166&video=89044&format=68

Agostino Paravicini Bagliani
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1165&video=89092&format=68

Dominic Olariu
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1164&video=89080&format=68

Enrico Castelnuovo
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1169&video=89132&format=68

Hans Belting
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1167&video=89064&format=68

Anika Disse
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1170&video=89120&format=68

Albert Chatelet
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1171&video=89104&format=68

Eberhard König
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1172&video=89060&format=68

Norbert Schneider
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1173&video=89100&format=68

Gregor Wedekind
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1175&video=89076&format=68

Paul Werner
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1176&video=89136&format=68

Danièle Cohn
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1174&video=89052&format=68

Gerhard Wolf: Aspects du portrait et de l'autoportrait chez Dante
http://www.archivesaudiovisuelles.fr/DE/_video.asp?id=339&ress=1168&video=89116&format=68

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En este trabajo se estudian pilas de mármol que arribaron
a Canarias durante las décadas centrales del
siglo XVIII y pueden vincularse en diversa forma con
artistas gaditanos de ese periodo, en especial con el
labrante Salvador Alcaraz y Valdés. La lectura ofrecida
incide en su relación con las medidas mercantiles
del momento y en la participación de los comitentes
o intermediarios como sujetos principales del comercio
artístico, todo ello sin descuidar otros asuntos de
naturaleza contextual.

Aparte de los retablos, los relicarios, que es como en Burgos se deno mina a los tabernáculos o sagrarios de los retablos -pues están pensados para contener el cuerpo de Cristo-, fueron la segunda tipología en importancia que contrataron los escultores y ensambladores en la segunda mitad del siglo XVI. Los obispos y teólogos reunidos en el concilio de Trento dedicaron una sesión completa, la XIII del año 1551, al sacramento de la eucaristía y acor daron publicar un nuevo Decreto sobre el santísimo sacramento de la euca ristía que consagró el principio de la transubstanciación del cuerpo de Cristo en la eucaristía: la presencia real del cuerpo y sangre de Cristo tras la consa gración que es el momento central de la liturgia católica en el renovado Missale romanum de 1570, publicado bajo el pontificado de Pio V. El decre to tridentino también ordenó guardar en las iglesias las formas consagradas, con el debido decoro, y llevarlas con dignidad a los enfermos. Los concilia res recordaron que "se halla mandado en muchos concilios, y observado por costumbre antiquísima de la Iglesia católica, que se conduzca la misma sagrada Eucaristía para administrarla a los enfermos, y que con este fin se conserve cuidadosamente en las iglesias". El énfasis que los conciliares pusieron en el extremo decoro que debe guardarse en la conservación de la eucaristía les hizo prohibir que se pudiera conservar en el interior de los claustros de los monasterios y, ni siquiera, dentro del coro. En la misma dirección se pronunciaron las Constituciones synodales del An;obispado de Burgos publicadas en 1577 en la imprenta burgalesa de Felipe de Junta que se difundieron por el territorio del arzobispado l . En la documentación parro quial y notarial se puede constatar un creciente esfuerzo de las parroquias • Este trabajo se ha realizado dentro del proyecto de investigación del Ministerio de Ciencia y Tecnología BHA2003-07882 que cuenta con fondos FEDER.

Investigação para desenvolvimento de projeto artístico no domínio das artes visuais, partindo da análise de obras de minha autoria, sob o nome artístico de Xana. No processo exploratório inicial sistematizei as questões conceptuais e construtivas presentes, nomeadamente: as ideias e obsessões, as atitudes operativas e os valores éticos. Na fase de execução projetual realizei uma deriva entre essa reflexão e a prática artística, num processo experimental que relacionou ideias/formas visuais, imaginação, ética e os novos lugares e contextos de intervenção. Com esta estratégia desenvolveu-se um discurso pessoal, enunciou-se a postura crítica à sociedade contemporânea e exerceu-se intervenção cultural. As obras criadas neste projeto são dispositivos ativos que se relacionam com as pessoas, com o espaço, numa poética em que acontece a propagação não linear da expressão visual numa pesquisa necessariamente idiossincrática, complexa e subjetiva. Talvez, por isso, foi decidido experimentar nos trabalhos finais a ideia de labirinto.
Esta investigação situa-se no âmbito da especulação analítica e da prática das artes visuais, num processo de procura do belo dialogal e convulsivo que nos permita prosseguir a construção de uma “obra aberta”, de que já falava Umberto Eco, com uma ética estética alicerçada sobre os valores do amor, da liberdade e da sabedoria.

artes visuais; espaço público; construção; poética; amor; liberdade; sabedoria; labirinto.
visual art; public art; construction; poetic; love; freedom; wisdom; labirinth.

En la iglesia de San Miguel Arcángel, en Irura, encontramos uno de los retablos más interesantes de  nales del Renacimiento en Gipuzkoa. El altar posee relieves y tallas de estilo romanista de gran calidad, junto con una mazonería manierista. La obra fue realizada en las postrimerías del siglo XVI por los artistas Pedro de Goicoechea y Jerónimo de Larrea, miembros del taller de Tolosa, siguiendo las trazas dadas por escultor Juan de Goicoechea.

Editorial.
Las calles de Tauste y sus cambios de nombre. Francisco Castillo Sola.
¿Sabías que…?
Zavazala de Tagust. Un personaje para la reflexión. Jaime Carbonel Monguilán.
Catálogo de estelas y cimacios de la iglesia de San Antón de Tauste.Francisco Castillo Sola.
De Tauste al mar. De cuando Europa descubrió las playas. Miguel Á.Pallarés Jiménez.
La Legion Cóndor en Tauste. Francisco Castillo Sola.
“El Patiaz” en la Feria del Libro.
Recuerdos del Santuario de Sancho Abarca. Miguel Francisco Pola Marco.
Entrega de premios. I Concurso fotográfico "El Patiaz".
Visita del Justicia de Aragón.

O artigo analiza o uso da coñecida como Proporción Harmónica ou Proporción Áurea nun tipo concreto de esculturas no noroeste da Iberia da Idade do Ferro procedentes do sur de Gallaecia. Proponse que a aplicación dun concepto tan elaborado na solución
dunha serie de problemas técnicos implica a existencia de artesáns especializados. Considérase que as esculturas de guerreiros foron un instrumento de lexitimación dun grupo social dominante nun contexto dunha sociedade de xefatura complexa. Estas esculturas, como artefactos ideolóxicos, foron usadas na Gallaecia da tardía Idade do Ferro como unha representación material do poder social.

This paper argues for the use of the so called Harmonic Proportion or Golden Proportion in a specifi c kind of Iberian Iron Age sculptures from southern Gallaecia. We suggest that the employment of such a sophisticated concept in the solution of a set of technical problems points at the existence of a specialized craftsman. We suggest that warrior sculptures were an instrument legitimating a ruling social group in the context of a complex chiefdom. These sculptures were used as ideological artefacts during Gallaecia’s Late Iron Age, and as a material representation of the social power.

En este artículo se estudian de forma pormenorizada cuatro esculturas de Tenerife que fueron contratadas en Andalucía entre 1800 y 1816, gracias al contacto de sus comitentes con agentes y compañías que comerciaban en Cádiz y Sevilla. La casuística tan diferente que describe cada encargo obliga a exponer su coyuntura histórica y artística de forma individualizada, resaltando por igual valores creativos y devocionales. Se propone la atribución de algunas obras a los imagineros Doménico Giscardi (1725-1805) y Juan de Astorga (1777-1849).

Pablo Palazuelo (1915–2007) no sólo demostró su maestría en el ámbito pictórico, sino que también se adentró también con éxito en la tercera dimensión. A partir del análisis de los fondos de la Fundación del artista se ha tratado de reconstruir el proceso de trabajo escultórico, empleando como semilla los trazados simbólicos contenidos en el boceto Del cuatro para seguir el rastro de las maquetas y croquis inéditos que custodia dicha institución. /

Pablo Palazuelo (1915-2007) not only demonstrated his command of the pictorial field, but also ventured successfully into the third dimension. After analyzing the funds the Foundation of the artist holds, the reconstruction of the sculptural work process have been presented, using the symbolic paths contained in the sketch Del cuatro as a seed, tracing unpublished models and sketches that the aforementioned institution guards.