En este blog y en otros foros de debate he hablado muchas veces sobre el goce estético. Yo soy de la opinión de que el arte es intemporal, y que de alguna manera, el buen arte siempre irradia algún tipo de energía que sólo algunos son -somos- capaces de percibir. En realidad no se trata seguramente de energía mensurable sino de alguna sutil ordenación formal que para la mayoría de las personas -no sensibles a ella- pasa inadvertida.
Por supuesto, esta conclusión siempre me ha puesto en contra a jaurías furiosas que me insultan, me ridiculizan o piden directamente mi cabeza. Gente que se supone capaz de disfrutar del arte, pero que se siente excluida por esta teoría, y se rebotan contra mí. Realmente, muy pocas veces encuentro gente que opine en este sentido igual que yo; gente que anteponga el disfrute puro, de la obra en conjunto, a otras consideraciones históricas, literarias, biográficas, técnicas...
Pero con el tiempo he aprendido a sobrellevarlo.
Hoy mismo estuve charlando con
mi mujer sobre este tema. Ella me contaba que cuando ve una obra de arte, simplemente la disfruta, se emociona con ella. Sólo después, pasado el primer momento de "shock" o enamoramiento puede fijarse en el tema, la técnica, la composición... En cambio, si la obra es menos buena esas consideraciones, precisamente son lo primero que le viene a la cabeza. El goce estético (o éxtasis estético si se prefiere) no tiene lugar, por lo que no puede bloquear la lectura intelectual. A veces, si llega algo de goce estético es sólo por partes, al analizar tal o tal otra zona, pero no es completo: no impregna todo y lo inunda, como sucede con la obra de arte grandiosa.
Tratando sobre estas cuestiones, derivamos hacia la obra maestra y la que sólo tiene valor histórico. De la primera quizá se escriban libros, pero serán esencialmente semejantes a los que se podrían escribir sobre otras obras semejantes del mismo período, más mediocres. Inmediatamente recordé
un artículo aparecido en "XL Semanal" en el que Juan Manuel de Prada habla de los análisis que los "expertos" hacían en una ocasión de "La Última Cena" de Leonardo da Vinci.
Y es así, precisamente. Con obras de tal nivel artístico, ni Carmen ni yo podemos ver más que la obra, redonda, completa y unitaria, magnífica. Sólo después de extasiarnos en su contemplación repararíamos en que se trata de una "Última Cena" según el típico modelo de la época -del que habla Juan Manuel de Prada- y desmenuzable en datos concretos. Pero en la visión de otras muchas
últimas cenas de la época, más mediocres, como no hay arte -de primera fila- al que aferrarse, sólo podemos estudiar los cuadros histórica, iconográfica, técnica, formal, compositivamente...
Quizá algunos se escandalizarán con todo lo que he escrito aquí. Que me dirán: ¿y por qué tú te crees sensible al arte? ¿Por qué crees que sólo vuestra forma de ver los cuadros es válida? ¿dónde te sacaste el carné de veedor de arte? y cosas semejantes.
Pero hablo de goce estético, de placer, de una suerte de enamoramiento que a mí -y a más gente, claro- me ocurre con algunas obras de arte. No es tan difícil de entender, hay un símil universalmente conocido: el
amor.
Cuando uno se enamora, la persona amada se ve entera, perfecta, deslumbrante. Después puedes fijarte en cosas secundarias: nivel cultural, preferencias, gustos, familia, procedencia...
Pero si no hay enamoramiento, lo único que veremos es precisamente las otras características secundarias. Con el roce, al estudiar a la persona, quizá más tarde nos demos cuenta de que posee cierta belleza o hasta lleguemos a cogerle cariño. Pero falla lo principal. Que veamos a una persona como culta, afín, bien educada, de buena procedencia, etcétera no va a ser suficiente para que nos enamoremos. ¡Cuánta gente no se ha enamorado de quien no le convenía!
Evidentemente todos podemos enamorarnos, pero no todos llegamos a experimentar el amor del mismo modo. En el caso del goce estético se trata de una capacidad escasa, que no se da en todo el mundo. Pero igual que con el amor, el goce estético, el amor al arte, no tiene que ver con su racionalización, y depende muy poco de los conocimientos concretos (técnicos, históricos, formales...) adquiridos. Del mismo modo que el arrebato amoroso puede llegarnos en la adolescencia o incluso antes, el arrebato estético no tiene edad. Pero como el amor, gana en hondura cuando la persona es más honda, cuando tiene más profundidad y experiencia vital.
Quizá, como con otros sentimientos, en realidad todos estemos más o menos capacitados para dejarnos llevar, para sentir ese goce, ese amor estético. Sólo que otras cosas nos impiden dar rienda suelta a esos sentimientos. Normalmente tendemos a intelectualizar todo lo que tiene que ver con el arte.
"El sentir Romántico era..." "Panofsky opinaba..." "Adorno escribió..." Cosa que no permitimos ni con la música, ni con el cine, ni por supuesto, con respecto a la persona amada.
Dejarse embaucar por la intelectualización del arte es profundamente estúpido: estúdialo si quieres, pero ¡el arte no se hace para estudiarlo! ¡Está vivo! Primero se trata de sentir, de dejarse arrebatar, de enamorarse. ¡No necesitamos saber quién es Leonardo ni cómo nació la perspectiva central para que la Última Cena nos deje boquiabiertos!
Estoy leyendo el libraco de Arnheim, "Arte y Percepción Visual". A medida que voy superando los capítulos me doy cuenta de que en sus reflexiones encuentro tantas cosas con las que estoy de acuerdo como otras en las que opino justo al revés. En general, me parecen muy acertados sus análisis, pero en cuanto a las reflexiones, creo que a veces son un tanto apresuradas.
Como yo antes de empezar Bellas Artes, hace unos 15 años, creía Arnheim que las expresiones artísticas informales provenientes de las vanguardias eran una suerte de estilo "altamente diferenciado", más "complejo". 
El problema viene de que a veces, las construcciones complejas, refinadas, "altamente diferenciadas" según el lenguaje de Arnheim, quedan como tentativas fallidas, que se rechazan posteriormente y apenas intervienen en el futuro. Hockney se refiere en más de una ocasión al problema de la representación en la pintura del siglo XX y defiende el camino del expresionismo -que Picasso, según él, abrazó en sus últimas etapas- como probablemente una de las opciones más válidas. Estoy de acuerdo. Es una situación parecida a la que ha vivido la música. En la crítica de hace unas décadas, Schönberg y su serialismo dodecafónico pasaban por ser la única forma válida de hacer música contemporánea. Hoy en día, Stravinsky vuelve a conquistar el primer lugar dentro del siglo XX. Pero ¿quiere decir esto que todo el impresionante corpus teórico construido por los serialistas y dodecafonistas sea inútil, pasado de moda, estúpido? No. Como en el caso de Picasso y su cubismo, el serialismo ha dejado su poso en la manera de componer música. Supone una aportación de orden y teoría, necesaria tanto para el que la pellizca como para el que la desprecia.
Lo triste es que en nuestra época, tras la dictadura de más de 90 años de arte vanguardista, se tiende a tirar por la borda todo el trabajo serio que algunos vanguardistas han aportado. No todo es blanco o negro. Las posturas extremas, como la defendida por los neoacadémicos (ejemplificada en ART RENEWAL) desprecia todo aquello que nos ha llevado a este momento. Creo que se equivocan. El sentimiento de nostalgia, cuando hace tabla rasa, nunca lleva a tierras fértiles. No se puede obviar la pintura que ha vivido, luchado y muerto durante casi 150 años -desde los impresionistas- y pretender que lo que se haga ahora tenga vida, esté alentado por la verdad. Como decía Kandinsky en el inicio de su libro "De lo Espiritual en el Arte":
Yo mismo abogo por descartar la vanguardia, visto que falla, pero siempre desde la autenticidad, o caeremos en el mismo error de los conceptuales, minimalistas: la impostura. En esencia, el arte hiperrealista fotográfico o el neoacademicismo que vemos en algunos concursos de pintura hoy en boga me parecen igual de equivocados, igual de deprimentes que las instalaciones y performances, videoinstalaciones y demás que hay en el resto de concursos. Son obras carentes de vida, fruto de un intelectualismo extrañamente pesado, muerto, que encuentra en los libros y los "entendidos" su máxima inspiración y su único destino.
El Renacimiento volvía al clasicismo, pero desde una mentalidad muy diferente, fruto de la cristianización -a la que nadie renunciaba- y buscando "adaptar" o "mejorar" el estilo antiguo. El respeto no llegaba a ser paralizante, a ser "veneración". De unas primeras formas todavía medievales más o menos "romanizadas" se fue pasando a una verdadera invención o construcción de nuevas formas cada vez más clásicas. En doscientos años se estaban construyendo, con esas normas iniciales ya enormemente evolucionadas, liberadas de la imitación y totalmente vivas y vigorosas, edificios, esculturas y pinturas en el más pleno y esplendoroso Barroco. 
Yo no creo en el arte pasado de moda, para mí el arte es intemporal. Creo que incluso podríamos -y hasta deberíamos- construir edificios con columnas jónicas y hechos de piedra, o ábsides románicos. Y hasta en un mismo edificio ¿Por qué no? Siempre que esa vuelta a fórmulas antiguas sea fruto de la sinceridad, y de una necesidad formal auténtica, el resultado será bello, intenso. Los pastiches son resultado de la mediocridad. Cuando el artista impone su criterio sabio con chulería, sin complejos ni chorradas. "Pongo aquí una pilastra porque me sale de los cojones", todo funciona bien.
