Collezionismo

Un excursus storico dalla nascita della prima confezione tascabile di fazzoletti di carta negli anni ’30, fino alle ultime novità, passando da introvabili pocket d’epoca a quelli fatti con carta decorata, con i personaggi dei cartoon o personalizzati, con apertura a portafoglio o a bustina, di ogni marca, dalla più prestigiosa a quelle meno conosciute.
Catalogo della mostra organizzata dalla Fondazione Giuseppe Lazzareschi a Porcari (Lucca) nel maggio 2014.

Nell'ottocentesco Palazzo della Provincia di Modena è conservata la Raccolta d'Arte Provinciale nel suo nucleo di opere otto-novecentesche, formatasi tramite la politica di promozione culturale propria dell'Amministrazione Provinciale sin dal suo costituirsi: una politica espressa con il sostegno azionario alla Società d'Incoraggiamento per gli Artisti della Provincia a partire dal 1875, acquisti presso mostre cittadine, regionali e nazionali, commissioni agli autori, opere di abbellimento degli edifici provinciali. La Raccolta costituisce così una sorta di antologia delle correnti artistiche nell'area modenese fra Otto e Novecento.

L'obiettivo dell'articolo è offrire un panorama del collezionismo di casa d'Este nei decenni seguenti la morte di Francesco I nel 1658, tema mai affrontato. Nel Palazzo Ducale di Modena, allora in costruzione, furono allestiti ambienti di notevole importanza, in parte conservati, o ricostruibili tramite i documenti, per iniziativa del successore Alfonso IV, della reggente Laura Martinozzi, sua vedova, e di Francesco II, loro figlio. Ora è possibile documentare la creazione nel 1659 della stanza destinata a mettere in mostra un importante ciclo di tavole di Tintoretto acquistate a Venezia, e di una "gallaria nuova" arredata con armadi, piedistalli e cornici (1675). I documenti portano inoltre alla luce la ricerca di dipinti di Raffaello e Guido Reni per arricchire la galleria ducale, vasti progetti genealogici che corrono in parallelo a quelli portati a termine dagli Estensi di Ferrara nel tardo Cinquecento, e la prova di un viaggio di istruzione di Francesco II fra le antichità romane nel 1686.

I «Trecchi, nobilissimi, e principali Cittadini della nostra Città» 1 , così Antonio Campi, pittore ed erudito cremonese, descrive la famiglia Trecchi nella sua celebre opera Cremona Fedelissima del 1585, indicando il prestigio e la fama che all'epoca caratterizzavano il casato cremonese. Gli studi e le pubblicazioni che si sono susseguiti nel tempo, hanno indagato solamente una parte della storia della famiglia, focalizzandosi sul ruolo che essa ha ricoperto nella politica cremonese (prima sotto il dominio visconteosforzesco e in seguito asburgico) e ponendo al centro delle ricerche il privilegio di ospitare le più importanti autorità e personalità politiche, dall'inizio del Cinquecento fino all'Unità d'Italia, presso il loro palazzo cittadino, vicino alla chiesa di Sant'Agata, definito sempre da Campi: «Albergo solito de tutti i Principi, e Signori grandi capitati in questa città» 2. La presente tesi, appoggiandosi ai precedenti studi 3 , si propone di approfondire un ulteriore aspetto della famiglia Trecchi: le iniziative artistiche promosse e il suo ruolo all'interno del panorama culturale cremonese del Cinquecento e del Seicento, con particolare attenzione alle diverse commissioni e relazioni con gli artisti. All'origine della ricerca vi è un forte interesse personale per la storia della città da cui provengo, Cremona, maturato negli anni e approfondito durante il percorso di studi intrapreso. Come punto di partenza si è deciso di porre l'attenzione sull'eredità dei Trecchi, oggi dispersa dopo travagliate vicissitudini, documentata dai vari inventari stilati alla morte dei membri della famiglia. Da essi emerge la traccia di una interessante collezione di dipinti, fatto che ha permesso di porre maggior attenzione sul rapporto tra il casato cremonese e l'arte.

Riscontri stilistici e documentari consentono di ampliare il catalogo dello scultore in legno Giovanni Battista Torta, attivo a Piacenza fra Sei e Settecento, di porre in luce la personalità pressoché coeva di Giuseppe Schenardi, del quale si presenta l’unica statua al momento nota, e di aggiungere nuovi tasselli all’attività locale di Jan Geernaert.

Un breve contributo sulle cartoline illustrate del “Prestito Nazionale” e il loro valore propagandistico sul fronte italiano della grande guerra. L’importanza di pittori, disegnatori e illustratori nell’invitare la popolazione civile a contribuire in maniera sostanziale alle spese di guerra attraverso sottoscrizioni pubbliche di denaro. L’intervento è parte e corredo  di un diario di guerra trascritto e pubblicato a quasi 90 anni dalla sua ultima revisione. Autore del testo è Federico Vannozzi (Ruscio, 17.03.1895 – 12.07.1973) che il figlio Venanzio, per tutti Vincenzo, ha donato  in copia fotostatica  affinchè sia conservato nel neonato Archivio della Memoria di Ruscio.  Come scrive la curatrice dell’opera, Il manoscritto originario “è composto da centodieci ottave, 880 versi scanditi, ritmati dalle rime alternate e baciate secondo lo schema ABABABCC. Il metro usato nei cantari trecenteschi, ci accompagna nella lettura del testo. Precede il componimento vero e proprio una sorta di premessa dell’autore che presenta al lettore la sua opera spiegando i motivi e i metodi, le ragioni della scelta del metro perché nel suo paese nativo “era ancora molto in voga il canto dell’ottava rima, tanto è vero che nelle celebrazioni matrimoniali, s’invitavano i poetastri a rallegrare tutto il parentato riunitosi…. Così io molto appassionato di questo canto volli scriverci la mia vita militare”.
Il recupero del manoscritto ha chiuso in modo ottimale il complesso progetto dell’Associazione Pro Ruscio di Monteleone di Spoleto (PG) avviato nel 2015 per la commemorazione del I centenario dalla prima guerra mondiale, progetto che ha portato alla raccolta, studio e divulgazione (attraverso l’esposizione di reperti d’epoca e pannelli didattici), di documenti, fotografie, lettere dei nostri soldati al fronte. La pubblicazione integrale realizzata con la collaborazione di vari enti e il contributo dell’Assessorato alla Cultura della Regione Umbria è stata presentata al pubblico il 14.08.2018 alla presenza della dott.ssa Marisa Angelini sindaco di Monteleone di Spoleto, del prof. Dino Nardelli dell’Istituto per la Storia dell’Umbria Contemporanea (ISUC), del prof. Agostino Lucidi antropologo e dirigente del Centro per la Documentazione e la Ricerca Antropologica in Valnerina e nella dorsale appenninica umbra (CEDRAV).

Federico Vannozzi, La mia vita militare 1915 – 1919, a cura di Valeria Reali, Edizioni “La Barrozza”,  I Quaderni di Ruscio, XII, 2018, pp. 178;  illustrazioni di Stefano Vannozzi, impaginazione e grafica digitale di Valentina Marino.

Il saggio indaga le opere di arte decorativa, in particolare quelle realizzate in oro, argento, corallo e pietre preziose, del principe Antonio Ruffo della Scaletta (1610-1678). I preziosi manufatti, che il messinese ha ereditato, raccolto e commissionato, testimoniano il suo raffinato gusto. Il Ruffo, infatti, fu uno dei più grandi collezionisti e mecenate d'artisti del Seicento

© il prato casa editrice Via Lombardia 41/43, 35020 Saonara (Pd) 049 640105 -www.ilprato.com [email protected] Stampa Safigraf, Schio (VI) Impaginazione Scriptorium, Vicenza Nessuna parte di questo libro può essere riprodotta o trasmessa in qualsiasi forma o con qualsiasi mezzo elettronico, meccanico o altro senza l'autorizzazione scritta dei proprietari dei diritti.

Il volume contiene la prima catalogazione scientifica completa della più cospicua collezione di sculture lignee in Italia: oltre centocinquanta opere (in buona parte inedite e non esposte al pubblico) provenienti da varie parti d'Europa e confluite, attraverso percorsi diversi, nel Museo Nazionale del Palazzo di Venezia a Roma.

coordinamento editoriale maria sapio redazione paola rivazio art director enrica d'aguanno impaginazione francesca aletto in copertina paolo de matteis san gennaro intercede presso cristo per la città di napoli particolare napoli, monastero di santa maria regina coeli (dalla cappella del monte dei poveri vergognosi) fotografia: archivio dell'arte / luciano e marco pedicini fotografi arte'm è un marchio registrato di prismi certificazione qualità ISO 9001: 2008 www.arte-m.net stampato in italia © copyright 2016 by fondazione de vito © prismi editrice politecnica napoli srl tutti i diritti riservati Ricerche sull'arte a Napoli in età moderna Comitato di redazione

Presidente ETTORE ROMOLI Direttore FLAVIO MANTINI Segreteria ENRICO GRAZIANO Segreteria amministrativa SERENELLA FERRARI VALENTINA RANDAZZO Coordinamento scientifico CRISTINA BRAGAGLIA VENUTI Fotografie Assunzioni fotografiche CARLO SCLAUZERO, Gorizia ARCHIVIO STORICO FOTOGRAFICO CORONINI CRONBERG, Gorizia Le fotografie della scheda 17 alle pp. 57-66 sono pubblicate su concessione dell'Archivio di Stato di Gorizia, prot. N. 3318/28.34.01.10 (7.2) del 1 dicembre 2011. Divieto di riproduzione.

In copertina: Michelangelo Merisi da Caravaggio, Suonatore di liuto, particolare, inv. no. GE-45, già collezione Giustiniani. © The State Hermitage Museum, St. Petersburg Nessuna parte di questo libro può essere riprodotta o trasmessa in qualsiasi forma o con qualsiasi mezzo elettronico, meccanico o altro senza l'autorizzazione scritta dei proprietari dei diritti e dell'editore. Progetto grafico di Gianni Trozzi

La collezione di dipinti riunita nel palazzo della famiglia Hercolani costituiva una delle raccolte private più importanti e celebrate di Bologna. Andò in gran parte dispersa tra la fine del Settecento e la metà del secolo successivo, quando quasi tutto il patrimonio artistico privato della città fu alienato a causa di una inarrestabile crisi finanziaria che colpì una classe aristocratica incapace di adeguarsi ai rapidi cambiamenti sociali. La quadreria Hercolani non ebbe nemmeno la fortuna di essere venduta in un'unica soluzione; gli acquirenti furono estremamente numerosi, e raramente si trattò di personaggi di alto rango. Per questo motivo le opere che un tempo erano riunite nel palazzo sono oggi disperse nei musei e nelle collezioni private di tutto il mondo. Il nucleo più cospicuo, trentotto dipinti, è confluito alla Pinacoteca Civica di Pesaro, come risarcimento di un prestito erogato agli Hercolani (e mai restituito) dal compositore Gioacchino Rossini 1 . Naturalmente altri dipinti sono rintracciabili, ma inseguirli uno per uno è compito troppo arduo per questa sede. La consistenza della collezione si può ricostruire attraverso alcune fonti note già da tempo, ma non ancora sistematicamente scandagliate. Innanzi tutto i diversi manoscritti di Marcello Oretti, erudito bolognese instancabile raccoglitore di notizie e solerte compilatore di liste di opere d'arte custodite in luoghi pubblici e privati. Oretti non pubblicò mai nulla e le informazioni da lui riunite nel corso di molti anni sono sparpagliate nelle sue carte conservate alla Biblioteca dell'Archiginnasio: apparentemente ordinate, sono invece da considerare un enorme lavoro in progresso, non definitivo. Fondamentale un altro manoscritto, redatto da Luigi Crespi nel 1774 in occasione delle nozze di Filippo Hercolani con Corona Cavriani: presso la Biblioteca dell'Archiginnasio se ne conserva una stesura provvisoria, mentre la versione definitiva (che comunque non differisce di molto) è tuttora nell'archivio della famiglia Hercolani. Molto importante anche la raccolta di componimenti poetici del pittore Jacopo Alessandro Calvi, edita nel 1780, composta da cinquanta sonetti ispirati ad altrettanti dipinti tra i più celebri presenti nel palazzo: una selezione molto parziale, ma corredata di descrizioni estese e puntuali e di misure precise. Piuttosto accurata è anche la descrizione fornita da Petronio Bassani all'in-

SERPOTTA e il suo tempo SERPOTTA e il suo tempo La città di Palermo, all'indomani della dura repressione di Messina, l'eterna sua rivale ribellatasi alla Spagna (1678), vive i fasti di unica capitale del Viceregno di Sicilia. Questo libro dà ampiamente conto dei suoi "giorni d'oro", delle "meraviglie" di una produzione artistica raffinata e di tutto rispetto -d'uso e arredo liturgico o pertinente alla grande decorazione ecclesiastica o privata -, in un momento davvero particolare di felice interazione e connubio fra le arti, quando all'architetto ideatore e di grido, quale fu per esempio Giacomo Amato rientrato da Roma, si affiancano nell'elaborazione di un'opera valenti disegnatori, abili stuccatori, scelte maestranze di orafi, corallari, ebanisti, intagliatori, tutti interpreti congeniali delle sue invenzioni. Primo fra tutti Giacomo Serpotta, cui spettò il grande merito d'aver rivoluzionato l'arte dello stucco, facendolo assurgere alla stessa dignità del marmo, e d'aver dato elegante e candida veste decorativa a chiese e oratori. Amato e Serpotta si avvalsero fra l'altro della sinergica collaborazione di pittori/incisori della portata di un Pietro Aquila o di un Antonino Grano, capaci di tradurre le idee progettuali in schizzi, disegni, elaborati grafici via via sempre più dettagliati da consegnare alle varie maestranze per l'esecuzione. Grazie ai recenti interventi di restauro, tanti monumenti serpottiani in città sono stati restituiti al loro antico splendore: questo libro racconta della fitta rete relazionale di committenti d'eccezione, artisti aggiornati e valenti maestranze che ne hanno reso possibile la realizzazione.

Nella prima sala a destra entrando nel palazzo di Corso Sforza allora al numero 43, il noto collezionista Giuseppe Strocchi (Bologna 1855-Cotignola 1941) conservava ciò che aveva raccolto con passione e competenza nel corso della sua vita, ben 118 strumenti ad arco selezionati con cura di esperto su 1600 pezzi passati nelle sue mani. La collezione comprendeva in prevalenza violini, ma anche viole, violoncelli e contrabbassi, realizzati da liutai italiani rappresentativi delle più importanti scuole attive fra il XVI e il XIX secolo. Spiccava fra tutte l'antica scuola cremonese che costituiva la parte più preziosa della raccolta con liutai come Stradivari, Amati, Guarnieri del Gesù, per citare solo alcuni dei nomi più noti. Ogni pezzo era debitamente catalogato e recava due cartellini incollati, uno color azzurro ed uno color sep -

La storia del termine "filatelia", dalla sua nascita francese, nel 1864, alla sua affermazione in Italia negli anni Novanta dello stesso secolo. Nell'Ottocento, però, sono attestati anche altri termini, come 'timbrologia' e 'filotelia'. Il quadro è articolato e ricco di interesse. Dell'argomento si interessa anche il giovane Bruno Migliorini.

Al pittore fiammingo Jan van Gelder (o Giovanni Vangheldri) vanno con ogni probabilità attribuiti molti esemplari ritrattistici di personaggi estensi ora in raccolte pubbliche e private. Giunse a Modena, capitale del ducato estense, probabilmente chiamato dallo zio materno Justus Sustermans, che nel giugno del 1649 eseguiva i ritratti dei principi d’Este. Per la corte estense lavorò spesso come copista, soprattutto di ritratti, come emerge da un suo elenco dove enumera i dipinti realizzati dal 1653 al 1655, per ordine del duca Francesco I. Nel 1656 è assunto come “aiutante di camera” del principe Alfonso, dal 1658 duca; fu quindi operoso per la duchessa reggente Laura Martinozzi, vedova di Alfonso IV, e per loro figlio Francesco II. Nel 1662 eseguì la copia del dipinto di Ludovico Carracci San Bernardino da Siena salva Carpi da un’invasione nemica (1619) per la chiesa di San Bernardino di Carpi, in sostituzione dell’originale prelevato da Alfonso IV per la Galleria Estense, ora nella cattedrale di Notre-Dame a Parigi. Fa attivo anche nel marchesato degli Este di San Martino e per il conte Alfonso Gonzaga di Novellara. Il figlio di Jan, Giusto o Justus van Gelder, proseguì l’attività paterna, anche se con minore fama. Fu pittore presso la corte estense sul finire del Seicento.

The article examines two votive Greek reliefs housed in the Museum Barracco at Rome. One represents a heros equitans followed by a young servant and a dog, the other is decorated with a Totenmahl scene. Provenance and ways of acquisition are unknown, but it’s possible to hypothesize an Attic/Beotic origin for the former, whereas the latter was surely made in Attica. Although both reliefs have not received much attention in the archaeological literature, they are important witnesses
of heroic cults of the 4th century BC in Greece.

Nel contributo si discutono alcuni casi di dispersione del patrimonio culturale del tardogotico ferrarese e si indaga, da un lato, il percorso collezionistico e di mercato vissuto da tali manufatti tra Otto e Novecento, sino all'approdo nelle attuali sedi, dall'altro, più in generale, il contesto culturale cittadino e le ragioni che hanno contribuito al grave depauperamento del tessuto storico-artistico prerinascimentale. Questa perdita di opere d'arte è dovuta all'imperare di un gusto per le opere dei secoli d'oro della cosiddetta Officina ferrarese, ma anche alla distruzione di importanti siti e contesti del Medioevo estense avvenuta già nel corso del Sei e del Settecento. In netta controtendenza e in anticipo sui tempi, in quanto a monte della storica Mostra della pittura ferrarese del 1933 (capitolo determinante per l'avviarsi della rivalutazione degli artisti attivi agli "albori del Rinascimento"), dovrà essere citato il percorso di studio, presso l " ateneo bolognese, del giovane Filippo de Pisis e la sua ancora più precoce attività di pubblicista. Uno dei pochi momenti di risarcimento alla limitata sensibilità mostrata dalla città verso i propri "primitivi" sarà, nella seconda metà del Novecento, l'opera di acquisti per la propria collezione messa in atto dalla Cassa di Risparmio di Ferrara.

Ismeretlen magyar képzőművészeti gyűjtemény a római Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea raktárában
A kivételesen gazdag 20. századi olasz festészeti és szobrászati gyűjteményéről híres római Galleria Comunale d’Arte Moderna e Contemporanea egyik
különlegessége, hogy több mint negyven olyan, festményt, szobrot és grafikát őriz magyar alkotóktól, amelyek kimaradtak az utóbbi nyolcvan év itthoni művészettörténet írásából, mivel Magyarországon őket lappangó vagy elveszett művekként tartjuk számon. Az 1930-körüli években a kortárs magyar művészet legjobbjának tartott festők és szobrászok – köztük például Csók István, Aba-Novák Vilmos,
Perlmutter Izsák, Sidló Ferenc, Heintz Henrik, Iványi Grünwald Béla, Szőnyi István, Molnár C. Pál, Csánky Dénes, Réti István – munkái ezek, melyeket 1928-
ban, 1932-ben és 1934-ben egy-egy Rómában megrendezett kiállítás során megvásárolt
az olasz állam és így már nem érkeztek vissza Budapestre. Rómában Mussolini minisztériumainak helyiségeit dekorálták velük, de legtöbbjük múzeumok
raktárába került. Sajátos módon itthon gyakorlatilag megfeledkeztek róluk és a 20. század második felében a magyar nyelvű szakirodalom már az „eltűnt
magyar műkincsek” között emlegette őket.
A Galleria Comunale magyar gyűjteményének legnagyobb újdonságát egyértelműen Hirémy-Hirschl Adolf 1912-ben festett, öt részből álló képe, a „Sic
transit…” jelenti, mely a korszak első világháború előtti, mitteleurópai hangulatának különleges, képi megfogalmazása. A Temesváron született festő egykor
Klimt köréhez tartózott, Hans Makart közvetlen munkatársa volt majd Rómában a német művészkolónia vezetője volt.

cat. 38A) Altre fotografie sono dell'archivio personale di Anna Orlando o fornite direttamente dai prestatori. Un grazie speciale va ai miei maestri di sempre. Ai miei genitori, Niccolina Costa e Peppino Orlando; ai miei prof Timothy Standing, Colette Bozzo Dufour, Ezia Gavazza, Mina Gregori; ad Aldo Zerbone che mi ha insegnato a guardare i quadri e a capire la qualità.

La mostra, curata da Alessandro Barbieri e Francesca Moruzzi, è prodotta dal Museo Civico di Crema del Cremasco e costituisce il momento di presentazione degli straordinari dipinti acquisiti dall’istituzione culturale cittadina a fine 2021 grazie alla generosità degli Eredi di Marina Stramezzi e al sostegno di Fondazione Comunitaria della Provincia di Cremona e Associazione Popolare Crema per il territorio Banco BPM.
La rassegna si focalizza su una sessantina di opere provenienti da quella incredibile raccolta di capolavori che fu la collezione di Paolo Stramezzi conservata presso villa La Perletta in Crema.
A Paolo Stramezzi (Moscazzano, 1884 - Cannes, 1968) va, innanzitutto, riconosciuto il pregio di aver istituito presso la sua dimora uno dei salotti culturali più autorevoli e in vista del Nord Italia, arredandone le pareti con un numero così elevato di opere d’arte da poter fare concorrenza ai più prestigiosi musei nazionali.
Egli fu un fine amante e conoscitore dell’arte, mecenate e grande collezionista. Si narra che tra le mura della sua residenza siano transitate nel corso della sua vita più di un migliaio di dipinti. Alla base di questa consistente raccolta stanno anni di fitti rapporti intessuti con gli artisti, con gli antiquari ed esperti d’arte dai quali Paolo seppe sempre farsi ben consigliare. La sua non era certo una collezione statica, tutt’altro, era viva, dinamica e sempre in divenire, ordinata e arricchita per oltre mezzo secolo con acquisti, vendite, permute e scambi.
Una raccolta privata, la sua, selezionata seguendo il proprio gusto personale che seppe anticipare anche certe evoluzioni stilistiche e collezionistiche dell’arte italiana, come il forte interesse per i cosiddetti pittori Macchiaioli dei quali Stramezzi fu uno dei maggiori raccoglitori.
L’esposizione è pensata in tre sezioni: un omaggio al collezionista, le opere comprese fra il Quattrocento e l'Ottocento e la parte dedicata alla pittura novecentesca.

Il contributo delinea il mecenatismo e gli interessi artistici di Alfonso IV d’Este (1634-1662) attraverso due registri inediti relativi alle sue spese. Oltre a fornire importanti conferme documentarie a quanto finora supposto, si chiariscono le acquisizioni del duca sul mercato artistico, tra cui la costosissima "Testa femminile" di Raffaello ora al Louvre. Le carte dei registri offrono inoltre le prime testimonianze di artisti poco noti che nel Seicento gravitarono intorno alla corte estense. Tra questi figura Olivier Dauphin, nipote del più celebre Jean Boulanger, di cui è ora possibile intravedere il coinvolgimento nell’illustrazione dell’Idea di Domenico Gamberti, conclamato capolavoro dell’editoria barocca. Di quest’opera, voluta da Alfonso in memoria del padre defunto, si rettificano i protagonisti e le modalità del loro ingaggio, fugando fraintendimenti storicizzati come nel caso degli ancora oscuri incisori Domenico Fontana e Bartolomeo Fenis. Le nuove evidenze documentarie recuperano così il prestigio della committenza di Alfonso e ne profilano un vivido ritratto di principe appassionato di lettere e scienze.

La stagione francese. Canova mediatore tra artisti e mecenati 1815-1822 Le ultime commissioni: la celestiale Vesta/e Marulli ed i monumenti funebri incompiuti 139 Appendice 169 Bibliografia 183 Indice dei nomi Questo saggio non sarebbe mai stato scritto se non avessi incontrato Mariantonietta Picone Petrusa ed Arturo Fittipaldi che, oltre a dotarmi, nel tempo, degli strumenti critici e delle coordinate metodologiche necessarie per affrontare i problemi posti dall'attività di ricerca, ne hanno seguito con vigile ed affettuosa presenza ogni passo. Un ringraziamento devo anche ad Elena Fumagalli che mi ha incoraggiata a renderne pubblici i risultati; ad Orietta Rossi Pinelli, che gli ha dedicato un'attenta lettura gratificandolo di una sua presentazione; a Pompeo Paparo che ne ha promosso l'edizione. Prezioso è stato il contributo della direzione e del personale del Museo Biblioteca Arch ivio di Bassano del Grappa-in particolare di Mario Guderzo, Caterina Del Sal e Giovanna Peretto-attenti ma non gelosi custodi delle importanti carte canoviane che mi è stato permesso di consultare e pubblicare. Ringrazio anche l'Istituto di Ricerca per gli Studi su Canova e il Neoclassicismo che, nell'accogliermi alle Settimane di Studi Canoviane che annualmente organizza, mi ha offerto occasioni di aggiornamento e confronto durante le quali ho potuto raccogliere proficui spunti di ricerca. Ancora, devo molto a Rosanna Cioffi, Giuseppe Pavanello, Andrea Milanese, Marco Nocca e Paola D'Alconzo, che hanno letto una prima stesura del testo contribuendo a migliorarlo con utili suggerimenti, e a Catherine Hess, del]. P. Getty Museum di Los Angeles, Giancarlo Cunial della Gipsoteca di Possagno e a Lucio Terracciano, del laboratorio fotografico del Dipartimento di Studi Storici dell'Università Federico II di Napoli, che mi hanno aiutata ad approntare il corredo iconografico del volumetto. Desidero ring raziare anche tutti coloro che hanno discusso con me alcuni temi dei loro studi, proponendomi un arricchimento in direzione di diverse prospettive disciplinari o tematiche:

Contributi all'iconografia della Casa d'Este attraverso ipotesi per nuove identificazioni, la pubblicazione di ritratti racchiusi in raccolte private o ancora poco noti, il tentativo di lettura o rilettura del codice iconografico a cui i principi hanno affidato la loro immagine.

Il contributo (capitolo di un volume che costituisce uno dei prodotti del PRIN 2008 dedicato a Roma, i ducati padani e lo Stato di Milano. Secoli XVI-XVIII , coordinatore nazionale M.A. Visceglia, responsabile dell’unità locale G. Signorotto) indaga sulle relazioni culturali, e specialmente artistiche della corte ducale di Modena con Roma negli anni di Francesco I. Due sono le premesse del lavoro: - la consapevolezza del ruolo di Roma come punto di riferimento per il mecenatismo e il collezionismo contemporaneo, questioni che per inclinazioni personali e motivazioni ‘politiche’ sono al centro degli interessi del duca; - l’importanza riconosciuta fin dallo studio di S. Fraschetti su "Bernini" (1900) alla ricchezza delle informazioni sulla vita artistica della città pontificia ricavabili dai carteggi diplomatici estensi grazie al primario interesse nutrito dal duca per questi temi. Partendo da queste premesse, lo spoglio sistematico (mai affrontato in precedenza) della corrispondenza dei residenti a Roma di Francesco I (1629-1658) ha fatto luce su committenze e interessi collezionistici e culturali, e permesso di intendere meglio i comportamenti di promozione messi in campo. Risulta cruciale lo studio della figura di Fulvio Testi, segretario di Francesco I e poeta apprezzato, la cui posizione di “virtuoso” (nell’accezione specifica data alla parola nella cultura del tempo) lo rende un rappresentante della corte modenese capace di instaurare relazioni privilegiate con i potenti. Il saggio prende in esame episodi significativi, estendendo anche la ricerca (su questo specifico punto) alle relazioni con la corte di Spagna: dall’indagine emergono indicazioni sullo ‘stile’ della diplomazia di Francesco I, che portano a meglio comprendere anche il significato delle scelte mecenatistiche. Dal carteggio di Testi il saggio trae nuove conoscenze sull’acquisto di importanti argenterie sul mercato romano, sulla commissione di una lettiera sontuosa il cui disegno spettò quasi certamente a François Du Quesnoy, e sulla commissione di un arredo d’altare che si è potuto riconoscere in una croce e candelieri ancora conservati presso il Santuario della Ghiara di Reggio Emilia. Grazie alla documentazione inedita resa nota (contratti con gli importanti argentieri Fantino Taglietti e Marco Marchi di Roma, perizie dell’Arte degli argentieri) il saggio porta a conoscenza le trattative, e i costi di materie e ‘manodopera’ gettando luce su un mondo poco conosciuto. Da altri carteggi (Francesco Mantovani, Tiburzio Masdoni) si ricavano importanti notizie inedite sulla volontà del duca di acquistare la villa appartenuta a Scipione Borghese sul Quirinale e sulle laboriose trattative; grazie a quello di Lazzaro Bonvicini con il cardinale Rinaldo, fedelissimo collaboratore del fratello duca, si viene a conoscenza dell'allestimento dei festeggiamenti per il carnevale del 1645 e di apparati effimeri nel palazzo di residenza (palazzo Aldobrandini al Corso).

Editores). Homenaje a Ricardo Olmos. Per speculum in aenigmate. Miradas sobre la Antigüedad. Erytheia. Estudios y Textos nº 7 670 páginas. Homenaje celebrado el 27 de junio de 2014 en el Museo Arqueológico Nacional, Madrid. 465 Ritratti femminili della collezione Despuig: note di iconografia e questioni di provenienza * Beatrice Cacciotti Università degli Studi di Roma Tor Vergata

Nel clima generato dalla Controriforma, sull’onda dei Decreti tridentini, il collezionismo sacro si sviluppò in misura preponderante rispetto ai secoli passati. In particolare, la tendenza a collezionare reliquie si diffuse al punto da connotarsi come uno degli aspetti più singolari del nuovo movimento controriformista. Il fenomeno fu favorito dalle guerre di religione e dalla distruzione iconoclasta di reliquie e di immagini sacre nei paesi riformati, che suscitò grande turbamento nell’universo cattolico. In tanti si adoperarono per la salvaguardia delle reliquie a rischio, promuovendone il trasferimento dai paesi riformati a quelli cattolici come l’Italia, la Spagna e il Portogallo. Il più devoto e appassionato collezionista di reliquie dell’epoca fu Filippo II di Spagna, il Re dei due mondi, e “non per semplice affezione occasionale o puro passatempo, bensì per l’imperativo della sua fede e la forza incontenibile della sua religiosità”. Il collezionismo di reliquie non fu pertanto un fenomeno occasionale né circoscritto, ma un tratto caratteristico della società del tempo, profondamente segnata dallo spirito della Controriforma. Sostentuo da regnanti, prelati e fedeli devoti, si sviluppò in tutti quei paesi che riconoscevano nella Chiesa di Roma la propria guida spirituale e religiosa.

Il saggio, utilizzando un inventario stilato nel 1725 e depositato tra le carte del Fondo Belmonte dell’Archivio di Stato di Palermo, indaga le opere d’arte decorativa della collezione di don Giuseppe Emanuele Ventimiglia, principe di Belmonte, figlio di Vincenzo e Maria Anna Statella. Si tratta di manufatti realizzati in corallo, madreperla, osso, ambra, agata, lapislazzuli, velluto, broccato, seta, tartaruga e legno, alcuni dei quali verosimilmente realizzati da artisti siciliani, stimati dal misconosciuto corallaro Marco Milioti, dal gioielliere Domenico Magri e da Giuseppe Andaloro. Il principe Giuseppe, inoltre, ereditò la collezione, composta anche da pregevoli dipinti, dallo zio Gaetano Ventimiglia, barone di Gratteri, figlio di Francesco e Ninfa Afflitto, nipote di Vincenzo Afflitto principe di Belmonte, che rimase senza eredi.

All'interno della parca 2 produzione pittorica di Vittorio Bolaffi o, si possono riconoscere alcuni temi ricorrenti o fi loni narrativi: alcuni ritratti (tra cui spiccano quelli degli amici Ruggero Rovan e Umberto Saba), una serie di immagini di gusto orientale frutto di un viaggio che lo condusse nelle Indie (Botteghe cinesi a Singapore, Strada a Singapore, Casette cinesi, Marina indiana, Barca su un fi ume, Il vecchio e il corvo, La cinesina), immagini della campagna, del porto 3 e dei lavoratori che lo affollano, ed alcune scene che potremmo defi nire «di genere». Tra quest'ultime rientrano suggestive e talvolta emblematiche composizioni di ambientazione urbana, con sviluppo prevalentemente orizzontale e poche fi gure; esse sono spesso inserite all'interno di quinte architettoniche costituite da dinamiche diagonali (esemplari in tal senso Strada di Gorizia, Ritorno del gregge, Le fanciulle con l'oca, Primavera, La Primavera e le rondini, Il viandante) o talvolta collocate dinnanzi a «fondali» quasi teatrali. In quest'ultimo nucleo includerei Vetture in attesa, Ragazza alla fi nestra, la trafugata Libreria Fichera al Ponte della Fabbra, Cortile d'Osteria e Conversazione. Il dipinto Conversazione (noto anche come Sfaccendati al giardino pubblico, Parlano di Politica o Parlano di Mussolini), forse più di altre opere, ha una vicenda meritevole di approfondimento. 1 Per la stesura di questo contributo è stato fondamentale l'apporto di Daniele D'Anza, autore della più recente, nonché completa, monografi a su Vittorio Bolaffi o, assieme a lui ringrazio la prof.ssa Nicoletta Zanni del Dipartimento di Studi Umanistici dell'Università degli Studi di Trieste. La mia riconoscenza va anche al personale del Civico Museo Revoltella, dei Musei Provinciali di Gorizia (autorizzazione n. 28380/13) e della Fondazione Palazzo Coronini Cronberg, che hanno concesso l'autorizzazione alla pubblicazione delle immagini contenute in questo saggio. 2 Dario De Tuoni lo defi nì magistralmente un pittore «Parco di opere, com'è parco di parole». Cfr. D. DE TUONI, Vittorio Bolaffi o, in «Crepuscolo», 15 ottobre 1923, pp. 12-15. 3