Choro

Este trabalho propõe uma reflexão sócio-histórica e musical a partir das trajetórias musicais de músicos negros – para este estudo, os cavaquinistas – na região da Grande Florianópolis. Em um recorte histórico que perpassa as vivências de Seu Charuto até Andy do Cavaco imersos nessa sociedade, este estudo se debruça e reflete, também, sobre as relações sociomusicais racializadas que os músicos negros enfrentam no seu dia a dia. Analisando essas questões, em alguma medida, podemos compreender onde e como o racismo “à brasileira” atua
nas relações de trabalho do campo musical, por meio de apelidos, de cachês inferiores e, por fim, do modo como sua cidadania é exercida. Este estudo se fundamenta numa espécie de pesquisa exploratória e mista, ora se baseando, quando possível, em documentação, ora conversando e escutando familiares e outros personagens que foram testemunhas dessa trama musical. Os campos de conhecimentos nos quais se debruçam tais reflexões vêm da sociologia da música, história, antropologia, com zonas de contato com a etnomusicologia. Este trabalho é resultado de pesquisas entre os dois pesquisadores autores que interseccionam não só os temas investigados como suas relações com os campos/temas das reflexões entre os cavaquinistas negros.

This dissertation presents the formalization of structural aspects within selected countermelodies by the Brazilian popular music composer Pixinguinha; with the intention of proposing a compositional model of idiomatic countermelody. Starting from the hypothesis that the musical elements within Brazilian musical genre Choro are arranged in a hierarchical way (ZISELS; AVELLAR; ALMADA, 2014), this dissertation explores the possibility of systematizing compositional practice within the genre. Which, in turn, serves as a theoretical frame for the exploration of different levels of structural importance. This research is comprised of both descriptive and statistical analyses. The descriptive approach is used in order to split key musical domains into smaller fragments. The statistical analysis addresses to the investigation of elements that fulfill either structural or superficial functions. In parallel, the probability data from a detailed examination of 19 Choros – a total of 57 independent parts – are used for a purpose-built software specifically constructed for algorithmic composition. We discuss the domains of rhythm and contour separately, before cross-referencing them for the purpose of producing a workable model. The formalism of the rhythmic domain is based on the assimilation of the concept of inter-onset interval (TEMPERLEY, 2001). The contour domain is systematized using the contour gestures approach, which is an appropriation of a methodological treatment of Jay Dowling (1978). The statistical data for each domain are carefully explored and a discussion of structural differences is proposed. The dissertation concludes with a detailed description of the compositional modeling process. The results are discussed and both the analysis and modeling point to promising paths for the continuation of the research.

Resumo: Este trabalho apresenta uma análise de um recorte na carreira do compositor Carlos Althier de Souza Lemos Escobar, o Guinga, que compreende, de forma geral, o processo de produção do disco Cheio de Dedos, terceiro da discografia de Guinga e que foi lançado pela Gravadora Velas no ano de 1996, e que consiste no tema principal desta pesquisa. Para um melhor entendimento de como se desenvolveu esta fase da carreira de Guinga, foram feitas algumas digressões, como por exemplo um mergulho em aspectos biográficos do compositor, detalhando de que forma teve seus primeiros contatos com a música, através dos seus pais e tios, e também como se deu o contato com alguns dos músicos que mais o influenciaram durante a sua trajetória, como Haroldo Hilário Bessa, Paulinho Cavalcanti, Chiquito Braga, Hélio Delmiro e outros. Além disso, busquei elencar durante o texto de que forma alguns personagens da vida de Guinga foram extremamente importantes para que a sua carreira pudesse alcançar patamares maiores de divulgação, como Paulinho Albuquerque e Aldir Blanc. Para que fosse possível compreender, de forma geral, o cenário em que a carreira de Guinga pôde finalmente desabrochar, a partir do lançamento do disco Cheio de Dedos, procurei trazer alguns pontos relacionados a indústria fonográfica do Brasil dos anos 1990, ou seja, da época de produção e lançamento do disco Cheio de Dedos, de forma que fosse possível entender em qual cenário a Gravadora Velas estava inserida nesta época: um momento de grandes turbulências econômicas no Brasil, que foram muito impactantes para as gravadoras da época, e também onde gêneros musicais como pagode, sertanejo e rock estavam em alta. Entretanto, a entrada de Guinga na Gravadora Velas acabou proporcionando um aumento significativo da divulgação do seu trabalho como violonista e compositor. Por outro lado, procurei elencar alguns aspectos relacionados aos trabalhos de dois artistas nos anos 1980 e 1990: Gilberto Gil e Milton Nascimento, de maneira a compreender um pouco do cenário da MPB no período anterior à entrada de Guinga na Gravadora Velas, ou seja, nos anos 1980. Muitos discos de música brasileira gravados nos anos 1980 e começo dos anos 1990 traziam sonoridades que muitas vezes eram bem artificiais, com sons sintetizados. Embora desde os anos 1970 já existissem efeitos e recursos digitais, no início estes eram caros e poucas pessoas tinham acesso. Nos anos 1980, a disponibilidade de efeitos digitais passou a ser bem maior, e era comum que os produtores muitas vezes exagerassem no seu uso. Neste mesmo período acontecia uma transição do meio pelo qual a música era comercializada: embora no Brasil o CD estivesse disponível desde meados dos anos 1980, no Brasil somente no início da década de 1990 passou a ser consumido em larga escala. O vinil e o cd acabaram convivendo por um certo período. Entre os métodos de investigação, foram realizadas entrevistas com diversos músicos envolvidos nos processos de composição, arranjo e demais etapas da produção do disco Cheio de Dedos. Desta forma, detalhes significativos sobre como os arranjos foram produzidos puderam ser trazidos à tona, assim como significados inerentes aos nomes das composições e elaboração das letras. Além disso, foram realizadas análises melódicas, harmônicas e formais de algumas das músicas presentes no disco, como forma de montar um panorama dos elementos utilizados por Guinga em suas composições para este disco, e de que forma os arranjos foram elaborados e gravados. Ao final, foram compiladas e analisadas diversas resenhas sobre o lançamento do disco Cheio de Dedos como forma de melhor compreender qual a recepção que o disco teve na imprensa, já que o disco Cheio de Dedos passou a ser a principal referência da carreira do compositor Guinga

Abstract: This work presents an analysis of a part of the career of the composer Carlos Althier de Souza Lemos Escobar, called Guinga, between 1993 and 1996, which comprehends, generally, the production process of the album Cheio de Dedos, third of the discography of Guinga and that was released by the record label Velas in the year 1996, which is the main theme of this research. For a better understanding of how Guinga's career developed at that time, some digressions were made, such as a dip in biographical aspects of this composer, detailing how he had his first contacts with music, through his parents and family, and also how he got in touch with some of the musicians who influenced him most during his career, such as Haroldo Hilário Bessa, Paulinho Cavalcanti, Chiquito Braga, Hélio Delmiro and others. In addition, I tried to mention during the text how some friends such as Paulinho Albuquerque and Aldir Blanc were extremely important in Guinga's career so that their it could reach higher levels of publicity. In order to be able to comprehend, generally, the music scene in which the career of Ginga finally began to make relative success, since the release of the album Cheio de Dedos, I tried to bring to this discussion some points related to the brazilian music industry of the 1990s, that is, approximately when Cheio de Dedos was released, so that it was possible to understand in which music scene the record label Velas was inserted at this time: a moment of great economic turbulence in Brazil, which were very impacting for the record companies of the time, and also where musical genres like pagode, sertanejo and rock'n'roll were in high status. However, Guinga's entry into the record label Velas ended up providing a significant increase in the spread of his work as a guitarist and composer. On the other hand, I tried to list some aspects related to the works of two artists in the 1980s and 1990s: Gilberto Gil and Milton Nascimento, in order to understand a bit of the MPB scene in the period before Guinga entered Velas, in the 1980s. Many Brazilian music records in the 1980s and early 1990s featured sounds that were often quite artificial, with synthesized sounds. Although digital effects and resources had existed since the 1970s, they were very expensive in the beginning and a few people had access. In the 1980s, the availability of digital effects became much greater, and it was common for music producers to often exaggerate their use. In this same period there was a transition from the media type through which music was marketed: although the CD existed since the mid-1980s, in Brazil it was only consumed on a large scale in the early 1990s. Vinyl and CDs ended up living together for a certain period. Among the research methods, interviews were conducted with several musicians involved in the processes of composition, arrangement and other stages of the production of Cheio de Dedos. In this way, significant details about how the arrangements were produced could be revealed, as well as meanings inherent in the names of the compositions and the elaboration of the letters. In addition, we performed melodic, harmonic and formal analysis of some of the songs on the disc, as a way of show which elements was used by Guinga in his compositions for this CD, and in what way the arrangements were elaborated and recorded. In the end, several reviews talking about the release of Cheio de Dedos were compiled and analyzed on as a way to better understand the reception that the album had in the press, since the album Cheio de Dedos became the main reference of the career of the composer Guinga

Der Begriff Choro ist ein vielschichtiger Ausdruck eines Genres, eines Stils und einer Besetzung. Diese Diversität wird noch durch Regionalität ergänzt und bildet mit der Choro-Tradition im brasilianischen Bundesstaat Maranhão eine besondere Ausformung. Die vorliegende Arbeit stellt den ersten Versuch dar, diesen Choro systematisch zu erforschen und versteht sich als Beitrag zur Grundlagenforschung in der Musikforschung Maranhãos. Dieser Choro Maranhense ist eine lebendige Tradition, die sehr aufnahmefähig gegenüber benachbarten Musikstilen ist und sich durch die besondere Musikpraxis von anderen Chorostilen Brasiliens abhebt. Die Praxis dieser Musik des Nordostens hat eine lange Geschichte und war prägend für die gesamte Musik des Landes. Ungeachtet des Streits um die Vorherrschaft zwischen den Zentren Rio de Janeiro und São Paulo im Südosten und den Zentren des Nordostens, wie São Luís und Maranhão, zeigen die Analysen, dass sich bei diesem Choro viele Variationen und Imitationen der Folklore von Maranhão, wie zum Beispiel Bumba-meu-Boi oder Lelê einbringen lassen, die dieser Choro-Tradition ein völlig anderes Bild verleihen wie die klassischen Vorbilder Pixinguinhas. Diese Arbeit versteht sich als Grundlage für weiterführende Forschungen und als Beitrag zur Erforschung der Musik im Nordosten Brasiliens.

RESUMO
Esta dissertação propõe uma etnografia da roda de choro, encontro informal de músicos
para a prática do Choro, com ênfase nas transformações ocorridas com a chegada de
uma nova geração de participantes nesses encontros, em fins da década de 1970. O
estudo traça um paralelo entre o Choro e a roda de choro, investigando a interação
desses universos através de dois grupos caracterizados como mediadores profissionais e
especialistas amadores. Tomando como caso de estudo as rodas ocorridas na casa do
arquiteto Alfredo Britto, no Rio de Janeiro, entre 1980 e 2011, foi realizada uma análise
qualitativa e quantitativa do acervo de gravações captadas pelo anfitrião, visando aferir
três aspectos fundamentais da roda de choro: ambiência, práticas musicais e repertório.
Cruzando as informações obtidas nas gravações, com entrevistas e questionários e ainda
com a observação participante do autor, foi possível tocar em aspectos subjetivos da
ligação entre os chorões e a roda de choro, bem como colocar em perspectiva histórica o
período do estudo de caso. O trabalho tem por objetivo revelar novas tendências e
modelos, que vêm alterando de forma significativa as práticas relativas a esses
encontros musicais, em constante tensão com a roda de choro tradicional.

ABSTRACT
The purpose of this study is to produce an ethnography of an informal musical
encounter of Choro musicians named roda de choro that has taken place at the architect
Alfredo Brito’s house in Rio de Janeiro emphasizing its practice and transformation
ocurred with the arrival of a new generations of participants during the decade of 1970.
The main objective of this study is to investigate the relationship between the
participants of the group, their performances and interactions on the roda and the way
they play the popular musical genre called Choro, through two different classes of
mediators: the professional musicians and the amateur experts. The methodological
procedures, the quantitative and qualitative analysis of a great amount of performances
recorded by the host from 1980 to 2011 intend, through a participant observation, to
investigate three relevant aspects of these meetings: the social environment, the musical
practices and the selection of the repertoire trying to unveal the subjective meaning of
this musical practice and its performers as well as the transformation that has occurred
along these thirty years. The research tries to trace the social and historical origins of the
roda de choro that made it possible to be reinvented as a tradition through a continuous
dialogue with the various segments of Choro performers. This work tries to disclose
new cultural trends, new models, practices

Born in 1980 in Rio Grande do Sul, Yamandu Costa is one of Brazil’s most celebrated guitarists. Yamandu Costa began his musical journey at the age of seven, taking informal guitar lessons from his father, Algacir Costa. Raised in a musical family, his childhood was marked by extensive touring alongside the family band, who made their living from entertaining at vibrant dance parties across Brazil. His father was the leader of the band Os Fronteiriços, whose music was rooted in the regional music of southern Brazil, known there as música gaúcha (gaúcho music). Amidst this inherently regional upbringing, Yamandu Costa’s music was shaped and influenced by the gaúcho culture and music of southern Brazil and Argentina. In addition, the migration of Argentinian guitarist Lucio Yanel to Rio Grande do Sul in 1982 had a major impact on the life and music of Yamandu Costa. Finding lodging at the Costa family home in Passo Fundo during the initial period of his migration, Yanel brought with him to Brazil his guitar music, rooted heavily in the folkloric regional styles of Argentina. The young Yamandu Costa found a musical mentor in Yanel, resulting in a musical career that would come to be heavily influenced by Yanel’s pioneering approach to gaúcho music as a guitar soloist. A composer and virtuoso guitarist, the presence of Yamandu Costa’s gaúcho identity is unmistakable. Yamandu Costa frequently draws upon idiomatic instrumental and compositional techniques indicative of his gaúcho music influences. His music is eclectic, as he pieces together a mosaic of diverse Brazilian music styles like choro with Argentinian chamamé, chacarera and zamba. Through an analysis of five original works, this thesis illuminates the influences of Yamandu Costa and demonstrates the presence of gaúcho musical idioms in his music. The analysis is contextualised amidst biographical details, and investigates his formative years spent in Rio Grande do Sul and his relationship with Lucio Yanel, which are critical to his musical formation. The legacy of Yanel’s presence in Rio Grande do Sul is measured by an analysis of parallels in guitar technique between Yanel and Yamandu Costa, and demonstrates the musical cues the protégé has taken from his mentor. This thesis shows that Yamandu Costa’s roots in gaúcho music distinguish him amongst the Brazilian guitar landscape.

Resumo: O artigo se constrói com base na consideração de que o fazer musical se enriquece quando a atenção do intérprete se dedica também ao contexto de vida e produção dos compositores. Avalia-se, aqui, o caso de um dos choros mais importantes de Pixinguinha: o Um a Zero. A música se constrói – verse -á – a partir de um quase encontro do chorão carioca com o compositor mineiro Ary Barroso. Alguns elementos motívico-melódicos demonstram isto, e serão analisados no texto.

Palavras-chave: Choro; Composição; Pixinguinha; Ary Barroso.

O caráter orquestral das composições de Moacir Santos parecia incompatível com as possibilidades técnicas do violão. Contudo, no ano de 2015, a leitura das partituras do  Cancioneiro Moacir Santos revelou que suas composições se encaixavam perfeitamente no violão de 7 cordas, no tom original, como se compostas para esse instrumento. O objetivo deste artigo é descrever alguns aspectos do processo de transcrição e arranjo da obra de Moacir Santos para violão de 7 cordas. O estudo justifica-se pelo ineditismo e desafio técnico que representa e pelo fato de essa transcrição da obra de Moacir Santos inseri-lo na tradição da música escrita para violão no Brasil.

Esta pesquisa investiga o estabelecimento do circuito do violão em São Paulo. Busca-se detectar os agentes que deram sustentação às práticas em torno do instrumento e localizar o repertório cultivado pelos primeiros instrumentistas em atuação na cidade. Para a identificação dos processos de estabelecimento do movimento do violão, utilizamos os conceitos de mundos da arte (2008), do sociólogo norte-americano Howard S. Becker. Para Becker, um mundo artístico é constituído por um conjunto de pessoas e organizações que produzem os acontecimentos e objetos necessários para a realização daquilo que é definido por esse mesmo mundo como arte. Já para localizar a música em circulação, as revistas e jornais do período funcionaram como uma espécie de mapa que guiou o itinerário: as informações sobre a atuação dos instrumentistas, encontradas em periódicos do século XIX e início do XX, auxiliaram no rastreamento em acervos, públicos e particulares, de vestígios dessas atividades e a redimensionar a produção e a circulação dos violonistas do período, possibilitando a recuperação de diversas composições desses instrumentistas. Tais informações, aliadas aos depoimentos de músicos, livros, dissertações, teses e artigos possibilitaram uma percepção mais acurada das dinâmicas dessas práticas. Ainda com o intuito de disponibilização, divulgação e reabilitação de algo da sonoridade produzida pelos personagens abordados na pesquisa, foram realizados registros sonoros de obras dos compositores em atuação em São Paulo no período estudado e confeccionadas partituras a partir de manuscritos encontrados nos diversos acervos pesquisados.
Palavras-chave: Violão brasileiro. Violão em São Paulo. Música em São Paulo.

Resumo O presente artigo aborda a atuação de Almirante e Pixinguinha na condução do repertório e dos arranjos realizados por Pixinguinha para a orquestra popular do programa radiofônico O Pessoal da Velha Guarda. O programa tinha como objetivo divulgar estilos musicais não veiculados pela mídia da década de 1940, época em que outros estilos musicais despontavam, alguns deles com grande influência da música estrangeira, como o bolero e o samba-canção. Alguns pesquisadores da música popular no Brasil da época, como também intelectuais e compositores, manifestavam-se com relação a tal fato, como também buscavam formas de divulgar o repertório de músicas consideras por eles como de " raiz " , como também a música folclórica de várias regiões do Brasil. O cantor e produtor radiofônico Almirante, juntamente com os músicos que integravam a equipe de alguns de seus programas das décadas de 1930 e 1940, como os programas Curiosidade Musicais e Orquestras e Músicos do Brasil, concentraram-se na concepção e efetivação do programa O Pessoal da Velha Guarda, que foi transmitido na Rádio Tupi do Rio de Janeiro, no período de 1947 a 1952. No palco desse programa

Los archivos que componen esta colección se han almacenado en la nube en formato Microsoft OneDrive (https://1drv.ms/u/s!AisN19ltgXzegZQ03BbT_KN0DLNiVQ?e=IyKu9e) para su localización y ejecución en cualquier dispositivo y plataforma.

Las músicas incluidas comprenden los géneros y estilos indígenas, afro y criollos hasta la gestación de las variantes comprendidas como músicas del mundo.

Villa-Lobos

„Traditionelle und außereuropäische Musik als Inspiration für klassische Kompositionen - Perspektivenspender und Einflüsse in der abendländischen Kunstmusik“


Diese Arbeit ist ein Versuch, Einflüsse und Elemente der traditionellen brasilianischen Musik, die in Heitor Villa-Lobos’ Werkzyklus 9 Bachianas brasileiras vorkommen, zu verstehen.

Villa-Lobos (1887-1959) war ein brasilianischer Komponist, der in seiner Arbeit viele Elemente aus der brasilianischen Musik mitgebracht hat. Mit zahlreichen Folk- und Tanz-Elementen als Grundlagen seiner Musik versuchte er,  Wege zu finden, um seinen starken Nationalismus auszudrücken.

O memorial descritivo apresentado relata o processo de produção do curta-documentário intitulado Entre músicos e pavões, o choro que versa sobre a trajetória de criação e desenvolvimento das atividades de um movimento de músicos praticantes de choro na Baixada Fluminense, a Roda de Choro dos Pavões. Por meio da coleta de depoimentos e da exibição de materiais de arquivo como fotografias, reportagens e vídeos das performances e reuniões, o documentário explora as motivações dos idealizadores para iniciar suas ações, bem como seus desdobramentos no município de Nova Iguaçu-RJ e adjacências. Portanto, este trabalho tem como objetivo o detalhamento das etapas de realização do produto audiovisual desde sua concepção ao corte final. Serão abordadas questões relacionadas ao tema do filme, que contextualizarão brevemente a história do choro e refletirão acerca da sociabilidade gerada pela prática deste gênero, dos códigos promotores de um sistema de interação social e da defesa conservadora de uma preservação da tradição como forma de se relacionar com o passado. Quanto aos aspectos teóricos e práticos do documentário, o memorial abordará as particularidades do modo participativo de produção e seus reflexos em elementos importantes para a realização de um filme do gênero, como pesquisa, roteiro, personagem, entrevista e finalização sob a perspectiva de diferentes autores que se dedicam a discutir os limites e os entrelaçamentos entre ficção e não-ficção.

Relato de acontecimentos em campo realizado em Rodas de Choro em Belo Horizonte, investigando a questão da expressividade musical do gênero. O trabalho desenvolve-se em trechos etnográfico-fenomenológicos com notas de estudo, contextualizando-os com apontamentos epistemológicos surgidos da concatenação de referenciais teóricos com a efetiva realização da observação-audição perante a manifestação musical destacada.

ABSTRACT Report of events in the field held at Rodas de Choro in Belo Horizonte, investigating the issue of musical expressiveness of the genre. The work is developed in ethnographic-phenomenological sections with notes of study, contextualizing them with epistemological notes arising from the concatenation of theoretical references with the effective realization of the observation-hearing before the musical manifestation highlighted.

A partir da noção do conceito de "mudança musical" tal como proposto pelo etnomusicólogo Bruno Nettl, e amparado pela noção de "gênero musical" como categoria discursiva-que abriga, além de aspectos sonoros, elementos ideológicos, políticos, sociais e históricos (MIDDLETON, 1990; OCHOA, 2003; VILA, 1995)-o artigo estabelece cortes comparativos entre gravações fonográficas de choro ao longo do século XX. Através da análise de dois estudos de caso-as transformações nos gêneros "quadrilha" e "polca" em diferentes períodos-procuro entender de que forma processos de ressignificação e mudança em música são criados e de que maneira diferentes atores sociais justificam tais mudanças.

Between polkas, "quadrilhas" and "choros": processes of musical change in choro music during the XXth century.

Abstract: Based on the concept of musical change as proposed by Bruno Nettl and the concept of musical genre as discursive categories (MIDDLETON, 1990; OCHOA, 2003, VILA, 1995), this article provides comparative analyses of choro recordings in the XXth century. Focusing in two case studies-musical changes in polka and "quadrilhas" in different periods-and combining musical analysis with social actors different speeches, my objective is to understand how this changes are perceived and justified by choro music players in different contexts. 1-Introdução Este artigo trata de mudanças em práticas sonoras habitualmente relacionadas ao universo do choro 1 no percurso das gravações fonográficas desde o início do século XX. Tenho como foco dois estudos de caso: as mudanças no gênero "quadrilha"-prática bastante popular nos bailes do Rio de Janeiro no século XIX, posteriormente caída em total esquecimento nas décadas seguintes, para ser "reinventada" a partir da década de 1990 (ZAMITH, 2007; ARAGÃO, 2013)-e as mudanças rítmicas e estilísticas na polca 1 Não há espaço no âmbito deste artigo para uma discussão sobre definições e origens do termo. De forma geral, o termo "choro" foi utilizado desde finais do século XIX como forma de designação de músicos populares que tocavam à sua maneira músicas de salão europeias, e como forma de designação dos bailes ou encontros musicais onde tais músicos atuavam. A partir das primeiras décadas do século XX o termo passa a ser utilizado para designar práticas musicais executadas por estes músicos, transformando-se em "gênero musical" (conquanto abrigasse diversas práticas sonoras distintas) no âmbito do disco e da rádio a partir da década de 1930. Procurei realizar uma discussão mais acurada sobre as transformações do termo em trabalho anterior (ARAGÃO, 2013)

La vida cotidiana en los conventos de monjas en la Nueva España estuvo conformada por diversas actividades, algunas de ellas fueron acompañadas con música y canto. El objetivo principal del presente trabajo fue investigar y referir la manera en que se ejecutó la música en algunos espacios conventuales femeninos en el Obispado de Michoacán en el periodo virreinal.

Resumo: Este trabalho dispõe uma aproximação entre os termos gênero e estilo com a ideia de categoria. Busco esboçar um método para compreender, em sujeitos atuantes, como e porque choro, enquanto categoria, se preserva nos dias de hoje. Situo o referencial teórico entre a semiótica e psicologia cognitiva. Dessa forma, é possível conceber tal categoria contendo metáforas de tempo, espaço e movimento. Por fim, lanço questões, que são um dos principais problemas da presente pesquisa: que direção os sujeitos (ou agentes) estariam propondo em suas composições e arranjos? Que elementos musicais ajudariam na preservação desta categoria?

Este trabalho tem como objetivo investigar os processos que envolvem a produção e as performances contidas no histórico LP Depoimento do Poeta, o primeiro do compositor Nelson Cavaquinho, lançado em 1970. Abordamos, com o auxílio de pesquisa em periódicos, as trajetórias de Nelson Cavaquinho e Altamiro Carrilho anteriores à gravação do LP, bem como discutimos o forte caráter documental do disco, evidenciando o entorno sociocultural e os diversos mediadores envolvidos em sua concepção e produção. Apresentamos a terminologia e os conceitos provenientes da Teoria das Músicas Audiotáteis (TMA), conforme proposto originalmente pelo musicólogo italiano Vincenzo Caporaletti, dentre os quais destacamos o conceito de extemporização, uma alternativa a certos momentos de liberdade interpretativa não adequadamente representados pela noção comum de improvisação. Relevamos a atuação do flautista e diretor musical do disco Altamiro Carrilho a partir das recorrências interpretativas fundamentadas em processos de extemporização, manifestos tanto na criação de introduções e codas para os sambas, desenvolvimento de solos e inserção frequente de ornamentação. Este eixo contempla também as estruturas formais dos sambas de Nelson Cavaquinho. Desta forma,
espera-se contribuir com a pesquisa em música popular a partir de uma perspectiva de análise integrada de procedimentos interpretativos, biográficos, antropológicos, cognitivos-táteis e teórico argumentativos, dispostos em torno do LP Depoimento do Poeta e de seus artistas.

Resumo: O trabalho trata de uma revisão de literatura, assinalando resultados e apontamentos de um estudo dos sumários, resumos, textos e das referências elencadas em trabalhos científico-acadêmicos que tratam do Choro como matéria. O crivo, aqui, enquadrou pesquisas que utilizem métodos e diretrizes da Etnomusicologia ou que desenvolvam um diálogo teórico-procedimental e analítico com escritos fundamentais desta disciplina. Palavras-chaves: Choro. Etnomusicologia. Estado da arte. Trabalhos acadêmicos. The Choro in studies of the Ethnomusicology: the environments and research tools, the state of art in quantitative aspects and notes critics Abstract: The paper deals with the process of a literature review, and mark up preliminary notes of a study of the abstracts, summaries, texts and references listed in scientific-academic papers that take the "Choro" as matter. The bolter, here, framed research that uses methods and guidelines of the Ethnomusicology, or that develops a theoretic-procedimental and analytical dialogue with fundamental writings of this discipline.

A presente pesquisa pretende conceber uma parte da produção contemporânea entendida culturalmente como choro ou, contida em outras definições como neo-choro (ZAGURY, 2014), choro contemporâneo (VALENTE, 2014), uma terceira coisa (CLÍMACO, 2008). Choro é aqui entendido como uma categoria de gênero ou estilo, concebido a partir de diferentes metáforas conceituais como idiomática, territorial, de movimento e biológica. Partindo da ideia de idioma, a investigação dá ênfase ao conceito de “sintaxe” para o seu desenvolvimento. Os objetos de análise enfocados são versões tradicionais (ou mais antigas) das peças Remando de Ernesto Nazareth (em versão fonográfica de Maria Teresa Madeira), Lua Branca de Chiquinha Gonzaga (em versão fonográfica de Gastão Formenti e João Octaviano), Lamentos e Naquele Tempo de Pixinguinha (nos fonogramas dos álbuns Vibrações e Choros Imortais), todos compositores representantes do gênero. Estas versões tradicionais são cotejadas com versões contemporâneas feitas pelos músicos Cristóvão Bastos e Leandro Braga, pertencentes também à genérica comunidade do choro. Para tanto, são aplicadas (1) análises estilísticas, a partir de conceitos extraídos de Meyer (1989), (2) análises sintáticas, fundamentadas no Generative Syntax Model (Modelo de Sintaxe Gerativa), idealizado por Rohrmeier (2011), e (3) cotejos com resultados obtidos em artigo de 2019, produzido em coautoria por Moss, por mim e por Rohrmeier, com metodologia de modelagem computacional para um corpus de choro. Considerando essas três vertentes metodológicas estabeleceu-se um paralelo com a linguística, sobretudo pela abordagem gerativista. O principal parâmetro musical considerado foi a harmonia, embora tangencialmente outros descritores para- e intra-musicais sejam contemplados na análise. Os resultados finais demonstraram que o choro contemporâneo resultante de práticas de releituras como as de Bastos e Braga apresenta um “enfraquecimento sintático” tonal em relação à prática tradicional. Contudo, é fundamental observar que esse enfraquecimento da sintaxe acontece de maneira variada e em divers os níveis de mobilidade e fechamento nos quatro choros selecionados.

Resumo: Este trabalho apresenta apontamentos sobre possibilidades e entraves da utilização da notação musical tradicional no contexto das performances do Choro Brasileiro. Contextualizando os pensamentos de Bruno Nettl – sobre transcrições e transmissão oral – com elementos observáveis do fazer musical chorão e revelando o quanto as relações sociais podem influenciar essa música. Abstract: This paper presents notes on possibilities and obstacles of the use of traditional musical notation in the context of the Brazilian Choro's performances. Contextualizing the thoughts of Bruno Nettl – at about transcripts and oral transmission – with observable elements of the genre of music making its possible showing how social relations can influence that music.

Resumo: Esboço etnográfico e apreensões vindas do trabalho de campo realizado junto a " rodas de Choro " em Belo Horizonte. O trabalho trata do desenvolvimento de uma descrição dos eventos em estudo, contextualizando-os com apontamentos epistemológicos surgidos da formulação complexa quando se concatenam referenciais teóricos, revisão orientada de literatura e a efetiva realização da observação-audição junto à manifestação musical destacada. Abstract: Ethnographic sketch and aprehensions goings of fieldwork conducted in Belo Horizonte's " rodas de Choro ". The work is about the development of a description of events in study, contextualizing them with epistemological notes which originate from the complex formulation between theoretical frameworks, literature oriented and the realization of the observation-listening of the musical context.

Resumo: O artigo enfatiza a necessidade da abordagem interdisciplinar no estudo dos processos de ensino e aprendizagem do choro, lançando um olhar sobre os diferentes modelos de interdisciplinaridades propostos por Georgina Born (2010). As contribuições da antropologia e das ferramentas metodológicas da etnomusicologia, assim como apontamentos de estudiosos como Abstract: The article emphasizes the need for an interdisciplinary approach in the study of the teaching-learning processes of the choro genre, looking at the different interdisciplinary models proposed by Georgina Born (2010). The contributions of anthropology and the methodological tools of ethnomusicology, as well as notes from scholars such as Blacking, Seeger, Sandroni, Queiroz, Oliveira Pinto and Campbell enrich the discussion.

Elementos idiomáticos do cavaquinho foram/são usados por pianistas na construção de arranjos e composições para piano desde o início da história do choro. O presente trabalho busca compreender as principais características desses elementos, especialmente do cavaquinho-centro, e identificar, em partituras e gravações de pianistas de diversas épocas e contextos (piano solo, duos, piano junto a um grupo de choro), a forma como esses adaptaram tais recursos ao piano. Abstract: Pianists have used idiomatic elements of cavaquinho playing in arrangements and compositions for piano since the beginning of choro history. This article aims to comprehend the main characteristics of those elements, specially of the cavaquinho-centro, and identify in scores and recordings of pianists in different periods and contexts (solo piano, duos, piano in choro ensembles) how these performers adapted such procedures to the instrument. A utilização de elementos idiomáticos de instrumentos típicos do choro (como violão, cavaquinho, flauta, etc.) ao piano pode ser encontrada no repertório pianístico brasileiro desde o século XIX até em performances de pianistas atuais. Estima-se que esses recursos foram/são utilizados como uma forma de compreensão, adaptação e aplicação da linguagem do choro ao piano. Considerando a importância da compreensão dessa linguagem, o presente trabalho busca entender como alguns recursos idiomáticos do cavaquinho acompanhador foram abordados por compositores ou pianistas em seus arranjos para o piano. Para tal, identificou-se as principais características do cavaco-centro, que foram relacionadas a exemplos aplicados ao piano em períodos variados (desde partituras de composições do início do século XX a trechos de gravações mais atuais) e em contextos diversos (piano solo, duos e piano junto a um grupo de choro).

Resumo: O nascimento do choro como a primeira música popular urbana do Brasil, por volta da década de 1870, dá-se devido à combinação entre as danças europeias e a influência africana aliada aos estilos e sotaques próprios dos músicos populares do Rio de Janeiro. As várias transformações ocorridas na cidade e a formação de uma paisagem sonora própria forneceram uma série de elementos, presentes no ambiente acústico-musical carioca, importantes para a elaboração espontânea de uma nova forma de tocar do músico popular que atuava durante o período marcado pelo segundo reinado do império brasileiro. Inconscientemente, foram incorporadas às práticas musicais daquele período novas sonoridades provenientes da música estrangeira vinda da Europa, difundida pelas partituras e tocada ao piano, e do ritmo peculiar da percussão herdada da África, típico de rituais religiosos e outras festividades, presentes no espaço urbano. O interesse da pesquisa é iniciar uma reflexão acerca do princípio da história dessa música, do seu primeiro momento-anterior à formação do gênero musical que carregou o mesmo título e atravessou o século XIX definido por características morfológicas próprias-e as várias implicações sociais, culturais e, especialmente, musicais que se projetaram sobre ela e a resultaram. Palavras-chave: Choro; Paisagem Sonora; Música Brasileira; Música Urbana; Rio de Janeiro; INTRODUÇÃO O nascimento do choro como a primeira música popular urbana do Brasil, por volta da década de 1870, dá-se devido à combinação entre as danças europeias e a influência africana aliada aos estilos e sotaques próprios dos músicos populares do Rio de Janeiro, como assinala Cazes (2005). As várias transformações ocorridas na cidade e a formação de uma paisagem sonora 2 própria forneceram uma série de elementos, presentes no ambiente acústico-musical carioca, importantes para a elaboração espontânea de uma nova forma de tocar do músico popular que atuava durante o período marcado pelo segundo reinado do império brasileiro. Inconscientemente, foram incorporadas às práticas musicais daquele período novas sonoridades provenientes da música estrangeira vinda da Europa, difundida pelas partituras e tocada ao piano, e do ritmo peculiar da percussão herdada da África, típico de rituais religiosos e outras festividades, presentes no espaço urbano.

Resumo: A presente comunicação discute, por meio da revisão bibliográfica, os termos gênero e estilo no que tange às práticas de choro. O objetivo é buscar por metodologias que, a partir desses termos no intuito de abordar sujeitos (arranjadores) e objetos (arranjos) que praticam o que é chamado por Valente (2014) de choro contemporâneo, por Zagury (2014) de neo-choro, e por Clímaco (2008) de terceira coisa (referindo-se a esta " nova " fase na história do choro). Assim, busco nas teses das autoras supracitadas – com seus afluentes –, a forma usada para se atribui critérios para a consolidação do choro enquanto gênero e os fatores envolvidos quando se associa choro enquanto estilo. Cotejamos as ideias implícitas às práticas do choro em tais terminologias com suas teorias, consideradas nesse momento, mais representativas de gênero (Fabbri, 1982) e de estilo (Meyer, 1989). Ao final do artigo propomos um problema para constituir uma hipótese para a presente pesquisa de doutorado.

Abstract: The present communication discuss the concepts of genre and style associated to choro's practices through bibliography's review. My goal is seek methodologies at this terms to approach subjects (arrangers) and objects (arranges) in this practice called by Valente (2014) as choro contemporâneo, by Zagury (2014) as neo-choro, by Clímaco (2008) as a third thing (referring this new phase in the history of choro). I pursue in dissertations of these authors above cited – with theirs affluents –, the manner how attributes criteria for the choro's consolidation as genre; and the factors involved when choro is associated as style. I collate implicit ideas of choro's music on these terminologies with its theories, considered for me, more representative of genre and style at this moment: Fabbri (1983) and Meyer (1989). By the end, I propose a problem for constitute a hypotheses for the present doctorate's research.

This corpus study constitutes the first quantitative style analysis of Choro, a primarily instrumental music genre that emerged in Brazil at the end of the 19th century. We evaluate its description in a recent comprehensive textbook by transcribing the chord symbols and formal structure of the 295 representative pieces in the Choro Songbook. Our approach uncovers central stylistic traits of this musical idiom on empirical grounds. It thus advances data-driven musical style analysis by studying both harmony and form in a musical genre that lies outside the traditional canon.

O uso da transcrição musical divide opiniões em meio aos etnomusicólogos. Considerando a pertinência dos questionamentos e da reflexão a respeito disso, o texto registra argumentos tratando não somente do produto transcrito, mas do processo de transcrever, na via dialógica entre o ouvir, o escrever, o ler, e mesmo um às vezes pretendido (re) fazer soar; todas estas etapas atinentes à pesquisa em música e, em especial, na etnomusicologia. O conhecimento que se constrói numa empreitada de transcrição, segundo se cogita, extrapola a resposta escrita direta a uma dada emanação sonora; e, num exercício do fazer e do pensar – em práxis – devem-se incitar novas e diferentes indagações acerca, primeiramente, das características intrínsecas e expressivas daquela manifestação musical em cuidado e, depois, sobre a maneira de se empreender contatos com esta música ao longo de um estudo. As ponderações daqui inserem-se no âmbito da estruturação teórico-metodológica de uma pesquisa de doutorado, de viés etnomusicológico, dedicada à música do Choro e às práticas e discursos de seus executantes na cidade de Belo Horizonte.

Abstract: The use of musical transcription divides opinions among the ethnomusicologists. Considering the pertinence and importance of the questions and the reflection on this, the text registers some arguments dealing not only with the transcribed product, but also with the process of transcribing, in the dialogical way between listening, writing, read, and even sometimes intended (re) sounding; all these stages pertaining to the practice of the music research, and, especially, in the ethnomusicology. The knowledge that is constructed in a transcription process, according to one's mind, extrapolate a " direct " written response to a given sound emanation; and, in an exercise of thinking and doing-in praxis-should stimulate new and different inquiries on, first, the intrinsic and expressive characteristics in that musical manifestation that is taken care of and, later, on the way to make the contacts with such music throughout of a study. The weightings here are part of the initial theoretical and methodological structuring of a doctoral research, with an ethnomusicological bias, dedicated to Choro music and to the practices and discourses of its performers in Belo Horizonte. Abertura Os primeiros pontos que se pretendem tratar, nestes parágrafos iniciais, se apresentam e se desenvolvem a partir de argumentos um tanto semelhantes aos trazidos no seguinte trecho:

Este artigo trata da transmissão musical e atuação de flautistas no século XIX e início do século XX, através de pesquisa realizada nos periódicos cariocas, pela busca na Hemeroteca Digital da Biblioteca  Nacional.  O  livro O  choro,  de  Alexandre  Gonçalves  Pinto  (2014)  complementa  as informações encontradas nos periódicos. A pesquisa teve como objetivo mapear a atividade docente dos flautistas no Rio de Janeiro através de anúncios de professores de flauta publicados nos periódicos, assim como identificar outros ambientes de atuação desses instrumentistas. Também foi realizada a busca por métodos  de  flauta  à  venda  nos  periódicos.  Os  resultados  mostraram  ampla  atuação  de  professores particulares de flauta, a predominância de métodos franceses e uma atividade profissional diversificada destes  instrumentistas,  incluindo  a  participação  em  orquestras,  bailes  e  em  diferentes  áreas,  não relacionadas  à  música.  A  chegada  da  flauta  metálica  do  sistema  Boehm  no Brasil  teve  sua  origem esclarecida nesta busca  nos periódicos, sendo atribuída  a Achilles Malavasi. Por fim, foi traçada  uma linhagem de professores de flauta que atuaram no choro e seus gêneros formadores, que inclui Joaquim Callado, Duque Estrada Meyer, Viriato Figueira, Frederico de Barros e Pedro de Assis. PALAVRAS-CHAVE: Flauta; Choro; Hemeroteca digital; Transmissão musical; Ensino e aprendizagem.

Musical transmission between flutists of the 19th and early 20th centuries: research in Rio de Janeiro newspapers

ABSTRACT: This article deals with the musical transmission and performance of flutists in the 19th and early 20th centuries, through research carried out in Rio de Janeiro newspapers, through the search in the Digital Library of the National Library. Alexandre Gonçalves Pinto's book, O choro(2014), complements the information found in the journals. The research aimed to map the teaching activity of flutists in Rio de Janeiro through advertisements published by flute teachers, as well as to identify other environments in which these instrumentalists operate. The search for flute methods for sale in newspapers was also carried out. The results showed extensive performance by private flute teachers, the predominance of French music methods and a diverse professional activity by these instrumentalists, including participation in orchestras, dances and in different areas not related to music. The arrival of the metallic flute of the Boehm system in Brazil had its origin explained in this search in the newspapers, being attributed to Achilles Malavasi. Finally, a lineage of flute teachers who worked in choro and its forming genres was drawn, which includes Joaquim Callado, Duque Estrada Meyer, Viriato Figueira, Frederico de Barros and Pedro de Assis. KEYWORDS: Flute; Choro; Digital newspaper library;Musical transmission; Teaching and learning.

Resumo: A questão da expressividade musical é assunto dos mais discutidos. Concerne à expressividade do Choro, a realidade não é diferente (SALEK, 1999 e OZZETTI, 2006). Com o intuito compreender as características da expressão chorona e contribuir para seu entendimento técnico musical, o artigo contextualiza a teoria do " Note Grouping " (THURMOND, 1999) com apontamentos vindos da análise de gravação do choro Ingênuo.

Resumo: O artigo é um desdobramento de revisão de literatura de trabalhos histórico-biográficos sobre o Choro e seus personagens. Aqui, leva-se em consideração que algumas fontes de pesquisa acerca do tema são visitadas e revisitadas por muitos pesquisadores ao longo de décadas sem que seus discursos percam determinadas obscuridades. Estudam-se, pois, os panoramas ideológicos e especulativos, e os sistemas teóricos e filosóficos que estão na base de tais trabalhos. Notes of critical reading of historiographical work on the Brazilian Choro Abstract: The article is a deployment of literature review of historic and biographic works about the Choro and their players and compositors. Here, it takes into account that some research sources on the subject are visited and revisited by many researchers for decades without their speeches lose certain obscurities. Are studied, therefore, the ideological and speculative panoramas, and the theoretical and philosophical systems which are the basis of such work.

Este trabalho dispoe uma aproximacao entre os termos genero e estilo com a ideia de categoria . Busco esbocar um metodo para compreender, em sujeitos atuantes, como e porque choro, enquanto categoria, se preserva nos dias de hoje. Situo o referencial teorico entre a semiotica e psicologia cognitiva. Dessa forma, e possivel conceber tal categoria contendo metaforas de tempo, espaco e movimento . Por fim, lanco questoes, que sao um dos principais problemas da presente pesquisa: que direcao os sujeitos (ou agentes) estariam propondo em suas composicoes e arranjos? Que elementos musicais ajudariam na preservacao desta categoria?