Analisi musicale

Prima o poi ogni compositore finisce per cimentarsi nella musica per bambini. I piccoli, siano essi esecutori o spettatori, hanno ispirato moltissimo repertorio che, lungi dal soddisfare soltanto un intento didattico, è diventato patrimonio delle sale da concerto e degli interpreti più acclamati. Talvolta può capitare che, per il pubblico medio, un compositore si identifichi pressoché unicamente con una composizione per bambini: è il caso eclatante di Sergei Prokofiev, il cui Pierino e il lupo tutti abbiamo ascoltato almeno una volta nella vita.
Potrebbe stupire il fatto che anche nel turbolento secondo dopoguerra, periodo di forti e contrastanti sperimentazioni in campo musicale, si sia ricavato spazio da dedicare ai più piccoli. E potrebbe stupire che a comporre un brano ispirato alla tradizione della favola musicale sia stato proprio uno dei massimi sperimentatori del secondo Novecento, Luciano Berio.

Cipriani A., (vers. 2016) "Verso una tradizione elettroacustica? Appunti per una ricerca" in Musica/Realtà N°49 Marzo 1996 LIM Lucca  - Versione riveduta e aggiornata, 2016

In questo articolo viene delineata, nei suoi aspetti principali, un'ipotesi di esistenza di una nuova tradizione basata sulle tecnologie elettroniche, la quale si sovrappone alla tradizione orale e a quella scritta e ne influenza gli sviluppi. Si cerca di dimostrare che questa nuova tradizione, definita elettroacustica, porta con sé modificazioni nella trasmissione del repertorio, nell'ascolto, nel contesto, nella composizione e nell'esecuzione che stanno determinando un mutamento nel pensiero e nell'espressione musicale pari a quello che ebbe luogo nella vita musicale europea con l'avvento della tradizione scritta. Alcuni anni dopo la prima pubblicazione di questo articolo per l’ICMC95, François Delalande ha espanso i concetti riguardanti la tradizione elettroacustica
nel libro Le son des musiques, entre technologie et esthétique (Delalande 2000) e nell’articolo ”Il Paradigma elettroacustico” (Delalande 2001), ma molti aspetti di questo tema vanno continuamente aggiornati. Questo articolo, la cui prima versione fu pubblicata negli atti dell’International Computer Music Conference nel 1995 (Cipriani 1995), è stato ora aggiornato a causa degli enormi mutamenti intervenuti in questi ultimi dieci anni.

Seconda edizione, 2018.

Il presente lavoro si propone in primo luogo di organizzare lo spazio sonoro temperato in base alle varie possibilità di disporre le altezze al suo interno, indagandone successivamente le principali proprietà combinatorie. I processi che regolano la costituzione delle varie combinazioni sono espressi attraverso semplici formule aritmetiche che, accompagnate da esempi elementari, risultano di facile applicazione. Se alla base della trattazione vi è una serie molto ricca e variegata di sollecitazioni, molto numerosi sono anche i concetti e le elaborazioni del tutto nuovi e molto ampio il corredo di esempi originali. In questa prospettiva si colloca la classificazione di tutti gli insiemi, in una serie di tavole che riassumono e sintetizzano le proposte di tredici fra i maggiori ricercatori teorici di differenti estrazioni geografiche e culturali (Babbit, Busoni, Costère, Forte, Hauer, Martino, Mazzola, Perle, Pinos, Rahn, Solomon, Simbriger, Starr). L’ampia parte teorica è seguita da un breve capitolo che esemplifica alcune possibili applicazioni pratiche, basate sui concetti sviluppati nella prima parte, mentre la sezione storica approfondisce alcuni aspetti propri delle numerose teorie sulla classificazione degli accordi. Nella sezione storica ampio spazio è dedicato anche ai compositori della scuola russa e ucraina del primo Novecento, che svilupparono tecniche compositive di tipo seriale e dodecafonico del tutto indipendenti dall’Occidente. All’intero della grande varietà degli insiemi teoricamente possibili, quelli simmetrici per trasposizione hanno conosciuto una grande diffusione nell’opera dei compositori del XX secolo. In questa prospettiva, l’ampia sezione seguente, corredata di numerosi esempi, è dedicata all’analisi approfondita di queste particolari forme di aggregazione. Il testo non va letto necessariamente seguendo la successione della trattazione; temi accennati nella parte teorica vengono spesso approfonditi nella parte storica e viceversa, per cui il lettore è invitato a scegliere i percorsi che preferisce.

Primo numero della collana del Conservatorio di Musica «Fausto Torrefranca» di Vibo Valentia dedicata all’approfondimento teorico-analitico, a cura di Domenico Giannetta

Sommario:
Domenico Giannetta, Breve guida per l’analisi della musica post-tonale;
Maria D'Agostino, Simmetria ed equilibrio nel Quaderno musicale di Annalibera;
Luigi Sassone, Procedimenti seriali in The Turn of the Screw di Benjamin Britten;
Alberto Capuano, La «bellezza dell’incompleto» in Rain Tree Sketch II di Toru Takemitsu;
Marco Ginese, Uno sguardo sul mondo sonoro di Claude Debussy;
Dario Callà, Viaggio nella musica di Stravinskij;
Domenico Giannetta, Il primo libro dei Préludes di Claude Debussy: tonalità ed interferenze modali.

info: https://consvv.it/edizioni-del-conservatorio/quaderni-di-analisi
sfoglia il volume in formato digitale: www.domenicogiannetta.it/flip-pdf/Quaderni-di-analisi-1/mobile/index.html

Analisi de "La fabbrica Illuminata" di Luigi Nono, con un'introduzione alla situazione storico-culturale legata all'autore. Tesina per l'esame del corso di Storia e analisi del repertorio elettroacustico, tenuto da Marco Ligabue presso il Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze.

La singolarità di "Fratres" del compositore estone Arvo Pärt risiede nell'estremo rigore costruttivo che restituisce all'ascolto un risultato quasi ascetico di purezza. Questa analisi si propone di spiegare la regola costruttiva e di fornire un'introduzione alla tecnica tintinnabuli adoperata dal compositore.

Starting from the two structural typologies elaborated by W. Fischer, Liedform and Fortspinnungform, the essay undertakes a broad theoretical investigation into the way in which musical thought has been organized in tonal Age.
Using musical Analysis as a support of its claims, the work deals mainly with those eighteenth-century treatises in which the tonal structures become refined temporal constructions.
The essay concludes with a reflection on some aspects of A. B. Marx's theoretical framework, which shows, in a panorama depicted with nearly existential shades, the inadequacy of the present functionalism and points out the importance of keeping an open attitude towards the “world” of meanings.

Starting from the two structural typologies elaborated by W. Fischer, Liedform and Fortspinnungform, the essay undertakes a broad theoretical investigation into the way in which musical thought has been organized in tonal Age. Using musical Analysis as a support of its claims, the work deals mainly with those eighteenth-century treatises in which the tonal structures become refined temporal constructions. The essay concludes with a reflection on some aspects of A. B. Marx's theoretical framework, which shows, in a panorama depicted with nearly existential shades, the inadequacy of the present functionalism and points out the importance of keeping an open attitude towards the “world” of meanings.

Questo saggio prende in esame Lumen di Franco Donatoni, e attraverso vari metodi analitici enuclea i processi compositivi completi. Ne risulta una composizione molto coerente, basata su procedimenti di riscrittura delle sezioni di cui è composta, teleologicamente condotti verso il culmine della forma. In finale il confronto con il materiale inedito di Dallapiccola da cui Donatoni ha preso avvio per comporre Lumen, e un'ipotesi di paragone tra il Nostro e i suoi contemporanei.

This paper examines Lumen by Franco Donatoni, elucidating the whole compositional process through various analytical methods. The analysis highlights a very consistent work, based on procedures of rewriting, driven in a teleological way to the culmination point of the composition. In the final part a comparison with Dallapiccola’s autograph materials Donatoni referred is developed, as well as a concise compare with the main coeval composers.

Ho cercato in questa analisi di mettere in rilievo alcune questioni fonda- mentali riguardanti la genesi, il metodo compositivo e la forma del pezzo. Una analisi di Kontakte è incompleta se non comprende anche la conside- razione di aspetti legati alla sua "ontogenesi" per quanto quest'ultima non sia descrivibile in maniera precisa dal punto di vista cronologico e, per così dire, "epigenetico". Un aspetto che ho trovato estremamente stimolante è che la non-linearità della genesi di Kontakte, anche in relazione alle metodologie compositive, si "proietta" sulla sua forma: anche dall'analisi risulta una poliedricità all'intemo del lavoro che fa pensare che i contatti nel pezzo non riguardano soltanto «il rapporto fra gruppi di suono elettronici e strumentali, o fra determinati momenti autonomi e caratteristici e forme di movimento spaziale)) [Stockhausen 1992, 174] come affermò Stockhausen, ma sono anche contatti tra esperienze compositive diversissime, (influsso del serialismo, del carattere sperimentale della ricerca, degli aspetti di aleatorietà legati al lavoro in studio, influsso della tradizione per quello che riguarda alcune scelte formali e di articolazione, quello dell'improvvisazione e dell'idea di Momentform maggiormente riscontrabili nella versione per strumenti e nastro) i quali trovano una sintesi relativamente incompleta, problematica, ma anche a tratti geniale ed estremamente stimolante per un'epoca come la nostra che deve fare i conti con il problema della pluralità dei linguaggi e delle estetiche. La metodologia usata in questa analisi è in qualche modo plasmata sulla superficie accidentata del percorso del pezzo stesso. Il fatto di aver accolto confronti fra diverse categorie e direttrici analitiche non ha significato rinunciare ad un modello che, nel suo rapporto con il concetto di "ontogenesi", si è ri- velato in un certo senso unitario e non-lineare allo stesso tempo, un mo-
dello di "ambiente analitico" (più che di un metodo unico), che contenesse punti di "contatto" con il pezzo e la sua storia e potesse svelare alcuni tratti della sua irriducibile complessità.

I tre brani pubblicati nel 1914 da Webern rispecchiano una mentalità e capacità musicale in grado di realizzare in un breve lasso di tempo delle immagini, dei timbri e dei gesti oltre la singola notazione, permettendo un sinuoso gioco dinamico e armonico. È qui brevemente analizzato il terzo brano dell'Op.11, tenendo conto del contesto(ovvero gli altri due brani) in cui è inserito.

La forma della Bagatella, classicamente caratterizzata da brevit…, leggerezza espressiva e semplice struttura, † stata coltivata in passato da musicisti quali Beethoven e Bart ‡k. Con Webern questa forma acquistˆ una maggiore penetrazione espressiva, non esente da sottilissimi richiami strutturali. Anche in Ligeti, sotto un'apparenza di semplicit… e spontaneit…, si celano rapporti foormali e collegamenti ben precisi. Del resto, come lo stesso compositore afferma, il suo modo di scrivere e concepire la musica riconosce un'influenza particolare al Štipo di pensiero che si forma intorno al computer: un pensiero strutturato a differenti livelli di astrazione, un pensiero che si manifesta in segnali‹. Le Sechs Bagatellen per quintetto di fiati nascono dalla trascrizione di alcuni momenti di Musica Ricercata dello stesso autore, composti negli anni '51-'53. Secondo quanto ci dice Ligeti 2 , vivendo in completo isolamento dal resto dell'Europa e con un'importante presenza musicale alle spalle quale quella di Bart ‡k, le vie aperte ad un nuovo modo di comporre erano assai ardue. Proprio nell'opera per pianoforte egli, ponendo cartesianamente ogni cosa in dubbio, si era chiesto che cosa poteva fare usando una sola nota, poi due, tre, quattro, sino al totale cromatico del movimento finale di Musica Ricercata. Ovviamente, tracce di un simile procedimento rimangono anche bnelle Bagatelle, che riprendono appunto i movimenti 2, 3, 5, 7, 8, 9 e 10. In sostanza, si ha quanto segue:

Cosa crea l'artista? Forme e spazi! Ma come li crea? Scegliendo proporzioni…" (Paul Klee 1905) Questo saggio nasce da un'analisi statistico-strutturale, la cui metodologia è stata desunta da un tipo di indagine di natura linguistica, applicata alla lirica, alla quale riteniamo opportuno accennare brevemente. Questo tipo di investigazione, collegando parole il cui significante è in relazione fonica, ottiene insiemi di vocaboli dalle cui aree semantiche è possibile risalire al "semachiave". Questo frequentemente è rappresentato dal titolo stesso della lirica e indica la motivazione profonda alla radice della quale va ricondotta la stesura del testo.

Neo-Remannian theory is a new paradigm of thinking and listening to music, born not more than thirty years ago, which studies what has been called a Second Practice of tonality. The book proposes, for the first time in Italy, a broad discussion on this theme along two lines: music presents numerous layers of coherence, each of which requires a specific analytical perspective; neo-Remannian theory thematizes logical-formal procedures that can also be found in post-tonal music. On this basis the author suggests a series of unusual analytical perspectives on a wide repertoire that from the nineteenth century reaches the first years of the new century.

La teoria neo–riemanniana è un nuovo paradigma di pensiero e di ascolto della musica, nato da non più di trent’anni, che studia ciò che è stata chiamata una Seconda Pratica della tonalità. Il libro propone, per la prima volta in Italia, un’ampia discussione su questo tema lungo due direttrici: la musica presenta numerosi strati di coerenza, ciascuno dei quali richiede una specifica prospettiva analitica; la teoria neo–riemanniana tematizza procedimenti logico–formali che possono ritrovarsi anche nella musica post–tonale. Su queste basi l’autore sollecita una serie di prospettive analitiche inconsuete su un ampio repertorio che dall’Ottocento raggiunge i primi anni del nuovo secolo.

Six Chilean music theory instructors participated in an anonymous survey applied over an online platform between April and October of 2017. These instructors were invited to participate in this study because of their role in teaching music theory at influential institutions, each of which is ranked among the top ten best universities in Chile. The questions included in the survey relate to the terminology used to refer to music elements upon which current American music theory textbooks consistently agree, and that are usually taught during the first two years of undergraduate studies in accredited American music schools: types of cadences, periods, sentences, types of 6/4 chords, augmented sixth chords, tonicization, modulation, binary form, and the exposition of the sonata form.
Music theory terminology and its standardization facilitates the communication of the participants of the domain, as well as the transmission of knowledge and practice of the field. This characteristic of music terminology is an essential pedagogical tool for the training of musicians, especially undergraduate students. In order to evaluate and compare the level of standardization of music theory terminology used by Chilean instructors, this research will first assess the level of standardization of seven American music theory textbooks, and one British textbook.

Breve trattato redatto con l’intento di offrire una sintesi chiara degli argomenti fondamentali che riguardano la conoscenza ed il concatenamento degli accordi, seguendo i concetti cardine dello studio dell’armonia tonale-funzionale e ponendo l’accento sul concetto di “relazione”. La presente sintesi, contenendo anche alcuni fondamenti di ritmica e di analisi, può essere utile come supporto alle lezioni di Teoria e Tecnica dell’Armonia nei Conservatori e Istituti Musicali (COTP/01), ma può essere anche impiegata come introduzione nei corsi di fondamenti di composizione, direzione d’orchestra e musica applicata alle immagini.
Con una breve prefazione del M° Angelo Bruzzese.

Analisi di "Terre d'Ombre" di Tristan Murail, con un'introduzione storica alla musica spettrale. Tesina realizzata per l'esame del corso di Storia e analisi del repertorio elettroacustico, tenuto da Marco Ligabue, presso il Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze.

[ITA] Il saggio indaga sui caratteri stilistici di alcune composizioni di musicisti del secolo appena trascorso (Stravinskij, Ligeti, Schnittke, Nono e Berio), mettendole in relazione con la tradizione al fine di evidenziare il processo continuo di rimandi, acquisizioni e, nel contempo, voluta lontananza dai modelli in direzione di un rapporto creativo e positivo con il passato.
[ENG] The essay explores the stylistic features of some compositions by composers of the past century (Stravinskij, Ligeti, Schnittke, Nono and Berio), investigating their relationship with tradition. The purpose is to underline the constant process of references, acquisitions, and, at the same time, intentional detachment from the traditional models towards a creative and positive relationship with the past.

È possibile classificare la composizione algoritmica secondo un approccio costruttivo o dichiarativo. L’analisi musicale assistita dal computer può essere distinta in modo analogo, a seconda che l’elaboratore elettronico sia principalmente utilizzato per verificare elementi musicali e fornire/costruire tabelle o altro materiale di consultazione utile all’indagine, oppure conduca esso stesso un’analisi musicale completa. Nel corso della storia troviamo esempi dell’uno e dell’altro approccio, ma solo in casi relativamente sporadici abbiamo il computer ad effettuare per intero l’indagine, o l’implementazione dei metodi tradizionali di analisi musicale, così come praticati dai musicisti. Di frequente poi i risultati analitici non sono di immediata leggibilità secondo le procedure classiche di analisi della musica. In questo contesto PWGL può svolgere un ruolo efficace, principalmente sfruttando le sue caratteristiche di programmabilità e le sue possibilit`a di contrassegnare in maniera opportuna la partitura. Dopo una sintetica e necessariamente incompleta rassegna su esperienze pregresse, si propongono alcune implementazioni in PWGL concernenti l’analisi statistica, insiemistica, motivica e armonico-funzionale. In conclusione qualche considerazione sull’opportunità e il vantaggio di usare PWGL in un contesto analitico didattico e professionale.

Questa bibliografia ragionata, che potrà essere sviluppata e ampliata in futuro, sintetizza quegli articoli dai quali si è ritenuto di poter evincere informazioni sul modo di comporre di Scelsi, ossia quegli articoli contenenti un'indagine che individua elementi compositivi che possano essere considerati ricorrenti, qualora si faccia riferimento alla totalità della sua produzione.
Si noterà che alcuni degli scritti sintetizzati non presentano l'applicazione di una metodologia analitica particolare. In essi viene utilizzato solo il confronto tra varie partiture, spesso destinate ad uno stesso strumento solista/organico strumentale; ciò nonostante è possibile individuare dalla loro lettura costanti tecnico/compositive. Di questa tipologia di contributi sono presi in considerazione solo i lavori che mostrano una maggior coerenza nella definizione di tali costanti, utili quindi a estenderle ad un maggior numero di opere.
Infine, la trattazione non prende in considerazione gli articoli relativi ai lavori comprendenti l'uso di mezzi elettronici, ma solo alla produzione puramente vocale e strumentale e, accanto a questi, sono esclusi gli scritti musicologici dedicati in toto agli aspetti filosofico/religiosi alla base dell'attività creativa di Scelsi, nei quali si hanno solo dei brevi accenni ad aspetti prettamente "tecnici".

Università della Calabria - UNICAL: Master di I livello in Analisi e Teoria Musicale (a.a. 2018/2019).
In collaborazione con G.A.T.M. Gruppo Analisi e Teoria Musicale, Fondazione Istituto Liszt, Università La Sapienza, Fondazione Isabella Scelsi.

ROBERTO AGOSTINI-LUCA MARCONI "Here, There And In Between": parole e musica nella prima fase del progressive rock britannico 0. Premessa Il contributo di questo scritto agli atti del convegno "Composizione e sperimentazione nel rock britannico: 1966-1976" consiste nell'affrontare la relazione tra le parole e la musica in due album dei più importanti gruppi del progressive rock inglese pubblicati tra il 1969 e il 1970: In The Court Of The Crimson King dei King Crimson e The Aerosol Grey Machine dei Van der Graaf Generator. Per ogni gruppo ci si concentrerà su una canzone particolarmente esemplificativa della relazione tra le parole e la musica della raccolta studiata. Per inquadrare adeguatamente il brano scelto nell'album nel quale compare, è risultato ogni volta indispensabile presentare alcune considerazioni sulle parole cantate in tale raccolta. 1 Le nostre analisi cercheranno di individuare nel testo verbale o musicale di volta in volta considerato ciò che Eco (1979, 1990) chiama "intentio operis", che può non coincidere con l'intenzione dell'"autore empirico", cioè del soggetto in carne e ossa che ha ideato tale testo, ma che consiste invece in una serie di inviti che l' "autore modello" inferibile analizzandolo rivolge al proprio "fruitore modello". 2

Cosa ne rimane dopo l’ascolto, nel dileguarsi dell’immagine che la memoria cerca di trattenere? La «cosa», il «ciò» che permane dell’esperienza musicale e si anonimizza in un ne, è l’indomito senso, disseminato attorno ad ogni stazione del cammino compositivo di Franco Donatoni. Nel mettersi sulle sue tracce, lungo il tratto che in particolare si articola tra l’anno del «dono» costituito dall’ascolto sorgivo del quarto Quartetto di Bartók (1949) e l’atto autosacrificale che fu la scrittura di To Earle two (1972), il pensiero deve anch’esso incamminarsi, abbandonando ogni porto sicuro. Partecipare a quel carattere spaesante e labirintico, alla sua facoltà mimetica di attestarsi ogni volta in una configurazione di stilemi e grammatiche da attraversare e risedimentare. E porre in questione, come non mai, la «questità» della cosa stessa. Nell’ogni volta unica in cui si occasiona, la musica di Donatoni si svicola infatti insieme come ulteriorità e scarto linguistico. Lontana da ogni esoterica, la prassi di questa personale «opera al nero» si rivela come una trasmutazione sempre in atto, spinozianamente tesa alla sperimentazione del far-si capace di un corpo, di «cosa» può essere capace un corpo. Il rapporto tra corpo e cosa, raccolto attorno alla nozione, assolutamente centrale in quegli anni, di materiale, messo a fuoco entro la quadruplice dimensione ascolto/essere ascoltato, attesa/attenzione, si trova calato entro una dimensione esistenzialmente, irreversibilmente scenica. Entro questo chiasma, è data la possibilità dell’aprirsi di due prospettive: un’etica della vita activa, condotta nella pratica inesausta di attenzione all’evento sonoro, alla sua evenienza di dono. E un’estetica gnoseologica, in cui giudizio e analisi, lungi dal contornare la «cosa» e stabilirne l’apparenza, ne raccolgono l’attributo di actuositas, la sua attesa di un ulteriore senso ad-venire.

Over the last two decades, scholars started investigating the figure of Schenker within the wide cultural horizons of the turn-of-the-century central Europe. Following their footsteps, this book considers the full range of cultural and musical issues in Schenker’s interpretation of Chopin, in particular it investigates the path by which Schenker ended up considering Chopin as a German composer – a master in the art of diminution – which constitutes a very important chapter in the wider discourse of Chopin’s reception.
Divided in five chapters, after an introduction to Schenker’s working material preserved in the Oster Collection at the New York Public Library, the book contextualises Schenker’s critique of Chopin’s reception across the nineteenth and twentieth centuries against the backdrop of music criticism and aspects of gender in fin de siècle Vienna. It then follows Schenker’s investigation of the music of Chopin through his harmony and counterpoint treatises and through a series of working materials from the Oster Collection: the Preludes op. 28, the last movement from the Sonata op. 35, the Scherzo op. 31.
By bringing together analytical rigour and a broad cultural vision, this book will be a highly valuable addition to the understanding of both Schenker and Chopin.

L'obiettivo di questo studio è indagare alcuni elementi strutturali del pensiero estetico-filosofico di Richard Wagner e del suo Ring des Nibelungen al fine di rintracciarvi un paradosso cruciale e costante, comune alla gran parte dell'orizzonte wagneriano: quello di una radicale istanza messianico-escatologica - espressa principalmente dai concetti di "redenzione" e di "puramente umano" - contraddetta al suo interno da un'istanza opposta, che si può esprimere nell'idea di un riassorbimento mitico-pagano del mondo nel suo Principio originario. Dal punto di vista estetico, questo paradosso si evince dal connotato politico-rivoluzionario e soteriologico attribuito al dramma dell'avvenire, compromesso da una sostanziale "metafisica dell'espressione" che pretende di riassumere (e riassorbire) in sé l'intera esperienza dell'arte greco-occidentale nella forma esclusiva del rito mito-poietico e musicale. Nella Tetralogia ugualmente, l'elemento messianico incarnato dalla stirpe dei Wälsungen - e in particolare da Siegfried e Brünnhilde - finisce ad ultimo per rovesciarsi in un puro adempimento del destino cosmico già prescritto, corrispondente ad un totale ritorno dell'elemento verticale-maschile (rappresentato da Wotan) nel grembo ciclico e oscuro della terra (incarnato da Erda e dalle Norne). La stessa dinamica leitmotivica e musicale del Ring riflette questo processo di ciclizzazione e saturazione progressiva di tutti gli archetipi (poetici e musicali) di tipo lineare, affermativo e diatonico. Con un breve excursus finale sul Parsifal e sulla visione politico-antropologica di Wagner, si mostra infine come l'escatologia rovesciata (ossia strutturalmente impossibilitata) rappresenti il nodo ultimo, mai veramente disciolto, dell'immensa figura del drammaturgo tedesco.

Articles:
Editoriale:
Ilario Meandri, Guido Raschieri: "Febo Guizzi in memoriam".

Ricercari:
Jan Wessel: "Divine Air. Johann Nikolaus Forkel’s (1749-1818) Justification of Church Music".

Fabio De Sanctis De Benedictis: "Figura, processo e articolazione parametrica in Lumen di Franco Donatoni".

Variazioni:
Vadim Keylin: "Unauthored Music and Ready-Made Landscapes: Aeolian Sound Sculpture".

PUBLISHED ABSTRACT:

Grilli, Mariachiara. “Studio delle possibilità combinatorie e metamorfiche di un tema: la Toccata di Petrassi come sintesi esemplare di tradizione e modernità.” - Abstract of the paper presented at the VIII Convegno di Analisi e Teoria Musicale (4-5-6/11/2010). Analitica, Rivista Online di Studi Musicali/Online Journal of Musical Studies, vol. 5 (2008):12-26. Issued November 2010.
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Il XVI Convegno Internazionale di Analisi e Teoria Musicale si è realizzato in collaborazione con le riviste Analitica e Rivista di Analisi e Teoria Musicale, con l'Istituto di Alta Formazione Artistica e Musicale "G. Lettimi" e con la Sagra Musicale Malatestiana. Per quest'anno il Comitato Scientifico del Convegno ha organizzato nove Sessioni di studio, una Sessione tematica, una Sessione speciale con l'intervento di analisti e interpreti musicali e due Tavole Rotonde. Mentre le Sessioni di studio riguardano le musiche e i repertori della tradizione occidentale, colta e popular, dal Rinascimento al Novecento, la Sessione tematica sarà dedicata alla musica per film. Le due Tavole Rotonde conclusive si concentrano su due temi di ricerca molto importanti: la prima è sulle metodologie e le caratteristiche specifiche del nuovo settore della Ricerca Artistica; la seconda, a conclusione del Convegno, riguarda invece la produzione di Hans Werner Henze, in stretto collegamento con le attività promosse e realizzate dalla Sagra Malatestiana. Il Convegno si rivolge in particolare a musicologi, interpreti, storici e studiosi della musica, docenti di scuole, università e conservatori italiani e stranieri interessati ai temi della teoria, dell'analisi e della storia dello stile musicale.

La collocazione storica di ...sofferte onde serene... nel quadro della musica del Novecento è quella di un capolavoro che per novità e valenza di significato ha contribuito a gettare un ponte tra passato e futuro circa le nuove possibilità espressive del pianoforte. Il lavoro si propone di rendere manifeste le simmetrie costruttive interne al brano sgombrando il campo da presunte "suggestioni sonore"