Proyecto "Miradas Públicas"

Este es un texto aparecido hoy en la prensa local (Diario de Ferrol):

"Miradas Públicas acerca el arte de vanguardia a la calle

Redacción - Ferrol


Estos días se ha puesto en marcha una interesante iniciativa para artistas emergentes de nuestra ciudad, gracias al patrocinio de la Fundación Arte+Parte y el Concello de Ferrol.

"Miradas Públicas" utiliza las calles para buscar la complicidad del viandante. Arte contemporáneo al alcance del ciudadano de a pie en estos tiempos de crisis. Una iniciativa que aprovecha locales desocupados para ofrecer un escaparate "diferente".

Son las propuestas de siete artistas gallegos vinculados con nuestra ciudad: Antonio E., Bibiana Xun, Xabier Rosto, Almudena Collado, "Frasquiño", Pedro Olaviña y Jon Eduard.

Todas las intervenciones tienen en común el ambiguo juego con el espectador respecto a la naturaleza de la vitrina: ¿obra o negocio? Las piezas se cuestionan así el arte contemporáneo generando un debate en torno a la doble naturaleza del arte como producto cultural o pura especulación para el consumo. Para ello se presentan precisamente en lo que anteriormente fueron escaparates de negocios.

La pieza de Antonio E. simula ser un escaparate de lámparas de cualquier tienda de decoración. Muy cerca, Bibiana Xun utiliza neones y letras pegadas sobre el cristal del escaparate para jugar con el espectador, invitándolo a entrar a una inexistente oficina de la Xunta. Otras obras utilizan novedosos medios, como pantallas de vídeo, fluidos corporales, leds al final de cables colgados del techo o incluso fotografías médicas ampliadas de genitales masculinos y femeninos con enfermedades venéreas, que denuncian el uso de imágenes escabrosas para la venta de productos.

En siete calles céntricas ferrolanas pueden admirarse hasta finales de Marzo los trabajos de estos jóvenes talentos, seleccionados por el prestigioso comisario David Lama."

Os pongo aquí dos fotos -perdón, tuve que hacerlas con el móvil- de precisamente las dos obras mencionadas, que de no haber leído la noticia, me parecerían simples escaparates. ¡Ver para creer!

Por ahora no he visto las otras "obras" que menciona el periódico, pero
os puedo decir que desde luego, en el caso de estas dos, nadie se
enteraba de que era "arte".

Miedo me da pensar en eso de las fotos de genitales y los "fluidos corporales". ¡Maldita "transgresión"!

¿Por qué se vende un cuadro?

Cuando montas una exposición, la gente suele hablar de qué cuadros son los más bonitos o feos... pero también los hay que dicen qué cuadros son mejores o peores. Es lógico, sobre gustos no hay nada escrito.

En general la gente acepta que sus gustos son personales, que lo que a ellos les encanta a otro puede dejarlo frío.

Pero si hay algo en lo que todo el mundo está de acuerdo es en que saben cuáles son los cuadros más "vendibles", más "comerciales".

Pues bien. Desde que Carmen y yo pintamos (y vendemos), si hay algo de lo que estamos convencidos es de que no hay cuadros más comerciales que otros.

Es más, desde que utilizamos nuestro local (al que os invito a venir, c/Sol, 11, Ferrol) para exponer y vender cuadros sobre todo, estamos cada vez más sorprendidos de la enorme disparidad de criterios de los diferentes compradores.

A Carmen siempre le han dicho, con la mejor de las intenciones, que pinte paisajes, y pequeños, porque eso es "lo más vendible". Aunque esto solucionaría bastantes problemas de traslado y almacenaje, curiosamente, los cuadros grandes, y los temas extraños, como cafeteras sobre una mesa, desnudos acostados, trenes en la Estación por la noche, o hasta animales en formol, los vende con igual facilidad. Incluso, el cuadro que le repele a un cliente, enamora al siguiente. Hasta algunos cuadros que suelen recibir el cariñoso comentario de "eso no lo vendes en la vida" son muy apreciados por gente que llega por nuestro estudio.

A mí me ocurrió hace unos meses algo parecido. Llevé a una casa rural (el Pazo de Larache) unos cuadros de desnudo, y entre ellos un cuadrito de una calavera. Ángeles, nuestra amiga y marchante en Larache, me explicó que podía llevarme de vuelta la calavera porque no se vendería. Me pareció bien, y la traje a Ferrol. Pues bien: al poco tiempo la propia Ángeles me llamó por teléfono para que enviase un paquete con la calavera a un cliente suyo. Ambos nos reímos un buen rato.

Está claro que aún así hay cierta lógica cuando alguien cree que no se va a vender un cuadro. En el caso de nuestra amiga, seguramente ella no sabría qué decir para vender el cuadro de la calavera. A mí, por ejemplo, cuando vendo cuadros de Carmen, hay algunos que me gustan más que otros. Poco a poco intento que no se me note, porque los gustos de los clientes son de lo más variopinto. Pero evidentemente sé defender mejor un cuadro que me encanta que otro que no me dice demasiado.

Por otra parte, no es fácil saber qué cuadro le gustará a cada persona. Hay un gusto diferente en cada cliente, pero también hay varios tipos de clientes:

El que se enamora de un cuadro. Son nuestros favoritos. Clientes empeñados en un cuadro que lleva días o meses llamándoles la atención. Además, suelen enamorarse de los cuadros que a nosotros nos parecen mejores, pero no siempre. A veces se apasionan justo por el cuadro que uno estaba tentado de repintar, y el que te gusta no le llama en absoluto. Nota mental: no hay que repintar cuadros nunca.

El que busca un cuadro que le combine. Otros buscan un cuadro de unas medidas, de unos colores o de un tema "que les cuadre" en tal o cual habitación. Aunque parece algo frívolo, no dejan de tener razón: algunos cuadros quedan estupendos en una determinada pared y otros espantosos. Evidentemente, Carmen o yo antes cambiaríamos el color de la pared para que combinara con un cuadro que nos gusta, pero no todo el mundo piensa así. Lo cierto es que muchos de los mejores cuadros de la historia del Arte se han pintado para decorar estancias. De todos modos, estos suelen ser clientes a los que les gusta nuestra pintura, y escogen el cuadro adecuado dentro de nuestro estilo. Además uno se lleva sorpresas con ellos, porque suelen apreciar de verdad nuestros cuadros, y vuelven año tras año.

El que encarga. Se podrían dividir en quisquillosos o conformistas.
El quisquilloso te agobia continuamente con pequeños detalles. "En este estilo", "Visto desde aquí", "Un poco más luminoso". Yo tuve un encargo de un retrato de cuerpo entero, y las piernas tuve que rehacerlas tres o cuatro veces, hasta que la clienta quedó contenta.
El conformista simplemente quiere su cuadro o dibujo hecho por uno, y te deja libertad. Son con diferencia los encargos más agradables, y de hecho el resultado suele ser mucho mejor. Carmen suele tener sólo encargos de estos, la muy asquerosa.

El previsible. Contrariamente a la norma general, son gente que sólo busca cuadros de un tipo determinado. Son siempre cuadros sobre el mismo tema, o sobre el mismo soporte, o con los mismos colores. Como tipo es el menos frecuente, al menos con nuestra obra. Hasta los que parecen ser así, al final llevan lo que uno menos se espera.

El pesetero. En nuestra época ya deberíamos decir "centimero", pero el lenguaje es así de conservador. Los peseteros son los que vienen buscando una ganga. Continuamente piden rebajas, intentan engañar, protestan... Son gente que quedaría más contenta con una lámina de Alcampo, o bien buscan que les regales la obra tuya por su cara bonita. En la actualidad tenemos la suerte de ahuyentar a los peseteros gracias principalmente a los precios y a que los hueles a la legua y uno va aprendiendo cómo espantarlos. Son gente que rara vez compra. Curiosamente son algo masoquistas: cuanto más los espantas más te valoran.

En cualquier caso, hasta con los clientes más desagradables, uno debería conformarse: el caso es vender, o como le contestaba Stravinski a un reproche de Diaghilev por trabajar para Mrs Bliss: "elle est sourde, mais elle paye" ("ella está sorda, pero paga").

Pero por mucho que uno llegue a entender y confraternizar con un cliente, si algo queda claro es que uno es incapaz de averiguar qué une en su cerebro a los cuadros que le gustan a cada uno. Nada, ni el tema, ni el tamaño, ni el colorido, la técnica... uno es incapaz de adivinar por qué a un cliente le gustan unos determinados cuadros y otros no. Para nosotros esto es lo más misterioso, inabarcable, sorprendente.

Hay unos pocos cuadros que gustan a todo el mundo. Quizá no todo el mundo se los compraría, pero gustan. Se podría decir que son nuestros "clásicos". Cuadros en los que quizá uno encontró felizmente la armonía, la redondez... Con los pintores clásicos, archiconocidos, esos suelen quedar como sus obras maestras. Pero en su conjunto, estoy seguro de que hasta ellos tuvieron sorpresas con sus clientes, al ver que justo lo que unos apreciaban otros lo aborrecían. Con el paso de los siglos todos acabamos reconociendo únicamente algunos de sus cuadros, y esto puede que nos influya para preferirlos sobre el resto de su obra. Pero estoy seguro de que si visitásemos el estudio de Monet o el de El Greco, Velázquez... en su época, cada uno elegiría según sus gustos, y apenas coincidiríamos unos con otros.

En fin, os animo a visitar el estudio de algún pintor -¿por qué no el mío y de Carmen?- con un amigo y que luego habléis entre vosotros de cuáles fueron vuestros preferidos. ¡Seguro que podréis debatirlo un buen rato!

Formas de trabajar

Hoy proyectamos en el curso "Saber ver el arte (el arte desde dentro)" la película "El Misterio Picasso" de Henri-Georges Clouzot.

En ella sale Picasso dibujando y pintando, y muestra su particular manera de "encontrar", a base de ir improvisando desde una idea inicial, cambiando continuamente los elementos, la composición, el acabado...

A veces el resultado es magnífico. Otras veces, viendo la obra acabada, echamos de menos alguno de los pasos intermedios.


Picasso juega con los materiales como haría un niño, sin pretender hacer una obra "acabada" o "sublime"; simplemente disfruta.

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Cuando se ve por primera vez "El Misterio Picasso", suele sorprender -y mucho- el comprobar hasta qué punto sus cuadros están trabajados, y de una manera increíblemente arriesgada. Porque Picasso hace oscilar el cuadro entre la mejora y el desastre, de manera que tanto podría acabar en un museo como en el cubo de la basura.

Cuesta creer que una obra como esta de arriba tenga detrás un trabajo de horas. No es, como suele decir el entendido de turno, que en su pintura nada sea casual. ¡Es que TODO en ella es casual! En este cuadro, quizá el que más quebraderos de cabeza le dio a su autor entre los mostrados en la película, cobra un sentido completo la famosa cita picassiana "yo no busco, encuentro".

Le Mystère Picasso - 8 of 8 - Henri Georges Clouzot.
Parece ser que el vídeo se ha retirado.
Mientras no lo recupere, está disponible aquí, con subtítulos en castellano.

Como podemos ver en este fragmento de la película, Picasso comienza el cuadro con un dibujo nítido, decidido, en el que ya aparece la playa, el pueblo de la izquierda, la mujer del centro, el toldo y el hombre del esquí acuático. Poco a poco Picasso va trabajando la idea inicial pero en ningún momento la composición se estabiliza. Figuras más o menos afortunadas, memorables dibujos, van siendo creados y destruidos sin pausa alguna. El propio Picasso comenta el drama "Todo va mal, todo va muy, muy mal". En un intento desesperado por lograr equilibrio pega papeles y vuelve a replantearse la composición. Aparece la figura sentada con el gorro chino, el cabezón que mira hacia nosotros... pero nada le convence. Cambian continuamente colores y estados. Finalmente Picasso desecha el cuadro y comienza uno nuevo partiendo de cero, mucho más simple.



Aunque este método de pintar es la antítesis de la ordenada secuencia de estados de un cuadro académico, o parezca caótico frente a los sucesivos pasos que Parramón ilustra en sus libros, aunque parece que es sólo la forma picassiana de crear jugando, y que sólo él se atreve a tal subversión, yo no lo creo.

En el fondo, todo pintor, pinte cosas inventadas, recordadas o que están delante de las narices, siempre tiene estas mismas dudas, correcciones, arrepentimientos, incluso "arroutadas" (arrebatos).

Según parece, Cézanne iba compensando el color de toda la composición pincelada a pincelada, calculando y mezclando poco a poco cada una de ellas. Él mismo cuenta que a veces, cuando ya tenía casi todo el cuadro hecho un error le hacía tener que volver a comenzar. Por eso tardaba tanto en hacer un retrato, años incluso. No es casualidad que se hagan decenas, miles de bocetos antes de ejecutar una obra al fresco, para que el proceso de prueba y error no afecte a la carísima y laboriosa pintura final. Y ahí están los famosos arrebatos de tantos artistas, como el escenificado por Charlton Heston en su recreación de Miguel Ángel, cuando destruye sus primeras figuras pintadas en la Capilla Sixtina.

En realidad, pintar exige siempre tomar decisiones, a cada paso. El tener más o menos calculado cada paso no hace que el resultado sea mejor, exactamente igual que cuando vamos de viaje.

Picasso, simplemente, arriesgaba más que la mayoría. ¡Porque podía!

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Por cierto, encontré este enlace, sobre la pintura en el cine.

Carmen y la acuarela

La acuarela es uno de los procedimientos pictóricos más antiguos. Ya los egipcios la utilizaban. Y en cierto modo, los primeros pigmentos orgánicos desleídos en agua que usaron los artistas trogloditas ya eran acuarelas.

Modernamente llamamos acuarela a la pintura hecha de pigmentos más un aglutinante a base de goma arábiga. Es esta la que le da su solubilidad, transparencia, brillantez y delicadeza, así como un olor característico.

Con respecto a la acuarela se ha escrito muchísimo, y es un tema de conversación muy habitual entre los aficionados a la pintura.

Este procedimiento se ve rodeado de un halo de misterio, como si su práctica fuese algo especial, que no está al alcance de todo el mundo. En este sentido ha superado incluso al pastel y al óleo, pues si hay un colectivo peculiar y especialmente respetado dentro de los pintores es el de los acuarelistas.

Se habla de ellos como si fuesen miembros de una casta especial, una especie de hermandad caballeresca, que hubiesen hecho un juramento de pureza y lealtad. Un grupo de élite, que respira a un ritmo diferente, y que miran a los demás desde una posición elevada.

En la cultura popular, la acuarela es el summum del arte de la Pintura. Se supone que precisa de una vocación especial, y que es la técnica de manejo más difícil. No todo el mundo puede pintar acuarela, por supuesto; hay que tener paciencia, inteligencia, pero sobre todo consagrar la vida a ella. Ser acuarelista lo convierte a uno en virtuoso del pincel. Son disciplinados, ortodoxos utilizando la técnica y obedientes en el cumplimiento de las Sacrosantas Normas Oficiales De La Acuarela, Con Mayúsculas (S.N.O.D.L.A.C.M).

Huelga decir que nunca en mi vida he intentado siquiera pertenecer a tal hermandad. No llego a esa altura.

Pero curiosamente, gran cantidad de ilustradores utilizan de manera soberbia la acuarela. Por otra parte, la obra de la mayoría de los acuarelistas reconocidos a mí se me antoja falta de color, de contraste, de fuerza. En su mayoría me parece que deberían aprender antes a dibujar. Y además admiro sobremanera algunas acuarelas poco ortodoxas: las de Bello Piñeiro, las de un tal Durero, un tal Turner...

Poco a poco estoy llegando a una conclusión que me avergüenza: me da la sensación de que eso de la acuarela no debe tener tanto misterio. Cada vez me parece más que lo que hay es mucho mediocre que se arropa tras ese halo, ese prestigio ganado a base de clubs ingleses y libros parramonescos. Si es que hasta los niños hacen acuarelas preciosas, y de por sí este procedimiento permite unos efectos increíbles sin apenas esfuerzo. Es un material noble, antiguo, y como tal ayuda al artista.

Yo siempre me pregunto por qué no se nos reconoce a los demás, a los "oleoístas", "ceristas", "lapicistas", "encaustiquistas", "templedehuevistas" o "acriliquistas" de la misma manera. Yo me confieso más acriliquista que otra cosa, pero no suelo presumir de eso. ¡Es como si limitarse a una sola técnica fuese un mérito!

Yo, más bien, pienso lo contrario; un pintor debe ser universal, como decía Leonardo: saber pintar cualquier cosa y con cualquier cosa. Pero eso de que vale más el especialista que el versátil es una creencia muy arraigada.

Cuando ya estoy a punto de darles la razón, de irme a llorar a una esquina por no dominar la técnica "ortodoxa", homologada y aprobada por alguna institución inglesa ad hoc, veo que Carmen coge su mugrosa caja de acuarelas, con los godets pegados a la tapa, húmedos, llenos a veces de moho, y se pone a pintar. La veo disfrutar, trabajar con alegría durante horas. Veo cómo superpone veladuras sin preocuparse de parecer seria, sin darse importancia, como haría una niña de siete años.

Carmen experimenta. Corre que se las pela. Mete un trazo aquí y quita otro con el trapo allá, a toda velocidad. Luego da un repaso a todo con la mirada y empieza a hacer líneas finísimas, infantiles, como las que usa nuestro hijo José (de tres años) en sus "tiburones". Sonríe, habla, se concentra...

Disfruta. Termina un paisaje pintando desde el coche, o en un café. Y me reconcilio para siempre con este material milenario y prodigioso. Me olvido de ortodoxias y de reglas estrictas, de la solemnidad y el misticismo; en una palabra: de la palabrería. Sólo pienso en ese olor de la goma arábiga, tan agradable, y en su textura pastosa, y empiezo a buscar un momento libre para pintar yo con acuarelas.

El Antiyó

Paseando por la web me he encontrado este blog:
contemporaneiz[arte]
es justo lo contrario del que estás leyendo. Un auténtico creyente, que comulga con todo lo del arte Oficial. Lo curioso es que en lugar de tener la típica actitud talibán (todo lo que no es anti-arte hay que destruirlo) tiene la actitud de "jo, qué guay".

Al menos coincidimos en una cosa: ambos despreciamos al hijo de puta ese que dejó morir de hambre a un perrito callejero atado a una cuerda como "obra de arte".

En fin.

Memoria Visual

El dibujo permite que nuestra mano en conjunción con el cerebro, sustituya -con ventaja- a la cámara fotográfica.

Aunque en este caso, "cámara fotográfica humana" no es una simple comparación:



Según parece, este hombre tiene una forma particular de autismo conocida como "Síndrome del Sabio", que hace que su memoria visual llegue a un cotas sobrehumanas.

Se dice que Bernini, el genial escultor y arquitecto barroco, tenía esta misma capacidad, y hacía sus retratos escultóricos de memoria tras conversar una tarde con el modelo.

Arte y Publicidad

Hace poco, en el blog de Carmen Martín, mi mujer, un troll anónimo sacaba el tema de la publicidad con respecto a la pintura. Decía, demostrando una exquisita educación, que estábamos más interesados hacernos publicidad que en pintar.

Creo que teniendo en cuenta el ritmo de producción de Carmen, él mismo se desautorizó. Quizá en mi blog no sea tan evidente saber a qué me dedico, pues aquí escribo mucho pero enseño poco mi obra, y esto no es lo habitual en los blogs de pintores.

No obstante, en breve os bombardearé con lo que estoy haciendo ahora, aunque son papeles grandes y me lleva tiempo digitalizarlos, porque sólo puedo escanearlos a trozos, en las fotos no salen bien...

Yo le dije al troll que la publicidad es una parte más del oficio. No es ya que guste más o menos, sino que viene en el lote. Es más:

Hoy día, con la gran cantidad -y calidad- de pintores que hay, y sobre todo teniendo en cuenta lo despreciada que está la pintura por los poderes, la publicidad no sólo es recomendable para los pintores. Es imprescindible. Si quiero que mi obra se conozca -y por tanto, se venda- debo difundirla, debo mostrarla por todos los medios posibles. Internet tiene la ventaja de ser ubicuo, de estar a disposición de cualquiera que tenga un ordenador y un teléfono. Y encima se ve en todo el Planeta. Del mismo modo que Leonardo escribía su carta a Ludovico el Moro hoy los artistas hacemos o encargamos webs. Una de mis actividades habituales es redactar notas de prensa. A veces el trabajo informático me roba mucho tiempo, y no me queda tiempo para pintar... pero seamos sinceros. Es necesario hacerlo, y además me gusta, e intento sacarle jugo artístico a la realización de carteles, logotipos, calendarios...

Si uno quiere vivir de lo que pinta hace falta que se mueva, que enseñe lo que hace, que sea pesado, que incluya su web y la de su mujer en el sitio más inesperado, que se haga publicidad y convenza a todos de que su obra es la mejor. Aunque claro, hay que tener esa obra, hay que haberla hecho para poder venderla y venderse como artista.

Hay personas retraídas, entre ellas muchos adolescentes, que pintan "para sí". No enseñan sus dibujos o cuadros a nadie. Puede que haya muchos genios retraídos, pero la Historia suele prescindir de sus servicios...

Puede que a algún romántico de los que todavía quedan le parezca que soy excesivamente crudo, que hablo sin empacho de vender y vendernos. Pero a estos les rogaría que revisen los libros de historia:

Los pintores -y todos los demás- siempre hemos necesitado dinero para vivir. También los genios, sí. Esa figura del artista bohemio, que vive frugalmente y con dificultades y concibe su profesión como "el arte por el arte" es un mito. Y un mito interesado, diría.

Los bohemios eran normalmente gente sin demasiados apuros económicos. Procedían de familias acomodadas, y si se cansaban de pintar -hubo muchos, pero lógicamente no son conocidos- volvían al seno materno y en paz. Los bohemios de hoy están en la misma situación. A poco que uno escarbe encuentra hijos de concejales, de industriales, de famosos...

Yo odio esas imágenes del siglo XIX. Por culpa de la bohemia y del arte por el arte los artistas han dejado de ser respetados por la Sociedad.

Es evidente que el artista es un tipo -o una tipa- que tiene la necesidad (casi) fisiológica de pintar, esculpir, hacer cine... pero por eso mismo debe buscar la manera de sacar partido a su habilidad, a su "don", creando cosas que puedan ser compradas. Necesitamos que nuestra obra se compre para poder seguir metidos en este ensimismamiento que es el arte. Y para ello necesitamos que se conozca y se admire. Esto no quiere decir renunciar a la libertad, hacer "arte alimenticio" o "comercial" sin arte ni nada. No. Se trata de lograr que te encarguen lo que a ti te gusta hacer. Es sorprendente lo que los ricos pueden llegar a encargar. La prueba la tenemos en los libros de historia. Los caprichos de los millonarios pueden ser de lo más extravagante, y de lo más estimulante para un artista. Pero también la gente de a pie que compra arte puede llegar a comprar lo que a uno le gusta hacer, si sabe venderlo. Está claro que no todos somos genios del marketing como Dalí o Picasso. Pero se puede llegar a vender razonablemente bien si el producto vale la pena, si tiene calidad. Incluso aunque los números se nos atasquen, como es mi caso o el de mi mujer. Pero centrémonos en el tema...

Desde que aparecieron estas ideas, del arte por el arte y de la bohemia, el mundo del arte empezó a "amateurizarse". El artista ya no era un señor que hacía trabajos para el cliente potencial, para el público, en su taller, sino un aficionado, un amador (esto es lo que significa amateur, y es justo la palabra en portugués), que pintaba por el gusto de pintar y nada más. Si luego tenía éxito, mejor. Pero su heroicidad aumentaba al pintar si se lo comían los piojos y moría en la miseria.

Yo pienso: bastante desgracia es nacer artista. Necesitamos tener la mente ocupada en el arte -nada peor que un artista frustrado- todo el día. Si encima eres tan estúpido de no buscar la manera de colocar tus cosas y vivir de ello...

El arte por el arte ha llevado a que la individualidad o las rarezas de los artistas sean respetadas por encima de todo. El artista pasa a ser un loco genial. Los pocos elegidos que la oficialidad protege hacen lo que les da la real gana.

Aunque si eres un elegido -e imagino que llegar a ser un elegido a nivel local o regional no debe ser muy complicado- eso es muy tentador, yo lo desprecio. No me gusta. Creo que intervienen valores -como la habilidad en el peloteo o la capacidad chupapollística- ajenos por completo al mundo del arte. El arte, como el cine, debería ser subvencionado mediante concurso público, en el que la obra final fuese juzgada por el público en general. Con transparencia. Como bien dice Mariano Casas en su blog:

Existe una ley (que tampoco es extraño que se incumpla por aquí) que dice que cualquier obra pública que supere un presupuesto de 12000 euros (2 millones de pesetas) debe ser sometida a concurso público.
Hay muchos ARTISTAS que han vendido su obra a edificios públicos por mucho más dinero, y sin embargo, yo no tengo noticias de que jamás se hiciese un concurso público de adquisición de obra artistica, mientras sí se hacen concursos para arquitectos, por ejemplo.
Si ya existen corruptelas entre los arquitectos y constructoras (en Mugardos se investiga ahora una ), habiendo unas leyes claras ,¿como no las va a haber en el ARTE, cuando la supuesta esencia etérea de ese concepto hace que los políticos no se atrevan a legislar como una actividad más?.
En definitiva, es la propia opacidad del "sector artístico" la que lo hace corrupto.

Otra barbaridad es la "generosidad" que tan generosamente defendía el ínclito columnista Carlos Barcón respecto a su amigo Felín Nadales (por cierto, el día 31 de diciembre termina el plazo para votar en la encuesta).

Esa generosidad, como decía Mariano también, es interesada. El artista que "regala" sus obras pone un "caramelo" al concejal de turno difícil de rechazar. Un artista profesional de verdad debe cobrar por su trabajo. Si el trabajo es bueno, debe ser pagado justamente. Me comentaba Francisco Pérez Porto, que fue contratado para hacer dos monumentos en Ferrol, y que a cambio da clases gratuitas de cerámica a quien quiera apuntarse en el Concello, que ahora da por descartado su segundo monumento -ya en proceso- pero sobre todo el sueldo que tiene y su taller, porque a los nuevos gobernantes les parece raro que un artista tenga un sueldo por un trabajo que realiza. ¿Y por qué no? ¿Es que vivimos del aire?

El "no cobrar" es malo para el artista -que puede verse defraudado- y para el que contrata. Creo que los gallegos sabemos bien lo que es deber favores, ya en la aldea se nos inculca que no hay nada peor que eso.

Por eso yo defiendo un modelo más profesionalizado del sector artístico. Nosotros realizamos un trabajo que no es -pese a la idea decimonónica- inútil. Se necesitan cuadros, estatuas, edificios, sinfonías, poemas, películas, para diversos usos. Siempre. Y esos trabajos deben ser pagados según su calidad, según su mérito. Lo que vale en todas las demás cosas también vale en nuestra profesión. ¿Por qué no?

El camelo, vender mierda a precio de oro, no es solidario. Beneficia a unos pocos, pero poco a poco está arruinando y desprestigiando a toda la profesión.

Es curioso lo que leí hace poco, sobre la teoría de la estupidez, de Carlo M. Cipolla, porque encaja a la perfección:

Yo propongo volver al modelo de artista INTELIGENTE: el que beneficia a los demás buscando su propio beneficio. Pintar bien y satisfaciendo al público para vivir del talento propio.

Porque el modelo del artista maldito, bohemio, del arte por el arte, es el del artista DESGRACIADO o INCAUTO: Beneficia a los demás, perjudicándose a sí mismo. Es pintar bien pero vivir en la miseria, al no dar a conocer la obra, sino esperar a que alguien la busque.

Y hoy en día, en el arte oficialmente protegido, hemos llegado al modelo del MALVADO o BANDIDO: Perjudicar a los demás para obtener beneficios. Vender la nada o la caca propia, cosas feas, para enriquecerse.

Cuando no directamente ESTÚPIDOS: los que pintan auténticas mierdas -o no pintan- sin llegar a enriquecerse.

Os recomiendo leer atentamente todos los puntos de la teoría de la estupidez. Aunque parece una estupidez, es muy inteligente.

Me enorgullezco, porque uno de sus puntos se parece mucho a lo que yo siempre dije: hay una proporción fija de gilipollas por metro cuadrado, muy abundante, y es constante en cualquier grupo humano que se nos ocurra.

En fin. Yo al menos, pretendo ser INTELIGENTE, e intentaré escapar de las otras tres opciones.

La Bienal Definitiva

A través de un grupo de noticias al que pertenezco, Tela de Pintor, os traigo esta noticia extraída de Arte Informado. Información para disfrutar el arte. Sección Ferias y Bienales

São Paulo, ¿una bienal sin obras?

18 de Noviembre de 2007 - Domingo

El brasileño Ivo Mesquita, recién nombrado director artístico de la 28 edición de la Bienal de São Paulo,a celebrar entre el 19 de octubre próximo y el 30 de noviembre de 2008bajo el título "Em vivo contato" (En contacto directo), acaba de anunciar que este evento artístico, considerado como el mayor acontecimiento de las artes plásticas de América Latina y la segunda bienal más antigua tras Venecia, carecerá de obras de arte para centrarse en una reflexión sobre el momento del arte actual. "La bienal -ha dicho Mesquita- responde a un modelo de exposición del siglo XIX y estamos en el XXI. No creo que este modelo esté agotado, pero necesita una profunda revisión". No habrá, pues, obras de arte en el edificio construido por Niemeyer, aunque sí se podrá consultar una extensa biblioteca con la historia de las ediciones anteriores, desde la primera en 1951, así como información sobre las cerca de 200 bienales que se celebran actualmente en el mundo.

Mesquita,curador y crítico independiente, ha trabajado como curador en las últimas cuatro Bienales de Sao Paulo y es, además, director del Museu de Arte Moderna de São Paulo.El anuncio está provocando una fuerte polémica en toda Latinoamérica,donde artistas como el chileno Mario Navarro, el único artista local que participó en el evento paulista en 2006, ha señalado a El Mercurio,que "las obras son esenciales, una bienal sin ellas no funciona y si quieren destinar este evento sólo a reflexionar o al estudio entre artistas, indudablemente que el público se va a cansar". En las últimas ediciones, la bienal ha atraído a una cifra proxima al millón de visitantes. Por contra, responsables museísticos como el también chileno Patricio Muñoz Zárate (asistente de dirección del Museo de Bellas Artes) señala que "acá lo que hay es una crisis y en ese contexto, la Bienal São Paulo debe replantearse, me parece bien esta decisión, para analizar qué pasará a futuro, si se sigue justificando en el siglo XXI un evento en un recinto cerrado, como si fuera un museo más". Coincide con él, Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte Contemporáneo, quien apuesta por una reformulación del evento,preguntándose si "con la llegada de internet y las nuevas tecnologías,¿se justifica seguir en este formato?".

Me parece cojonudo. En el colmo de la prepotencia, el señor comisario / sacerdote del culto al Anti-arte espera que todo el mundo visite la Bienal en la que literalmente no habrá nada que ver.

No es más que la consecuencia lógica, de los nihilistas planteamientos ¿estéticos? en los que se basa el anti-arte. Acostumbrados ya a considerar como arte las ideas, lo consecuente es que desaparezca todo rasgo de arte para exponer sólo ideas. Es absurdo, pero es a lo que lleva seguir posturas extremas y basadas en argumentos cogidos por los pelos.

En mi humilde opinión -que no es obligatorio compartir- tenemos dos opciones:

• o dejamos que se termine de agotar y suicidar el anti-arte y esperamos a que el público hagla tabla rasa para que el Arte pueda volver a ocupar el lugar que el anti-arte le ha usurpado,
  
• o lo combatimos desde ya mismo y terminamos de extirparlo, posibilitando que el ridículo de los que ya se han comprometido sea menor.
  

Lo que es evidente es que ya no convence ni a sus propios defensores, que ya están dando el paso definitivo: convertir un argumento para salir del paso (aceptamos barco como animal acuático=aceptamos ready-made como obra de arte) en una creencia en la que se basa un culto integrista y fanático que excluye todo lo que no sea anti-arte de ser considerado arte. Con este paso, excluyen también de un plumazo a las obras de anti-arte que disimulaban con cierta cantidad de materia real para exponer la idea. Es la idea por la idea... ¡ay!¡si Platón levantara la cabeza!

Aunque haya quien no me crea, yo disfruto cada segundo que desperdicio leyendo los medios: este siglo es auténticamente surrealista. Desde políticos que no se despeinan diciendo cosas propias del patio del colegio -y que les llevarían al despacho del director, castigados- y que contra todo pronóstico les sirven para justificar matanzas horripilantes como lo de Iraq, hasta en el mundo del arte psicópatas que matan perros y artistas y comisarios de bienales que en lugar de encerrarse en el WC y esperar al loquero en posición fetal deciden sobre el gusto del público cobrando de los caudales del estado.

Maravilloso.

No hay arte sin pasión

Hace poco -tres meses casi- escribí una entrada sobre la exposición de Caixa Galicia titulada "Non hai arte sen obsesión". En el título de la exposición había algo que no me encajaba. Hoy, una alumna de pintura, Bea, hizo una reflexión que al fin me hizo ver lo que me molestaba.

Aunque el título es sugerente, y parece hasta poético, "Non hai arte sen obsesión" encierra una palabra que alude a lo enfermizo.

Según el diccionario de la RAE -qué gran acierto el de Firefox al incluirlo en su configuración por defecto-, obsesión es:

obsesión.

(Del lat. obsessĭo, -ōnis, asedio).

1. f. Perturbación anímica producida por una idea fija.

2. f. Idea que con tenaz persistencia asalta la mente.

La idea de perturbación permanece asociada a esa palabra. Francamente, no creo que todos los artistas sintamos perturbación anímica producida por una idea fija. Ni siquiera pienso que haya una idea que con tenaz persistencia asalta la mente. Puede quedar muy bien decirlo, pero como motor del arte me parece que la obsesión es pobre y poco productiva. La obsesión no implica un grado de exigencia mínimo.

En el caso de pasión, esta es la definición que aporta la RAE:

pasión.

(Del lat. passĭo, -ōnis, y este calco del gr. πáάθος).

1. f. Acción de padecer.

2. f. por antonom. pasión de Jesucristo.

ORTOGR. Escr. con may. inicial.

3. f. Lo contrario a la acción.

4. f. Estado pasivo en el sujeto.

5. f. Perturbación o afecto desordenado del ánimo.

6. f. Inclinación o preferencia muy vivas de alguien a otra persona.

7. f. Apetito o afición vehemente a algo.

8. f. Sermón sobre los tormentos y muerte de Jesucristo, que se predica el Jueves y Viernes Santo.

9. f. Parte de cada uno de los cuatro Evangelios, que describe la Pasión de Cristo.

En realidad, a "No hay arte sin pasión" no le podemos aplicar las acepciones 2, 3, 4, 6, 8 ó 9, porque no proceden. Las acepciones 1 y 5 son aplicables pero sólo en determinados casos, con artistas atormentados o en pleno éxtasis creativo. La 7 es la más adecuada: Apetito o afición vehemente a algo.

Cuando utilizamos la frase No hay arte sin pasión estamos sustituyendo pasión por apasionamiento. La pasión que siento es igual a decir: el apasionamiento que siento.

En el diccionario de la RAE, apasionamiento es la acción o efecto de apasionar o apasionarse. Apasionar, según el DRAE es:

apasionar.

1. tr. Causar, excitar alguna pasión. U. m. c. prnl.

2. tr. Atormentar, afligir.

3. prnl. Aficionarse con exceso a alguien o algo.

Y esto es en realidad lo que impulsa la creación a sus más grandes logros: artistas apasionados, bien por una persona, por un lugar, una forma, un movimiento artístico, una técnica... lo que se prefiera. Pero sin ese grado de pasión, de Apetito o afición vehemente a algo, incluso sin ese grado de Perturbación o afecto desordenado del ánimo, no existiría el arte. Un buen artista consagra su vida a su profesión, y se lanza a una aventura en la que el final no está claro, sólo porque la pasión le arrastra hacia aguas profundas.

No se trata de la obsesión, de la repetición enfermiza de una idea sin poder pensar. Un artista de verdad es todo menos un zombi. Yo al menos no me siento así. La pasión ciega, pero pone el cerebro en movimiento, y hace investigar nuevas soluciones. La obsesión es no poderse quitar una idea de la cabeza, acaba siendo un runrun monótono y nada estimulante.

Cierto es que la pasión hace que uno se centre mucho en algo, al igual que la obsesión. En cierto modo la pasión obsesiona y la obsesión apasiona, pero la diferencia es enorme: la pasión, cuando es el centro de tu vida te hace mejorar y llegar muy alto. La obsesión, si se convierte en el centro de tu vida, es el momento de buscar un buen psiquiatra.

Un divertimento: La Gioconda... ¡con MS Paint!

Después de la intensidad del último post mi cerebro necesitaba descansar... he aquí uno de esos vídeos frikis de youtube, que si no lo conocéis seguro que os deja boquiabiertos.

Todos hemos manejado alguna vez el maravilloso editor de imágenes que viene "de regalo" con Windows, pero... ¡este tipo es un artista! ¿Os podéis creer que llega a copiar la Mona Lisa con Microsoft Paint?

¡Ay, si Leonardo hubiera dispuesto de tan magnífica herramienta!