Luis Buñuel

Like his friend Salvador Dalí, Luis Buñuel was deeply affected by his reading of Lautréamont’s work. But, transmediality obliges: there has been
little scrutiny of the influence that the poet left on the cinema of the surrealist director. From Un Chien andalou to Tierra sin pan by way of L’Áge d’or, Jordi Xifra explores the Ducassian gestures taken up by Buñuel and transposed into the language of cinema.

Es gibt nichts Schlimmeres für einen Architekten als den Satz: Das ist nicht realistisch! Architekten sollten aber nicht vor dem Pragmatismus der Realität kapitulieren, sondern trojanische Pferde satteln für die Eroberung neuer Welten. Um das zu zeigen, setzt der Autor auf das Konzept der »Parafiction« von Carrie Lambert-Beatty und das Vorbild des Surrealismus, eine bis heute andauernde Rebellion gegen die Realität. Der Surrealismus teilt mit der »Parafiction« Techniken der Collage und der Aneignung des Objet trouvé, Scherz, Ironie, Trickster-Mythos und Parodie. Es ist ein theoretisches Setting, das die ästhetische Entfremdung des Realismus erlaubt. Damit gerüstet interpretiert der Autor den »Ángelus arquitectónico« von Salvador Dalì  - und mit ihm die Architektur im Allgemeinen - als ein »parafiktionales Objekt«. Er spannt einen Bogen auf von Jean-François Millets »Angelusläuten« über das »Retroaktive Manifest« von Rem Koolhaas bis zu zum »Kynischen Manifest« von Garcia Cruz und Nathalie Frankowski und geht auf die Themen von Utopie, Ideologie und Kritik ein. Entlang dieses Parcours begegnen sich die Figuren der Moderne und der Spätmoderne, der Paranoiker und der Kyniker. Die parafiktionale Kunst von Cruz und Frankowski schwenkt von der Ober- zur Untersicht. Die beiden zeigen den Angelus von Dalí aus einer ganz neuen Perspektive. Für die Rückeroberung der Zukunft benötigen wir den Standpunkt des Kynikers, der »von unten« kritisiert, ein Leben führt im Widerstand und im Gelächter und sich auflehnt gegen den Sarkasmus und den Zynismus unserer Zeit ...

El tema central de la novela (1944) y de la película (1955) Ensayo de un crimen de Rodolfo Usigli y de Luis Buñuel, respectivamente, es el asesinato artístico. El objetivo de este ensayo es analizar el desplazamiento de las estrategias narrativas de la novela al filme. El contexto recreado en las dos obras es la época posrevolucionaria mexicana. La metodología de análisis para el estudio de las relaciones espacio-temporales, las significaciones y el estilo se establece con base en el concepto cronotopo (tiempo-espacio) de Mijaíl Bajtín y las categorías: orden, duración y frecuencia de Gerard Genette. Los resultados del estudio evidencian, entre otras cosas, que en la película, la representación simbólica de las pulsiones criminales, mediante los objetos, enfatiza el origen psicológico del crimen, atribuido a las relaciones edípicas irresueltas de los personajes. En la novela se puntualiza en que las causas del crimen tienen, también, rasgos
de carácter social.

The article delves into Garcia Lorca’s intimate relationship with Dali, shedding light on Lorca's vivid portrayal of queer desire in his writings and drawings alongside Dali's provocative surrealist masterpieces, which reveal his own exploration of sexual identity

A number of important thinkers have argued that experimental cinema and mainstream cinema are discrete domains with little or no overlap. This chapter seeks to complicate this argument by giving close attention to the work of the Surrealist filmmaker Luis Buñuel. Not only were Buñuel’s avant-garde films heavily influenced by the silent comedies of Buster Keaton, they went on to influence the mainstream narrative films of Woody Allen. An analysis of Buñuel’s cinema and its intertexts suggests that experimental and mainstream films often exist in a state of symbiosis rather than one of radical alterity.

El Club se puede definir como un proyecto de innovación educativa STEAM que orbita alrededor de tres elementos, el dibujo, la meditación y la geología. Empieza en el 2023 como conclusión de una serie de investigaciones y experiencias educativas centradas en la relación con el paisaje a través del sonido que comienzan diez años antes. Para poder hacerlo, era necesario inventar, -o más bien engranar,- diversos saberes, tecnologías y experiencias en una especie de “narración aumentada en formato de plataforma”, un “podcast gamificado sobre meditación”, “un videojuego en la realidad sobre geología”, o cualquier otra descripción indescriptiva que pueda acercarse a definir este espacio.  Precisamente esa palabra, espacio, es quizás lo que puede comprimir todas las capas que tiene el Club. Pero un espacio disperso y múltiple, híbrido, superpuesto, simultáneo, y también íntimo, profundo y muy concreto en su “materialidad aumentada”.

RESUMEN:
El artículo se centra en el estudio del arte de acción avant la lettre realizado durante los inicios de Luis Buñuel en España, y en relación con el proceso de realización de los filmes Un chien andalou (Un perro andaluz, 1929), efectuado en París y Los olvidados (1950), producido en la Ciudad de México DF. De hecho, se trata de unas actuaciones extraordinarias relacionadas con la etnografía e ideología.

PALABRAS CLAVE
Luis Buñuel; pre-performance; artes visuales; cinematografía; surrealismo; España; Francia; México.

ABSTRACT:
The paper focuses on the study of action art avant la lettre carried out during the beginnings of Luis Buñuel in Spain, and in relation to the process of the films Un chien andalou (An Andalusian dog, 1929), made in Paris and Los olvidados (The forgotten, 1950), produced in Mexico City DF. In fact, some extraordinary performances related to ethnography and ideology.

KEYWORDS
Luis Buñuel; pre-performance; visuals arts; cinematography; surrealism; Spain; France; Mexico.

La crítica cinematográfica considera Gran Casino (1947) de Luis Buñuel (1900-1983) una de sus
peores películas rodadas en México. Parte de la crítica achaca la fallida de la película a la mala calidad del
guion, mientras que otros resaltan una mexicanidad inexistente en el director calandino. Tras analizar
detalladamente la crítica, esta no se ha detenido a considerar la presencia del petróleo en la película. El
objetivo de este artículo es analizar el uso del petróleo en Gran Casino, para otorgarle una visión más
justificada a la película y entender por qué no se ensalza el producto nacional mexicano. Mi investigación se
divide en cuatro perspectivas. Primero, en cuanto a la petromexicanidad se refiere, parte del concepto de
mexicanidad propuesto por Mary Kay Vaughan y Stephen E. Lewis para justificar que el crudo podría haber
sido usado como emblema nacional. El segundo aporte recae en la petromasculinidad en la película, que se
desprende del estudio de Cara Daggett y su conexión con la misoginia y la negación del clima para
finalmente centrarse en los deseos frustrados del patriarcado privilegiado (Daggett 2018). La tercera
aproximación recae en la perspectiva ecocrítica del final de la película a partir del estudio de Myrna
Santiago, para intentar justifcar por qué no se muestra la explosión de los pozos en pantalla durante el
desenlace. Por último, se presenta la propuesta del concepto de petrofemineidad como realidad
ambivalente, ya que este se presenta, a la vez, como herramienta de salvación y de emboscada por parte
del bando opresor. En conclusión, este artículo pretende aportar argumentos suficientes para reivindicar el
primer trabajo de Luis Buñuel en México.

The book "Directory of World Cinema: Spain," edited by Lorenzo J. Torres Hortelano, is a comprehensive exploration of Spanish cinema, tracing its development and contributions to global film culture. It offers a detailed overview of Spain's cinematic history, examining key movements, directors, and films that have defined the country's cinematic identity. The book covers a wide range of genres, from the early works of the silent era to the modern films that have garnered international acclaim. It also includes critical essays, analyses of significant films, and interviews with influential filmmakers. This directory serves as both an academic resource and a guide for cinephiles interested in understanding the rich and diverse landscape of Spanish cinema.

Las prácticas surrealistas tuvieron en su centro lo que Louis Aragon llamaba “el estupefaciente imagen”. Pero la imagen en tanto que practicada en el espacio urbano concebido como reservorio de sueños. El mismo espacio que tras la Segunda Guerra Mundial parecía quedar obliterado por el desarrollo del archivo audiovisual. A través de los ejemplos de Buñuel y Giacometti, este artículo pretende mostrar cómo el surrealismo pervivió en la obra de dos surrealistas que fueron clave durante el periodo de entreguerras, pero cuya obra sufrió profundas transformaciones con posterioridad. De este modo, se plantea cómo las lecciones del surrealismo continúan presente, cuando no vertebrando, la práctica de ambos.

Tras una breve introducción sobre su biografía y personal estilo, se anota una representación de los artrópodos que aparecen en la pintura y la obra gráfica de José Hernández, uno de los artistas españoles contemporáneos más significativos dentro del Realismo Mágico. En sus obras son frecuentes numerosas sugerencias artropodianas, así como diferentes tipos de artrópodos: cangrejos, grandes escarabajos negros, arañas, ácaros, zapateros, cigarras, mantis, cucarachas, langostas, chicharras, mariposas, mosquitos y moscas, algunos casi omnipresentes en su producción. Con la herencia cultural que la mayoría de estos animales tienen en Occidente, se intenta interpretar la intencionalidad y significación que ellos representan en sus trabajos.

This article deals with the road movie genre in the Mexican period of Luis Bunuel, specifically with the films "Subida al cielo" (1953) and "La ilusión viaja en tranvía" (1954), with emphasis on the sociological and ideological context. The most singular characteristic of this genre is its immediate link with the social conjuncture of a nation in times of crisis and change. The journey is offered as an ideal element to express the search for a new identity and an uncertain future located in a foreign land in contrast with the civilization that one intends to leave.

Jean Rouch was both scientist and artist. He produced a body of work that has made an extremely important contribution to cinema as well as anthropology, yet which is both controversial and challenging as a result of the way in which he sought to dissolve the boundaries conventionally imposed on these domains. This has led to a certain compartmentalisation of his achievements into scientific ethnography, his films of visual record, his documentaries and his ‘ethno-fiction’ films. Rouch, however, saw his contribution in all of these activities as being informed by his early encounter with Surrealism whose profound effect influenced his subsequent scientific, intellectual and creative work. I will examine here the legacy of this encounter and its influence on Rouch’s work and explore the relation between the documentary evidential and the realm of dreams, of imagination and of the irrational which are central to the surrealist impulse
Rouch draws upon.

Can cinema reveal its audience's most subversive thinking? Do films have the potential to project their viewers' innermost thoughts making them apparent on the screen? This book argues that cinema has precisely this power, to unveil to the spectator their own hidden thoughts. It examines case studies from various cultures in conversation with Spain, a country whose enduring masterpieces in self-reflexive or meta-art provide insight into the special dynamic between viewer and screen.

Framed around critical readings of Miguel de Cervantes' Don Quixote, Diego Velázquez' Las meninas and Luis Buñuel's Un chien andalou, this book examines contemporary films by Víctor Erice, Carlos Saura, Bigas Luna, Alejandro Amenábar, Lucrecia Martel, Krzysztof Kieslowski, David Lynch, Pedro Almodóvar, Spike Jonze, Andrzej Zulawski, Fernando Pérez, Alfred Hitchcock, Wes Craven and David Cronenberg to illustrate how self-reflexivity in film unbridles the mental repression of film spectators. It proposes cinema as an uncanny duplication of the workings of the brain – a doppelgänger to human thought.

El Delta del río Llobregat es un ecosistema biodiverso pero a la vez frágil, situado a pocos kilómetros del centro de Barcelona. Esta red de humedales constituye el hábitat principal para diferentes especies de flora y fauna protegidas, y representa también la zona agrícola periurbana más importante del área metropolitana de Barcelona. Los equilibrios ecológicos de este complejo biotopo se han visto gravemente afectados por las transformaciones urbanísticas que han tenido lugar en las últimas décadas en la capital catalana y sus alrededores. La ampliación de infraestructuras como el puerto y el aeropuerto de Barcelona junto al desarrollo incontrolado del tejido urbano y de una red de carreteras y ferrocarriles, han fragmentado el territorio generando una dramática reducción del hábitat, así como unos profundos cambios en los usos del suelo.El Grupo de trabajo de las ecologías híbridas del Delta del Llobregat estudia esta “zona de sacrificio” como un ecosistema naturcultural donde se...

In this article we aim to follow the evolution of Luis Buñuel's works; not in an isolated fashion, but in line with the various moments in history in which they were produced. Buñuel (1900) was always permeable to the artistic and social changes taking place at the time. He became part, subtly in most cases, of the major trends and fashions throughout this century in which he lived, aware, perhaps because he was forgotten about for almost twenty years, that sitting on the sidelines was like dying, artistically speaking. He was always one of the best, probably the most original, but he was never a pioneer or a forerunner.

Aumentando la empatía en entornos virtuales artísticos: La presencia en la imagen esférica desde el avatar invisible Increasing empathy in artistic virtual environments: The presence in spherical image from the invisible avatar TIPO DE TRABAJO: Comunicación.

Este articulo reflexiona sobre prácticas artísticas en la cultura digital. Basado en una sociedad donde se abren paso las tecnologías digitales en lo social. Por ello esta investigación es abordada desde las nuevas propuestas de realidades aumentadas y realidades virtuales que se manifiestan en el contexto artístico. Estas nuevas tecnologías proponen nuevas perspectivas de interacción y relación que desde el punto de vista de la cognición corporeizada posibilitan un amplio abanico de sensorialidades. Como experimentadores los públicos receptores perciben y activan elementos de su entorno, al mismo tiempo que perciben las narrativas de los demás como propias. De esta manera se producen nuevas activaciones de lo social y de lo común a través de la experiencia y ocasionalmente de lo narrativo. En este trabajo se muestran posibilidades artísticas de conexión corporeizada a través de propuestas de conexión social y virtual con los demás. Algunas de estas propuestas abordan en concreto la...

Είναι γεγονός ότι ο Marcel Duchamp (1887-1968) υπήρξε ένας από τους πρωτοπόρους καλλιτέχνες του εικοστού αιώνα μαζί με τον Pablo Picasso, τον Henri Matisse και άλλους. Το κείμενο αυτό είναι κριτικό σημείωμα για την έκθεση στο περίπτερο του Ελαιουργείου, Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης Χανίων με τίτλο "Ο Μαρσέλ Ντισάμπ ήταν εδώ" στο Art Thessaloniki, Μάιος 2024.

The aim of the study is to analyze Bataille’s Story of the Eye (1928) and Buñuel’s An Andalusian Dog (1929) as accurate examples of artworks that were broadly inspired by images from subconsciousness. Both authors are particularly fascinated by the ‘eye’ which becomes an object of obsession in their output. The ocular reference is however often replaced with the image of the egg, by the process of metonymy that has its origin in Bataille’s imagination and early compulsions. As such, both eye and egg, initially being almost divine, gradually become deformed, abject and, ultimately, annihilated. The image of eye and egg, symbolically the birth of universe, becomes paradoxal in the textual layer, as it’s constantly being deformed by obsessive thoughts from the past.

Cet article met en relation l’œuvre de Luis Buñuel avec celle de William Hogarth à partir de trois niveaux d’interaction. Tout d’abord, thématique ; ensuite, théorique, en établissant des parallèles entre sa conception du cinéma et la théorie de ligne serpentine de Hogarth. Finalement, nous analyserons comment la rupture de la linéarité du récit et de la perspective chez Buñuel est une application de cette théorie. Cette dernière démarche s’appuiera sur l’étude de ses derniers films, et plus particulièrement Le Fantôme de la liberté (1974).

My bachelor diploma paper is trying to deal with two of the first cinematic surrealistic works. These are dated in 1929 (An Andalusian Dog) and 1930 (The Golden Age). There is a co-operation between director named Luis Buñuel and popular painter named Salvador Dalí in that time. Both works are called „surrealistic movies“, meanwhile there is an experiment to practice those surrealistic movements on the cinematic branch and by the way be shocking as the surrealism is. In this work I am trying to sketch out a culturally – political situation and circumstances of the birth of this movies. What I have also found interesting is an attitude of surrealistic movement and the meaning of the public.

Má bakalářská práce se pokouší o zpracování dvou prvotně surrealistických filmových děl. Jsou to konkrétně práce z let 1929 (Andaluský pes) a 1930 (Zlatý věk), kdy dochází ke kooperaci režiséra Luise Buňuela a populárního malíře Salvatora Dalího. Obě díla jsou označována za „surrealistické filmy“, přičemž se jedná zejména o pokus aplikovat praktiky tohoto „prokletého umění“ na kinematografickou oblast a zůstat při tom stále věrni tendenci hnutí neustále šokovat. V práci se pokouším nastínit kulturně – společenskou situaci a okolnosti vzniku obou snímků. Neméně zajímavý je ovšem přístup surrealistického hnutí a názor veřejnosti po samotném uvedení.

Leonora Carrington (1917-2011) fa parte del gruppo di artisti che durante la Seconda guerra mondiale lascia l'Europa per l'America. Breton le aveva attribuito due doni che riteneva inestimabili: "l'illuminismo della lucida follia" e "la sublime potenza della concezione solitaria"; per Max Ernst era la Sposa del Vento, "colei che si riscalda con la sua vita intensa, col suo mistero e la sua poesia". L'arrivo in Messico nei primi anni Quaranta, dopo una giovinezza tormentata e ribelle, segna l'inizio di una ricerca artistica straordinariamente sofisticata che poteva solo intuirsi nei suoi esordi all'interno dell'avanguardia surrealista. La cultura messicana conferisce nuova linfa vitale al suo immaginario, dando vita ad una mitografia fantastica nella quale si mischiano, in creazioni originali e raffinatissime, la profonda conoscenza del Rinascimento italiano, le figure ibride del Surrealismo e l'interesse per l'esoterismo e l'alchimia. Il libro coniuga l'analisi approfondita della produzione artistica con la ricostruzione della vicenda biografica: la fuga dall'alta società inglese, l'amour-fou con Max Ernst e la permanenza in Francia fino allo scoppio della guerra, l'abisso della follia e il manicomio, l'arrivo a New York e, infine, l'approdo in Messico. Uno studio lucido e coinvolgente che attraversa le tappe fondamentali della vita di Leonora Carrington collocandone il percorso artistico nella più ampia cornice del Novecento. L'analisi delle opere e dei diversi contesti culturali, che fanno da sfondo agli eventi documentati, è arricchita dal confronto con l'Artista che l'Autrice ha conosciuto e frequentato a Città del Messico nei suoi ultimi anni di vita. Giulia Ingarao insegna Storia dell'arte contemporanea all'Accademia di Belle Arti di Palermo. È specializzata in Storia dell'arte all'Universidad Nacional Autónoma de México. Il Surrealismo, gli studi di genere e l'arte italiana del dopoguerra costituiscono i suoi principali interessi di ricerca. È autrice di numerose pubblicazioni su Leonora Carrington, tra queste From Europe to Mexico, contributo nel catalogo della prima retrospettiva europea dedicata all'Artista (Leonora Carrington, Irish Museum of Modern Art, Dublin 2013).

Resumen: En este artículo se trabaja con la pulsión de muerte, tan importante en el arte moderno, a través de Las Hurdes, tierra sin pan de Luis Buñuel. Se registran las formas más significativas en que dicha pulsión aparece en el mencionado documental y se tematizan en torno a la dualidad entre biofilia y necrofilia (entendida en sentido general, no sólo sexual) de Erich Fromm. Finalmente paso a una deconstrucción de dicha dualidad, o sea, a mostrar sus limitaciones como polaridad jerárquica.

Al igual que ocurre en un libro, una secuencia de imágenes impulsa determinados  procesos de lectura propios de la estructura vermicular y de la relación causal entre los signos visuales que cohabitan o se suceden en esa secuencia. La obra fotográfica Anomalía en el libro de Kells (2018) se presenta como una serie formada por páginas sobredimensionadas en las que se incluyen y ordenan ciertas imágenes, propiciando un diálogo entre sí y entre los espacios en blanco que las separan. Como parte de la obra aparece también el llamado pie de foto el cual, adoptando determinados posicionamientos se convierte en un signo visual más . Esta investigación se centra en lo que ocurre cuando la imagen fotográfica se convierte en la figura citada en un texto, pero su relación con él no queda limitada a una mera ilustración enciclopédica, sino que subvierte su función y se desliza por las lindes de la referencia. El texto en este caso no nomina, no traduce ni enlaza de forma arbitraria a la figura ...

Entrevista al restaurador cinematográfico Ferrán Alberich, Premio Nacional del Patrimonio Fílmico 2022: "Nosotros, los restauradores, trabajamos sobre la idea de volver a poner sobre una pantalla, a disposición de la gente, películas que, por una u otra razón, habían dejado de estarlo. A veces porque están enfermas, pero otras porque habían sido apartadas o han tenido algún otro tipo de problema [...] Ha habido una evolución muy grande. Sobre todo, a partir de la digitalización. Yo creo que no esto, sino el mundo en general se divide entre antes y después de la digitalización, porque la vida ha cambiado en todos los sentidos. A mí me gusta decir que las filmotecas son las primeras instituciones relacionadas con el cine que están regidas por los espectadores. Originalmente, ellos fueron los que se preocuparon de intentar recuperar las películas cuando la industria las tiraba a la basura, en el paso del mudo al sonoro, porque se pensaba que ya no tenían ningún valor comercial. Y entonces, aparecieron los espectadores, por ejemplo, Henri Langlois y Georje Franju, con la creación de la Cinémathèque Française, y también en otros países, que empezaron a recoger esas películas".

El uso y confluencia del género épico, representado por la Eneida de Virgilio y el histórico, ya filtrado retóricamente por la novela griega de Aquiles Tacio revelan, a su vez, la presencia del dictado de Aristóteles, no sólo de la Poética, sino también de otras tantas obras del Estagirita, que Cervantes adosa a la narración y a sus personajes de forma natural como
teoría y como praxis literaria en los capítulos XXI y XXII de la segunda parte.

Los anaglifos verbales inventados por Lorca y sus compañeros de la Residencia no son sólo prueba del espíritu de desenfado jovial y desafío al sentido común de ese famoso grupo de artistas, sino que se enlazan con su actividad creadora y con el ambiente cultural de la época, principalmente con los avances científicos y tecnológicos. Este trabajo toma en cuenta esos enlaces revelando que las burlas de estos juegos, con sus rasgos característicos de humor, frivolidad e intrascendencia, son expresión de serias veras en lo que concierne al arte y las perspectivas sobre la realidad y la identidad de estos artistas.

Who controls our "sonorous knowledge?" Who fixes our musical truth? Are they musicians, the state, the church, philosophers, mathematicians, or scientists? In the context of the years between the defeat of Napoleon and the start of the First World War, the British cultural historian and technologist Edward J. Gillin probes these questions in his book "Sound Authorities: Scientific and Musical Knowledge in Nineteenth-Century Britain.

En su último libro, Hernán Loyola, el mayor conocedor de la obra de Pablo Neruda en el mundo, recurre a la biografía del vate para contrarrestar los alegatos-y en algunos casos, ataques-que le han lanzado sus detractores por motivos ideológicos fundamentalmente. Entre ellos están: el poeta inútil, machista, fabulador, violador, mal marido, mal padre, plagiario, insolente, abandonador, estalinista y burgués. La intención de Loyola se declara en el prólogo a este fascinante libro: "revisar y discutir-con la máxima honestidad intelectual que me sea humanamente posible dentro de la admiración del crítico y de la simpatía hacia el amigo inolvidable-las historias de las acusaciones más tenaces y difundidas en relación con maldades, defectos, vicios, culpas, yerros, infracciones, crueldades, delitos y alevosías que le han sido atribuidos a Pablo Neruda" (11). La idea no es retratarlo como un santo, ni mucho menos, sino de indagar en la vida del poeta para llenar vacíos, corregir las especulaciones, identificar los errores, y contradecir las lecturas voluntaristas de sus críticos. Loyola cree firmemente (y con razón) que la obra y la vida de Neruda se defienden a sí mismas y que al hacer una lectura pormenorizada de sus versos y la biografía, se desvanecen las ficciones generadas por críticos que han puesto al poeta bajo un microscopio. En el primer capítulo, "Pecado original: El poeta inútil", Loyola aborda el espinoso tema de la relación entre el hijo y su padre autoritario, José del Carmen. Ferroviario y conductor de trenes, el padre considera que los versos que escribe su hijo constituyen un vuelco hacia lo femenino y, como tal, busca introducirlo en su mundo para que sea "hombre". Muy a pesar suyo, le ayuda a su hijo a descubrir el bosque que "fue un espacio de absorción activa, una fuente de conocimiento" (20). Así también le permitió ver el océano en que el joven "entrevió la vía para transformar el conocimiento en acción" (23). Así las cosas, el padre de Neftalí quiso enderezarlo por el 'buen camino' pero acabó alimentando la pasión del hijo por la poesía. El segundo capítulo-"Pecado I: El poeta machista"-se inicia con el poema 15 de Veinte poemas y una canción desesperada, que en este último tiempo ha sido un tema candente de algunos críticos y del movimiento Me too en Chile por ser poemas en que se plasmaría el machismo del poeta. Si se toma en cuenta la relación de Neruda con la aludida en éstos y otros poemas, Albertina Azócar, se aclara que la descripción de ella en el poema 15 cuadra con sus propias características, la más renombrada de las cuales es su silencio: "Albertina, la silenciosa, fue una muchacha de poquísimas

Debido al rampante desarrollo tecnológico, y los cambios en la forma de entender nuestro día a día, han surgido nuevos abordajes explicando el ahora, la "liquidez" y la "ligereza", términos acuñados por Gilles Lipovetzky y Zygmunt Bauman, son una constante en diversas áreas del conocimiento, filosófico, artístico, sociológico, tecnológico incluso económico. El lenguaje se transforma por una necesidad, que refleja un profundo cambio en la sociedad. En este trabajo se analiza como estas descripciones de nuestra realidad, como "fake news", "binge wathching", "retropia", "bullying", "polite sex", "pendulum liberty", y, específicamente como características de las Diosas primigenias y el imaginario femenino de nuestros días, se retoman con fuerza en ámbitos de las artes plásticas, la mass media y la economía rampante. Hemos clasificado a las generaciones como baby boomers (1946-1964), millennials generación Y, generación X (1980-2000) y ahora la generación líquida (2000-2019) y diferenciamos los rápidos cambios en los líquidos. Como se ve el mundo líquido, por un no líquido y un líquido. Enormes diferencias en la forma de entender el mundo que nos rodea y sus características, en todos los ámbitos, y específicamente, motivo de esta investigación, específicamente se refiere al cuerpo femenino, el amor líquido y sus vínculos con el arte. Como entender al que ha nacido líquido, su relación con el amor, las relaciones efímeras y como esto se ve reflejado en el arte. Las transformaciones en el entendimiento del cuerpo femenino, como ejemplos señalo el extendido uso del los tatuajes, la cirugía plástica y las costumbres hípsters, como se ve la moda en las nuevas diosas primigenias, las actitudes de la generación líquida ante los vínculos humanos, el análisis de las relaciones on-line, la transformación de la agresividad "el bullying "la inestabilidad emocional y su reflejo en el arte líquido.

Debido al rampante desarrollo tecnológico, y los cambios en la forma de entender nuestro día a día, han surgido nuevos abordajes explicando el ahora, la "liquidez" y la "ligereza", términos acuñados por Gilles Lipovetzky y Zygmunt Bauman, son una constante en diversas áreas del conocimiento, filosófico, artístico, sociológico, tecnológico incluso económico. El lenguaje se transforma por una necesidad, que refleja un profundo cambio en la sociedad. En este trabajo se analiza como estas descripciones de nuestra realidad, como "fake news", "binge wathching", "retropia", "bullying", "polite sex", "pendulum liberty", y, específicamente como características de las Diosas primigenias y el imaginario femenino de nuestros días, se retoman con fuerza en ámbitos de las artes plásticas, la mass media y la economía rampante. Hemos clasificado a las generaciones como baby boomers (1946-1964), millennials generación Y, generación X (1980-2000) y ahora la generación líquida (2000-2019) y diferenciamos los rápidos cambios en los líquidos. Como se ve el mundo líquido, por un no líquido y un líquido. Enormes diferencias en la forma de entender el mundo que nos rodea y sus características, en todos los ámbitos, y específicamente, motivo de esta investigación, específicamente se refiere al cuerpo femenino, el amor líquido y sus vínculos con el arte. Como entender al que ha nacido líquido, su relación con el amor, las relaciones efímeras y como esto se ve reflejado en el arte. Las transformaciones en el entendimiento del cuerpo femenino, como ejemplos señalo el extendido uso del los tatuajes, la cirugía plástica y las costumbres hípsters, como se ve la moda en las nuevas diosas primigenias, las actitudes de la generación líquida ante los vínculos humanos, el análisis de las relaciones on-line, la transformación de la agresividad "el bullying "la inestabilidad emocional y su reflejo en el arte líquido.

El propósito del trabajo  es dar a conocer como la investigación artística ha permitido generar conocimiento entre grupos de  investigación multidisciplinarios que han formado redes nacionales e internacionales para establecer intercambios académicos en las líneas de investigación, creación e interpretación de arte y la cultura y en la de metodologías de investigación y formación artística. Eliiot Eisner sostiene que la creación artística es una práctica investigadora (1998).Por otro lado, Ricardo Marín Viadel de la Universidad de Granada, propone un panorama de los diferentes enfoques al respecto, se basa en las artes visuales y para el caso de la educación artística arte-investigación-educativa). Existen varias aproximaciones o tendencias al arte-investigación como documenta la investigación basada en las artes [Arts based-Research], la  Investigación que usa habilidades artísticas [Artístically Crafted research],  indagación artística [Artful inquiry] y Arte Investigación [Visual...

En este capítulo de libro, se estudia la admiración galdosina de Josefina de la Torre, especialmente a través del homenaje que encabezó en enero de 1931. Su propuesta logró aunar formas teatrales, musicales y coreográficas dentro de la Semana Galdosiana que se preparó por las instituciones capitalinas en el aniversario de la muerte del escritor grancanario.

Dei miei sospiri estremi, cit., p. 92: «Non chiedetemi un parere in fatto di pittura: non ne ho. Le preoccupazioni estetiche non hanno mai avuto un posto importante nella mia vita e sorrido quando per esempio un critico parla della mia "tavolozza". Non sono uno che riesce a restare per ore in una galleria di quadri, parlando e gesticolando come un matto». Ma è evidente la sua cultura pittorica e la sua propensione per la contaminazione fra diverse fonti iconografiche. Per un'analisi dettagliata dei rapporti tra cinema e pittura in Buñuel cfr.

La ponencia abordará el proyecto personal Villa Väinölä, Elokuu 2018 que surge a raíz de una residencia artística en Villa Väinölä (Alarjärvi, Finlandia), auspiciada por el Museo Nelimarkka. Esta casa, obra del afamado arquitecto Alvar Aalto (1926), fue diseñada para su hermano Väinö como vivienda y lugar de trabajo. Posteriormente, en el año 1952, es cedida al municipio adoptando diferentes usos hasta 1999, momento en el que fue clausurada. En 2010, tras más de una década cerrada y abandonada, el consistorio inicia su restauración, tomando impulso a partir de 2015, cuando la Fundación Eero Nelimarkka se hace cargo del inmueble para convertirlo en residencia de artistas, centro cultural y sala expositiva. En agosto de 2018 tengo el privilegio ser la primera artista en habitarla, coincidiendo con su reapertura al público. La relevancia de este hecho me motiva a realizar un proyecto artístico acerca de esta villa, sobre las capas de memoria que albergan sus paredes, mi experiencia all...