Arte Comunitario

El siguiente estudio se enfocó en las prácticas artísticas desarrolladas en el espacio urbano por artistas y gestores culturales que se involucran con la vida social y comunitaria de grupos vulnerables y excluidos. Se estudiaron los proyectos presentados en los “Encuentros de arte urbano y comunitario al zur-ich” (2002-2018); realizados en el sur de Quito-Ecuador; sector de extracción popular, obrera y campesina. Los proyectos artísticos se midieron y analizaron en su aspecto comunicacional y espacial, basándose en las categorías que James Scott encontró en las prácticas políticas de los “dominados”, y relacionándolas con la delimitación espacial que, según Michel de Certeau, produce el relato como relato de viaje. Los resultados dieron cuenta de un espacio urbano “oculto” en lo comunitario, donde sus prácticas, con características estéticas propias, evocan el vínculo existente entre arte y política.

El teatro comunitario es sin duda el fenómeno teatral más importante en la Argentina del siglo XXI. Teatro y estética comunitaria. Miradas desde la filosofía y la política indaga este movimiento desde distintos ángulos y recurriendo a diversas disciplinas. Partiendo de una descripción de este teatro diferente y especial, Lola Proaño Gómez reflexiona sobre el impacto y la modificación que su praxis artística ha causado en los espacios urbano y suburbano. Asimismo, analiza la lógica implícita del movimiento frente a la lógica neoliberal y los procesos de recuperación de la memoria y la subjetividad de integrantes y espectadores. Finalmente, discute el lugar de este producto cultural dentro del arte y su relación con los derechos humanos.

Prácticas artísticas en contextos vulnerables en situación de exclusión social, fue un proyecto de investigación, el cual hizo una aproximación analítica desde el arte a la situación de los contextos vulnerables en el marco de las ciudades globales y el uso de procesos creativos para la visibilización de esa exclusión a la que quedan sometidos. Prácticas artísticas en contextos vulnerables en situación de exclusión social, centra su análisis en el barrio La Coma, Valencia.

DISPUTAR LA CULTURA. ARTE Y TRANSFORMACIÓN SOCIAL. (RGC Ediciones, 2019)
Julieta Infantino (editora)/ Josefina Cingolani / Camila Mercado / Mariana Moyano / Verónica Talellis/ Maia Berzel / Ana Echeverría

Las prácticas, experiencias y políticas arte-transformadoras están cada vez más presentes en el terreno de las políticas culturales. Ya sea en el marco de propuestas autogestivas en manos de colectivos artísticos o desde el ámbito de las políticas públicas, muchos artistas, gestores/as y trabajadores/as culturales trabajan para que el arte sea una herramienta/estrategia de disputa política por la ampliación de derechos. Este libro, organizado en ocho capítulos que atienden tanto problemáticas teórico-metodológicas como casos etnográficos específicos, pretende ser un aporte al reconocimiento y visibilización de las propuestas arte-transformadoras. Desde prácticas que se basan en el circo, el teatro comunitario, la danza, la fotografía o las orquestas juveniles se busca promover el acceso a la cultura y las artes, se cuestionan las jerarquizaciones canónicas de arte, se disputan los circuitos y protagonistas legítimos y hegemónicos de reproducción artística, se impugna el acceso desigual a los derechos culturales y se lucha por la implementación de políticas democráticas y participativas.

La investigación de Julieta Infantino es una valiosa contribución al conocimiento actualizado del amplio género circense en el área metropolitana de Buenos Aires. Recupera así la línea iniciada con los eminentes estudios históricos de Raúl Castagnino y de Beatriz Seibel. Justamente, las prácticas circenses adolecen la falta de estudios sistemáticos, así como un reconocimiento de sus aportes y efectos sociales, quizás por ser consideradas demasiado populares como para engrosar las fuentes de la cultura nacional o impulsar su crecimiento. Esta investigación presenta un análisis complejo, que trasciende la descripción, sucesión anecdótica o simple inventario. Su enfoque no es histórico, aunque sí historiza los últimos treinta años del desarrollo de las artes circenses.

Julieta Infantino nos lleva en esta investigación, a conocer las formas participativas y expresivas que desarrollan los artistas de circo como modos de hacer, ser y resignificar su presente, transformando su arte en vehículo para la acción política, estableciendo relaciones artístico-productivas con otros agentes culturales. De este modo, el análisis avanza desde la propia actividad, proyectos y deseos de los artistas, pero en forma relacional y articulada con las condiciones sociales e históricas, junto con las diversas agencias que también intervienen en el mismo espacio. Poniendo en práctica una profunda etnografía, Infantino nos presenta un cuadro de época, que registra, documenta y nos devuelve una práctica estética, ética y social viva y apasionante.

Este artículo revisa el significado de la expresión arte comunitario, surgida en los años 70, principalmente en EEUU y Gran Bretaña, para describir unas prácticas artísticas que implican la colaboración y participación del público en la obra y un intento de alcanzar una mejora social a través del arte. Se describe el contexto y las ideas artísticas y sociales que le sirven de base, en concreto dos: la importancia del contexto social de la obra y de la implicación del espectador. El arte comunitario evoluciona hacia ámbitos institucionales y educativos en los años posteriores y se convierte también en una referencia para el arte público contemporáneo. Finalmente se describen las principales problemáticas asociadas a las prácticas artísticas colaborativas.

MARZO 2016/  FACULTAD DE BELLAS ARTES. MURCIA

En los últimos años el arte mira cada vez más hacía su función  transformadora  y rehabilitadora del ser y su sociedad, cada vez encontramos más términos que relacionan el arte con la salud y el bienestar social, tales como arte comunitario, desarrollo artístico comunitario, arte social, arte relacional,  Arte-mediación o arteterapia.
Entre ellos hay gran variedad de posibilidades creativas y modos de hacer con el arte una función social  y /o terapéutica.
A través de esta conferencia se pretende analizar el recorrido de las prácticas artísticas colaborativas  hacía la transformación social, definir sus características propias y analizar las congruencias e incongruencias entre las prácticas de Arte mediación y el Arte como terapia.

En este artículo se analizan algunas de las formas en las que el arte se ha ocupado de los problemas de las ciudades en las tres últimas décadas. El arte activista de los años setenta y ochenta en EEUU criticaba las políticas sociales y económicas respecto al problema de la vivienda y la pobreza. Ha existido también un arte que ha desarrollado mecanismos de apropiación creativa de la ciudad basados en la estrategia del juego. Desde mediados de los 90, el arte público ha ido derivando a propuestas que buscan preferentemente la creatividad frente a la denuncia o la crítica. En conexión con los planteamientos de un urbanismo más participativo y de un debate creciente sobre la problemática del espacio público en las ciudades actuales, las prácticas del nuevo arte público o arte comunitario, buscan implicar a la ciudadanía y trabajar con las personas en la resolución de conflictos o en nuevos enfoques creativos que tienen que ver con la dimensión de las interacciones sociales en el espacio público.

En las últimas décadas artistas, trabajadores culturales, educadores, diseñadores de políticas públicas e intelectuales, entre otros, vienen desplegando una varie-dad de propuestas que promueven la transformación social desde los más diver-sos lenguajes artísticos. Orquestas infanto-juveniles, teatros comunitarios, circos sociales, grupos de danza o de artistas visuales y demás experiencias que parten de distintos lenguajes artísticos, los conjugan, colectivizan, territorializan y pro-ponen intervenir en nuestras desiguales sociedades latinoamericanas disputando una resignificación del rol social y político del arte en tanto herramienta/estrate-gia de intervención social y disputa política por la ampliación de derechos. En este trabajo propongo sistematizar algunas líneas de reflexión en relación a los usos sociales y políticos del arte para recorrer procesos históricos, tensiones y disputas que evidencian como los sentidos con los que se connota el potencial transforma-dor, crítico/político del arte no son unívocos y emergen de coyunturas diferenciales así como de intereses y contextos político-ideológicos específicos.

Durante muchas conversaciones antes y después de la pandemia, se establece siempre la reflexión sobre la precariedad cultural, el castigo al sector o la gran dificultad de acceder a recursos e iniciativas sostenibles en el campo cultural. En este pequeño texto trataremos de ofrecer algunos posibles escenarios, a modo de urdimbres donde poder pensar como cultivar, sostener y cuidar un ecosistema sano y rico en las prácticas culturales. Intentaremos por ello recorrer y dialogar con algunos campos teóricos y marcos que desbordan el campo de la cultura, i dialogan con saberes comunitarios, ecología y ecofeminsimos. Muchos de ellos que ya tienen su presencia e influencia en diversas publicaciones sobre desarrollo sostenible, decrecimiento, políticas púbicas. No obstante nuestra mirada pretende hacer un pequeño ejercicio de traducción al campo de las políticas culturales y las prácticas artísticas. Nuestra mirada tratará pues de ser no tanto de diagnosis crítica, sino proactiva, apuntando ciertas rutas y hábitats culturales donde dotarnos de herramientas. Una urdimbre que nos permite precisamente afrontar la pregunta de cómo tejer ecosistemas culturales, en tiempos de la crisis eco-social y comunitaria que nos ha portado la Covid-19

La artificialidad de la vida urbana en la modernidad capitalista y sus contradicciones, entre actores/espectadores, nos ha ido acostumbrado a la violencia, la precariedad y la pasividad política. La severa realidad socioeconómica, la creciente vida administrada, el predeterminado reparto de sensibilidades y una clase política privilegiando reiteradamente a las élites refuerza esa apatía, basada muchas veces en la frustración, impotencia o impunidad que gestionan para expandir la sensación que de nada sirve “actuar”. El campo artístico no está exento de esta desarticulación y fragmentado desaliento. Por ello se indaga cómo y con qué comunidades se articuló este movimiento escultórico gestionado por artistas en Oaxaca con la finalidad de otorgarle un mayor peso a una obra gestada en/con la comunidad. Abriendo, con estas inusuales prácticas artísticas, la posibilidad de intervenir en la historia y actuar, como forma de resistencia, en las teatralidades de la vida moderna.

El taller de expresión artística, del Centro Penitenciario Madrid IV en el municipio de Navalcarnero, es un proyecto de arte comunitario y educación artística realizado por alumnos voluntarios de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Comparte objetivos con las prácticas del voluntariado y la acción social y pretende servir de apoyo a la reeducación e inclusión social de sus participantes. Tras una primera fase piloto se consideró la posibilidad de mantener el taller de forma permanente, estableciendo una segunda fase en cuyo análisis se centrará este artículo.
Diversos estudios demuestran la eficacia de estos proyectos como herramienta de integración social en entornos de exclusión. Cooperar en dicha integración será el objetivo principal del mismo.
Se trata de un proyecto de carácter experimental que continúa aún en marcha, por lo que nos encontramos ante sus primeras experiencias, las cuales servirán para sentar las bases de su futuro desarrollo. Lejos de ser un taller de manualidades al uso, las particularidades del contexto y la falta de recursos, conllevan una constante reconfiguración y adaptación a las circunstancias, por lo que será necesaria cierta experiencia y constancia para obtener un análisis e caz del mismo y obtener  firmes conclusiones.

Apología del horizonte es un proyecto artístico que vincula experiencias de escucha activa de paisaje sonoro con prácticas comunitarias, mediante la implementación de actividades plásticas y didácticas, orientadas a la exploración del horizonte acústico.

La presente investigación hace un análisis del planteamiento conceptual y los procesos vividos durante sus etapas de desarrollo, para definir una nueva estrategia metodológica, proponiendo la formalización del concepto  "comunidades de escucha de paisaje sonoro". Con ellas se propone tornar la acción íntima de percibir activamente nuestro entorno acústico, en un proceso de reflexión y creación colectiva.

2020. “Un viaje del dato a la materia” Ed. Cátedra Cáceres. Buenos Aires ISBN 978-987-86-4355-7
Publicacion del trabajo de Investigacion  Resolución 34/0526/ PIACYT, del Departamento de Investigación y Posgrado de la UNA,  “Un viaje del dato a la materia”

La ciudad de Buenos Aires alberga una rica historia de producción teatral en la que han surgido propuestas de teatro político y popular que se proponían intervenir de diversas formas en el espacio público. Una de estas experiencias es el teatro comunitario, un “teatro de la comunidad, para la comunidad”, nacido en la década de los años ochenta con la apertura democrática.  En este artículo nos proponemos analizar desde una perspectiva antropológica una “actuación cultural” de un grupo de teatro comunitario de la ciudad de Buenos Aires, “Matemurga” de Villa Crespo. Nos interesa indagar en los usos y apropiaciones del espacio público, los recursos expresivos y comunicativos que se utilizan y los sentidos que sus protagonistas construyen. Así, abordaremos algunos aspectos que hacen a las dimensiones políticas de estas expresiones artísticas.

El siguiente estudio se enfocó en las prácticas artísticas desarrolladas en el espacio urbano por artistas y gestores culturales que se involucran con la vida social y comunitaria de grupos vulnerables y excluidos. Se estudiaron los proyectos presentados en los “Encuentros de arte urbano y comunitario al zur-ich” (2002-2018); realizados en el sur de Quito-Ecuador; sector de extracción popular, obrera y campesina. Los proyectos artísticos se midieron y analizaron en su aspecto comunicacional y espacial, basándose en las categorías que James Scott encontró en las prácticas políticas de los “dominados”, y relacionándolas con la delimitación espacial que, según Michel de Certeau, produce el relato como relato de viaje.Los resultados dieron cuenta de un espacio urbano "oculto" en lo comunitario, donde sus prácticas, con características estéticas propias, evocan el vínculo existente entre arte y política.

Este artículo intenta mostrar que el método de producción colectiva y comunitaria con productos de bajo coste para el bien común desarrollado e impulsado por la Bauhaus sigue siendo fundamental para la realización de proyectos creativos comunitarios hoy en día. Yucatech es un proyecto ejecutado por mujeres tejedoras, en México, creado por la artista Amor Muñoz, cuyo objetivo es producir comunitariamente objetos híbridos novedosos, atractivos y de bajo costo con fibra natural del henequén y elementos digitales para el beneficio común.

This article attempts to show that the collective and community production method with low-cost products for the common good developed and promoted by the Bauhaus is still fundamental for the development of community creative projects today. Yucatech is a project developed by women weavers in Mexico created by the artist Amor Muñoz whose objective is to produce community-friendly novel, attractive and low-cost hybrid objects with natural enequén fiber and digital elements for the common benefit

Este artículo presenta una entrevista con Timo Jokela, Decano de la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad de Laponia en Finlandia y director del Departamento de Educación Artística en esa misma Facultad. En la entrevista Timo Jokela habla de las relaciones entre arte, medio ambiente, comunidad y educación partiendo de su propia experiencia como artista y centrado en el contexto finlandés. También sobre los aspectos sociales, culturales, artísticos y educativos que están implícitos en el modelo de educación artística comunitaria que se pone en práctica, como itinerario formativo, en la Universidad de Laponia.

Dispositivo interdisciplinario de intervención territorial en el campo de la salud desde la perspectiva de género, el arte, la política, las humanidades

Propone la creación de un dispositivo interdisciplinario desde el cual producir artísticamente y reflexionar críticamente en torno a las maternidades, el desarrollo y representación histórica del concepto y desnaturalizar el lugar que ocupa la maternidad en su articulación identitaria con la mujer en el imaginario social actual. Se busca habilitar un posicionamiento estético y político, en reconocimiento, y expresión de la propia historia, elaborada en el intercambio con el grupo y a partir de aquellas historias que puedan situarse como colectivas. Desarticular el cúmulo de significaciones simbólicas, sociales y culturales que supone esta construcción conceptual en el tiempo. Es un espacio comunitario para la formulación y creación colectiva en torno a temáticas de género, surgidas como modo de respuesta a la necesidad de un tiempo en el que, a partir de #NiUnaMenos y la Campaña Nacional por la Legalización del Aborto, se visualizan problemáticas que aún no cuentan con la presencia necesaria en las agendas públicas. Articula saberes para ampliar los ámbitos de producción del conocimiento con metodologías que resultan convocantes y posibilitan el empoderamiento subjetivo de aquellxs viviendo situaciones de vulnerabilidad económica o cultural, a quienes se busca incorporar a la trama social y cultural.

reach social improvement through art. It is described in the context of the 70s, and the social and artistic philosophies that it is based on. Particularly two: the importance of the social context of the piece and the involvement of the viewer. Community art evolves towards institutional and educational areas in the following years and becomes a point of reference for contemporary public art. To conclude the main problematic associated to collaborative artistic practices are described.

Consideramos importante dejar huellas de las transformaciones que estamos atravesando, como posibles testigos de procesos vitales y creativos de pérdida de posiciones dominantes y creación de imaginarios “otramente comunitarios”. A lo largo del tiempo la creación compartida se ha revelado la más capaz para resistir y representar una alternativa real a la creación individual que occidente sostiene. Creemos necesario valorar estos procesos capaces de guiar nuestra investigación ya que la subjetividad encarnada necesita continua confrontaciones como en la vida, para poder profundizar cada vez más la búsqueda, verificar su honestidad y averiguar su utilidad y capacidad real de desplazar los imaginarios.
Proponemos por ello, como método de análisis el proceso creativo del trabajo a uncinetto, o sea a ganchillo. El ganchillo ha sido una de esas prácticas pertenecientes al mundo artesanal rural de las mujeres, en nuestro caso es el legado de nuestra niñera. Ella nació en el Polesine (un territorio en la región Véneto entre el rio Po y el rio Adige) cerca del mar Adriático. El ganchillo es un continuo punto de llegada e inicio. Nos permite reanudar, tanto concreta como simbólicamente, los cortes que han habido entre las tres generaciones que antes y después de la Segunda Guerra Mundial se han visto implicadas en los procesos de construcción de lo contemporáneo (tanto desde una perspectiva personal familiar cuanto de una más colectiva, propia del Véneto, nuestro contexto de referencia). Finalmente, nos permite volver a reflexionar sobre la Guerra Fría, el Fascismo y el modelo proto-capitalista veneciano; cerrando así un ciclo que nos vuelve a llevar al capitalismo contemporáneo. El ganchillo, será nuestra metodología en cuanto nos permite desmontar tramas que se nos presentan hechas y re-tejer, con una cierta simultaneidad, cada cosa con un orden y un sentido diferente, no estructurado por las perspectivas ideológicas y económicas, propias del contexto de referencia, sino genealógicas. Por esto la cronología de esta tesis es contraria a las series temporales al uso y termina con el estudio de la Serenissima (la República de Venecia) un ejemplo de organización proto-capitalista que nos devuelve al día de hoy.

RESUMEN El presente artículo propone reflexionar sobre tres prácticas en las que el arte, la educación y la acción social están especialmente presentes: Riborquestra, Basket beat y Espacio mestizo. El objetivo principal es formular un discurso reflexivo que ayude a construir una mirada transferible del proceso artístico comunitario de estas prácticas. Partiendo de una construcción teórica sobre las temáticas de participación, identidad, creatividad y empoderamiento comunitario se analizan y se ponen en diálogo las 3 prácticas objeto de estudio que se caracterizan por aplicar metodologías participativas y de desarrollo cultural comunitario. El presente texto incorpora sus mentores-autores como parte de la acción reflexiva y narrativa. ABSTRACT The present article proposes to reflect on three practices in which art, education and social action are especially present: Riborquestra, Basket beat and Espacio mestizo. The main objective is to formulate a reflective discourse that helps to construct a transferable view of the community artistic process of these practices. Starting from a theoretical construction on the themes participation, identity, creativity and community empowerment, the three practices that are the subject of study that are characterized by applying participatory methodologies and community cultural development are analyzed and put into dialogue. The present text incorporates its mentor-authors as part of the reflexive and narrative action. Riborquestra, basket beat y espacio mestizo: tres buenas prácticas de arte comunitario que trabajan desde la participación, el empoderamiento, la identidad y la creatividad Riborquestra, basket beat and mestizo space: three good community art practices that work from participation, empowerment, identity and creativity

This essay reports on two collaborative projects we carried out in inner city streets and an infant school. We transformed them by using the visual expressive and communicative potential of writing. The central idea was to provide public spaces with meaning by revealing the experiences that arise from citizen interaction with them. In the first project we benefited from sharing the perspectives of children, elderly people and immigrants. Participants in the second project were children aged 3 and 4 years old. Both projects awakened a sense of identity in participants towards public places. The spaces were transformed and acquired identity traits from their inhabitants.

Resumen: La Educación Artística, como herramienta para la integración social, puede funcionar como canal mediador en diferentes contextos para fomentar el pensamiento crítico y localizar lugares de encuentro e intercambio de perspectivas. En España se han desarrollado varios proyectos en los que esta disciplina se ha incluido en los programas educativos de prisiones para contribuir a la reinserción y el enriquecimiento cultural de los internos. En el presente artículo se expone la experiencia del taller de arte en el Centro Penitenciario Madrid IV, prisión ubicada en Navalcarnero, dentro de la Comunidad de Madrid. Esta iniciativa es coordinada por la asociación Solidarios para el Desarrollo, que trabaja dentro de la acción social y comunitaria con el objetivo de crear espacios que propicien el acercamiento socio-cultural. Se abordan en primer lugar los antecedentes existentes, para después profundizar en la actividad desde la primera toma de contacto en la intervención didáctica has...

Globo Rojo, taller de cine para chicos, está destinado a población infantil vulnerada social, económica y culturalmente. Desde el 2012 se desarrolla en la Casa del Niño “Refugio del Ángel”, que ofrece acompañamiento escolar y alimenticio a pequeños de Tolosa y cercanías, como El Mercadito. Los chicos aprenden a realizar integralmente obras audiovisuales, al tiempo que establecen estrategias de trabajo colectivo. Esta actividad lúdica les permite expandir su horizonte simbólico y cognitivo; elaborar modos de nombrarse, recrearse y fortalecer la autoestima. Focalizamos en el proceso pedagógico-creativo, la escucha atenta sobre sus intereses y dificultades, entendiendo el valor de crear, transformar y hacerlo con otros; asociado a un cambio fundamental: el paso de espectadores a realizadores. Pese a su relevancia en la cultura actual: Globo Rojo es su único contacto con la realización artística audiovisual. En el 2018 el objetivo es crear un mapa interactivo del barrio con entrevistas, retratos y relatos (propios a familiares, vecinos, referentes barriales, colectivos culturales) producidos por los pequeños cineastas, articulado con la reflexión crítica sobre sus derechos. Este proyecto permite tejer lazos entre ellos y la comunidad, y efectiviza el Art.4º /Ley Nº13.29 de promoción de sus derechos.

Durante el año 2000, el Instituto Nacional del Teatro (INT) lanza el Programa de Fomento a la Actividad Teatral, cuyo alcance se extendió a diversas localidades del interior de las provincias argentinas. Con él se propiciaba no sólo la formación teatral destinada a los elencos
vocacionales, sino que se convertía en una oportunidad inédita para que diferentes vecinos de las localidades remotas accediesen a una forma de capacitación en lo teatral, orientados por un docente experimentado.
En la provincia de Formosa, el Programa favoreció la formación de elencos de vecinos en diversas localidades. Ninguno de ellos perduraría al paso de los años, exceptuando el grupo comunitario conformado
en Villa Escolar (100 km al sur de Formosa). 'Ohú Chey Chalocué', con el acompañamiento y capacitación a cargo del profesor Eduardo Contreras se desarrolló durante seis años (2000-2006) y fue el primer elenco de teatro comunitario de mayor duración y trascendencia en esa provincia.
En el presente trabajo, que se enmarca en el proyecto de investigación «El teatro comunitario en Formosa en la era postneolibreal» ( con beca otorgada por el Fondo Nacional de las Artes), analizaremos sucintamente el proceso de creación y puesta en escena del drama simbolista El nudo (2004).