Arte Novohispano

Por encargo de la Compañía de Jesús, entre 1756 y 1757 Miguel Cabrera creó la serie pictórica "Vida de San Ignacio de Loyola" para el claustro de la Casa Profesa, el cual fue fue demolido en el siglo XIX. En la actualidad 30 obras se encuentran en el Museo Nacional del Virreinato, una en la Pinacoteca de La Profesa y una más está extraviada. Al paso de los siglos, estos magníficos ejemplos del arte barroco novohispano han sufrido serios deterioros que afectan su materialidad. Con el propósito de devolverles su integridad física y estética, en 2019 se intervinieron siete obras de la serie, dentro del “Proyecto de investigación Miguel Cabrera”, INAH.

El presente trabajo es una ponencia que se presento en el XXX Congreso Latinoamericano de Sociología, realizado en Costa Rica, 2015 . En este texto se estudia la pintura de la Virgen del Perdón realizada por el pintor Simón Pereyns durante la contrarreforma católica desde una perspectiva de la sociología del arte feminista.

En la última década del siglo XVIII, el fraile carmelita descalzo del convento de la Ciudad de México, ideó una iconografía que llamó la Inmaculada carmelitana. Fundamentándose en la historia mítica de la orden, con su écfrasis pretendía cobijar a la monarquía española y buscar la proclamación del dogma del misterio mariano. Sus afanes nos legaron un puñado de representaciones plásticas que se derivaban de las descripciones que meticulosamente registro con la finalidad de llegar a las imprentas. Sin embargo diversos factores actuaron en su contra evitando la popularización de su devoción.

(Tesis de Maestría en Historia del Arte, Universidad Nacional Autónoma de México; México 2008)
Resumen: A finales del siglo XVI se inició en Amecameca, en el actual estado de México, el culto a una imagen del Santo Entierro: escultura ligera y articulada, conocida hoy como Señor del Sacromonte, y utilizada principalmente en las dramatizaciones de la crucifixión y el descendimiento de Viernes Santo. La presente investigación se propuso identificar las estrategias discursivas desarrolladas alrededor de la imagen, dar visibilidad a su funcionamiento como agente social y hacer énfasis en los modos en los que ponía de manifiesto su potencial como herramienta retórica, especialmente a través de la paraliturgia. Este ejercicio permitió comprender su papel como recurso de auto-legitimación política y religiosa y, más allá, como programa de reconciliación en diversos momentos del período virreinal. La evidencia sobre el sentido eucarístico de algunas ceremonias de la Semana Santa y su vinculación con el Santo Entierro iluminó el tema en tanto plataforma de promoción de la Eucaristía y, a la vez, como monumento y promesa de redención. En este punto, se pudo restaurar el mensaje salvífico del tipo iconográfico, (en su funcionalidad litúrgica), más allá de su interpretación como escena de muerte. La transformación del cerro Amaqueme en el modelo del Sacromonte reveló, por su parte, una sucesiva superposición de discursos y programas de devoción.

R esumen r En la historiografía de la conquista de la Nueva España ha quedado pendiente analizar los imaginarios que los indígenas construyeron de sí mismos como guerreros conquistadores. Generalmente la palabra conquistador evoca a los españoles, excluyendo a los indígenas de esta categoría. En este artículo examino el concepto de conquista indígena y asocio los discursos de dominación de género con los de la guerra y la imagen en las sociedades mexica y tlaxcalteca en vísperas de la guerra de conquista. Mi objetivo es demostrar la importancia que tuvo el tema militar en la iconografía colonial indígena, discutir su relevancia política y comparar algunas imágenes del libro XII del Códice Florentino con el Lienzo de Tlaxcala y los murales de Ixmiquilpan para explicar la utilización política de la imagen principalmente por parte de los tlaxcaltecas, quienes pretendieron legitimarse como indígenas conquistadores.

Este trabajo toma como principal objeto de estudio las cinco imágenes murales exteriores, la interior del cubo de la escalera y la decoración ornamental de la fachada del ex Convento de Santa María Magdalena de Cuitzeo, localizado en Cuitzeo Michoacán, fundado por los agustinos en 1550.
Hago un estudio comparativo entre las similitudes de su programa iconográfico con otros conventos de esta misma orden: Acolman, Ixmiquilpan y Xoxoteco. Tomando esto en cuenta, así como parte de la filosofía agustina y los métodos de evangelización en la Nueva España, tengo el objetivo de dar análisis a las pinturas murales de Cuitzeo para tratar de entablar una relación entre las imágenes y el espectador.

The important advances that have been undertaken within the study of New Spanish lightweight sculpture reveals its remarkable presence in the Spanish territory, which is evidenced by a rich and well-nourished catalogue of pieces. Now, given the more precise knowledge there is about its materiality and its origins, it is necessary to deepen certain specific aspects that can help define the importance of this artistic exchange in a more precise manner.
This investigation focuses on the current autonomic region of Castile and Leon and it is part of a broader study concerning examples of New Spanish sculpture that are preserved there. These are mostly unpublished, and in general, lack a historiographical analysis that contextualizes works, support mediums and commissioners and explains their arrival from overseas, their devotional use and the repercussion that they had in the Castilian artistic arena. Hence, our main objective is to examine these issues through a selection of examples that clarify the importance of such works, as well as the high social and cultural rank of their owners, who belonged to the nobility and the Counter-Reformation ecclesiastical hierarchy. Despite the fact that they used to be symbolically activated and transformed into true instruments of power, the origin of these works has remained unknown until today. In fact, their remarkable expressionism has turned some of them into paradigms of a popular aesthetic that has been defined as Castilian, thus ignoring their Mexican origin.

La tesis de doctorado en Historia del Arte gira entorno a las características, funcionalidad y particularidades de los objetos y protocolos que desplegaron algunas cofradías novohispanas de españoles durante el siglo XVIII en la ciudad de México situándolos dentro de su contexto, en el cual se pusieron en juego relaciones de poder y en donde el lenguaje no-verbal fue fundamental.

This article discusses New Spanish enconchados (mother-of-pearl inlaid paintings) through their relationship with Japanese namban lacquer. The article also considers the ornamentation, as well as the kind of shells that might have been used in enconchados, and explores the possibility that in these works, luminosity had both an economic and a religious symbolism. While all of these topics are interconnected and essential in enconchados, neither the kind of shells that were used nor the luminosity had been previously discussed. Rather than offering definite answers, the aim of this text is to demonstrate the need to continue studying enconchados through technical, as well as documentary and formal analyses, as this kind of paintings contain important information about some significant and little known aspects of New Spanish artistic taste.

Programa del Congreso Internacional "El coleccionismo en las cortes virreinales de la casa de Austria en Hispanoamérica"
Ponencia en la que se expuso una teoría sobre quién pudo ser el mecenas que encargó el Biombo del Palacio de los Virreyes. Después de hacer un recuento sobre su paso por la Nueva España, se reflexionó en torno a las probables identidades de los personajes representados en la pieza. (A la espera de su publicación)

Resumen:

El presente trabajo se propone analizar un conjunto de representaciones visuales directamente relacionadas con la fundación y desarrollo de la orden de Agustinas Recoletas de la Ciudad de Puebla (s. XVII), imágenes que poseen como función traer a la memoria los sucesos místicos que le dieron identidad carismática. En este sentido, la imagen habrá de tratarse como un dispositivo de memoria cuya finalidad radicó en activar en los miembros de una comunidad el instinto de pertenencia a una congre- gación y en el caso concreto de este estudio, integrar a un grupo monjas a la pauta del concierto agustino recoleto. Hans Belting, en su obra Imagen y culto, menciona que la imagen corporativa se construye y se renueva para representar el ideal de una orden religiosa. De acuerdo a lo anterior, la presente investigación se ha propuesto el estudio de dichas imágenes desde una óptica delimitada y puesta en relación con los postulados espirituales y la vivencia cotidiana de un carisma producido a partir de un proyecto de iniciativa secular, preocupado por consolidar una identidad corporativa de carácter regular, valiéndose para este fin de un complejo aparato de recursos y discursos visuales.

Abstract:

The present essay analyzes a set of visual representations related to the founding and growing of the order of the Augustinian recollect nuns from Puebla (17th century). Those images show its charismatic identity through the reminding of some powerful mystical events. In this sense, the picture must be understood as a memory device whose purpose was to activate the belonging sense and the collective identity of the congregation members, and especially to indoctrinate the nuns into “the pattern from the Augustinian recollect concert”. In his work Likeness and Presence, Hans Bel- ting mentions that the corporate image is built and renewed to represent the ideal of a religious order. In the same way, the present research proposes the study of these images from a perspective guided by close observation of the spiritual postulates and the daily experience of a charism produced from a secular initiative project with a regular cor- porate identity origin. Finally, it is stated that all this was achieved through the use of a complex visual discourse and intricate rhetorical apparatus.

El artículo hace un análisis general de todos los estudios que existen sobre el Biombo del Palacio de los Virreyes del Museo de América. Consecuentemente, a partir de los escudos que aparecen pintados se intenta desvelar quién fue su posible mecenas y, después de hacer un estudio de su paso por la Nueva España, se reflexiona en torno a las probables identidades de los personajes representados en la pieza.

This paper analyses all the existing studies about The Viceroys' folding screen of the Museo de América. Consequently, based on the painted coat of armas, it aims to unveil a possible patron. After making a study of his pace through New Spain, it inquires about the probable identities of the represented characters on the art piece.

Para descargar / to download: https://sede.educacion.gob.es/publiventa/anales-del-museo-de-america-xxv2017/america-antropologia/21539C

En todas las culturas el tema de la muerte ha sido objeto de representaciones artísticas.  En el caso de México, el poder de la muerte se ve en su omnipresencia en las artes. En el presente texto se analizará la vivencia de la muerte en el México prehispánico, con especial atención a la cosmogonía mexica y su reflejo en el Templo Mayor, para pasar las representaciones moralizantes del mundo colonial y el México actual donde cobra protagonismo la obra de Posada, la celebración del Día de muertos y el culto a la Santa Muerte.

En el presente trabajo propongo analizar un aspecto fundamental de la restauración y conservación del patrimonio monumental novohispano: el tratamiento de las superficies arquitectónicas, que siguen siendo violadas como práctica cotidiana en las restauraciones.  Los aplanados de mortero de cal, los enlucidos finos y las capas de pintura son eliminados de los elementos arquitectónicos pétreos con demasiada frecuencia, con el pretexto de descubrir la piedra. Curiosamente, muchos monumentos son agredidos por los mismos profesionales de la conservación que tienen como misión la protección de la integridad física de los inmuebles. Justifican sus intervenciones con la teoría estética moderna y los gustos populares actuales, de tendencia marcadamente petrófila.

Se aportarán datos precisos, obtenidos en el campo y en fuentes documentales, con el propósito de contribuir a una comprensión más profunda de este tema. En primer lugar, se presentará una reseña general sobre el manejo de las superficies arquitectónicas en Europa, porque allí se encuentran los antecedentes más importantes de la práctica constructiva y decorativa en la Nueva España. Un análisis de las superficies de los edificios mesoamericanos prehispánicos, si bien sería pertinente, rebasaría el alcance de este trabajo. Basta decir aquí que la norma en la mayor parte de los estilos precortesianos era recubrir los elementos pétreos con cal y pintura, como se puede observar a través del análisis cuidadoso de los monumentos y en los reportes arqueológicos. Tanto en el Viejo Mundo como en el Nuevo, el lenguaje del color formaba parte de la concepción original de la mayor parte de los monumentos. Se apuntarán algunas consideraciones acerca del origen y la evolución del criterio petrófilo en Europa y América. También se citarán las normas emanadas del gremio de los restauradores que tengan que ver con el tratamiento de los revestimientos. Se analizará la polémica en torno a la restauración de la pintura mural exterior del templo queretano de Santa Rosa de Viterbo, como ejemplo de las posibilidades y los peligros de esta clase de intervenciones.

En este trabajo se aborda un aspecto genuino de la retórica visual concepcionista en el virreinato de Nueva España: el reciclaje de tipologías tempranas de representación de la Inmaculada Concepción que, con la consolidación de la imagen de la Inmaculada derivada de la Tota Pulchra, habían caído en desuso en el arte peninsular. La inclinación de artistas y mecenas hacia estas tipologías revelan un aspecto clave para entender la definición de la cultura hispánica en los siglos del barroco. En los espacios periféricos del Imperio, lugar de continua afirmación de la existencia de un único mundo hispánico, los resortes de control sobre la imagen religiosa permitieron la variabilidad en la ejecución del ideario católico. El artículo analiza la base de la recuperación de esta tradición visual y su correspondencia con la literatura de devoción y los sermones de la época.

Los enconchados de José de Sarmiento y Valladares (último virrey de la casa de Austria en
Nueva España y conde de Moctezuma por su primer matrimonio) muestran una particular cercanía con
el arte japonés que se advierte en los detalles marginales de los ejemplares que le pertenecieron. Su
serie de 24 tablas de la Conquista de México tiene pintados al reverso aves y árboles cuyo planteamiento
recuerda a unos biombos japoneses pintados, de la escuela Kano, de cuya circulación en Nueva España
no había evidencias fehacientes. Asimismo, su biombo enconchado, que representa los Sitios de Viena y
Belgrado y al reverso una escena de Montería, exhibe en la base cierto parecido con las lacas japonesas
de época Edo, ajeno a los otros enconchados conocidos. Estas características sugieren un afán de lucimiento
personal peninsular a partir de la familiarización con el arte japonés, filtrado por el novohispano.

José de Sarmiento y Valladares’ -Last Viceroy from the House of Habsburg in New Spain and
Count of Moctezuma by first marriage- enconchados are particularly close to Japanese art, as it can be
seen on the details of enconchados that belonged to him. The back of Sarmiento’s 24-panel series on
the Conquest of Mexico depicts birds and trees that remind us of some Japanese painted folding screens
from the Kano school. Likewise, Sarmiento’s enconchado folding screen, which depicts the Sieges of
Vienna and Belgrade and a hunting scene on the back, shows resemblance on its bottom to Japanese
Edo lacquer, something foreign to all other enconchados. These peculiarities suggest a desire for personal
recognition in Spain coming from the resemblance of New Spain enconchados with Japanese art.

El presente trabajo intenta comprobar la aplicación del tratado de La Varia conmensuración de la arquitectura y piezas de la iglesia escrito por Juan de Arfe y Villafañe en la obra novohispana. Esto se llevará acabo mediante el análisis de conmensuración a tres cruces procesionales virreinales de principios del siglo XVIII, con el propósito de establecer dichas relaciones y con ello comprobar su uso y aplicación. A partir de ello se hace una pro- puesta de la vigencia e importancia que tuvo la proporción en este tipo objetos para la acepta- ción de las formas.

El objetivo del presente trabajo, desde una perspectiva hermenéutica, literaria, histórica cultural y del arte, es explicar las esferas del discurso emblemático y los relieves entre dos visiones artísticas, que transitan por diferentes vías de comunicación, en las que permiten mostrar funciones metafísicas, pedagógicas y artísticas alrededor de la figura de Carlos III. Las exequias reales al monarca Carlos III en la Nueva España fueron expresiones culturales, artísticas y políticas que refrendaron el sentir de una época, mediante su propia visión ante el mundo: de un barroco anclado a los procesos ideales de la tradición, frente a un neoclasicismo para anteponerse a los modelos novísimos de su tiempo, así, igualarse ante las expresiones de mayor calado en un Occidente que sentía ya un latir ilustrado. Menester es precisar, no hubo un túmulo carolino totalmente barroco, como sí lo hubo neoclásico, aunque algunos de ellos guardaron rasgos del barroco, como atisbos de la tradición.

Análisis de un biombo novohispano (Los Angeles County Museum of Art) del siglo XVII que representa un mitote (danza de Moctezuma), desposorio indígena y un  palo volador,  junto a otros ritos festivos de origen prehispánico como el juego de pelota. Este estudio examina varias imágenes y fuentes textuales (muchas inéditas) con el fin de contextualizar la pervivencia de dichas tradiciones durante la colonia y su posible interpretación por los diversos grupos que componían la sociedad virreinal.

Este artículo llama la atención sobre la importancia de los retablos para el culto eucarístico. El caso que se analizará es el retablo de san Francisco Javier en el templo del noviciado jesuita de Tepotzotlán, hoy Museo Nacional del Virreinato. El manifestador de ese retablo -la exposición de la hostia consagrada- tiene una pintura de la Virgen de Guadalupe, que se ocultaba y desaparecía cuando la Eucaristía se manifestaba. Este artículo discute la posibilidad que el ángel a los pies de la Guadalupana haya sido identificado con el arcángel Miguel.

This article draws attention to the importance of altarpieces for Eucharistic worship. The case that will be analyzed is the altarpiece of San Francisco Javier in the Jesuit novitiate temple of Tepotzotlán, today at the Museo del Virreinato. The altarpieces’ ostensory, —monstrance of the con- secrated host— holds a painting of the Virgin of Guadalupe, that appeared and disappeared when the Eucharist manifested itself. This article proposes the angel at the feet of the Guadalupana might have been identified with the archangel Michael.

CONTRERAS-GUERRERO, Adrián. “El Lagar Místico. Sobre las derivaciones americanas de un tema medieval”. Cuadernos de Arte (Granada), 48 (2017), pp. 27-49. ISSN 0210-962X.

El significado del Lagar Místico fue enriqueciéndose desde su nacimiento en el contexto medieval europeo hasta que cruzó el Atlántico para quedar repartido por numerosos museos y templos de toda Iberoamérica. En ese proceso de codificación de la imagen, se impuso un modelo concreto de Lagar entre la gran variedad de versiones que había tenido hasta entonces, sirviendo como herramienta
vehicular para su propagación el grabado flamenco tan en boga en la pintura virreinal del momento. El presente texto conecta entre sí todos los discursos sociales, teológicos y artísticos que alumbraron tan poderosa imagen.

La representación pictórica del ámbito monjil ocupa un importante capítulo en la historia del arte mexicano; ejemplo de ello son las obras que aluden a la ceremonia de profesión, ya sea a manera de exaltación alegórica o de registro legitimador. En esta ocasión se presenta una revisión de una selección de imágenes relativas a la orden de las carmelitas descalzas, revisando los valores e historias que respaldaron su ceremonia
de profesión, así como su traducción a nivel visual. Se expondrán las características iconográficas de obras creadas principalmente durante el siglo xviii, así como sus referentes simbólicos fundamentales, en contraste con el modelo establecido para la vida al interior de la clausura de los conventos virreinales carmelitanos, de acuerdo con las estipulaciones y paradigmas fundamentales de la reforma teresiana.
Palabras clave: monjas, carmelitas descalzas, ceremonia de profesión, desposorio místico, matrimonio espiritual, pintura virreinal, flores, jardín, huerto cerrado.

"Además de los espacios de creación de las ideas (…), en la época moderna existieron canales de difusión muy efectivos, como la imprenta y el comercio de libros. La comunicación se dio en distintos ámbitos: el arte, la literatura, la prensa y la lingüística. Los acervos bibliográficos de los letrados han evidenciado que la conformación de conjuntos de obras permite conocer el pensamiento de sus poseedores. El caso de Melchor Pérez de Soto, maestro mayor de la catedral de la Ciudad de México, ha sido estudiado por Cristina Ratto, quien presenta aquí una comparación entre este acervo y el de otro arquitecto, Juan de Herrera, quien servía a Felipe II. La autora plantea que en el siglo XVII los arquitectos cambiaron su estatus de artesanos a artistas, verdaderos hombres de letras, concluyendo que este proceso está estrechamente vinculado con la producción de libros e imágenes impresas."
Adriana Álvarez Sánchez (coord.), Conocimiento y Cultura. Estudios Modernos en la Facultad de Filosofía y Letras, México, Universidad Nacional Autónoma de México, Dirección General de Asuntos del Personal Académico, Facultad de Filosofía y Letras. 2016, pp. 14-15

Abstract: Traditionally, nanban art has been seen as a simple product of exchanges between Japan, Portugal and Spain. The historiography tends to solely focus on artistic contributions of the Society of Jesus due to the foundation of a painting school in Japan. Thereby, the relevance of the Indo-Portuguese route in the cross-cultural history has been emphasized. However, the research advances of the last decades identify that nanban works consist of artistic inheritances from diverse regions of the world which were connected through the Portuguese and Spanish transoceanic routes. Similarly, Japanese nanban art influenced the artistic productions on the other side of the world. In summary, nanban art cannot be understood without taking into account its global implications. This paper clarifies the changes in epistemological understanding of nanban art, and its redefinitions through a historiographical review. This work also shows the important role of Spanish America in the artistic exchange mechanisms; these interactions occurred reciprocally. Therefore, the New World was one of the regions where Japanese art significantly influenced local productions. To exemplify this phenomenon, we address the influence of nanban art on the mural painting The great martyrdom of Japan in 1597 in Cuernavaca, Morelos, Mexico.

Resumen: Tradicionalmente, el arte namban ha sido visto como un simple producto de intercambios entre Japón, Portugal y España. La historiografía tiende a centrarse únicamente en las contribuciones artísticas de la Compañía de Jesús por establecer una escuela de pintura en Japón. De este modo, se ha enfatizado la relevancia de la ruta indo-portuguesa en la historia intercultural. Sin embargo, los avances de investigacion en las ultimas décadas identifican que las obras namban se conforman de herencias artisticas de diversas regiones del mundo que estaban conectadas a traves de las rutas transoceanicas portuguesa y espanola. De igual modo, el arte namban japones influyo en las producciones artísticas del otro lado del mundo. En resumen, el arte namban no puede entenderse sin tener en cuenta sus implicaciones globales. Este articulo dilucida los cambios en la comprensión epistemologica del arte namban y sus redefiniciones mediante una revision historiografica. Tambien resalta la importancia de America hispanica en los mecanismos de intercambio artistico. Estas interacciones se dieron de manera mutua, ya que el Nuevo Mundo es una de las regiones donde el arte japones tuvo una influencia significativa en las producciones locales. Para ejemplificar este fenomeno, este trabajo aborda la influencia del arte namban en la pintura mural El gran martirio de Japon en 1597 en Cuernavaca, Morelos, Mexico.

Este texto plantea que en los siglos XVII y XVIII, los novohispanos se familiarizaron en los ámbitos privados con los objetos “chinos” y “achinados” mediante un proceso común de “domesticación”, que involucró obras asiáticas, así como novohispanas y europeas. El estudio se concentra tanto en la producción como en el consumo de las lacas chinas y achinadas del siglo XVIII. Se presta especial atención a los ejemplares achinados de técnica europea, así como al papel que desempeñaron los biombos en el fenómeno del maque achinado. A partir de un análisis documental, así como de algunos objetos conservados, se demuestra que el fenómeno del maque achinado de ningún modo se restringió a las lacas asiáticas y las novohispanas de técnica prehispánica, sino que tuvo una importante y hasta ahora poco estudiada diversificación en cuanto a técnicas, centros de producción y precios.

Este texto plantea que en los siglos XVII y XVIII los novohispanos se
familiarizaron en los ámbitos privados con los objetos “chinos” y
“achinados” mediante un proceso común de “domesticación”, que
involucró obras asiáticas, así como novohispanas y europeas. El estudio
se concentra tanto en la producción como en el consumo de las
lacas chinas y achinadas del siglo xviii. Se presta especial atención
a los ejemplares achinados de técnica europea, así como al papel
que desempeñaron los biombos en el fenómeno del maque achinado.
A partir de un análisis documental, así como de algunos objetos
conservados, se demuestra que el fenómeno del maque achinado
de ningún modo se restringió a las lacas asiáticas y las novohispanas
de técnica prehispánica, sino que tuvo una importante y hasta ahora poco estudiada diversificación en cuanto a técnicas, centros de
producción y precios.

This paper argues that during the 17th and 18th centuries, “Chinese”
and “Chinese style” objects became familiar in New Spanish domestic
settings by means of a process of “domestication” that involved Asian,
as well as New Spanish and European works. The article focuses on
both the production and the consumption of Chinese and Chinesestyle
lacquer ware from the eighteenth century. Special attention is
paid to Chinese-style lacquers made following European techniques,
as well as to folding screens and their role in the Chinese-style lacquer
phenomenon. On the basis of documentary analysis, as well as
on the study of several preserved objects, this paper demonstrates that
the Chinese-style lacquer phenomenon was not restricted to Asian
and New Spanish lacquers of pre-Hispanic technique, but linked to
various works in terms of techniques, production centers, and prices.