Romantismo

Resumo:
  Pretendemos  neste  artigo  acompanhar  a  produção  poética  de  António  Feliciano  de  Castilho  (1800-1875)  buscando  ressaltar  os 
posicionamentos estéticos e éticos que assumiu em cada momento de
sua  vida  marcada  pelas  constantes  mudanças  políticas  e  sociais  que  ocorreram em Portugal.

Palavras-chave:
António Feliciano de Castilho; poesia; romantismo.

Exame do conhecido ensaio de Santiago Nunes Ribeiro, " Da nacionalidade da literatura brasileira " (1843), com o objetivo de surpreender aí o seu ponto de vista historicista, romântico ao pé da letra, na medida em que toma a noção de crítica como algo que emana da própria obra literária. Palavras-chave:história da literatura; Romantismo; Santiago Nunes Ribeiro.
Abstract: This is an examination of the well-known essay of Santiago Nunes Ribeiro, " Da nacionalidade da literaturabrasileira (1843), with the purpose of observing its historicist perspective, genuinely romantic, in the sense that it understands critic as something that emanates from the literary work itself.

RESUMO: Camilo Castelo Branco e Machado de Assis tiveram uma formação no contexto da cultura e da estética românticas. No entanto, os autores de Coração, Cabeça e estômago e de Memórias póstumas de Brás Cubas recorrem a um variado conjunto de procedimentos discursivos (do humor e da sátira à paródia), exorcizando o fantasma do romantismo, em particular alguns "malefícios" da degenerescência de estafados códigos tardo-românticos. Através de uma tensa estética da ironia, e situando-se ambígua e criticamente entre-dois mundos -a herança romântica e a renovação realista-naturalista -, é manifestamente redutora a classificação de "romântico" e de "realista" aplicada a cada um destes escritores.

A Fábrica de Cerâmica e Fundição das Devesas foi a maior e a melhor do género em Portugal, fruto da astúcia e dinamismo do seu fundador, António Almeida da Costa, e do talento dos seus artistas, dirigidos por José Joaquim Teixeira Lopes. Das várias oficinas deste complexo fabril, situadas em Vila Nova de Gaia, no Porto e na Pampilhosa do Botão, saíram incontáveis estátuas, vasos, ornamentos para telhado, azulejos de variados tipos e padrões, mosaicos, louça sanitária, figuras de costumes, grades e portões, entre muitos outros artefactos decorativos, além de materiais de construção. O sucesso do modelo empresarial passou, em grande medida, pela edição de catálogos ilustrados. Nesta obra, publica-se integralmente o célebre catálogo de 1910 da Fábrica das Devesas e apresentam-se imagens de outros catálogos mais antigos, alguns dos quais muito raros, sendo abordada a história de peças emblemáticas e a maneira como a fábrica usou a publicidade ao longo de décadas.

A presente comunicação tem por objetivo discutir algumas marcas de alteridade presentes na tragédia Medeia (431 a.C.), de Eurípides, numa perspectiva comparada. O bárbaro, o estrangeiro, o lugar da mulher ecoaram no mestrado a partir do diálogo proposto entre Eurípides e Clara de Góes na peça Medea en Promenade (2012). Jocy de Oliveira, também inspirada no mito, em Kseni – a estrangeira (2004/2005), resgata a figura que, casada com Jasão, é trocada por uma princesa e banida de Corinto. Para Jocy, Medeia é símbolo da mulher "transgressora, desterrada, imigrante, denegrida, discriminada", que "preferiu levar em seu carro de fogo a alma de seus filhos mortos a deixá-los como parte de um mundo que lhe havia negado o direito de ser diferente".
PALAVRAS-CHAVE: Exílio. Medeia. Travessia.

Resumo:
O objetivo desta comunicação é fazer uma breve análise da influência do movimento de reforma religiosa iniciado no século XVII, denominado Pietismo, sobre os pensamentos de Johann Georg Hamann (1730-1788) e Søren Aabye Kierkegaard (1813-1855) e suas consequências nos desdobramentos dos movimentos intelectuais dos séculos XVIII e XX, a saber, Romantismo e Existencialismo, respectivamente. Tendo em vista, que as ideias elaboradas por esses pensadores têm sido consideradas propulsoras desses movimentos. O pietismo foi uma reação contra o confessionalismo racionalista e enfatizava a profundidade e sinceridade da fé pessoal e a união direta com Deus, que poderia ser alcançada por meio de um escrupuloso autoexame. Hamann, foi criado em um ambiente pietista, assim como muitos intelectuais de sua época, mas o pietismo de Hamann se distinguia em muitos aspectos daquele defendido por pietistas ortodoxos, baseado em uma ênfase exagerada na emoção e no ódio ao saber. Entretanto, o seu antirracionalismo pode ser considerado uma herança pietista. Kierkegaard, considerado algumas vezes como o discípulo mais brilhante que Hamann possuiu, teve uma infância moldada pelas inclinações pietistas de seu pai, que era um membro proeminente da sociedade moraviana de Copenhague. Assim como Hamann, a influência do pietismo em Kierkegaard não é isenta de críticas, por outro lado, pode-se perceber que a ênfase do pensador dinamarquês na subjetividade e na verdade como apropriação, são heranças desse movimento, bem como os seus Discursos edificantes se aproximam muito ao gênero de escrita dos pietistas. Hamann e Kierkegaard, encabeçam, ainda que indiretamente, dois grandes movimentos intelectuais e suas influências podem ser vistas em algumas características comuns a esses movimentos. A ênfase dos românticos na vontade e não na razão, e suas críticas a padronização da vida e o elogio do gênio, parecem uma herança do “Mago do Norte”. Do mesmo modo, a ênfase dos existencialistas na existência em contraposição a essência, bem como as temáticas relacionadas a subjetividade, angústia, liberdade e absurdo, são uma herança kierkegaardiana. Assim, reconhecendo que Hamann e Kierkegaard desenvolveram suas obras sob o influxo do pietismo, pode-se dizer que o pietismo indiretamente é a raiz comum de onde brota a seiva que dará origem a esses movimentos.

Palavras-chave: Hamann. Kierkegaard. Pietismo. Romantismo. Existencialismo.

Este estudo pretende ser uma primeira abordagem aos sonetos de Bocage, que constituem um documento da sua vida e tormentos da alma, como se de um diário íntimo se tratasse, destacando-se as suas características inovadoras que marcaram os alvores do movimento romântico na literatura portuguesa, assim como dar a conhecer o poeta, mais famoso pelo anedotário popular do que pelo valor da produção poética.

Abstract: The present study proposes a translation of the Vikingen poem by Erik Gustav Geijer from Swedish into Portuguese. We also inserted an initial contextualization of the author and the poem, followed by a brief analysis of the literary source, especially from a diachronic and synchronic point of view (listing the main stereotypes related to the Viking theme), establishing some elements of the Swedish nationalism of the period.
Resumo: O presente estudo propõe uma tradução do poema Vikingen de Erik Gustav Geijer do sueco para o português. Inserimos também uma contextualização inicial do autor e do poema, seguida de uma análise breve da fonte literária, especialmente de um ponto de vista diacrônico (elencando os principais estereótipos relacionados com a temática do Viking) e sincrônico, estabelecendo alguns elementos do nacionalismo sueco do período. Palavras-chave: Viking; Escandinávia Medieval; Recepção literária; Romantismo e Nacionalismo.

O objetivo deste trabalho é questionar a imagem cristalizada da ficção de Camilo Castelo Branco, usualmente polarizada em passional-satírico, lágrima-riso, sério-cômico, ou, em termos camilianos, coração-estômago, procurando mostrar que romances de classificações distintas podem ter mais semelhanças do que aparentam. Para isso, analisaremos a mais famosa obra de Camilo e principal representante da chamada tendência passional, Amor de Perdição, e um dos mais importantes exemplares da tendência satírica, Coração, Cabeça e Estômago, além de uma obra menos conhecida e de definição controversa, O Que Fazem Mulheres, ressaltando neles a mistura do sério e do cômico. Assim, buscaremos enfocar no que acreditamos ser uma característica comum nos três romances: o diálogo crítico de Camilo com os discursos ideológico-culturais e literários de seu tempo, construído através da paródia e do comentário metaliterário. Dessa forma, tencionamos propor uma reflexão sobre a estética camiliana, cujos recursos literários que produzem a quebra da tensão dramática podem ser aproximados do efeito de distanciamento utilizado por Bertolt Brecht em seu teatro épico. Finalmente, é nosso intuito discutir que, devido ao seu olhar distanciado, Camilo pode ser associado à tradição da sátira menipéia, cujos meios e fins são distintos da sátira de cunho moral.

The objective of this work is to question the crystallized image of Camilo Castelo Branco’s fiction, usually polarized in passionate-satirical, tear-laughter, serious-comic, or, in camilian terms, heart-stomach, trying to show that novels of distinct classifications may have more similarities than they look like. In order to show it, we will analyze the Camilo’s most famous work and main representative of the so-called passionate tendency, Amor de Perdição, and one of the most important exemplars of the satirical tendency, Coração, Cabeça e Estômago, and also a less known work, of controversial definition, O Que Fazem Mulheres, giving prominence to the mixture of the serious and the comic at them. Thus, we will attempt to focus in what we believe that is a common characteristic in the three novels: Camilo’s critical dialogue with the ideological-cultural and literary discourses of his time, constructed through parody and metaliterary comment. Therefore, we intend to propose a reflection about the camilian aesthetics, which literary resources that produce the break of dramatic tension may be approximated to the estrangement effect used by Bertolt Brecht in his epic theater. Finally, it is our aim to discuss that, due to his distanced gaze, Camilo may be associated to the tradition of menippean satire, which means and ends are distinct of the moral type satire.

O presente trabalho pretende delinear a noção de Panpsiquismo no projeto filosófico de Gustav Theodor Fechner, especialmente a partir da análise do livro Über die Seelenfrage, de 1861. Para isso, o artigo repõe em linhas gerais a questão das relações entre seu projeto filosófico e a Psicofísica, uma vez que as interpretações clássicas sobre Fechner geralmente enxergam essas duas competências como separadas. Em segundo lugar, o artigo situa questões históricas sobre Fechner e a Psicologia (e sobre filosofia e ciência), bem como a importância da Naturphilosophie em seu projeto. Finalmente, passa-se à análise dos argumentos de Fechner em defesa do Panpsiquismo e analisam-se novamente as relações entre essa visão e a Psicofísica. *** *** *** *** *** *** *** The present work analyses the concept of Panpsychism considering Gustav Theodor Fechner's philosophical project, especially fo- cusing on his 1861 book Über die Seelenfrage. To accomplish this purpose, the article firstly out- lines the links between his philosophical project and Psychophysics, considering that several classic interpretations of Fechner’s writings often considers these two subjects as separate. Secondly, the article situates some historical questions on Fechner and Psychol- ogy, as well as his perspectives on philosophy and science, and including his interpretation of Naturphilosophie. Finally, the article analyses Fechner’s arguments defending Panpsychism and looks again at the relationships between this view and Psychophysics.

Como tantas outras categorias fundamentais de nossa cultura, o termo "romantismo" padeceu de uma enorme extensão e banalização desde seu surgimento, entre os séculos XVIII e XIX. Muito já se escreveu sobre os meandros dessa história, cheia de revelações sobre nossa estrutura ideológica. Há uma obra canônica de Isaiah Berlin, que perscruta de modo bem cuidadoso e empirista essa polissemia desafiadora (cf. Berlin, 2001).

A ciência, que por sua natureza devia mudar completamente na essência, e na forma, com essa transformação, era a história. Até nossa época ela foi exclusivamente a ciência dos fatos especiais e do individualismo: hoje a sua tendência é esquecer os indivíduos para contemplar as sociedades, na sua vida composta de milhões de vidas. E ainda nós, caminheiros do progresso, fazemos só metade da peregrinação, antes de nos irmos a repousar na terra: a história das sociedades não é mais do que a passagem para a verdadeira história -a do gênero humano. (A. Herculano -RUL de 28/10/1841) 2 Quando alguém se debruça sobre o período liberal em Portugal, fica aturdido com as transformações sociais que ocorriam, as ideias que fervilhavam, as revoltas e contra-revoltas que se sucediam em pouco tempo e também fica um pouco confuso com a postura de certas figuras daquela época, que uma hora parecem inclinar-se para um lado, para pouco depois assumir posição diversa. Afinal, a primeira metade do século XIX em Portugal foi profusa em revoltas, revoluções, golpes e pronunciamentos, numa constante batalha entre a sociedade antiga, absolutista, e a liberal, constitucional, na qual também concorriam doutrinas e ideias diversas sobre qual seria a melhor forma de liberdade para o país.

A Sereia é uma das várias novelas passionais escritas por Camilo Castelo Branco. Este tipo de narrativa camiliana é caracterizado pelo conflito entre os protagonistas que pretendem viver o seu direito a amar e as regras impostas quer pela família, quer pela sociedade, quer mesmo pela religião. Daqui resulta uma narrativa plena de processos que visam demonstrar e intensificar o sofrimento resultante da situação, que não raro termina com a morte dos heróis. A Sereia tem ainda a característica de ter como fonte um manuscrito do século XVIII, descoberto no princípio do século XX. O objectivo do nosso trabalho é analisar a construção do trágico nesta novela, não descurando nem a tradição grega, nem a tradição romântica da tragédia.
O estudo encontra-se estruturado em dois capítulos fundamentais: no primeiro, ter-se-á em conta as questões teóricas do estudo da tragédia e do trágico, na tradição grega e na tradição romântica, separadamente; no segundo capítulo, a atenção recairá sobre o estudo d’A Sereia. Atentar-se-á primeiramente no narrador, bem como na condução de leitura que este realiza e os processos utilizados para comprovar a verdade do que narra. Outros elementos exteriores às categorias trágicas, mas que auxiliam na construção do trágico, serão analisados, como os paratextos da novela camiliana. Seguidamente, analisaremos quatro categorias trágicas e a construção destas na novela dada à estampa em 1865.

A Sereia is one of the several passion novels written by Camilo Castelo Branco. This kind of camilian narrative is characterized by the conflict among its characters, wishing to live their right to love and the rules imposed either by relatives, the society or religion. Based on this arises a narrative filled with processes which aim to demonstrate and intensify the suffering of the situation, that most of the times ends with the death of the main characters. A Sereia has also the peculiar aspect of having as source a manuscript of the 18th century, found in the beginning of the 20th century. The goal of this essay is to analyse the building of the tragedy in this novel, without forgetting neither the Greek, nor the Romantic tragedy.
The essay is structured in two main chapters: on the first, we will take into account, theoretical aspects regarding the study of the tragedy and tragic, both in the Greek and Romantic tradition separately; on the second chapter, our attention will focus on the study of A Sereia. We will concentrate our interest on the narrator, as well as on the way he leads the reading and the processes used to prove that what he says is true. Other unconnected aspects with the tragic categories, but which help in the construction of tragic, will be taken into account, as paratexts of the camilian novel. Afterwards, we will analyse four tragic categories and their construction in Camilo’s novel.

Panorama da balada (poema narrativo curto) no Romantismo português. Cronologia do movimento baladístico. Principais autores e suas baladas. Baladas mais republicadas. Necessidade de estudar as baladas, parte numerosa e, não obstante, mal conhecida da poesia romântica portuguesa

No início do século XX, a psiquiatria brasileira foi caracterizada por controversos métodos de tratamento, como a eletroconvulsoterapia, as psicocirurgias e o coma insulínico. Em 1946, a médica alagoana Nise da Silveira ocupou a linha de frente na crítica a esse modelo terapêutico por meio da criação de um ateliê criativo no antigo Centro Psiquiátrico Nacional, na zona norte carioca. O artigo examina os fundamentos do projeto médicocientífico de Nise da Silveira a partir de fontes documentais e de pesquisa de campo no grupo de estudos do Museu de Imagens do Inconsciente, mantido por seus discípulos. Sustenta-se que seu pensamento constitui uma recusa aos pressupostos do fisicalismo e do mecanicismo, aproximando-se das ontologias vitalistas e românticas.

O livro de A. Carneiro Leão, Victor Hugo no Brasil, publicado em 1960, pela José Olympio Editora, é ainda uma referência obrigatória para quem queira estudar o impacto que a obra do grande poeta, dramaturgo e romancista francês causou nos nossos escritores do século XIX. Impressiona o volume das traduções de seus poemas e romances, bem como a qualidade dos tradutores, entre eles Gonçalves Dias, Machado de Assis e Artur Azevedo. E que dizer do grande número de poetas que se deixaram influenciar por sua dicção, a começar pelo nosso extraordinário Castro Alves?

Resumo
Neste artigo são abordados aqueles que consideramos ser os mais antigos exemplos, em Portugal, de retratos de matriz fotográfica especificamente destinados à colocação em túmulos. Em suporte de porcelana, e retocados, subsistem poucos destes retratos, cuja execução se deve a Albino Barbosa, artista praticamente ignorado na História da Arte Portuguesa, sobre quem apresentamos alguns contributos para a sua biografia.

Abstract
This paper addresses the oldest examples of Portuguese photographic type portraits, conceived for cemeteries.
Porcelain made and retouched, there are still a few of these portraits by Albino Barbosa – an artist almost ignored in the Portuguese Art History – about whom we present some biographical notes.

Resumo: O presente trabalho tem como objetivo realizar uma leitura do poema dramático Prometheus Unbound (1820), de Percy Bysshe Shelley, e apresentar uma tradução poética completa da peca, ainda inédita em português. Descrevendo minuciosamente, ato por ato, o curso de ação do poema e os moldes míticos e dramáticos sobre os quais ele se baseia, procuramos explicitar o modo como algumas das questões mais recorrentes da obra poética de Shelley se manifestam na peca, encontrando nela sua expressão definitiva. Mais do que um exercício de releitura de Esquilo, como queremos demonstrar, Prometheus Unbound representa uma visão do reconhecimento e da superação humana dos conflitos referentes ao poder politico, que tem como base as falhas inerentes da própria linguagem humana (e que dão vazão ao discurso ideológico "morto e mortificante"), tais como reconhecidas por Shelley - bem como por pensadores posteriores como Nietzsche, Freud, Mallarme e Saussure, além de outros poetas dos séculos XX e XXI. Com isso em mente, justificando a relevância continuada do poeta através da exploração dessa temática moderna persistente, foi elaborado e realizado o projeto de tradução do poema, visando recriar, em português, não apenas os mecanismos linguísticos que elucidam essas questões conceituais, como também o virtuosismo formal do poeta.

Abstract: The objectives of the present work are to perform a reading of Percy Bysshe Shelley's dramatic poem Prometheus Unbound (1820) and present a complete poetic translation of the poem, still unavailable in Portuguese. By thoroughly describing, act by act, the poem's course of action and the mythical and dramatic molds on which it is based, we sought to make explicit the way some recurrent questions in Shelley's poetic work are manifest in the drama, finding in it their definitive expression. More than an exercise in rereading Aeschylus, as we seek to show, Prometheus Unbound represents a vision of the human recognition and overcoming of conflicts referring to political power, based on the inherent flaws of human language itself (which allow the "dead and deadening" ideological discourse), as recognized by Shelley - as well as by later thinkers such as Nietzsche, Freud, Mallarme and Saussure, besides other XX and XXI century poets. With that in mind, justifying the poet's continued relevance through the exploration of this persistent modern theme, we carried out the project of translating the poem, aiming at recreating, in Portuguese, not only the linguistic mechanisms that elucidate these conceptual questions, but also the poet's formal virtuosity.

Este estudo investiga as raízes do ideal republicano de Davi Moreira Caldas, um dos mais significativos jornalistas piauienses do século XIX. Para tanto, analisam-se as edições de O Amigo do Povo, compreendidas entre os anos de 1868 e 1870, constantes no acervo Memória do Jornalismo Piauiense, plataforma virtual mantida pelo Núcleo de Pesquisa em Jornalismo e Comunicação, da Universidade Federal do Piauí. Lançam-se hipóteses acerca das ideias que estavam por trás da atuação desse intelectual no exercício jornalístico e político, cujos princípios e bandeiras o conduziram a posicionamentos para muito além da vinculação partidária, aproximando-o, com o passar dos anos, a uma tomada de consciência social contra os privilégios das elites e suas consequentes arbitrariedades na província. Apesar de o corpus principal ser as edições do referido periódico, deu-se atenção ainda a outros veículos de imprensa do mesmo recorte histórico, tanto do Piauí como de outras partes do Brasil, a fim de visualizar a rede de relações estabelecida pelo jornalista no período. As interpretações e os dados são iluminados por estudos do campo historiográfico, sociológico, político e filosófico, que permitiram entender as transformações operadas nos discursos, sobretudo liberais, entre a conduta antimonárquica e republicana a uma sensivelmente social. ABSTRACT: This study investigates the roots of the republican ideal of Davi Moreira Caldas, one of the most significant journalists of Piaui in the 19th century. Therefore, we analyze the editions of O Amigo do Povo, edited between the years of 1868 and 1870, which are included in the archive collection named Memory of Piaui’s Journalism, a virtual platform maintained by the Center for Research in Journalism and Communication, at the Federal University of Piauí. Hypotheses are launched about the ideas that were behind the performance of this intellectual man in the journalistic and political exercise, whose principles and positions have led him to far beyond party ties, bringing him, over the years, to a social awareness against the privileges of elites and their consequent arbitrariness in the province of Piaui. Although the main corpus is the editions of the aforementioned periodical, attention was also given to other press vehicles of the same historical profile, both from Piauí and other parts of Brazil, in order to visualize the network of relationships established by the journalist in the period. Interpretations and data are enlighted by studies in the historiographic, sociological, political and philosophical fields, which allowed us to understand the transformations made in the speeches, especially liberal ones, between the antimonarchical and republican conduct to a sensibly social one.

The narrative Maria! Não Me Mates, Que Sou Tua Mãe!, published anonymously by the Portuguese writer Camilo Castelo Branco in 1848, continues to seduce listeners and readers with very different backgrounds and tastes. This text, one of the first prose works by the author of the famous romantic novel Amor de Perdição (1862), appeared in a cordel pamphlet. Its great success is demonstrated by the numerous editions published between 1848 and 1852. In this article, I interpret this work in the context of Camilo’s literary production and Portuguese and European culture of the mid-nineteenth century.
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A narrativa Maria! Não Me Mates, Que Sou Tua Mãe!, publicada pelo escritor português Camilo Castelo Branco, sob anonimato, em 1848, tem seduzido até hoje ouvintes e leitores com formações e gostos muito diferentes entre si. Este texto, uma das primeiras obras em prosa do autor da célebre novela romântica Amor de Perdição (1862), surgiu em folheto de cordel. O seu grande sucesso pode avaliar-se pelas várias edições que teve logo entre 1848 e 1852. Neste artigo, procuro compreender esta obra no contexto da produção literária de Camilo e da cultura portuguesa e europeia de meados do século XIX.

O ultra-romantismo português e brasileiro produziu dois poetas que possuem convergências e divergências, na medida em que refletem as contradições de uma época instável, marcada pela consolidação das mudanças iniciadas pelas revoluções dos setecentos e vivenciadas de maneiras distintas nos dois países. Comparar as obras de Soares de Passos e Álvares de Azevedo é uma tentativa de desvendar o pensamento de um período heterogêneo, multifacetado e mais complexo do que aparenta ser.

Portuguese and Brazilian ultra-romanticism produced two poets that have convergences and divergences, once they reflect the contradictions of an instable time, marked by the consolidation of the changes introduced by the 18 th century revolutions and experienced in distinct ways in both countries. Comparing Soares de Passos and Álvares de Azevedo's works is an attempt of uncovering the thought of a period that is heterogeneous, multifaceted and more complex than it looks like.

La antropología y el psicoanálisis son analizados aquí como herederos de la tradición filosófica romántica en la voluntad común de dar lugar a una comprensión integral de la experiencia humana, a diferencia de las ambiciones biomédicas de una causalidad corporal lineal. Los principios fundamentales de la cosmovisión romántica (totalidad, flujo vital, pulsión, diferencia, singularidad, experiencia y comprensión subjetiva) son revisados y comparados con los principios más básicos de ambas disciplinas, en particular en relación con la interpretación que se desprende de una intensa experiencia subjetiva, como la presente en el trabajo de campo antropológico y en el contexto clínico psicoanalítico. El desafío actual de la neurociencia y las neuroculturas a este horizonte interpretativo se contrasta con el diálogo positivo posible entre la antropología y el psicoanálisis en la comprensión de los procesos subjetivos em una perspectiva transgeneracional.

Autor: Fernando Vidal Variani ​

Sinopse: 
A intenção deste trabalho é fornecer uma proposta de leitura que percorra a obra do autor português Álvaro do Carvalhal (1844-1868), incluindo a coletânea de seus Contos (1868) e a peça O Castigo da Vingança! (1862). As linhas que orientam o percurso aqui desenvolvido são as representações de ideais amorosos e eróticos em diálogo tanto com as teorias do fantástico quanto com as do grotesco, delineando, a partir disso, o caráter ambíguo e contraditório da totalidade da obra de Carvalhal.

Editora: Peripécia (2019)

ISBN: 978-85-7221-009-6 (eBook PDF) 
978-85-7221-008-9 (Brochura) 

DOI: 10.31560/pimentacultural/2019.096 

Apesar do estatuto de proa na nossa literatura oitocentista, João Penha (1839-1919) foi sendo votado, ao longo dos anos, a um tácito e perverso esquecimento. Esta edição crítico-genética das suas obras vem preencher uma lacuna importante na nossa bibliografia, repondo em análise um autor com importância histórico-cultural, reunindo milhares de documentos dispersos ou em risco de perecerem e finalmente disponibilizando os textos à comunidade - académica e não só - que aqui encontrará materiais bastos para a elaboração ensaística.
Poeta de recorte eminentemente pessoal, João Penha inscreve-se com originalidade nas correntes estéticas do tempo em que viveu, e por isso a sua obra - aqui reunida pela primeira vez - se reveste de particular interesse, ao ilustrar exemplarmente a amálgama complexa que caracterizou as últimas décadas do séc. XIX e os primeiros anos da centúria seguinte.

Para comprar a obra (livro + CD-ROM), contactar: [email protected]

Link: http://repositorio.ul.pt/handle/10451/33834

RESUMO O texto apresenta cinco cenas sobre a melancolia e a depressão. As primeiras cenas buscam revelar o cenário moderno circundante à depressão e propõem uma discussão sobre a depressão associada às neuroses. A quinta cena trata da melancolia como quadro clínico específico, sua etiologia e clínica.

Sobre Carl Gustav Carus:
Carl Gustav Carus nasceu em 3 de janeiro de 1789 na cidade alemã de Leipzig. Seu pai, August Gottlob Carus, veio de uma família de comerciantes dedicada à tinturaria. Para receber uma melhor educação, o pai de Carus decidiu enviá-lo à casa dos avós maternos. Ali, ele receberia, até os 12 anos de idade, aulas domiciliares, bem como passou a admirar o seu tio, Daniel Jäger, naturalista que havia estudado química na França durante o efervescente período da Revolução Francesa. A paixão pela química e ciências humanas foi o legado do tio. Em suas memórias - Lebenserinnerungen und Denkwürdigkeiten -, publicadas em 1865, Carus relembra dos tempos felizes da infância em Leipzig, onde mantinha seus olhos atentos ao cotidiano da cidade, à igreja gótica local, ao mercado medieval, aos jardins e ao tribunal. 
Em 1804, iniciou a educação universitária. Botânica foi sua primeira opção. Assim como Rousseau, ele apreciava herborizar plantas desconhecidas. Depois de um tempo, se matriculou em zoologia, química e física. Mais tarde, em 1809, se formou na faculdade de medicina. Por um tempo, exerceu a docência na Universidade de Leipzig e a medicina no hospital Saint Jacob. Nesse período, há uma rica produção científica, como seu artigo Vorlesungen über einen Teil der vergleichenden Anatomie [Preleções sobre uma parte da anatomia comparada]. Em 1811, se dedicou à filosofia, tendo com o professor Friedrich Wilhelm Joseph Schelling.
Anos mais tarde, mudou-se para Dresden, fazendo parte de um grupo de pintores de paisagem junto com Caspar David Friedrich, seu amigo. Os quadros de Friedrich receberam especial relevo na redação das primeiras cartas de Neun Briefe über Landschaftsmalerei [Nove cartas sobre pintura de paisagem], da qual traduzimos a primeira carta como exercício de uma pesquisa de pós-doutorado realizado no departamento de Filosofia da Universidade de São Paulo, com apoio da Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP, processos nº 2017/12296-2 e 2018/19708-7) e supervisionada pelo Prof. Titular Marco Aurélio Werle.
Escrita de 1815 a 1824, mas publicada em 1831, a obra Briefe über Landschaftsmalerei estabelece, via teoria, história e filosofia da arte, uma conexão profunda e apaixonada do entendimento das categorias “natureza” e “pintura de paisagem”. As cartas podem ser divididas em dois grupos: as cinco primeiras descrevem a natureza em termos poéticos e religiosos. Há uma aproximação com a maneira de Friedrich representar a paisagem segundo a estética do Romantismo. Nesse aspecto, Carus se distancia do pensamento goethiano ou mesmo de paisagistas do classicismo, como Jakob Philipp Hackert, na medida em que o poeta acreditava que a pintura de paisagem deveria reproduzir com os objetos naturais e seus fenômenos particulares, não cabendo ao pintor comunicar na tela unicamente as aventuras da subjetividade, mas unificar empiria com emoção. Friedrich, ao contrário, apresentava um certo estado de ânimo ou atmosfera [Stimmung] que desafiava as preceptivas da pintura de princípios do século XIX. As quatro últimas cartas, ao contrário das iniciais, indicam a positiva interação entre ciência e sensibilidade, sintonizando-se com a heurística viva de Goethe e com os estudos da natureza de Alexander von Humboldt, amiúde citados nos textos. Em vez de subsumir a natureza desenhada em paisagem numa dimensão mística, como transcorre nas primeiras epístolas, Carus a relaciona à vida, ou como ele denominou, a pintura paisagem seria Erdlebenbildkunst, a representação artística da vida da terra.
A tradução que segue da primeira carta assume a categoria Stimmung como um dos fundamentos, senão o principal, de sua composição literária. Para Carus, é por meio de um certo estado de ânimo que o artista consegue exprimir, em formas, os segredos da natureza entendida como divina. Esta só se revela à alma sensível intimamente relacionada com a atmosfera envolvente. Outro aspecto abordado é a tríade poesia – música – arquitetura, três manifestações do sensível que anunciam a verdade da obra de arte e da natureza.

O livro aborda a formação do conceito de inconsciente de Freud e suas relações com outras noções de inconsciente desenvolvidas no século XIX. Seu objetivo geral é investigar as continuidades e rupturas que o conceito de inconsciente psicanalítico estabelece com outros discursos sobre o mesmo objeto. Nesse sentido, a obra apresenta o pensamento dos principais autores que, no século XIX, seja na filosofia, na medicina, nas artes ou na psicologia, trouxeram contribuições significativas para o campo dos discursos sobre o inconsciente, distinguidos em quatro diferentes tradições: cognitiva, romântica, dos impulsos irracionais e da primeira psiquiatria dinâmica. O livro aponta a influência de cada uma dessas tradições no pensamento freudiano referente ao inconsciente, além de promover uma análise dos primeiros textos de Freud visando identificar os sentidos que a noção de inconsciente assume na gênese do pensamento freudiano, dedicada então às questões referentes à histeria e à hipnose. A análise também indica os momentos em que Freud dá os primeiros passos rumo a uma concepção própria de inconsciente, proporcionada pela elaboração da teoria da defesa.

- Resumo -
No período que medeia entre o início do século XVIII e a eclosão da Primeira Guerra Mundial, a cultura ocidental foi especialmente marcada pela ideia de «progresso»: a crença na possibilidade de um melhoramento gradual da sociedade humana, quer através de um esforço consciente dos indivíduos, quer devido a leis espontâneas da História. As teorias do progresso que se desenvolveram nesta época admitiam que a Humanidade tinha vivido e continuaria a viver num avanço contínuo desde uma condição primitiva até um estado futuro. Ao longo da sua história, no contexto de diversos climas intelectuais, a ideia de progresso foi apropriada por inúmeros pensadores e sujeita a variados usos filosóficos, ideológicos e políticos, revestindo-se assim de uma importância especial para a compreensão da civilização ocidental.
Nas décadas que se seguiram à Revolução Francesa, e numa época em que os intelectuais procuravam pôr fim à desordem que reinava na Europa, a ideia de progresso desenvolveu-se em França no contexto do positivismo, doutrina que veio reivindicar a descoberta das leis da História. No programa comtiano para o progresso da Humanidade avultava a importância da transformação da sociedade por intermédio de uma regeneração mental e moral dos indivíduos, à qual se seguiria uma regeneração social e política. São precisamente estas dimensões que esta dissertação pretende explorar no discurso sobre música produzido por Ernesto Vieira (1848-1915) e Júlio Neuparth (1863-1919), duas personalidades que reflectiram e procuraram intervir em vários domínios do meio musical da sua época, uma inquietação à qual parece estar subjacente a ideia de progresso.
No primeiro capítulo é examinado o seu discurso sobre a música sinfónica, com o intuito de entender a intenção que está por detrás da promoção da música sinfónica e dos «mestres clássicos». As suas reflexões sobre a música sinfónica são reveladoras da importância que concediam a este tipo de música num processo de aperfeiçoamento da Humanidade. O segundo capítulo aborda o discurso sobre o ensino da música e as suas preocupações ao nível da pedagogia musical especializada. De facto, também à educação musical era atribuído um papel indispensável na construção da sociedade, pelo contributo que tinha a dar para a consciencialização cívica e para a elevação moral dos cidadãos. No terceiro capítulo analisa-se o seu discurso sobre a «classe musical» e sobre a condição social do músico. A protecção dos interesses da «classe musical» estava associada à convicção de que a sua emancipação era essencial para que também pudesse contribuir para o progresso. Finalmente, o quarto capítulo incide sobre a questão da procura de uma identidade especificamente nacional para a música portuguesa, nomeadamente por intermédio do recurso à tradição. A constituição de uma «música nacional» era encarada como algo central para se promover uma «consciência nacional», cuja existência era indispensável para que Portugal pudesse desempenhar o seu papel no progresso da Humanidade. Esta dissertação pretende fornecer uma contribuição não só para a biografia intelectual dos autores considerados, mas também para uma história intelectual da música em Portugal.

- Abstract -
In the period between the beginning of the 18th century and the outbreak of World War I, Western culture was especially marked by the idea of «progress»: the faith in the possibility of a gradual betterment of human society, either by means of the individuals’ conscious efforts, either due to spontaneous laws of history. The theories of progress that developed at this time admitted that humanity had lived and would continue to live in a continuous advance from a primitive condition to a future state. During its history, in the context of diverse intellectual climates, the idea of progress was appropriated by countless thinkers and subjected to various philosophical, ideological and political usages, acquiring a special importance to the comprehension of Western civilization.
In the decades that followed the French Revolution, at a time in which the intellectuals sought to put an end to the disorder that dominated in Europe, the idea of progress developed in France in the context of positivism, the doctrine that claimed to have discovered the laws of history. In the Comtian program to the progress of humanity stood out the importance of the transformation of society by means of the individuals’ mental and moral regeneration, which would be followed by a social and political regeneration. It is precisely these dimensions that this dissertation intends to explore in the discourse about music produced by Ernesto Vieira (1848-1915) and Júlio Neuparth (1863-1919), two personalities that pondered and sought to act in several areas of the musical life of their time, a preoccupation that seems to be based in the idea of progress.
The first chapter examines their discourse about symphonic music, with the purpose of understanding the intention of the promotion of symphonic music and of the «classical masters». Their reflections about symphonic music reveal the importance that they ascribed to this kind of music in the process of the amelioration of humanity. The second chapter broaches the discourse about music teaching and their concerns about specialised music pedagogy. In fact, music education was also assigned an indispensable role in the construction of society, by the contribution that it could give to the civic awareness and the moral elevation of the citizens. The third chapter analyses their discourse about the «class of the musicians» and about the musicians’ social conditions. The protection of the interests of the «class of the musicians» was linked to the conviction that its emancipation was essential so that it could also contribute to progress. Finally, the fourth chapter focuses on the question of the search for a specifically national identity to Portuguese music, namely by means of the resort to tradition. The constitution of a «national music» was viewed as something central to the promotion of a «national consciousness», whose existence was indispensable so that Portugal could play its role in the progress of humanity. This dissertation intends to provide a contribution not only to the intellectual biography of the authors in question, but also to an intellectual history of music in Portugal.

The work of surveying, study and dissemination of music iconography in portuguese paintings of the fourteenth and fifteenth centuries, allowed us to reflect and experience other ways of seeing the retable painting but also disseminate other primary sources - some unpublished - for recognition of musical practices in those times.  The work carries on from the seventeenth century centered in private collections, municipal museums, the Museu Nacional de Soares dos Reis and other institutions in the city of Oporto. What information do the images that were collected and analyzed in situ bring us?

Trata-se de mostrar como a relação entre natureza e arte, tal como estabelecida pela primeira vez na Física de Aristóteles, é repensada e desenvolvida na filosofia do romantismo alemão, em autores tais como Kant, Fichte, Schlegel, Schelling e Hölderlin.

Na tentativa de inovar a forma do romance em Portugal, Mendes Leal Junior apresenta aos leitores da Revista Universal Lisbonense seu romance Flor do Mar (história de um barqueiro). Esta obra é apresentada como o primeiro romance contemporâneo português. Apesar de discutível esta caracterização, fica claro que se trata de uma forma nova. Assim, neste ensaio, analisaremos o desenvolvimento dessa nova estética, sua motivação e reflexão, frente ao romance histórico e a outras tentativas que então se faziam. A academia tem pouca ou nenhuma consideração pela produção novelística de Mendes Leal, conhecido por seus dramas, talvez porque, diferentemente de Garrett e Herculano nesse período, Leal apoiava o Cabralismo. Há posicionamento político nesse romance? Publicando no mesmo ano de outras narrativas precursoras do romance contemporâneo, como Viagens da Minha Terra e O Pároco d’Aldeia, sua primazia parece não ter contribuído para o sucesso de sua obra. Seus contemporâneos parecem não dar o merecido valor seu trabalho como romancista. Com um projeto de nação próprio, o autor busca no mar uma revolução estética e uma esperança de mudança na sociedade portuguesa de seu tempo.

Initially, the area around the Trinity Monastery was an olive grove in the urban fringe of Lisbon. In the fourteenth
century, the Fernandine Wall divided it getting a portion inside walls, which was urbanized in the early sixteenth
century, and a portion outside, called Herdade de São Roque (Saint Roch’s estate) urbanized much later, by the
mid-century. The subdivision and urbanization took place quickly and, by analyzing the confrontation, it was
possible to identify each lot and its original owners. Three of these lots have given rise to the current Palace of
the Counts of Tomar, property that has received a great artistic campaign in the nineteenth century, visible in its
monumental staircase, in its interior stucco works, and in the facade of Italian Baroque taste, but preserved in
the interior walls several traces of its initial phase, of the mid-sixteenth century, and of the neighbouring parcels’
absorption process.