Vanguardas

Este artigo é unha homenaxe á obra de Manuel Antonio. Debido á situación histórica e política de Galiza, desde o século XV, a literatura galega sempre foi de resistencia e sempre foi escrita en galego. Manuel Antonio foi un mariñeiro galego, poeta urbano, moderno, culto que, pese á súa breve produción literaria, encarnou as esperanzas e frustracións de Galiza. Mais, por que é tan fascinante para os lectores e lectoras da actualidade? Probabelmente é debido á súa personalidade esquiva, a súa rebelión e o misterio existente arredor da súa vida. Foi un escritor que morreu moi novo e, debido á súa loita a prol dunha República Galega, foi silenciado durante máis de corenta anos pola censura franquista. Hoxe, é considerado o maior representante da vangarda histórica de entreguerras en Galiza e un dos mellores poetas do século XX. Pola súa calidade literaria, por colocar a literatura galega na vangarda europea e pola súa actitude de resistencia, a obra de Manuel Antonio merece nova(s) lectura(s).

Esta dissertação de mestrado faz um estudo sobre a dicotomia entre cinema e arte, a partir de três pontos centrais de pesquisa: 1- o conceito de sétima arte; 2- a questão do cinema enquanto representação imagética e 3- a noção de cinema expandido e de cinema de artista. Inicialmente é investigado como se deu o surgimento da noção de que o cinema é uma arte, a partir de quatro distintos teóricos do início do século XX: Hugo Munsterberg, Rudolf Arnheim, Béla Bálazs e Ricciotto Canudo, procurando-se resgatar as origens de seus respectivos pensamentos em teorias da filosofia da arte. Posteriormente, a dissertação se foca no cinema como manifestação de arte, há questões levantadas sobre o problema da relação entre realidade e representação nas obras de arte visuais e audiovisuais. No campo da filosofia da arte busca-se uma definição do conceito de obra de arte vanguardista e qual a relação dessa obra com seu público. É analisado o exemplo das vanguardas históricas cinematográficas dos anos 1920 e também alguns exemplos de instalações panorâmicas dos pré-cinemas, com o intuito de versar sobre a interface entre os pré-cinemas e o cinema expandido. Por fim, é definido o conceito de vanguarda cinematográfica, e é sugerido – sob uma ótica da filosofia e da teoria da arte – que o cinema de vanguarda não está morto, pois ele poderia persistir vivo no cinema de artista. Dessa forma busca-se compreender como se deu o reconhecimento do cinema como arte também nas galerias e museus, fora da sala de exibição à qual ele por muito tempo se manteve restrito.

O presente artigo parte de uma investigação em artes sobre
o espectáculo Não Kahlo para evocar o lugar da Estética
Frankenstein enquanto lugar por excelência da incorporação
de imagens, questionando e compreendendo os conceitos de
contemporaneidade, hibridismo e micro-história da arte; bem
como a teoria do pós-Modernismo e o advento do «fim da arte»
através do seu cruzamento com a teoria da imagem na acepção
de Jean Pierre Vernant. Resgatam-se os conceitos de matéria-
fantasma» e «cripto-história da arte» para reivindicar uma arte
que não se limita a criar numa relação passado-presente, mas
projeta futuros através da criação. Partindo do objeto artístico
Não Kahlo, assente na «técnica de Lecter» e numa canibalização
da linguagem cinematográfica, defende-se que o hibridismo
artístico poderá estar na frente de uma reorientação histórica
da vanguarda.

O assunto desta pesquisa é a estética enquanto categoria fundamental para compreensão da sociedade contemporânea e como ponto de partida para o desenvolvimento de uma linguagem teológica que seja relevante e atual. Num primeiro momento, exploramos o conceito de Homo aestheticus como uma categoria pertinente para categorizar a condição subjetiva do ser humano moderno. Para tanto, desenvolvemos uma espécie de genealogia da estética desde seu nascimento enquanto disciplina filosófica e seu processo de autonomia epistemológica; demonstramos como o paradigma estético que nasce dessas reflexões é incorporado pelo mundo da arte, sobretudo pelas as artes de vanguarda do século XX; em seguida, refletimos como esses processos dão início a uma estetização da vida cotidiana que, posteriormente, será incorporada pela racionalidade capitalista para a sedução e criação de novos consumidores que passam a se relacionar com as pessoas, com o mundo e com Deus a partir de critérios estéticos-imaginários-emocionais. Num segundo momento, explicitamos o que vem a ser uma estética teológica conforme pretendemos desenvolver aqui. Tentamos oferecer as bases de uma teologia fundamental que tome o estético como via hermenêutica e ponto de partida para a contemplação dos dados da Revelação. Nesse sentido, exploramos a proposta de uma “Estética teológica” do teólogo suíço Hans Urs von Balthasar. O pressuposto assumido é o de que apropriar-se esteticamente dos dados da Revelação não apenas é possível, mas imprescindível para uma teologia cristã que pretenda permanecer fiel à revelação de Deus em Cristo. Desse modo, buscamos oferecer um esboço da proposta estético-teológica balthasariana. No terceiro e último momento, averiguamos as implicações de uma estética teológica para um Homo aestheticus. Aprofundamos os tópicos essenciais de uma estética teológica, quais sejam, uma “doutrina da visão” e uma “doutrina do êxtase”. A partir da leitura fenomenológica de John Panteleimon Manoussakis e Jean-Luc Marion, articulamos uma Imagem de Deus e de Ser humano extraídas da revelação e de base estético-teológica. Por meio dos conceitos de Ícone e prosopon, apontamos para uma identidade humana que se opõe radicalmente à da subjetividade absoluta da era da estetização. Na descrição estético-teológica da experiência de Deus, apontamos para o fundamento prosópico da existência humana que se concretiza como vivência em abertura relacional e espiritualidade solidária.

Este trabalho tem por objectivo desenvolver uma reflexão acerca das primeiras Vanguardas Europeias que surgiram segundo uma necessidade de ruptura, subvertendo um passado artístico e social instituído. Nesta mudança de paradigma artístico que teve o seu início no século XX, apresenta-se uma análise ás principais Vanguardas deste período, que estabeleceram novas formas de olhar e pensar o mundo.

Este trabalho de investigação procura mostrar de que modo a materialidade dos novos suportes molda a forma de ser das obras literárias digitais, provocando reconfigurações nas instâncias do autor, do leitor e do texto e permitindo-nos antever, em função da introdução do digital na literatura, um conjunto de transformações ao
próprio sistema literário.
Identificando a literatura digital interativa como uma das formas mais recentes, sofisticadas e “radicais” de produção de narrativa procuramos, a partir dela, e especificamente através da análise da obra digital Pry, compreender as propriedades e particularidades da obra literária digital, reconhecendo que esta impõe novas possibilidades de escrita e de leitura, e que convoca, pela sua natureza formal, um
inequívoco diálogo com a forma de ser e de viver do sujeito contemporâneo.

Pessoa Plural―A Journal of Fernando Pessoa Studies, 2013

LOPO, Rui, "Raul Leal e Fernando Pessoa: Um Sublimado Furor Diabolicamente Divino" (2013). Pessoa Plural―A Journal of Fernando Pessoa Studies, No. 3, Spring, pp. 1-27. Brown Digital Repository. Brown University Library. https://doi.org/10.7301/Z0J38R1N
Is Part of:

Pessoa Plural―A Journal of Fernando Pessoa Studies, Issue 3

Raul Leal e Fernando Pessoa: Um Sublimado Furor Diabolicamente Divino
[Raul Leal and Fernando Pessoa: A diabolically divine sublimated furor]

https://doi.org/10.7301/Z0J38R1N

RESUMO

Raul Leal (1886-1964), publicista, crítico musical e de artes plásticas, criador de obra filosófica original, poeta e dramaturgo é também autor de extensa obra dispersa sobre Fernando Pessoa, seu amigo e colaborador em diversas revistas e projectos culturais do chamado modernismo português (como Orpheu, Portugal Futurista, Centauro, Presença, etc.).
Para além de se assinalar a convergência de preocupações filosóficas e intelectuais entre os dois autores, mesmo antes de estes iniciarem a sua colaboração efectiva (e até antes de se conhecerem), este trabalho procura resumir o encontro entre os percursos dos dois autores, procedendo ao levantamento de referências a Leal que constam da obra de Pessoa (editada ou não em vida), assim como do considerável acervo de textos de Leal dedicados a Pessoa, especialmente após 1935 (visando a publicação nunca efectivada de uma ambiciosa obra).

ABSTRACT

Raul Leal (1886-1964) was a novelist, music and fine arts critic, author of an original philosophical work, poet and theatre author. Leal wrote also a great amount of essays about Fernando Pessoa, his friend and colleague in various magazines and cultural projects of the Portuguese Modernism (as Orpheu, Portugal Futurista, Centauro, Presença, etc.). Besides pointing the convergence of intellectual and philosophical concerns between the two authors, even before they started to work together (and even before they met), this paper attempts to summarize the meeting between the paths of the two authors, proceeding to the survey of references to Leal in Pessoa's work (regardless edited or not in his life) as well as the considerable number of texts by Leal devoted to Pessoa, especially after 1935 (with the aim of publishing an ambitious essay about Pessoa, project that never succeed).


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Outras fontes
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Este trabalho faz uma breve analise das vanguardas históricas cinematográficas dos anos 1920, buscando entender como o cinema ganha o estatuto de 7ª arte. Estuda-se a gênese da teoria cinematográfica, produzida no início do séc. XX – como Ricciotto Canudo dizendo que o cinema é a “arte nascida para ser representação total do espírito e do corpo, um drama visual feito com imagens e pintado com o pincel de luz”. Pensa-se ainda na relação que esta forma audiovisual de arte vanguardista firma com seu público.

A presente pesquisa se propôs a realizar uma análise de dois importantes tópicos dentro da obra de Walter Benjamin (1892-1940), ensaísta e crítico de arte alemão. Os itens em questão dizem respeito à arte e a brincadeira na infância. Para tanto, pautamos o trabalho em uma análise de cunho dialé- tico, a partir da contribuição filosófica contemporânea de Giorgio Agamben, com especial atenção à obra "Profanações". Nela, constatamos algumas defini- ções pertinentes dentro do campo semântico religioso indispensáveis para compreender as mudanças funcionais que a arte e os brinquedos passaram a ter com o advento da modernidade. Entre esses conceitos, atentamos para a distinção entre profanação, secularização e consagração (ou sacralização). A leitura de Benjamin por lentes agambenianas foi germinal para o aprofundamento de algumas questões políticas que tangem a produção simbólica das artes e dos brinquedos atualmente. A perda da aura artística e a dilatação e complexificação dos brinquedos foram as duas maiores mudanças que a modernidade trouxe a essas produções. Contudo, entendemos que ambas as operações dão-se por vias políticas, porém a via moderna caracteriza-se por sua mão dupla. De um lado, a operação política da arte e da brincadeira serve como dispositivo de controle e meio mais que eficiente de dominação e autoridade (secularização): é o caso das políticas culturais defendidas pelos regimes fascistas (lê-se o cinema nazista e segmentos do futurismo italiano), como também é o caso dos pretextos pedagógicos dos adultos de colocarem determinadas ideologias nos brinquedos das crianças. Do outro lado, a via política indica uma possibilidade de libertação (profanação): como exemplo desse processo há alguns movimentos na arte como o teatro épico alemão e o surrealismo francês; e, além disso, a libertação aparece também na brincadeira desinteressada da criança diante dos brinquedos ou de qualquer bugiganga que lhe caia em mãos.

Este trabalho tentará responder à pergunta " O que querem as vanguardas? " se baseando no livro de W. J. T. Mitchell, " O que querem as imagens? As vidas e os amores das imagens ". O que Mitchell nos propõe é uma quebra com a tradição analítica da história da arte e dos estudos sobre cultura visual modernos. Ele indaga o que querem as imagens, o que elas significam e como elas se comunicam enquanto símbolos — qual tipo de poder elas têm que consegue afetar tão incisivamente as emoções e o comportamento humano? Procura-se utilizar as reflexões levantadas por Mitchell para pensar no que querem as imagens da vanguarda, se é que pode ser possível falar da vanguarda como uma categoria homogênea. Para fazer isto, primeiro se buscará uma definição do que é a vanguarda e do que faz uma obra de arte receber o estatuto de " vanguardista ".

ia i s , c e n t r o d e E s t u d o s c o m p a r a t is t a s U n i v e r s id a d e d e É v o r a a s a e z d e l g a d o @gm a i l c o m R ESU M E N Es p o s i bl e i n t e r p r e t a r e l t i e m p o d e l moder ni smo y Ia v a n g u a r d ia e n e l e s p a c io i bér i c o c o m o t u l c o n 1 n u zJm , s in c o r te s e s t ét i c o s r a d ic a l e s , q u e c o n f i g u r a u n a v i s ió n m ú lt i p le y he t e r o g én e a de Ia moder ni dad P e n in s u la r , o bs e r v a n d o l o s p u n t o s d e c o n t a c t o e x i s t e n t e s e n t r e e s c r i t o r e s , m o v im i e n t o s , e s c u e l a s y t de n c ia s de s de u n a p e r s p e c t iv a s u p r a n a c io n a l , c o m o u n p o l i s i s t e m a a c t i v o y d in ám i c o e n e l q u e s e al t n a n l a s l it e r a t u r a s he g e m ó n ic a s y p e r i f ér i c a s Pa l a b r a s c l a v e C o m p a r a t i s m o i b ér ic o , moder ni s mo

Pretendo neste artigo investigar os motivos pelos quais a produção cinematográfica parece gerar tão poucas obras relevantes em proporção ao volume de filmes produzidos mundialmente. O artigo se divide em duas partes. Na primeira, abordo a história da criação e as primeiras reflexões sobre o cinema. Na segunda, comparo as abordagens do cinema elaboradas por Benjamin e Adorno considerando as implicações econômicas na produção cinematográfica. Palavras-chave: Cinema. Vanguardas.

O presente artigo objetiva estabelecer um paradigma do silêncio na obra do artista português contemporâneo Alberto Pimenta e detalhar as possibilidades elocutórias que do vazio, da interrupção e da morte podem decorrer. Para isso, são focalizadas experiências poéticas, ensaísticas, performances e happenings realizados ao longo dos 50 anos de carreira de um artista que surgiu a partir da Poesia Experimental e hoje permanece como uma provocação à crítica.

Este artigo procura relacionar as obras do artista plástico brasileiro Nelson Leirner com as características atribuídas a chamada vanguarda brasileira dos anos 1960. Leirner teve e tem uma expressiva produção desde o início dos anos 1960 marcada pela ironia, subversão e apropriação de imagens e objetos em suas obras. Entender a relação do artista com sua geração como um todo é perceber a importância do mesmo para a história da arte brasileira e, consequentemente, alargar as discussões sobre a vanguarda brasileira.

Partindo da relação entre vanguarda e contracultura, este artigo analisa o uso do corpo e o caráter festivo presentes no happening intitulado Sábado da Criação, proposto pelo crítico de arte Frederico Morais, em 1971, em Curitiba, no contexto dos Encontros de Arte Moderna.

A partir de observações sobre aspectos formais, temáticos e filosóficos característicos da poética de Velimír Khlébnikov, e da inserção de sua criação no contexto das vanguardas russas do início do século XX, este artigo tem como objetivo apresentar e abordar exemplos de sua produção em prosa, texto dramático e ensaio. Khlébnikov é bastante conhecido no Ocidente por sua produção lírica e seu trabalho com outros gêneros ainda é pouco estudado e traduzido em língua portuguesa.
(continua na p. 1)

As obras distinguidas pelo Prémio Literário José Saramago1 – a saber: Natureza Morta, de Paulo José Miranda (1999), Nenhum Olhar, de José Luís Peixoto (2001), Sinfonia em Branco, de Adriana Lisboa (2003), Jerusalém, de Gonçalo M. Tavares (2005), o remorso de baltazar serapião, de Válter Hugo Mãe (2007), As Três Vidas, de João Tordo (2009), Os Malaquias, de Andréa del Fuego (2011), os transparentes, de Ondjaki (2013) e As Primeiras Coisas, de Bruno Vieira Amaral (2015) – serão o ponto de partida para a reflexão acerca do que é possível entender como sendo as atuais «vanguardas» literárias em língua portuguesa.
Cem anos após o movimento das vanguardas do século XX, o que devemos entender como vanguardas literárias do século XXI? Existem pontos de contacto entre as literaturas novas que se produzem em língua portuguesa? Jovens escritores terão necessariamente uma escrita jovem? De que modo o discurso crítico recebe novas obras e novos autores? Qual o papel da edição na criação e receção de literaturas novas?

Nesta entrevista tenho o prazer de conversar com Aurora Fornoni Bernardini, professora titular do departamento de letras orientais da FFLCH/USP, crítica literária e tradutora; autora de Aulas de Literatura Russa (2018), Premiada pela APCA, e com o Jabuti na categoria tradução.

O seguinte artigo busca apresentar um recuo histórico com o intuito de compreender como a tradicional concepção de livro foi reformulada no período de vanguarda, especialmente a russa, a partir da incorporação da fotografia em sua estrutura. Nesse processo, privilegiaremos o estudo sobre as contaminações entre cinema, literatura, revistas e jornais ilustrados, cartazes e design de exposições para que possamos compreender, de modo histórico, o aspecto híbrido dado ao livro fotográfico. Teremos como foco as produções e reflexões teóricas do artista El Lissitzky (1890-1941) e dos cineastas Dziga Vertov (1896-1954) e Sergei Eisenstein (1898-1948) em aproximação com os escritos do filósofo alemão Walter Benjamin (1892-1940).

Sátiro herdeiro de Ovídio, Bocage, António José da Silva, Eça de Queirós e de muitos outros nomes da sátira universal e portuguesa, Alberto Pimenta goza de uma acentuada reputação, apesar do silêncio (cada vez menor, é certo) a que a crítica tem sujeitado a sua obra. Este poeta de vanguarda orienta-se, em larga medida, pela transgressão dos códigos culturais vigentes e incontestados, através de um fazer poético que, para ele, é o único comportamento seguro a partir do qual o mundo ganha sentido. (...)

Da conclusão:

Alberto Pimenta é simultaneamente um poeta de excepção e uma voz desabrida do Portugal do nosso descontentamento, um filão activo de ideias, humorismo e crítica, elementos que tem consubstanciado com uma eficácia sem paralelo nas letras sátiras dos nossos dias (ressalvando-se o lugar muito próprio de Adília Lopes, cuja poesia, na sua singularidade inegável, não irradia ainda, apesar de tudo, o sofisticado esmero semântico, nem a evolução técnica da produção de Alberto Pimenta). A sua crítica acolhe escárnio, desdém e amargura, pontuada por marcas indeléveis de um lirismo raro (“por mais oculto que possa parecer”, como bem notou Ana Hatherly , a propósito de Ascensão de Dez Gostos à Boca), a visão, afinal, de um homem atento e erudito, incómodo e incomodado com o curso da História. A sua sátira, truculenta ou aparentemente inofensiva e serena, não oculta, apoiada numa técnica hábil, um altivo desprezo pelos maquinismos da sociedade neo-liberal e pós-modernista, nem rasgadas gargalhadas sobre o Portugal (e o Homem) que se diz e se quer evoluído.
Por tudo isto, Alberto Pimenta bem merecia uma atenção mais séria, menos inquinada pelo que nele pareça conotado unicamente com excentricidade. A sua extensa obra justifica sem qualquer dúvida textos críticos que cumpram o relevante papel de mediação/divulgação, como justifica trabalhos académicos de fôlego, que, a existirem em vida do poeta, certamente merecerão o seu riso, ele que parece furtar-se a uma apreensão mais ou menos segura por parte da crítica (tantas vezes apenas preocupada com os promovidos da nossa poesia actual, numa espécie de atávico onanismo colectivo, propiciado e mantido pela exiguidade das nossas fronteiras). Admitamos, aliás, que o valor de uma obra não se avalia directamente pela quantidade de leituras de que é alvo, nem necessariamente pela qualidade das respostas críticas expendidas. Continuemos, entretanto, acompanhados por este poeta lúcido e visionário, que tem sabido sobreviver na sua mundividência muito própria, na expectativa de que a História persista em praticar os seus desígnios (in)sondáveis de irracionalidade e angústia:

os cegos dizem: veremos.
nós vemos e calamo-nos.

os mudos gesticulam.
nós temos as mãos nos bolsos.

os surdos põem a mão em concha.
nós tapamos os ouvidos.

Pour Mário de Sá-Carneiro, Paris, toujours présent dans la vie et l'oeuvre de l'auteur, est un référent réel, mais aussi un mythe et un symbole. Pour lui et ses personnages, passionnés des grandes capitales et de la "grande vie", Paris réunit les atouts de la modernité, le cosmopolitisme, l'agitation sociale, culturelle et artistique, les lumières, la fête quotidienne, le prestige, le glamour, le luxe, l'audace, l'érotisme. Mais cette ville est surtout un corps, masculin ou féminin, un objet de désir, avec lequel l'auteur et ses personnages vivent un "roman d'amour". Mots-clés: Mário de Sá-Carneiro, Paris, Ville, Modernisme, Modernité.

O corpo sugestivamente descontínuo das matérias deste livro analisase em unidades discretas unidas no projecto comum a que o Teatro do Mundo busca dar corpo desde a sua primeira edição, do ano de 2007. É desta forma que o edifício interdisciplinar, baseado numa independência científica das diversas áreas do saber conjugada com a fecunda curiosidade que cada uma nutre pelas outras, vem agora oferecer as matérias de Tradição e Vanguardas, o seu eixo temático, numa sequência atonal e só aparentemente arbitrária, informada pelos cinco estudos de explícita referência ao teatro e ao drama e pelos sete testemunhos de experiências que sublinham a presença viva do elemento dramático que com aqueles se revezam em registo solidário. O Cinema, a Filosofia, a Arquitectura, a História da Arte ou a Sociologia juntam-se, em harmoniosa combinação de materiais, de múltiplos equilíbrios e resistências, aos estudos acerca do texto dramático e sobre o espectáculo teatral, numa distribuição que não pretende exprimir prioridades -elas são definidas tão só pelos interesses do leitor -mas sublinhar cumplicidades. Revive-se na página impressa o essencial do que o quinto Encontro Internacional do Centro de Estudos Teatrais da Faculdade de Letras da Universidade do Porto (C. E. T. U. P.) inscreveu no seu programa. Aos autores dos textos e a todos quantos honraram o evento com o empenho da sua participação ou o interesse da sua presença dirige o Centro os seus agradecimentos. Os trabalhos aqui publicados são da responsabilidade exclusiva de quem os produziu.

A criação da primeira república socialista na Rússia, em 1917, provocou uma extraordinária atmosfera de inquietude e renovação nos campos social, político e cultural, cujos desdobramentos se fizeram sentir durante todo o século XX. Em 2017 comemora-se o centenário desse tempestuoso momento histórico, que gerou um dos fenômenos culturais e artísticos mais surpreendentes e multifacetados da história da arte moderna, denominado vanguardas russas. Muitos artistas russos surgiram, então, como representantes genuínos da nova era proletária, combinando extremismo na forma e acentuada propaganda política, a produzir uma audaciosa simbiose de variadas tendências estéticas e artísticas, vicejantes durante os anos revolucionários. Discorrer sobre essa nova concepção de arte e cultura e sobre a profusão de experiências estéticas daquele período constitui um tema de extremo interesse.
(continua na p. 1)

Ensaio acerca da relação entre os teatralistas Heinrich Von Kleist, Edward Gordon Craig, Tadeusz Kantor, a presença e filosofia da morte como presentificadora da arte teatral e as vanguardas artísticas do início do século XX (Futurismo, Cubo-futurismo, Dadaísmo e Surrealismo).

MODERN ART AND COMICS FROM THE 18TH CENTURY TO THE ADVENT OF MODERN COMICS

Over the last years, the area of comics has became aware of its artistic and independent aspect, being able to discuss subjective and universal, human and timeless issues. Nevertheless, its history is much older and takes us back to the beginning of Modern Art. To map this road, we will analyze part of Art History, back to the origins of comics through an analysis of the works developed by 18th and 19th-century artists such as the English painter, engraver, and printmaker William Hogarth; the Swiss teacher, writer, caricaturist, and painter Rudolphe Töpffer as well as the works of contemporary comic authors. In order to support this idea, this study was based on the works developed by art and comic researchers such as Ernest Gombrich, David Kunzle, and Santiago García. Finally, we conducted a critical, narrative, plastic and formal analysis of these works in order to evidence the points that make these works unique, close to what is called modern comics.

Key-Words: Modern Art, comics, Art History.

VASCONCELOS, Ricardo,  "The Cubist Experimentation of Mário de Sá-Carneiro" (2014). Pessoa Plural―A Journal of Fernando Pessoa Studies, No. 6, Fall, pp. 104-124. Brown Digital Repository. Brown University Library. https://doi.org/10.7301/Z0ZG6QQZ

Is Part of:

Pessoa Plural―A Journal of Fernando Pessoa Studies, Issue 6

The Cubist Experimentation of Mário de Sá-Carneiro
[A Experimentação Cubista de Sá-Carneiro]

https://doi.org/10.7301/Z0ZG6QQZ

ABSTRACT

Mário de Sá-Carneiro occupies a central role in transmitting the main influences of the Parisian avant-gardes to Portuguese Modernism, a role facilitated by his close contact with the main esthetic debates of the day taking place in the French capital. This paper analyzes the contacts of Mário de Sá-Carneiro with these avant-gardes, his confessed belief in the potential of Cubism, and his clear awareness of and adhesion to the main arguments in defense of that movement at the time. It also characterizes Sá-Carneiro's Cubist experimentation, by focusing on "Manucure," an example of a text from Orpheu that doubly represents those influences and experimentation, both in its attempt to challenge the literary field and society, and through the incorporation, original at the time, of Cubist topics and techniques gleaned from the plastic arts, as perceived by the poet.

RESUMO

Mário de Sá-Carneiro ocupa um lugar central na transmissão das influências fundamentais das vanguardas parisienses no Modernismo português, um papel facilitado pelo seu contacto com os debates estéticos principais que tinham lugar na capital francesa. Este trabalho analisa os contactos de Mário de Sá-Carneiro com estas vanguardas, a assumida crença do autor no potencial expressivo da linguagem Cubista, e a sua clara adesão aos principais argumentos em defesa deste estilo apresentados nesse período. Caracteriza-se ainda a experimentação Cubista de Sá-Carneiro, sobretudo em "Manucure", um exemplo de texto de Orpheu que representa duplamente essas influências, tanto pela sua atitude de desafio ao meio literário e à sociedade, como pela incorporação, original à época, de tópicos e técnicas Cubistas das artes plásticas tais como percebidos pelo poeta.

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A história da literatura costuma dar pouco destaque às produções textuais que erigem sua voz na fronteira entre as artes e as letras. No entanto, desde fins do século XIX, a materialidade das palavras foi posta em relevo por Mallarmé e, posteriormente, por expoentes da vanguarda europeia, como Apollinaire, Zdanovitch e Marinetti. Essa ênfase no aspecto visual do texto foi recuperada, em solo nacional, pela poesia concreta. Ancorados na teorização de seus pressupostos, os poetas concretos foram alvo tanto de admiração quanto de rechaço por parte da crítica literária. Como estratégia de resistência a essa vocação polemista, seus próceres objetivaram suas ideias com a ajuda do conceito poundiano de paideuma, estabelecendo critérios para seu trabalho a partir da identificação de procedimentos criativos em um rol seleto de autores que os precederam. Devemos acatar essa linhagem autoestabelecida de uma poesia de invenção ou seria melhor inseri-los no legado de uma textualidade expandida, que caminhou em paralelo à história literária canônica e antecipou potencialidades intermidiáticas? Palavras-chave: poesia concreta brasileira; poesia visual; intermedialidade. ABSTRACT: The history of literature usually gives little prominence to the textual productions that erect their voice on the border between the arts and the Letters. However, 1 O presente trabalho foi realizado com apoio da Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior-Brasil (CAPES)-Código de Financiamento 001. 2 Pós-Doutoranda no PPG-Design da Universidade Anhembi Morumbi e professora substituta no curso de Letras (Português

RESUMO O presente artigo tem como objetivo discutir a produção poética ligada ao Centro Popular de Cultura da União Nacional dos Estudantes (CPC da UNE), criado em 1961. Abordamos o discurso literário cepecista a partir de uma discussão sobre as temporalidades que emergem das poesias reunidas nos livros da coleção Violão de Rua, publicada entre 1962 e 1963 pelo órgão cultual da UNE. Buscamos mostrar como essa escrita poética, ao articular passado, presente e futuro, acaba por situar-se entre a nostalgia e a expectativa de transformações sociais. O romantismo revolucionário cepecista construiu uma imaginação temporal baseada na saudade de um povo detentor da essência da nacionalidade brasileira, mas também vislumbrava, nesse mesmo povo, o heroico portador da revolução por vir.
PALAVRAS-CHAVE: CPC da UNE. Engajamento. Temporalidade.

A obra fílmica da artista plástica e cineasta Marie Menken é contemplada, quase em sua totalidade, no presente trabalho, por meio de análises fílmicas que compreendem alguns aspectos da poética da realizadora norte-americana que consideramos relevantes para os estudos sobre o cinema experimental, de modo geral, e sobre a vanguarda norte-americana. Os aspectos aqui estudados correspondem aos das experimentações com a montagem cinematográfica e com a direção de fotografia, no ato de filmar, seja permeando os elementos físicos diante da câmera, seja contornando um discurso sobre a prática do cinema amador. São também investigados, por meio de aproximações com teorias sobre a arte moderna e a arte contemporânea, os aspectos formais de uma obra fílmica que pretende romper as possíveis fronteiras entre o cinema, as artes plásticas e a performance.