Max Beckmann

Es geht in diesem Aufsatz um die Bleistiftzeichnung "Pein". Sie ist eine Abzeichnung des Ölgemäldes "Die Nacht" von Max Beckmann. Allerdings zeichnete der Künstler nicht den Endzustand des beeindruckenden Gemäldes. Es ist vielmehr zwischendurch entstanden. Einige Elemente des Endversion von Max Beckmann fehlen in der Zeichnung.

Bu çalışmada Birinci Dünya Savaşı sırasında Almanya’da yaşayan ve üreten sanatçıların, savaş sürerken ve hemen ardından yaşanan Weimar Cumhuriyeti döneminde ortaya koydukları eserler üzerinden yaşananları ne şekilde kayıt altına aldıkları incelenecektir. Dünyanın ilk “topyekûn savaş”ı olarak kayıtlara geçen büyük savaşın sanat diline etkileri, savaş öncesi süregelen sanatsal çizgiyi nasıl kırdığı ve onu nasıl dönüştürdüğü üzerinde durulacak ve Max Beckmann ile Käthe Kollwitz’in benzer dönemde ürettikleri iki baskı serisi arasındaki farklar incelenecektir. Çalışmada ilk iki bölüm, Birinci Dünya Savaşı’nın Avrupa sanatını nasıl etkilediği, bizatihi savaşta yer alan bazı sanatçıların savaş sırasındaki rolleri ve Almanya’da şekillenen Yeni Nesnelcilik akımının sanatsal yörüngesini tarihsel bir izlekte ele alacaktır. Son iki bölüm ise, Weimar Cumhuriyeti döneminin belli başlı sanatçılarından olan Max Beckmann’ın Die Hölle (Cehennem) ve Käthe Kollwitz’in Der Krieg (Savaş) başlıklı baskı dosyaları üzerinden, yaşanan toplumsal krizler karşısında iki sanatçının takındıkları eleştirel tavrı ve sanatsal dili nasıl kullandıklarını inceleyecek. İki baskı dosyasının ifade, biçim ve teknik farkları karşılaştırmalı olarak analiz edecektir.

https://doi.org/10.11588/arthistoricum.941.c12467
Was ist das für ein faszinierendes Werk, diese Odyssee: Mit einer erstaunlichen Perfektion und erzählerischen Raffinesse steht sie am Beginn der abendländischen Literatur. Man kann nichts daran verbessern, jedes psychologische Detail überzeugt noch heute. Die großen Themen des menschlichen Seins werden verhandelt: Unglück und Glück, Verrat und Treue, Männer und Frauen! Odysseus ist der archetypische Held, der von zu Hause aufbricht und in die Fremde zieht, sich in Gefahren bewährt und mit den gewonnenen Erfahrungen in die Heimat zurückkehrt, dort die Verhältnisse regelt und die Liebe zurückgewinnt. Für die künstlerische Rezeption der Odyssee ist dabei auch die bildgewaltige Sprache des Epos ein wichtiger Faktor – eine Sprache, die geradezu nach bildlicher Umsetzung ruft!
Max Beckmann und Ottokar Gräbner sind auf jeweils eigene Weise diesem Ruf gefolgt. Beide Künstler haben sich mit der Odyssee auseinandergesetzt. Von Beckmann gibt es mit Odysseus (Abb. 1) und Odysseus und Kalypso (Abb. 3) zwei berühmte Bilder aus den Jahren 1933 und 1943, von Gräbner ein 1952 auf Leinwand ausgeführtes Triptychon mit Perseus und Medusa (Abb. 4) und das Ölgemälde vom Trojanischen Pferd (Abb. 5), zwei Holzreliefs von 1954 und 1966 (Abb. 7–8) sowie einen Holzschnittzyklus der Jahre 1953 bis 1955 (Abb. 6, 9, 10). Eine weitere Gestaltung des Sirenen-Themas  findet sich in Beckmanns Illustrationen zum Faust II (Abb. 2) – eine Auftragsarbeit für seinen Frankfurter Mäzen Georg Hartmann, für den er im Amsterdamer Exil auch die Apokalypse illustrierte. Alle diese Arbeiten werden hier zum Teil erstmals analysiert und in den Kontext des homerischen Textes gestellt.

Hörde 1874 -1949 Interlaken Eva mit dem Apfel 1912 Bronze, 92 x 21 x 28 cm Bremen, Kunstsammlungen Böttcherstraße, Paula Modersohn-Becker Museum, Museum im Roselius-Haus, Inv.-Nr. BH 1988/018 Hoetgers Eva mit dem Apfel von 1912 steht am Anbeginn der Suche des Künstlers nach einem Bildwerk, das, dem ägyptischen Formenschatz anverwandelt, dergestalt seinem zu dieser Zeit vorherrschenden Ausdrucks verlangen gemäß zu geraten versprach. In ihrem Schrittmotiv gleichermaßen an ägyptische Figuren wie archaische Kouroi erinnernd, führt seine nackte Eva den vom Baum der Erkenntnis gepfückten Apfel nicht zum Munde, sondern hat den nachdenklichen Blick auf die mit ihrer Rechten vor die Brust gepresste Frucht gesenkt. Hoetger wählte mit der biblischen Urmutter ein christliches Bildmotiv (vgl. Kat.-Nr. 68). Anders aber als beispielsweise bei Masaccios Eva aus der Vertreibung aus dem Paradiese in der Florentiner Cappella Brancacci (1425-27), zu der Hoetgers Eva -unter Fortlassung respektive Verkehrung des Scham-und Trauergestus -in einer verblüffenden typologischen Verwandtschaft steht, fehlt dem Bronzebildwerk die ikonographisch zu erwartende Anmutung des begangenen Sündenfalls. Obgleich ebenfalls dessen bevorstehendes Ereignis als Möglichkeit in der Skulptur durchaus angelegt ist, enthält sich Hoetgers Eva eines offensichtlichen Anscheins ihrer den Sündenfall auslösenden Hybris. RB

This book provides a stimulating overview of twentieth-century German art, focusing on some of the period's key works by Max Beckmann, George Grosz, Hannah Höch, Willi Baumeister, Arno Breker, Joseph Beuys, and Gerhard Richter. In Peter Chametzky's innovative approach, these works become representatives rather than representations of twentieth-century history. That is, the art here does not simply illustrate an argument, the art is the argument. Chametzky draws on both scholarly and popular sources to demonstrate how the works (and in some cases, the artists themselves) interacted with, and even enacted, historical events, processes, and ideas. He asserts the continued historical role of material art works in an era when less material forms--photography, film, television, video, digital images--have assumed the function of visually depicting contemporary history.

Tato bakalářská práce se zabývá autoportrétem jako žánrem, s důrazem na vnitřní procesy ovlivňující vnímání vlastní individuality. Tyto procesy probíhají během tvorby a manifestují se v mnohém hotovém díle. Práce obsahuje čtyři případové studie analyzující autoportréty čtyř umělců z různých období historie umění. V úvodu je prezentována klíčová hypotéza práce. Podle ní můžeme na určitých autoportrétech sledovat dvě roviny - reprezentační a transformační, ve které se sebe- transformace kreativního procesu  projevuje v odchylkách od původního plánu. Druhá kapitola sumarizuje vývoj autoportrétu. Ve třetí jsou nastíněna filozofická východiska perspektiv této práce. Zde jde především o limity objektivity, rozsah individuality a také časovost. Vlastní tělo práce je rozděleno do tří kapitol podle účastníků autoportrétu: autora, objektu a diváka. Část Autor se zabývá nastavením před tvorbou, okolnostmi počátku, prostředky a motivací. Tyto jsou součástí oné reprezentační roviny. Ústřední část se soustředí na  vlivy sebeuvědomujícího procesu tvorby autoportrétu. Princip pohybu a nutnost neustálé změny vnímání sebe sama jsou zde základními kameny holé existence. Studie zahrnuje také úvahy nad imaginací a nevědomými složkami. Kapitola o maskování je doprovázena studií o Cindy Sherman. Autoportréty Maxe Beckmanna slouží k ilustraci konfliktu Ega a Superega. Analýza echa - zde symbolu sebeevaluace - je podpořena studií vibrace v Rembradtově tvorbě. A Dürerovi autoportréty demonstrují sebeuvědomění v horizontu nejisté budoucnosti. Závěrečná kapitola o divákovi se zabývá především limity interpretace. Tato bakalářská práce neaspiruje na předestření konečných poznatků. Cílem je spíše poukázat na aspekt procesuality a vyzdvihnutím role kreativního procesu v autoportrétu rozšířit perspektivy vnímání tohoto žánru.

Despite success during his lifetime, the work of the erudite yet reclusive American painter and writer Edward. E. Boccia (1950-2012) has existed for some time in obscurity. Research has recently uncovered not only new and astounding pictures, but also a collection of critical writings by the artist.

Isabelle Schwarz: Das Schöpferische als Versenkung, Selbstvergessenheit und angestrengte Entspannung in Werken von Hockney, Picasso und Beckmann, in: Dörthe Wilke (Hg.): Auszeit. Vom Faulenzen und Nichtstun, Ausst.-Kat. Sprengel Museum Hannover, o. O. 2015, S. 33-50.

When Max Beckmann (1884-1950) painted The Synagogue in 1919, he could not have anticipated the ways in which it would come to be viewed and interpreted. His critics were the first to weigh in after World War I with poetic analyses. Subsequent viewers – including museum and municipal officials – placed less emphasis on the painting’s purely formal values. Since 1945, The Synagogue’s prophetic quality and historical function as well as its political uses and pedagogical applications have shaped its reception. Eschewing an interpretive mastery of the painting, this essay considers the viewer’s varied response to Beckmann’s picture as evidence of its radical authenticity.

Stanley Spencer never joined any art movement. If Stanley Spencer was part of a group, it was as one of a generation of artists whose experiences in the First World War affected their work for years to come, just like the German Expressionists in fact. If then, Spencer was a kind of English Expressionist, it was an expressionism with a bible in its hand, and Giotto in its heart.

The short essay sums up the fortune of Dürer's etchings and engravings in Central Europe, from the late Symbolism to the New Objectivity. The analysis follows a sequence of examples including direct stylistic relationships (as in the case of Paul Klee), larger cultural and political references (Hodler and German Symbolism up to the Great War) and explicit quotations (Otto Dix).

“the X-ray tests, and ultra-violet and infra-red, the experts with their photomicrography and . . . macrophotography, do you think that's all there is to it?”
William Gaddis, The Recognitions, 1955

This talk explores several competing accounts of art in relation to active matter mediated by the fields of art conservation and conservation science in the middle of the twentieth century in America. It does so by examining The Recognitions, a sprawling novel about art, truth, authenticity, and forgery published in 1955 by William Gaddis. This project draws on research conducted by Rita Berg, Paintings Conservator at the Midwest Art Conservation Center.

SPACE ODDITIES. Die homerische Irrfahrt in Bildkünsten und Populärkultur  vom ausgehenden 18. Jahrhundert bis in die Gegenwart (4. – 6. April 2019). Interdisziplinäre Tagung der Institute für  Kunstgeschichte und Klassische Philologie der JLU Gießen.
Homer schuf mit Ilias und Odyssee zwei Epen, die ältere Heroengesänge aus der Zeit griechischer Migration und Kolonisation vereinten, ausgestalteten und schriftlich fixierten und die griechische Bildung,  Wissenschaft,  Kultur  und  Ethik  prägten  wie  kein  anderes  Werk  der  Antike.  Die unbestimmte Fahrt des in der Odyssee zunächst namenlos bleibenden Mannes, der als Niemand scheitert und reüssiert, die anachronistische Erzählweise sowie die markanten Schlüsselelemente (Irrfahrt und Heimkehr, Heimat und Faszination des Fremden, Liebe und Sehnsucht, Versuchung und Gattentreue, göttliche Fügung und eigene Hamartia, List und Duldsamkeit) machen den Text zu einem bis in die Gegenwart aktuell gebliebenen Stoff. Gerade in der heutigen Zeit einer gesteigerten Mobilität in der von Migrationsbewegungen geprägten globalisierten Welt, der Suche nach dem stets Neuen, aber auch nach Spiritualität und Heimat, erscheint Homers Odyssee als ein gleichsam zeitloses, für unterschiedliche Bereiche adaptierbares Konstrukt. Odysseus wird in Allegoresen gedeutet oder auf ein Charakteristikum reduziert, sodass sein Name schließlich selbst als Synonym für die Irrfahrt steht. Der Mythos wird transformiert oder modernisiert, und – spätestens seit dem 19. Jahrhundert –  verstärkt auch in die Komik transponiert.  Die Rezeption der Odyssee ist in der Forschung – insbesondere seitens der Literatur – mehrfach aufgearbeitet worden, einen interdisziplinären, gleichermaßen literatur- und bildwissenschaft-lichen Ansatz hat aber keiner der vorliegenden Forschungsbeiträge. An dieser Stelle setzt die Tagung an, indem sie einen weitreichenden Überblick über die Rezeption des Sujets in den unterschiedlichsten Gattungen (Malerei, Theater, Film, Performancekunst, Textillustration und Comic-Kultur) aus verschiedenen kulturellen Kontexten von Europa bis Nord- und Südamerika liefert. Es gilt, diachrone Veränderungen und Gemeinsamkeiten wie auch synchrone Parallelen aufzuspüren und die geistes- und kulturgeschichtlichen Bedingungen für das Aufgreifen dieses Sujets zu untersuchen.  Die Konferenz wird gefördert durch die Fritz Thyssen Stiftung und die Gießener Hochschul-gesellschaft. Organisation:  Dr. Semjon Aron Dreiling (Institut für Kunstgeschichte),  Katrin Dolle, M.A. (Institut für Altertumswissenschaften, Abteilung Klassische Philologie) Veranstaltungsort:  Schloss Rauischholzhausen – Tagungshotel der Universität Gießen,  Schlosspark 1, 35085 Ebsdorfergrund Anmeldung und weitere Infos: www.uni-giessen.de/space-oddities

Art exhibition review

Recensione della mostra "La grafica dell'Espressionismo. Beckmann, Grosz, Heckel, Kandinskij, Kirchner, Kokoschka, Nolde, Schmidt-Rottluff",
a cura di Helmut Friedel,
Torino, Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli (dall'8 febbraio al 1 maggio 2005).
Pubblicata sulla rivista online "Exibart" il 14 febbraio 2005.

Disponibile sul sito della rivista "Exibart":

https://www.exibart.com/torino/fino-al-1-v-2005-la-grafica-dellespressionismo-torino-pinacoteca-giovanni-e-marella-agnelli/