Arti Visive

L’errore, da elemento imprevisto e disturbante, si tramuta in potenzialità, arricchimento, risorsa all’interno del processo creativo di Bruno Munari.
Artista eclettico e mutevole, fonda la sua produzione artistica proprio sul binomio regola/caso in cui la progettazione incontra l’imprevisto, variabile determinante del progetto.

Tesi di Laurea Triennale in Letteratura Italiana.
In questa tesi ho cercato di dimostrare come in Dino Buzzati convivessero due anime, quella dello scrittore e quella del pittore, e come egli sentisse il bisogno di esprimerle congiuntamente, essendo le due componenti inestricabili della sua sensibilità poetica.

Il presente elaborato tenta una contestualizzazione dal punto di vista storico-artistico del ciclo di affreschi con le Storie di Diana e Atteone eseguito dal Parmigianino (1503-1540) in una saletta del castello di Fontanellato, verosimilmente fra il 1523 e il 1524. A partire da un’analisi del dato stilistico, si sono tratteggiati i principali riferimenti – da Mantegna al Correggio, da Leonardo al Pordenone – che giocarono un ruolo decisivo nella formazione del linguaggio del giovane artista, così come si mostra tanto a Fontanellato quanto nelle opere del primo periodo parmense. Attraverso lo studio della committenza e la valutazione delle principali interpretazioni iconologiche, si è cercato inoltre di dare conto del significato cifrato e sfuggente del ciclo. Si è infine evocata la diffusione di quel tipo di decorazioni a soggetto mitologico nelle corti padane, sottolineando come la stratificazione di significati, fra allegorici, religiosi e morali, tenuti insieme dalla cultura umanistica, dimostri la volontà di una piccola corte di allinearsi ai cenacoli culturali più aggiornati.

Nella presente ricerca, si è cercato di delineare, nel modo più possibile esaustivo, le tendenze dominanti e le dinamiche espressive di una figura estremamente complessa ma imprescindibile per gli svolgimenti dell’arte del Novecento. Alberto Burri è un uomo determinato e un artista poliedrico, che attraverso una personalissima resa dell’espressione informale, crea, a partire dagli anni Cinquanta, una nuova arte materica, vicina al reale ma ordinata in ogni caso dalla geometria di una composizione sempre meditata in anticipo.
Si è dunque proceduto partendo da una panoramica complessiva ma approfondita del movimento in cui l’artista si inserisce, ma mai del tutto, per poi passare dalle sue prime produzioni, epidemiche e informi, a quelle mature, trionfo della materia e contemporaneamente emblema del ritorno al pennello.
Nel tentativo di individuare in maniera esatta e puntuale questo momento di passaggio, si è insistito in modo particolare su un Burri meno edito, quello della produzione pittorica e grafica, confermata ripetutamente come unica vera costante della sua parabola creativa, dal principio al termine.
La produzione grafica in questione in effetti, oltre ad avere caratteri unici nel suo genere, si determina da subito come un’attività verso la quale Burri sceglie di concentrare una buona parte della sua energia, ispirazione e impegno. Inoltre questa tensione diversa, spesso parallela a quella notoriamente materica, lo avvicina ad ambienti nuovi dai quali detrae contatti fondamentali per la sua evoluzione e stimoli da sviluppare o riproporre attraverso media nuovi e inaspettati.
Al fine di mettere in luce la sorprendente ed esuberante produzione di serigrafie, adombrate per anni dalla critica e dal disinteresse popolare, se poste in relazione alle grandi serie- capolavoro, ci si è cimentati nell’analisi di un Trittico di policromie serigrafiche e di una dichiarazione inedita, eccezionalmente concesse da alcuni lontani parenti del pittore. Attraverso le parole autografe di Burri, nelle quali è implicita una sottile svalutazione delle opere che vi allegava, si è avviata una riflessione ulteriore, che indaga le motivazioni subconsce di un simile atteggiamento.
Avendo passato in rassegna alcune ipotesi e avendone scartate delle altre, si è arrivati a considerare e a sviscerare la problematica relazione dell’artista con la sua critica, topos non
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completamente nuovo nel panorama storico-artistico contemporaneo. Qui è ulteriormente esplicitato dall’affezione intima e personale di Burri alla sua produzione “minore” e decisamente sostenuto da interviste e dichiarazioni pubbliche in cui dimostra di subire in ogni senso le etichette e le forzature dei suoi studiosi, che lo vogliono ad ogni costo “pittore dei sacchi”. Liberando quindi Burri dalle sovrastrutture e dalle definizioni bloccanti che hanno unificato la sua opera come materica e anti-tradizionale, si è voluto spostare il focus su un Burri totalmente bidimensionale, verticale, cromatico e pittorico, dove l’uso del pennello e dei suggestivi mezzi di riproduzione seriale non riducono il valore di una produzione, comunque rappresentativa di freschezza, intuizione e genio.

Fin dall'antichità la manifestazione visibile di emozioni è stata ritenuta sconveniente per persone di rango elevato, quali nobili, religiosi, dotti, oltre alle divinità. Già Platone nel IV secolo AC esprime contrarietà al rappresentare uomini importanti e divinità in preda al riso. I volti ritratti sono generalmente poco espressivi, con la bocca chiusa, i sentimenti dei personaggi possono essere desunti da altri elementi, quali la loro postura e il tema rappresentato, oltre che da una gestualità codificata come quella a cui fa ricorso Giotto. Solo bestie e creature mostruose o demoniache mostrano le loro fauci spalancate.

Nel '500 il concetto di decoro rinascimentale definisce il modo corretto e consono di rappresentare personaggi e situazioni, e subisce successivamente l'influenza delle posizioni ecclesiastiche emerse dal Concilio di Trento ed espresse in trattati come quello del Cardinale Gabriele Paleotti, in cui si disapprova l'esecuzione di raffigurazioni ridicole specie se a soggetto religioso, e viene esaltata la serena imperturbabilità dei martiri di fronte al supplizio.
Tuttavia il Rinascimento è anche un'epoca in cui l'approccio alla pittura diventa più scientifico, conformemente alla mentalità del tempo, dedita al recupero delle fonti storiche del passato alla luce delle scoperte e delle invenzioni più recenti, e in cui si applica la perfezione numerica e geometrica a tutte le arti. Non solo le architetture si conformano alle leggi della prospettiva, ma anche le persone vengono raffigurate secondo i principi dell'anatomia e della fisiognomica, discipline in cui fungerà da caposcuola Leonardo Da Vinci: le ossa vengono ricoperte di muscoli che guizzano sotto la pelle, e i volti si animano.

Gli artisti, in particolare in area lombarda, grazie anche proprio alla via aperta da Leonardo, cominciano a sperimentare nuovi soggetti, rappresentando situazioni in cui l'elemento principale che anima la scena è dato proprio dall'espressività del volto. Sempre in epoca rinascimentale ebbe grande fortuna un dipinto licenzioso quattrocentesco di Michelino da Besozzo raffigurante quattro popolani che ridono con un gatto, il quale fu reinterpretato da vari artisti dell'epoca, incluso un teorico della pittura come Giovanni Paolo Lomazzo, con l'inclusione di elementi leonardeschi.

Si tratta ancora però di una raffigurazione del sentimento espresso secondo canoni anatomici, che si manifesta con una precisa configurazione muscolare, mentre la capacità di raffigurare un sentimento vivo, colto nell'istante in cui si manifesta, arriverà grazie alla sensibilità femminile della prima pittrice di fama internazionale, Sofonisba Anguissola: il suo disegno Fanciullo morso da un gambero del 1554 circa, cattura l'istante del dolore, la nascita di un'emozione, ed ebbe fortuna immediata, influenzando grandi artisti del suo tempo, come Caravaggio, e direttamente o indirettamente altri di epoche successive. Si apre così la via al modo di intendere l'arte post-rinascimentale, quello delle Belle Arti, dove le arti non sono più espressione di una perfezione numerica, ma si nutriranno di affetti e sentimenti.

Tesi di laurea magistrale, corso di laurea in Filosofia e Politica (classe LM-78). Ricerca e analisi del rapporto e delle contaminazioni tra gli studi, le passioni e le opere di Pier Paolo Pasolini, dalla giovinezza fino al 1967.

La tesi è pubblicata sotto licenza Creative Commons Attribuzione 4.0 Internazionale (CC BY 4.0).

Two years master degree thesis in Philosophy and Politics. Research and analysis about the relation and the contaminations between Pasolini's studies, passions and operas from youth to 1967.
English translation isn't yet avaible. Contact me if you need any, detailed information.

The thesis is published under Creative Commons - Attribution 4.0 International (CC BY 4.0).

La prima parte della corrente tesi di laurea magistrale è stata ampliata e approfondita e utilizzata come punto di partenza per la stesura del libro

La Crocifissione di Cristo tra arte, fede, e scienza
Un'indagine sulla Passione di Cristo attraverso le opere degli artisti, la tradizione cristiana, e le ricerche scientifiche

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La seconda parte è liberamente consultabile.


Nella seconda parte vengono identificati una serie di elementi figurativi specifici, tipici della Crocifissione. Da questa selezione viene costituita la struttura di un database che verrà popolato con un campione di opere  – Crocifissi e Crocifissioni – di un’area geografica circoscritta. Verranno quindi presentati gli elementi costitutivi della struttura del database, la ragione della scelta geografica, l’elenco dei luoghi e delle opere incluse, e l’analisi dei dati raccolti.

La cultura figurativa siciliana negli interventi critici di Leonardo Sciascia Simone Ferrari Il giovane Dürer: riflessioni in margine ad una mostra Proprietà artistica e letteraria riservata all'Editore a norma della Legge 22 aprile 1941, n. 663. Gli articoli pubblicati impegnano unicamente la responsabilità degli autori. La proprietà letteraria è riservata alla rivista. I testi pubblicati non possono essere riprodotti senza l'autorizzazione scritta dell'Editore. Gli autori debbono ottenere l'autorizzazione scritta per la riproduzione di qualsiasi materiale protetto da copyright. In riferimento al materiale iconografico fornito dagli autori a corredo dei testi, la Redazione si riserva il diritto di modificare, omettere o pubblicare le illustrazioni inviate. I lavori sono pubblicati gratuitamente. È possibile scaricare gli articoli in formato pdf dal sito web di "teCLa". È vietata qualsiasi riproduzione totale o parziale anche a mezzo di fotoriproduzione, Legge 22 maggio 1993, n. 159. 4 10 24 34 62 numero 7 -30 giugno 2013 Rivista di temi di Critica e Letteratura artistica 82 106 teCLa -Rivista temi di Critica e Letteratura artistica di Giacomo Pace Gravina Il Trono della Grazia Interlandi: una tavola di Vrancke van der Stockt a Caltagirone Giacomo Pace Gravina Il Trono della Grazia Interlandi... numero 7 -giugno 2013 11

Il lungo saggio affronta in generale e per la prima volta in modo esaustivo il rapporto tra Leonardo Sciascia e le arti visive, indagando in particolare la sua vasta produzione critica in seno alla critica d'arte attraverso la direzione della rivista "Galleria", edita dal 1949 a Caltanissetta dall'omonimo editore. Il contributo affronta anche i rapporti con gli storici dell'arte che hanno collaborato con lo scrittore alla redazione del periodico siciliano. Galleria è una rassegna bimestrale di cultura, iniziata nel 1949 ed edita dalla casa editrice di Salvatore Sciascia editore in Caltanissetta. Il primo direttore fu il giornalista e magistrato Calogero Natale, va ricordata la collaborazione di Leonardo Sciascia con l'omonimo editore e insieme a Mario Petrucciani e Jole Tognelli. Tra i nomi più illustri che collaborano nel tempo con la rivista: Pier Paolo Pasolini, Alberto Moravia, Mario Praz, Emilio Cecchi, Ferruccio Ulivi, Enrico Falqui; e storici e critici d’arte, tra cui Roberto Longhi, Carlo Ludovico Ragghianti, Roberto Salvini, Cesare Brandi, Giulio Carlo Argan e Federico Zeri.

L'articolo non è che un'introduzione ad una serie di studi atti a definire i limiti e le prospettive di una Estetica della Negazione attraverso: l'analisi critica di autori, opere e ricerche nel campo dell'arte moderna e contemporanea; una ricerca di tipo sperimentale sulla negazione. L'articolo presenta (i) una definizione del concetto di negazione; (ii) di estetica; (iii) di estetica della negazione, quindi una definizione del metodo di ricerca critica e sperimentale e i limiti della prima sperimentazione; (iv) un elenco di autori da cui partire per l'analisi critica.

Filippo Tommaso Marinetti definiva Bologna la città più passatista d'Italia. Eppure il Manifesto del Futurismo firmato da Marinetti fu pubblicato per la prima volta sulla Gazzetta dell'Emilia,  quotidiano bolognese, il 5 febbraio 1909, 15 giorni prima rispetto al più celebre Le Figarò di Parigi. Il saggio ripercorre la storia del futurismo a Bologna attraverso i protagonisti e le mostre che vi si tennero.

The study of a philosophical nature on films is a very valid method of work, because it emotionally involves the pupils in the narrated facts and offers them very broad motivations and keys of reading on the various topics covered. The essay presented here examines two films through which to address a philosophical discourse: Portrait of the lady on fire (original title Portrait de jeune fille en feu) and Les héritiers, which in Italian was translated with Una volta nella vita (Once in a liftftime). The starting themes chosen are: the gaze and the face; harmony in human relationships.

S.F.I. - SOCIETÀ FILOSOFICA ITALIANA
Dipartimento di Filosofia
Università degli Studi di Roma "La Sapienza",
c/o Villa Mirafiori, Via Carlo Fea, 2
00161, Roma
Comunicazione filosofica ISSN 1128-9082

L'accentuato senso visivo figurativo che rappresenta uno degli aspetti distintivi di grande incisività nella complessiva produzione letteraria di Cesare Pavese, tra l'altro, ponendovi le basi per una ricorrente concettualizzazione dei contenuti sotto forma paradigmatica di immagine-racconto 1 , si riconferma attraverso i frammenti delle opere d'arte pittorica che vengono impressi sulle sovraccoperte e sulle copertine dei suoi libri, nonché attraverso le tavole e le tele ideate appositamente come illustrazioni interne. In relazione all'aspetto iconografico introdotto dalle copertine, e al ragionamento critico-letterario connesso ad esso, la presente analisi verterà in particolar modo sui volumi pavesiani in prima edizione. Poiché nel caso delle prime edizioni lo stesso Pavese spesso poteva influire sull'adattamento peritestuale, oltre a seguire la successiva fortuna editoriale, le copertine appartenenti a tali pubblicazioni sono analizzate in questo saggio come riflessi di scelte di poetica ben determinate, portando a inedite intersezioni intermediali tra i due ambiti espressivi, quello della parola scritta e quello dell'immagine artistica.

Questo saggio riporta alla luce l’importanza di Carlo Levi come scrittore e come scrittore-pensatore e la ricolloca nella prospettiva adatta per fare della sua opera una delle esperienze culturali più interessanti del ’900, da mettere accanto a quella di Cesare Pavese, per il discorso mitico, e a quella di un certo De Martino e di un certo Pasolini per il discorso sulla trasformazione antropologica delle culture popolari. Il concetto di sacro e le sue implicazioni con le culture del modernismo, il fondo biblico e teologico della formazione di Levi, i risultati in campo artistico e la loro relazione con la scrittura, il tema del tempo, le letture psicanalitiche (in particolare quella junghiana), gli accostamenti con il pensiero di Benjamin: questi sono solo alcuni dei nuclei che contraddistinguono la ricerca e le conferiscono qualità nuove, originali, non del tutto illuminate dalla critica precedente.

The interweaving of artistic experiences, from music, literature and theatre, which characterized the production of Teatro degli Indipendenti in Roma, is animated by avant-garde artists and Jia Ruskaja, a free dance interpreter and later founder of the Accademia Nazionale di Danza (AND). In this context, the Russian dancer reaches renowned success for the quality of her expressionistic dance. Jia Ruskaja’s attention to visual arts, enriched by the acquaintance with Ettore Romagnoli, is clearly reflected in her choreographies and is documented in the historical archive of the AND.

Nella presente comunicazione, l’estetica di Bernard Berenson, storico dell’arte universalmente accreditato per l’influsso esercitato, viene focalizzata da un’angolatura metodologica finora inesplorata, che permette di gettare nuova luce sul suo ruolo di letterato e pensatore prolifico quanto acuto, il quale emerge da una fitta serie dei suoi testi, poliedrici dal punto di vista dei generi letterari. Il principale obiettivo è perciò quello di definire le categorie concettuali che si evincono dagli scritti di letteratura di Berenson, in particolare sul versante teorico allorquando essi sono incentrati sull’arte rinascimentale italiana. È inoltre instaurato un assiduo confronto di tipo filologico, ma al contempo multidisciplinare e intermediale, tra la sua produzione letteraria e quella critico-artistica, inclusi i corrispettivi fotografici dall’archivio berensoniano. Si esplorano così le peculiarità strutturali dell’ampio corpus letterario dell’autore, di grande suggestione e spiccata padronanza espressiva, che comprende varie raccolte diaristiche dal pronunciato autobiografismo, e talvolta contraddistinte dal tono memorialistico, oppure da una pregnante componente odeporica. Si analizza altresì la sua pubblicistica, contrassegnata da una vena documentaristica, oltreché poetologica. Un particolare accento viene posto sugli articoli berensoniani riguardanti gli intrecci tra l’espressione letteraria e le risonanze figurative (come nella riflessione sulle immagini visuali dantesche). Ci si occupa pure dei suoi carteggi nel quadro dell’opera restante (nel caso della corrispondenza intrattenuta con Longhi, Zeri, James, Praz, Piovene, I. Origo). Accanto all’elucidazione delle modalità secondo le quali sono costituiti questi volumi, si evidenziano le convergenze con i libri capitali di ricerca erudita di Berenson, vertenti sul Rinascimento artistico italiano, che rappresentano un nucleo irradiante nella costellazione dei suoi studi, descrivendone gli aspetti salienti e le pratiche scrittorie derivanti dall’ambito letterario. Nella prospettiva comparatistica si rintracciano anche i rimandi intertestuali presenti negli scritti dei letterati che si sono soffermati sulle carte berensoniane (Cecchi, Flaiano, Malraux). Una presentazione in forma di handout è prevista dalla comunicazione.

“La pittura dopo la poesia era la mia più grande passione”
“Amo la pittura quanto la poesia, seguo la pittura quanto la poesia”

Elitis molte volte ha espresso nei suoi saggi e nella sua cronaca autobiografica quanto la pittura fosse importante per lui tanto quanto lo era l’arte poetica. In Elitis queste due dimensioni entrano in simmetria, l’una equivale all’altra. Parola lirica ed espressione plastica diventano inscindibili.
Lui stesso annota nel suo saggio “La materia leggera” riferendosi all’arte visiva: “per chi ha l’istinto del cacciatore di immagini, la cosiddetta materia leggera costituisce uno strumento di prima qualità per intrappolare attimi cui partecipano la natura e l’anima in ugual misura.”
La pittura viene vista come componente essenziale non solo della sua personalità artistica, ma potrebbe servirci anche come chiave di lettura per poter entrare pienamente nel laboratorio poetico dell’artista.
La materia visibile offre “allo sguardo del poeta un repertorio iniziale di immagini” che si caricano di “corrispettivi affettivi”, trovando una loro stretta equivalenza con diversi valori plastici: la linea, il volume, i colori . La percezione dunque si carica di proiezione.
Ma questo pensiero visivo iniziale che viene concepito intorno all’ immagine, plastica o testuale, si prolunga diventando visione carica anche di equivalenti sul piano morale.

Segnaliamo un numero monografico della rivista dell'Università di Caen, curato da Jacqueline Spaccini e Viviana Agostini-Ouafi e dedicato alla figura complessa e sfaccettata dello scrittore comasco morto nel 1960. Un cospicuo numero di 'modernisti' europei e italiani hanno rivisitato il suo denso percorso letterario attraverso più piani di ricerca critica. Interessanti gli spunti che suggeriscono un'influenza del suo 'realismo magico' sugli autori latino-americani (come García Márquez) e altri che vedono delle somiglianze di logica compositiva con i libri di Paul Auster. ____________________________________________________________________________ di Višnja Bandalo * Risultato di una iniziativa di notevole spessore culturale promossa dall'Università di Caen Basse-Normandie dedicata alla figura polivalente di Massimo Bontempelli (1878-1960), il volume curato da Jacqueline Spaccini e Viviana Agostini-Ouafi si presenta come una proposta attuale di rivalutazione estetico-critica in chiave globalizzante. La varietà dei contributi riuniti nel numero monotematico della rivista «Transalpina» (nº 11, PUC, Caen, 2008), L'Italie magique de Massimo Bontempelli, rappresenta la risposta adeguata alla necessità di disamina esauriente e sistematica di una produzione la cui ricezione appare ancora frammentaria. Come argomentano le curatrici, nonostante la notorietà dello scrittore e il rilevante influsso esercitato nell'ambito della tradizione novecentesca, non incrinato dalla posizione appartata, gli studi bontempelliani mancano ancora di continuità, anche se la bibliografia è stata sensibilmente incrementata negli ultimi decenni, con la prospettiva di una riedizione integrale delle opere nel 2010. L'occasione per una ricapitolazione della sua esperienza artistica ed intellettuale è stata offerta dal secondo incontro degli italianisti universitari, organizzato sotto forma di giornate di studio (svoltesi il 30 novembre 2007 e il 4 aprile 2008), concentrate sull'autore eclettico di interessi multiformi. Grazie agli interventi di alcuni tra i migliori conoscitori del suo corpus e dei noti modernisti (), attraverso differenti strumenti d'indagine sono state messe a fuoco le costanti dell'interrogazione critica conformi all'immagine consolidata, nonché tracciate le linee meno aspettate per le ricerche future. In tal senso, i singoli episodi si ricompongono in un quadro d'insieme dinamico permettendo di far risaltare gli aspetti fondamentali e al tempo stesso di considerare i risvolti inediti o gli echi potenziali presso gli scrittori di diversa provenienza.

è considerato piuttosto un paese di poeti e scrittori, data la sua tradizione letteraria, ereditata da figure tutelari come Rubén Darío e contemporanei come Ernesto Cardenal, Sergio Ramírez o Gioconda Belli; ma esibisce anche una certa tradizione nel campo delle arti visive, con a capo Rodrigo Peñalba, Armando Morales, il Gruppo Praxis, Alejandro Aróstegui (infatti, uno dei tre fondatori di Praxis). Dopo questi nomi, le informazioni sono molto più scarse e frammentate, e spiccano solo creatori isolati.

INVITO STAMPA Siamo lieti di invitare la S.V. alla giornata di studi Fotografia e pittura. Relazioni e pratiche a confronto Venerdì 24 novembre 2017 dalle ore 10:30 alle 18:30 MACRO-Museo d'Arte Contemporanea Roma Sala Cinema-Via Nizza, 138 Ingresso libero fino a esaurimento dei posti disponibili La giornata di studi Fotografia e Pittura. Relazioni e pratiche a confronto, curata da Chiara Agradi ed Emanuele Carlenzi, promossa da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale-Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, in collaborazione con l'Università Sapienza di Roma, sarà l'occasione per riflettere sulla relazione tra pratica fotografica e pittorica, attraverso un approccio inedito alla questione. I contributi che articoleranno la giornata, infatti, affronteranno tematiche storico-critiche che, nonostante affondino le loro radici nel XX secolo, non escludono un'analisi specifica degli sviluppi più recenti della fotografia, con un particolare focus sull'era digitale. Gli interventi, volutamente diversi tra di loro per natura e taglio, metteranno a confronto varie figure professionali, tra cui storici dell'arte, critici, curatori, ma soprattutto artisti e fotografi, consentendo un dialogo aperto sulla tematica e la possibilità di comprendere quanto differenzia e quanto ancora accomuna i due mondi artistici posti a confronto, in un panorama storico in continua fase di scrittura.

Este artigo retoma os conceitos de sincretismo de Hjelmslev (1975), de Greimas e Courtés (1983) e de Floch (2007) e tem como objetivo uma breve reflexão a respeito dessa problemática teórica. Todavia, para refletir a teoria, não se pôde deixar de considerar a importância do texto de Zilberberg (2004) sobre a mestiçagem. Ao partir do pressuposto de que o sincretismo dá-se gradualmente, tensivamente e, com base na terminologia desse autor no estudo sobre a mestiçagem, que vai da triagem à mistura, da separação à fusão e do bizarro ao tédio, verificamos como o sincretismo, fusão nos termos zilberberguianos, permitiu-nos verificar que o texto verbo-visual do enunciado da capa de Território de bravos é um espaço tensivo em que contrários e contraditórios convocam-se ininterruptamente.

English version of the title: Visual Artistic Element in Cristina Campo's Literary Writings

Abstract: This paper focuses on Cristina Campo's literary oeuvre from a philological perspective but intrinsically interwoven with the domain of visual arts, in recurrent cases where such writings are aimed at representing motifs and topoi of particular value from iconographic standpoint. The presentation therefore involves taking into account comparative context, due to the fact that it seeks to delineate Campo's interpretation of certain Renaissance and Baroque paintings (by Masaccio, Leonardo, Raffaello, Goya), with some interconnections to modernity, as expressed in her body of work. Likewise, the purpose is to individuate common thread in her critical viewpoints on Gubbio Studiolo, or in those on Florentine architectural particularities regarding the influence of the Medici (in thus also referring to Henry James's understanding from which Campo draws inspiration). In addition to exploring compositive principles of her criticism (collection of essays "Under a False Name"), the intention is to underscore thematic convergences with narrative texts bearing an authorial, creative stamp ("The Unforgivable Ones") in which analogue elements occur, as well as intertextual references of this kind in correspondence, wherein she frequently furthers her literary work. Other highlights relate to Campo's lyrical expression reminiscent of similar visual artistic symbology.

L'uso di arte contemporanea nella formazione degli insegnanti è positivo, adeguata e motivante. Proponiamo argomenti che di solito non sono discussi nelle scuole, ma sono legati alle emozioni e alla vita quotidiana degli studenti. «La paura» è un elemento costante nell'arte e nella vita. Affrontiamo questo aspetto del modo pedagogico con l'opera dell'artista Carmen Calvo.

L’articolo si propone di mettere in rilievo ciò che accomuna gli scritti saggistici di Bontempelli sulle arti visive, la cui materia è di natura teorica o critica applicata, alle sue esperienze narrative, traducendosi nella tendenza poetica del realismo magico. Il tessuto connettivo è rappresentato più direttamente dai casi in cui gli espedienti compositivi ed espressivi messi in atto dall’autore si profilano sulla base delle tendenze trasfigurative analoghe della pittura italiana quattrocentesca, nonché in concomitanza con una visuale propria dell’arte moderna di stampo metafisico (De Chirico, Carrà, Martini). Sull’esempio del libro "Appassionata incompetenza", in cui la riflessione estetica bontempelliana attiene direttamente all’ambito della figuratività, si cerca inoltre in particolare di esplorare la motivazione letteraria delle osservazioni, nonché le modalità di trattazione dell'elemento irriducibilmente pittorico o scultoreo. Si nota altresì la poeticizzazione della sostanza visiva, talvolta impregnata di concezioni caratterizzanti la prosa d'arte.

La RizzutoGallery di Palermo ospita una riflessione artistica a più voci sul tema della sessualità, in un momento storico dominato dall’assenza di contatto.
Si chiama "SEXOPHILIA, ottanta disegni e una canzone" la bi-personale di Francesco De Grandi e Daniele Franzella, con la partecipazione di Serena Ganci e Simona Norato, allestita negli spazi della RizzutoGallery a Palermo. Il titolo non lascia spazio all’immaginazione e, in un momento storico di distacco obbligato, in cui anche i piaceri passionali subiscono enormi limitazioni, gli artisti ci accompagnano in un’analisi della sessualità umana dai toni voyeuristici.

Per lo scultore Giacomo Manzù gli anni della Seconda Guerra Mondiale coincidono con un volontario esilio nella cittadina di Clusone, in Val Seriana. Arrivato da Milano, dove negli anni Trenta aveva stretto amicizie con i protagonisti di un’accorta fronda alla cultura di regime (su tutti il gruppo di Corrente), Manzù trovò a Clusone un ambiente adatto al suo carattere schivo, ma al contempo stimolante per la sua ricerca espressiva. Da qui poté anche intrattenere alcune selezionate corrispondenze, utili per comprendere il suo posizionamento nel campo artistico-letterario dell’epoca. Sono quindi lettere le sue scritture del dispatrio, inviate significativamente anche a letterati (Quasimodo, De Libero) ed editori (Scheiwiller, Ballo), interlocutori privilegiati dell’artista.
Attraverso un’analisi di questi documenti, prevalentemente inediti, si proverà a ricostruire la condizione diasporica della comunità artistica di quegli anni, che fece da sfondo a una svolta decisiva nella ricerca scultorea di Manzù. Infatti ha origine qui, nella condizione mobile di un esilio autoimposto e nella disponibilità al dialogo interdisciplinare, la parabola che lo avrebbe condotto a Roma e alla consacrazione come “scultore dei papi”.

The current paper examines significant photography produced by Paolo Monti in
Campania, as the result of a broad relational network instated by the artist beginning in the
1960s.
Monti was a leading exponent of Italian modern photography, with an interest in historical
monuments, including those subject to the law on cultural heritage and landscapes. The
archival records contain numerous negatives, prints, chemigrams and documents that
testify to the artist’s fruitful activities, including the aspect of publications. Monti began as a
passionate amateur photographer, and after meeting a number of Venetian
photographers, critics, historians and gallery owners, with a profound cultural background,
he moved in Milan in 1943. Here he began a professional career. He was open towards
new tendencies, capable of dialoguing with architecture, art and surroundings. He
imprinted each and every picture a personal style and language, making him a true cultural
leader in Italian photography throughout the late 20th century.

La comunicazione si prefigge di porre in rilievo le carte letterarie di Emilio Greco, in particolare di poesia e prosa autobiografica, talvolta dal timbro odeporico, e recanti tracce degli intrecci italianistici intertestuali, che lasciano trapelare le coordinate fondamentali della sua attività artistica moderna appartenente alle più svariate aree (scultorea, grafica, disegnativa), fungendo da ricettacolo creativo che ne mette in risalto gli aspetti inediti. Vengono così dimostrate le modalità strutturali secondo le quali sono implementati in questi testi i commenti ecfrastici in una luce letteraria delle opere d’arte, sia che esse siano iconografiche o architettoniche. Una stilizzazione concettuale pervade gli scritti grechiani, di cui si analizza la prospettiva da cui prende la parola il soggetto letterario, determinando come si costituisce il loro carattere specificamente poetico, con la focalizzazione delle nozioni teoriche e critico-filologiche pertinenti per situarli ulteriormente dal punto di vista del canone. L’attenzione è concentrata altresì sui riferimenti filosofici e mitologici, come anche sulle correnti artistico-estetiche da cui egli si dimostra influenzato. Si mette pure in risalto le lettere grechiane come una forma primaria e diretta della scrittura. L’obiettivo è anche di accrescere le conoscenze sul propulsivo ruolo culturale svolto dalle illustrazioni di Greco dei propri o altrui volumi letterari.

A teacher of Art History in a Dance Conservatoire (Accademia Nazionale di Danza in Rome) and a photographer report about a workshop done with Dance students, named 'Lo sguardo che muove' (The gaze that moves'). Through the observation, and then the physical imitation of the inner dynamics of the statues, students express an 'embodied simulation' which allow them to catch the sense of movement in a single momentum.