Poesía hispanoamericana

-Resumen:
Nuestro trabajo analizará mediante la noción de los “campos figurativos” de la Retórica General Textual postulada por Stefano Arduini (2000) los poemas “Ofrendando el libro” y “Otra estirpe”, pertenecientes a Los cálices vacíos (1913) de Delmira Agustini. En el primero, el poemario se dedica a Eros, en tanto supremo inspirador de la creación poética, porque concilia conceptos opuestos (placer/dolor, infierno/paraíso, luz/sombra) a partir del dominio sensual de elementos de la naturaleza (flores delicadas y animales imponentes); en contraste, en el segundo, la locutora se reconoce como superior al dios (ciego) en cuanto al conocimiento erótico del acto amatorio entre ella y un sujeto deseado, cuyo objetivo último es engendrar seres pasionales. Las relaciones antitéticas en ambos textos demuestran que poesía, naturaleza y sensualidad conforman una armonía erótica que trasciende lo corpóreo.

-Palabras clave: campo figurativo, retórica, Delmira Agustini, poesía, sensualidad.

Resumen Este artículo desarrolla una categoría crítica a partir de ciertos poemas que requieren quebrantar la noción de autonomía literaria: la intención lírica. El poema, vinculado a la autobiografía, a la autoficción o a la autonarración, deja de lado la tradicional definición de lirismo para plantear un problema teórico: las diferentes capas o niveles que llenan de sentido al pronombre yo. Desde los aportes críticos de la teoría de la enunciación (Dominique Rabaté, Alain Rabatel, Dominique Maingueneau, Jean-Michel Maulpoix) se describen distintos sujetos modales o escenografías en las que opera la intencionalidad lírica. De este modo, se pretende incorporar al análisis del Sujeto lírico y el Scribens un concepto que los integra: la firma poética, según la describe Mutlu Konuk Blasing. Palabras clave: enunciación lírica; escenografía; intención lírica; sujeto modal; voz THE LYRICAL INTENTION. NOTES ON AN ARCHGENRE Abstract This work develops a critic category starting from certain poems that require breaking with the notion of "literary autonomy": the lyrical intention. The poem, linked to autobiography, the autofiction or the autonarrative, leaves behind the traditional definition of lyricism to account for a theoretical problem: the distinct layers or levels that give the pronoun "I" a meaning. From the critical contributions of the theory of enunciation (Dominique Rabaté, Alain Rabatel, Dominique Maingueneau, Jean-Michel Maulpoix), various modal subjects or scenographies in which the lyrical intentionality operates are described. In this sense, I intend to incorporate the analysis of the lyrical subject and the Scribens, a concept that integrates them: the poetic signature, as described by Mutlu Konuk Blasing.

Voluntad de la luz y el poema cosmogónico de Luis Armenta Malpica Las siguientes reflexiones giran alrededor de un poeta mexicano nacido en la década de los sesenta: Luis Armenta Malpica (1961). La confección de su trabajo le ha valido una gran cantidad de reconocimientos en México y el extranjero, además de la multiplicación de su obra a otros idiomas como el inglés, francés, alemán, portugués, italiano, catalán, rumano, árabe, ruso entre otros. ''Voluntad de la luz'' (1996), el primero de una serie de libros con hechura magistral de Armenta Malpica, fue celebrado con el laurel más significativo de nuestro país 1 , el Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes. El objetivo de este análisis es ahondar en algunos de los procedimientos usados por el poeta para comunicar emociones, es decir, nos importa un metalenguaje, no en sí mismo, sino por su efecto en nosotros. Voluntad de la luz es un libro de índole narrativa, su proximidad con los mitos judeocristianos lo hace un poemario cosmogónico. Entonces, vale la pena preguntarnos cómo se exterioriza ese contenido a través de la palabra, cómo se trata el ritmo, si sabemos que en los textos bíblicos no existe la dicotomía verso-prosa-concepto residual del pasado helénico-. Meschonnic al respecto aclara:

Rafael Pombo: La hora de tinieblas
Introducción de Cristancho Duque
Ilustraciones de Francisco de Goya

La hora de tinieblas es, a decir de Andrés Holguín, «el poema más filosófico y hondamente blasfemo escrito en el siglo XIX en tierras americanas».
Este gran poema, conformado por sesenta y una décimas perfectamente compuestas y de magnética musicalidad, expresa, de manera rotunda, un profundo desencanto y, sobre todo, un derrumbamiento de las más hondas certidumbres del poeta, entre las que se cuentan la bondad de un Dios Todopoderoso para con sus criaturas, el sentido de la existencia, la libertad humana y la razón de ser del libre albedrío. Esta pérdida de toda certeza y asidero hace de la existencia, el gran don de «un Dios tan justo y bueno», un tormento.
Aquí lo que hay es poesía pura, mezclada con vasto pensamiento y hondura metafísica. Es aquí donde el Romanticismo hispánico toma alto vuelo, alcanzando incluso, en algunos momentos de belleza desnuda, de clara lucidez, de arrobo místico, las altas esferas de un Victor Hugo o un Lamartine. Es aquí.

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Para el poeta argentino Raúl González Tuñón la Guerra Civil española de 1936 fue un acontecimiento definitorio en su vida. Era, además de reconocido poeta, un periodista experimentado. Comenzó a trabajar en el periodismo desde muy joven. En Crítica, diario al que se incorporó en 1925, su director, Natalio Botana, comprendiendo que Raúl amaba viajar, lo enviaba a cubrir noticias en diferentes sitios, dentro y fuera del país. Ya para entonces tenía cierta fama como poeta, y había colaborado en las revistas literarias Proa y Martín Fierro. En 1926 publicó su primer libro de poemas, Violín del diablo. En 1927 residió en Tucumán y viajó por varias provincias del interior: la zona cuyana, Córdoba, el norte. Escribía la sección de "Crónicas de la semana", donde volcaba su experiencias callejeras y sus impresiones de viaje.

Este trabajo gira alrededor de seis poemas que pertenecen al libro Tretas del débil, publicado por Piedad Bonnett (Amalfi, Antioquía, 1951) en el año 2004 y seleccionados por la propia poeta para ser publicados en Adarve (Adarve. Revista de Crítica y Creación poética, Nº IV, 2009, pp. 37-45).

Poesia contemporânea – Argentina e Brasil
Poesía contemporánea – Argentina y Brasil
organização e tradução/organización y traducción
Araceli Otamendi – Christina Ramalho
ARGENTINA

Aldo Luis Novelli 
Alicia Silva Rey
Ana Arzoumanian
Ana María Manceda
Araceli Otamendi
Blanca Salcedo
Carlos Enrique Cartolano
Diego Rodríguez Reis
Ernesto Rojas
Fernando De Leonardis
Gabriela Rivero
Germán Mastellone
Gustavo Tisocco
Jenny Wasiuk
Juan Carlos Rodríguez
Juan Ramón Ortiz Galeano
Lecko Audencio Zamora
Liliana Lukin
Manuel Lozano Gombault
Nerina Thomas
Olga Liliana Reinoso
Paulina Juszko
Sergio Giuliodibari
Susana Szwarc
BRASIL

Alberto Pucheu
Ana de Santana
Antônio Mariano
Beatriz H. Ramos Amaral
Carmen Moreno
Christina Ramalho
Cida Pedrosa
Eliane Potiguara
Frederico Barbosa
Ítalo de Melo Ramalho
Lau Siqueira
Lívio Oliveira
Márcia Batista Ramos
Marilia Kubota
Paulo Ferraz
Prisca Agustoni
Ramon Diego
Rosângela Trajano
Rubens Jardim
Susanna Busato
Tanussi Cardoso
Tarso de Melo
Telma Scherer
Tiago Hakiy

Introducción a monográfico dedicado a Poetas hispanoamericanas del siglo XX, en Ínsula. Revista de Letras y Ciencias Humanas, Nº 853-854, enero-febrero, 2018.
En este monográfico colaboran destacados especialistas: Nain Nómez, Alicia Salomone, Luisa Campuzano, Tania Pleitez, Vicente Cervera, María A. Salgado, Márgara Russotto, Carmen Ruiz Barrionuevo, Modesta Suárez y María Lucía Puppo.

Este trabajo pretende, en primer lugar, indagar en la naturaleza del haiku hispanoamericano, si es que se puede hablar de "un" haiku hispanoamericano, atendiendo a la producción tanto literaria como teórica o parateórica de algunos de sus más insignes cultivadores desde su incorporación al repertorio métrico, a saber, José Juan Tablada, Octavio Paz y Mario Benedetti. Al mismo tiempo que se realiza esta investigación se trazará una muy somera cronología de la forma poética que nos ocupa. Por último, se pretende también realizar una comparación entre los constructos teóricos de cada autor, si lo hay, y su producción literaria, a fin de comprobar si esta última se ajusta a los cánones que cada uno establece

El presente artículo consiste en un estudio de las relaciones intertextuales que El gran surubí de Pedro Mairal establece tanto con algunas obras de literatura argentina y angloamericana, como con la producción del propio autor. El trabajo se desarrolla a partir de un análisis formal de la obra, subrayando las peculiaridades de su composición (se trata de una serie de sesenta sonetos) y su relación con los tres volúmenes de Pornosonetos del mismo Mairal, con los que comparte el peculiar esquema de rimas y el personaje de Ramón Paz (seudónimo del autor en los Pornosonetos, protagonista de la historia en El gran surubí). Se comentarán luego las referencias a Moby Dick, al Martín Fierro de José Hernández y a la obra poética de Juan L. Ortiz, sembradas a lo largo de toda la obra con importancia distinta y con alusiones más o menos explícitas. Para terminar, se destacarán algunas relaciones particularmente sugerentes entre El gran surubí y Una noche con Sabrina Love, la primera novela del escritor, volviendo al mismo tiempo sobre el personaje de Ramón Paz y su evolución con respecto al autor ficticio de los Pornosonetos.

This article presents a study of the intertextual relationships which Pedro Mairal's El gran surubí establishes with some Argentinian and Anglo-American literary works, as well as with the production of the author himself. Our work starts with a formal analysis of the text, underlining its compositional peculiarities (it consists of a series of sixty sonnets) and the connections with Mairal's Pornosonetos, which have the same rhyme scheme and whose fictional author, the pseudonymous Ramón Paz, coincides with the protagonist of El gran surubí. Secondly, we point out the intertextual relationships with Melville's Moby Dick, José Hernández's Martín Fierro and the poetic production of Juan L. Ortiz, literary references which appear in the text in different ways and with a different level of explicitness. Finally, we highlight some interesting relations between El gran surubí and Mairal's first novel, Una noche con Sabrina Love, focusing at the same time on the evolution of Ramón Paz's character in comparison with the fictional author of Pornosonetos.

Azarías H. Pallais pertenece a la generación de poetas nicaragüenses posterior a Rubén Darío. Su vida, intensa y azarosa, transcurrió de 1884 a 1954. Sacerdote católico de espíritu místico y profético, fue también un humanista de vastísima cultura. Estudió teología en París, Lovaina y Roma. Dominaba las lenguas clásicas y varias lenguas modernas. Publicó seis libros de poesía. De una anterior selección de su obra poética publicada en San Salvador en 1963 dijo Thomas Merton: "Mucho me habían hablado de Pallais, tanto Ernesto Cardenal como Stefan Baciu, y yo deseaba ardientemente leer su trabajo poético. El libro es fascinante y tiene encanto único, muy propio de Pallais. Hay en este trabajo calidad y carácter que lo vuelven auténticamente centroamericano, estando al mismo tiempo unido con la tradición europea del pasado. No está fijo en la categoría especial de ningún tiempo; más bien guarda una inocencia sin tiempo ninguno, que es una dicha encontrar". Tales palabras podrá el lector corroborarlas leyendo esta nueva antología poética de Azarías H. Pallais.

En esta obra se analizan poemas de Ramón López Velarde y José María Eguren, así como narraciones breves de Leopoldo Lugones y Alfonso Reyes, autores que mantienen respecto a su relación con el modernismo posiciones diferenciadas; sin embargo, y pese a las diferencias observables (tanto en las fechas de sus nacimientos, en el periodo total que abarca su etapa de producción literaria, como en lo referente a las características específicas de sus obras); parte importante de los escritos aquí considerados fueron contemporáneos, por lo que su estudio nos permite identificar las formas variables en que algunos postulados modernistas los afectaron y se vieron renovados durante ese periodo, en los distintos escritos que constituyen el corpus de estudio de esta investigación.

La infancia es una “gracia”, la familia un don, arquetípico pero individual e intransferible, necesario para mantener el arraigo, la gran ciudad lo desconocido, una perplejidad y un desengaño y, crecer, el inevitable e incierto destino, al que nunca se querría llegar. Toda la poesía de Yolanda Pantin discurre entre lo íntimo y lo social, la necesidad de expresarse y compartir, desde cero, un camino abierto. Pantin ha asociado, en ocasiones, la escritura poética con la acción de montar a caballo, pero con la rienda corta y bien asegurada, porque perder la rienda significa perder la razón. El jinete no trata simplemente de someter al caballo, más bien desea protegerlo, mientras este intenta llevar a quien lo monta a un lugar “presentido” o intuido, que es precisamente el espacio de la poesía. El jurado del Premio García Lorca 2020 ha destacado a la autora venezolana “por haber desarrollado un largo y profundo viaje por los distintos recursos del lenguaje poético. Desde su inicial exploración en la poesía conversacional y los lenguajes de la sentimentalidad, ha ido explorando infinidad de registros que retratan las sinuosidades y penumbras de la condición humana. Muchos han sido los universos frecuentados por esta fundamental poeta y en todos ellos su conciencia del oficio de la escritura han propiciado una mirada perturbadora y novedosa sobre el acto de existir.”

Antología Poética y prólogo de Mario Monteforte Toledo

Autores tres generaciones alternas de la familia Toledo

Roderico Toledo Mattei (1838 - 1891)
Luis Felipe Toledo Herrarte (Roquejoffre) - (1903 - 1933)
José Toledo Ordóñez (Pepo Toledo) - (1951 - )

Plus qu'un simple hommage ou qu'une célébration méritée, ce Colloque international autour de Trilce de César Vallejo (Pérou) se propose de penser ce recueil, à l'occasion du centenaire de sa publication, comme l'une des expressions les plus extrêmes de la modernité poétique, dans le cadre de la révolution verbale et artistique provoquée par les premières avant-gardes. Mais ce choix tient aussi et surtout au fait que cet ouvrage demeure vivant, par les multiples oeuvres (poétiques, artistiques, critiques, voire philosophiques) qui depuis 1922 jusqu'à nos jours dialoguent avec elle. Nous souhaitons donc interroger Trilce comme un paradoxe. Ce recueil n'ouvre pas de voies destinées à être empruntées par les générations de poètes ultérieures, elle dynamite au contraire toute possibilité de poursuite ou de prolongement, étant aux antipodes de la formation « normative » d'une esthétique. C'est par ce que fait la poésie (et non par ce qu'elle dit) que Trilce résiste au temps qui passe. Telle est la démarche valléjienne : l'écriture devient une expérience périlleuse de confrontation avec les limites du dicible, qui produit « une menace constante d'être subsumé dans le néant » (Miguel Casado) 1 , où « la matérialité du vivant précaire [devient] la nouvelle fonction du discours poétique » (Julio Ortega) 2. C'est une poésie qui engage l'être et l'existant, et qui relie intimement l'acte de créer à l'oeuvre qui en résulte. À partir de ces constats, nous souhaitons mettre l'accent sur deux perspectives temporelles distinctes de l'ouvrage. Nous nous interrogerons tout d'abord sur la place occupée par Trilce dans la période des avant-gardes historiques aussi bien en Amérique latine qu'en Espagne. S'il est vrai que l'expérience trilcienne creuse un sillon particulier, « va plutôt avec l'art dans l'étroit passage qui est le plus proprement le sien pour se dégager » (Celan), elle se nourrit de la puissante irrévérence, du geste autodestructif, du besoin d'affranchissement des avant-gardes vis-à-vis de la tradition, pour dire l'état d'exposition auquel est soumis l'homme moderne dont les anciens points de repère ont volé en éclats et surtout pour transformer en expérience l'urgence de faire revenir l'art au sein de la vie. Nous accorderons donc une attention particulière à l'année 1922, année de la publication de Trilce, définie comme « annus mirabilis des avant-gardes internationales et latino-américaines » (Jorge Schwartz) 3. La même année, Oliverio Girondo publiait ses Veinte poemas para ser leídos en tranvía, Manuel Maples Arce lançait le mouvement du Stridentisme (« Estridentismo ») au Mexique, la revue Proa paraissait à Buenos Aires, alors même qu'avait lieu à Sao Paolo la Semaine d'Art Moderne, l'événement avant-gardiste le plus représentatif du

Resumen La ecocrítica es aún una escuela de crítica reciente y poco extendida entre los estudios literarios de América Latina y España. Dentro de su alcance, las investigaciones sobre la ecopoesía hispánica contemporánea apenas suman 55 fuentes hasta mayo de 2017. El 88,55% de estas ha tomado como objeto de estudio producciones de poetas latinoamericanos. Aun así el desarrollo de tales investigaciones es asimétrico, pues se ha concentrado en prácticas ecopoéticas procedentes de Chile (32,82%) y Perú (18,32%). Asimismo, se observa una tendencia a la redundancia, ya que autores como Steven White, Roberto Forns-Broggi y Niall Binns, y sus estudios, se han convertido en referencias capitales e indispensables, lo cual lleva a que otros ecocríticos (re)visiten producciones en específico y repitan algunos presupuestos, observaciones y apreciaciones. De ahí que sobresalgan los análisis sobre las producciones de Nicanor Parra, Ernesto Cardenal, Gioconda Belli, Homero Aridjis y Pablo Antonio Cuadra. No todas las prácticas de los poetas mencionados por los investigadores han sido abordadas con la misma profundidad y detenimiento metodológico: algunas se quedan en el nivel de la cita o referencia del poeta, un poema o un poemario, o bien del comentario general. Como temáticas analizadas predominan las relativas a los dones de la hospitalidad (16,50%), la celebración (14,56%) y el reparo (12,14%), así como a la devastación ecológica (12,14%). A modo de recomendaciones, se precisan seis opciones metodológicas que pueden llevar a los investigadores a efectuar un análisis poético desde la ecocrítica. Abstract The ecocriticism is a recent and not yet widespread critic school in literary studies in Latin America and Spain. Within their scopes, the research on Contemporary Hispanic poetry barely adds 55 sources until May 2017. 88,55% of these has productions of Latin American poets as subject of study. The development of such research is asymmetrical. It has concentrated on ecopoetic practices coming from Chile (32,82%) and Peru (18,32%). Also, a trend towards redundancy is observed, because authors like Steven White, Roberto Forns-Broggi and Niall Binns, and their studies, have become cardinal and essential references. This lead to other ecocritics (re)visit specific productions and repeat some assumptions, observations, and appreciations. Thus, analysis of the productions of Nicanor Parra, Ernesto Cardenal, Gioconda Belli, Homero Aridjis and Pablo Antonio Cuadra overload within geo-poetic map irregularity. Not all the practices of poets mentioned by researchers have been analyzed in the same detail or methodological deliberation: a plenty of them remains at level of a quote or reference of the poet, a poem or a poetry-book, either a general comment. The prevailing analyzed topics are those relating to the gifts of hospitality (16,50%), celebration (14,56%) and repair (12,14%), as well as the ecological devastation (12,14%). In the form of recommendations, six methodological options, which may lead to conduct researchers to a poetic analysis from the ecocriticism, are specified.

por lo que se refiere a la poesía hispanoamericana, el s iglo xx empieza en 1922" (Franco 1987, 220): 1 podría parecer una simple ocurrencia, pero en realidad refleja la convicción de que la identidad cultural de nuestro siglo 2 es inseparable de los conceptos de regeneración, ruptura con el pasado y renacimiento, conceptos que las vanguardias históricas han hecho suyos. En este sentido es comprensible el desfase cronológico del ámbito L atinoamericano, donde las vanguardias Ucgan con dos e incluso tres Lustros de atraso, respecto a las formulaciones europeas. Ya en las páginas de JI Leonardo, la revista florentina fundada por Papini en 1903, se pueden encontrar indicios de la inminente revuelta futurista, cuyo primer manifiesto será lanzado por Marinetti en 1909; mientras que en la América española estos primeros años del siglo están todavía estrechamente vinculados al Modernismo. En cambio en 1922, el insólito poemario de César Vallejo marca una frontera indiscutible. El 22 es asimismo el año de formación del estridentismo mexicano; en Buenos Aires, se funda la revista Proa; 1 La autora se refiere explícitamente al año de publicación de 1H/ce, que consldura el comienzo de una nueva era en la poesía hispanoamericana, la era "moderna".

Nota de la editora
Esta versión de la antología presenta ajustes a la versión impresa en 2019
y tiene en cuenta las sugerencias de los autores.
Agradecemos altamente a la comunidad Unilibrista, sus directivas
académicas y administrativas, a la Facultad de Derecho, al equipo
docente del Área de Investigación y su coordinación, al apoyo de Héctor
Suárez y su equipo de trabajo.
Gracias al maestro Roberto Reséndiz Carmona, por su constante gestión
cultural y una vida dedicada a tejer las palabras, para hacer comunidad
con el Encuentro de poetas de Zamora.
A los poetas, todos y todas, gracias por crear y hacer mundos posibles
para todo tiempo.
Esperamos que este esfuerzo contribuya a la valoración de la poesía
contemporánea y a la difusión de las ideas de los jóvenes autores
colombianos. Sea la poesía un motivo para la reflexión en estos tiempos
de cambio que invitan a pensar más en nuestras comunidades, en
nosotros.
A la Vida, a mi familia; a mis amigos y compañeros de la Universidad
Libre; a todos los que de alguna forma me han ayudado a mantener viva
la esperanza, incluso cuando los vientos han sido más fuertes; a todos y
todas, gracias.

Resumen Este artículo analiza cómo los poetas Enrique Lihn (1929-1988) y Severo Sarduy (1937-1993) elaboran, en sendos poemas, posiciones críticas hacia las formas de ver dominantes o, en términos de Martin Jay, regímenes escópicos hegemónicos, desmantelando uno de sus elementos, la representación del desnudo femenino (Lihn), o situándose en posicionamientos de mirada nuevos, propiciados por cierto arte (expresionismo abstracto) que, al momento de su emergencia en la escena pictórica occidental, exigió formas de mirar que trascendieran las hormas y encuadres de la mirada acostumbrada a la figuración y representación (Sarduy).