Audiovisual Narrative

Y es que el documental parece haber encontrado, un tiempo propicio para mostrar nuevas y viejas historias, la resignificación de una nueva forma de hacer cine. Forma que se atreve a tratar cualquier tema, sea de orden social, cultural o político, teniendo como eje narrativo la condición humana. El presente trabajo presenta un doble propósito: a. Reunir y analizar algunas teorías del cine, las incipientes teorías del documental, y echar una mirada sobre algunos documentalistas que en la primera mitad el siglo XX, marcaron diversos estilos dentro del documental, que a su vez servirán como marco de referencia para analizar las nuevas tendencias desarrolladas por los documentalistas de finales del siglo XX y principio del siglo XXI.

Abstract: The program Sputnik starts broadcasting on 1989, but nowadays its audiovisual narrative is completely different from its first days. In the beginning, Sputnik had elements like the presenter and the TV set. At the moment, the program broadcasts music documentaries, using a non-diegetic narrator and outdoor scenarios, showing a more realistic view of the artist.

Before the advent of the Internet, the television was the only one screen where music could be watched and listened at the same time. Especially trough YouTube and websites of music information as Pithfork.com, music videos and gigs have become products that everyone could get for free. In this way the TV set has stop of having the value it has on its first years (when TV was the only media where people could see the visual representation of music).

Sputnik has adapted to the exigencies of the new media scenario and it has adopted the music documentary as usual format, providing the program with an inedited character to compete with the Internet content. This paper analyze the changes on the narrative of Sputnik -from its beginning to the present days- conceiving that program as an adaptation model of the music programs to the digital era.

The focus on the analysis of the soundtrack of the ilm Dead Poets Society one of the clearest examples where literature, script, film and music are intertwined in a magniicent whole. And whose script has further links to the novel by American writer N H Kleinbaum. In addition to commentary texts and poetry used, omnipresent throughout the project with examples of Walt Whitman or Alfred Tennyson among others, the classical model of education relected in the film will be discussed and the implications of new techniques new teacher Literature of the illustrious institution, John Keating.
The soundtrack, concise, sober, extremely simple in essence and with careful roadmap that is enveloping the viewer from the first minutes of the film, slow and gradual, is a magnificent example of sound strategy and planning. The modal character of its themes and timbres associated with cultural and geographic codes presented, make this music and the soundtrack as a whole, a claim for subjectivity and finally an invitation to the senses. Although it may their instrumental resources, speciically the electronic section, have become obsolete in the sound world of cinema today, their presence also speaks of a particular movie time. However, the overall package of the proposal remains particularly evocative and certainly a model of eficiency and functionality.
Keywords: Audiovisual narrative; Dead poets society.

El cine es el gran constructor de imaginarios sobre el futuro. En el imaginario colectivo determinados films de ciencia ficción han pasado a consolidarse como partes activas de la memoria, su importancia reside en los valores culturales que portan y los discursos que son capaces de articular. La conformación del discurso del futuro se ha debatido entre una visión de la tecnología que se presentaba como sinónimo de progreso y de una modernidad robotizada; y una segunda visión que proyecta el futuro como un espacio adverso y escasamente prometedor, sometido al criterio de las inteligencias artificiales creadas.

Resumen: En los últimos años, el desarrollo de las TIC y sobre todo su introducción e impacto en la vida cotidiana, como argumenta Xavier Berenguer, han producido cambios muy importantes en el modo que tenemos de organizarnos, de aprender, de hablar, de escribir, de pensar... En este contexto y como era de esperar, han surgido y se han consolidado nuevas formas expresivas que, en mayor o menor medida, rompen con las lógicas de producción, creación y recepción de la narrativa tradicional.
Uno de los géneros más interesantes producto de la hibridación entre el medio digital y el audiovisual tradicional es el llamado “documental multimedia interactivo”, que vio la luz a finales del siglo XX y cuyo recorrido hasta nuestros días hace pensar que el futuro del documental pasará en gran medida por esta nueva narrativa no lineal, fragmentada e interactiva, capaz de ofrecer al usuario una experiencia única.
A partir de la conceptualización y reflexión que autores como Gaudenzi, Handler Miller, Gifreu o Berenguer han realizado en torno a este nuevo género y adoptando el modelo de análisis que plantea Arnau Gifreu (2013) para abordar el documental interactivo, nos proponemos en estas páginas realizar un análisis comparativo entre el reportaje lineal En el reino del plomo (En Portada y Lab de RTVE.es, 2013) y su versión interactiva o webdoc. El objetivo que perseguimos con este estudio comparado de caso es, principalmente, aplicar un modelo de análisis ya testado previamente con el fin de determinar las características esenciales de este nuevo género y de comprobar en la práctica cuáles son las semejanzas y diferencias fundamentales que existen entre el documental lineal tradicional y el multimedia interactivo, contribuyendo así a la reflexión en torno a esta nueva narrativa multilineal.

Resumen
En este artículo se estudia la narrativa audiovisual de la mujer investigadora. En la historia del cine, la presencia de este arquetipo femenino se ha fortalecido especialmente en periodos de crisis del relato de la Historia, y puede leerse como un trayecto de búsqueda hacia otra identidad femenina. Con el fin de plantear algunas de las claves más significativas de su imaginario audiovisual se realiza un breve análisis del trayecto histórico de este arquetipo. Siguiendo el método del análisis textual, se presentan como casos de análisis un relato informativo y tres textos audiovisuales: el episodio “Piloto” de la serie televisivaHomeland (M. Cuesta, 2011), El silencio de los corderos (J. Demme, 1991) y  Recuerda (A. Hitchcock, 1945). En estos tres textos, la configuración del drama pasional toma como vehículo de expresión la mirada femenina. Esta mirada pasional hacia un objeto de deseo (investigación), que atrae y a la vez inquieta, expresa la crisis de la subjetividad femenina con la que se inicia un inestable y peligroso trayecto de investigación hacia otra identidad, distinta a la habitual en el discurso institucional sobre “la mujer”.

Abstract:
This paper studies the audiovisual narrative of female investigator. The presence of this female archetype in the history of cinema has been particularly strong in periods of crisis in the telling of the Story and can be read as a questioning of the institutional discourse about female identity. In order to raise some of the most important keys to understand his visual imagination a brief analysis of the historical trajectory of this archetype is performed, following the method of textual, analysis through an informative tale and three audiovisual texts: the episode “Pilot ” of serie TV, Michael Cuesta’s Homeland (2011), J. Demme’s The Silence of the Lambs (1991), and A. Hitchcock’s Spellbound (1945). In all three texts, configuration passionate drama as a vehicle of expression takes the look of the female character. This passionate gaze to an object of desire (research), attracting yet uneasy, expresses the feminine identity crisis with an unstable and dangerous path of investigation to another identity, different from the usual in institutional discourse begins “women”.

In this text we analyze, using the strategy of case study, along with the usage of audiovisual content
analysis framed by the precepts of Narratology, the structure of the series of videos that make up
the scientific popularization strategy called “Ciencia A Tu Alcance” (Science within your reach),
created by Universidad del Norte (Barranquilla, Colombia), whose objective is to bring the
scientific knowledge generated by this Institution, closer to the general public. Through content
analysis we categorized technical aspects, as well as specific categories such as usage of language
and audiovisual narrative structures, and, making use of series of instruments, such as structured
interviews, survey, focus groups and media monitoring, we also measured the perceptions that
young people, students and experts have regarding relevance that these audiovisual pieces possess,
in order to popularize science. The findings show that, while being an innovative strategy in its
local context, there sure are aspects to optimize that must be address to make this initiative achieve
its full potential.

La importancia de la industria turística en España es incuestionable. Mucho antes de la aparición de las denominadas film commissions ya puede apreciarse un uso del audiovisual, y en concreto del cine, como instrumento de promoción de los destinos turísticos. Partiendo de esta premisa, el objetivo de la presente investigación es el análisis del espacio turístico como producto emplazado en la estructura narrativa y dramática de las películas de temática turística producidas durante los años de actuación del Ministerio de Información y Turismo (1951 – 1977). Nos situamos, por tanto, en el ámbito del análisis de la narración audiovisual. Los resultados muestran cómo el espacio turístico se concreta en vista turística, se le atribuyen una serie de valores intangibles, en ocasiones por contraste con otros espacios, y puede actuar como digresión respecto a la historia o estar plenamente integrado en su estructura dramática.

The importance of the tourism industry in Spain is unquestionable. Long before the emergence of the so-called film commissions, the use of the audiovisual industry, and in particular of cinema, as an instrument for the promotion of tourist destinations was noticeable. Based on this premise, the objective of this research study is to analyse the placement of tourist space as a product placed in the narrative and dramatic structure of the tourism-themed films produced during the life of the Spanish Ministry of Information and Tourism (1951-1977). This study, therefore, focuses on the analysis of the audiovisual narrative. The results show how the representation of the tourist space is materialised in tourist views, is associated to certain intangible values, sometimes by contrast to other spaces, and can produce a digression from the story or can be fully integrated in its dramatic structure.

RESUMEN:  El product placement es una herramienta de comunicación comercial, que consiste en incorporar un producto o marca real en el contexto de una trama narrativa de ficción. Ante el progresivo descenso en los niveles de eficacia de la publicidad convencional, el product placement se presenta como una alternativa necesaria para los responsables de marketing y, al mismo tiempo, como una vía de financiación para las productoras. Sin embargo, la investigación actual del product placement no permite anticipar sus resultados, algo imprescindible para utilizarlo de una forma estratégica de acuerdo con unos objetivos de comunicación. El primer paso para cambiar esta situación es generar herramientas de medida de la eficacia capaz de prever los resultados del product placement. Por lo tanto, es objetivo prioritario establecer un modelo para identificar los factores que influyen más eficazmente en la recepción de los mensajes comerciales integrados en los audiovisuales de ficción.

Sofia Coppola tinha um projeto pessoal, apresentar ao público o ponto de vista da rainha Maria Antonieta. Para isso, decidiu buscar a jornada intimista da personagem histórica. O diálogo com seus colaboradores foi fundamental neste caminho. Entre eles, o diretor de arte KK Barret e a figurinista Milena Canonero. Esta pesquisa tem por objetivo investigar a construção da jornada intimista em Maria Antonieta de Sofia Coppola, com foco no trabalho da direção de arte, a partir das relações entre autoria e colaboração. Entende-se aqui “autoria” como a existência de um projeto poético pessoal para o filme. E “colaboração” como o trabalho de equipe conforme ocorre no cinema. Engenhosamente dividido em equipes (arte, fotografia, música, dramaturgia etc.), o processo criativo no cinema se dá exatamente da comunicação entre essas equipes. A direção de arte é a responsável pelo conceito visual do filme, operando no campo da construção dos elementos visuais: cenário, figurino, maquiagem, objetos etc; trabalho fundamental para o desenvolvimento do projeto poético de Sofia Coppola (a criação de um jornada intimista), uma vez que os documentos de processo revelam uma cineasta interessada em contar a história bem mais por seus elementos visuais do que pela fala dos personagens. A partir deste estudo de caso, em vista da importância da equipe de arte para o filme, foi possível constatar que, mesmo que seja possível falar em autoria dentro do processo colaborativo do cinema - aqui percebido pela presença de um projeto poético pessoal centrado na figura da diretora e roteirista Sofia Coppola - essa autoria é também alimentada pela complexidade das relações do trabalho de equipe no cinema. Para esse entendimento, foi fundamental o pensamento metodológico da crítica de processo proposta pela pesquisadora Cecília Almeida Salles. Compuseram nosso corpus de investigação os seguintes documentos de processo: o filme Maria Antonieta, o vídeo making of que acompanha o DVD, as production notes disponibilizadas no site oficial, o press kit do festival de Cannes, o livro da biografa Antonia Fraser que inspirou o filme, o roteiro publicado, além de entrevistas em sites, jornais e revistas. Contribuiram também materiais de mesma natureza a repeito dos outros filmes da cineasta e de sua equipe, afirmando nossa perspectiva relacional diante do processo criativo. _____________________________________________________ Sofia Coppola had a personal project: to present the public with the point of view of Queen Marie Antoinette. To achieve it, she decided to pursue an intimate journey of the historical character. Dialogue with her collaborators, among them the production designer KK Barrett and costume designer Milena Canorero, was crucial on this path. This research aims to investigate the construction of that intimate journey in Sofia Coppola's Marie Antoinette, focusing on the work of production design resulting from the relationship between authorship and collaboration. Here, "authorship" is understood as the existence of a personal poetic project for the film and "collaboration" as teamwork as it occurs in the film work. Ingeniously divided into teams - such as art, photography, music, drama and others - the creative process in the film work is the outcome of the communication between these teams. The production design is responsible for the visual concept of the film, working with the construction of visual elements such as scenery, costumes, makeup, objects, etc. The production design was of great importance for the development of Sofia Coppola's poetic project (the creation of an intimate journey), since the documents of the process reveale a filmmaker interested in telling the story far more for its visuals than for the speech of the characters. From this case study, considering the importance of the art team for the film, it was established that even if it were possible to speak of authorship in the collaborative process in film work – existing here as the presence of a personal poetic project focused on the figure of the director and screenwriter Sofia Coppola - that authorship is also fueled by the complexity of teamwork relationships. For this understanding, the methodological thinking of the critical process proposed by researcher Cecilia Almeida Salles was crucial. Composing the body of our research are the following documents of the process: the movie Marie Antoinette, the making of the movie that accompanies the DVD, the production notes available on the movie's official website, the press kit of the Cannes festival, the book by biographer Antonia Fraser which inspired the movie, the published screenplay, and interviews on websites, newspapers and magazines. The same materials from the film-maker and her team's other movies were utilized in this research. These documents contributed to the assertion of our relative perspective on the creative process.

El objetivo general de este estudio es doble. En primer lugar, se propone explorar las raíces culturales del imaginario construido por el cine de terror, es decir, conectar algunas de sus formas narrativas, dramáticas e ideológicas, con la cultura visual precedente; y, a la vez, arrojar luz sobre un trayecto peculiar que recorre esta imaginería popular, configurado en torno a la relación del deseo femenino con la figura del monstruo.

Este estudio cultural toma distancia con respecto a la interpretación dominante de esta narrativa, aquella que ha identificado la imagen de la mujer con el arquetipo de la mujer víctima, para centrarse en el análisis de la representación de la diferencia sexual desde la perspectiva del sujeto femenino y su identificación con el arquetipo subversivo de la mujer investigadora. El inicio de este análisis se sitúa en la popular serie televisiva de ciencia ficción Stranger Things (M. y R. Duffer 2016-), sus esquemas dramáticos proponen una lectura retrospectiva de esta singular narrativa que se detiene en representantes de la mitología clásica y relatos audiovisuales pertenecientes a diversos estilos del cine de terror como el clasicismo, la modernidad y la postmodernidad.

La necesaria vinculación existente entre el plano de la educación y el entorno social ha originado, en base a la modificación de un contexto en constante evolución, la necesaria readaptación del panorama de los estudios superiores. Se han producido, en consecuencia, profundos cambios en los contenidos, tanto en lo que se refiere al rediseño de planes de estudio como al surgimiento de disciplinas encaminadas a satisfacer un mercado laboral con nuevos requerimientos.

Resumen: La publicidad es de momento la principal fuente de ingresos para el periodismo digital. La cruzada de los grandes grupos multimedia por establecer muros de pago, en diversas modalidades, no es incompatible con el hecho de que los recursos publicitarios sean la vía financiera más habitual para los medios en un entorno virtual. De ahí la utilidad para las empresas informativas de conocer la tipología de inclusión de esas inserciones. Ello mejora las estrategias de negocio, incluso las que combinan versión en papel y digital. En el Grupo de Investigación sobre Periodismo Digital y Banda Ancha 1 hemos llevado a cabo un estudio empírico sobre el periodismo español, a partir de los casos de las versiones en Internet de los diarios de más audiencia, El Mundo y El País. Detectamos una presencia elevada de inserciones de publicidad. Los formatos predominantes son el banner y el robapáginas. Palabras clave: periodismo digital; publicidad digital; multimedia; banner; robapáginas.

RESUMEN: El product placement es una herramienta de comunicación comercial, que consiste en incorporar un producto o marca real en el contexto de una trama narrativa de ficción. Ante el progresivo descenso en los niveles de eficacia de la publicidad convencional, el product placement se presenta como una alternativa necesaria para los responsables de marketing y, al mismo tiempo, como una vía de financiación para las productoras. Sin embargo, la investigación actual del product placement no permite anticipar sus resultados, algo imprescindible para utilizarlo de una forma estratégica de acuerdo con unos objetivos de comunicación. El primer paso para cambiar esta situación es generar herramientas de medida de la eficacia capaz de prever los resultados del product placement. Por lo tanto, es objetivo prioritario establecer un modelo para identificar los factores que influyen más eficazmente en la recepción de los mensajes comerciales integrados en los audiovisuales de ficción.

Durante tres décadas, Freixenet había decidido centrar su línea creativa en la presencia de personajes de la vida artística, y difundirla a través de una estacional e intensiva actuación en medios. Un spot de gran formato se articulaba como elemento clave, precedido de una campaña de creación de suspense y apoyado por inserciones en medios impresos y acciones de publicidad no pagada.

El product placement es una herramienta de comunicación comercial, que consiste en incorporar un producto o marca real en el contexto de una trama narrativa de ficción. Ante el progresivo descenso en los niveles de eficacia de la publicidad convencional, el product placement se presenta como una alternativa necesaria para los responsables de marketing y, al mismo tiempo, como una vía de financiación para las productoras. Sin embargo, la investigación actual del product placement no permite anticipar sus resultados, algo imprescindible para utilizarlo de una forma estratégica de acuerdo con unos objetivos de comunicación. El primer paso para cambiar esta situación es generar herramientas de medida de la eficacia capaz de prever los resultados del product placement. Por lo tanto, es objetivo prioritario establecer un modelo para identificar los factores que influyen más eficazmente en la recepción de los mensajes comerciales integrados en los audiovisuales de ficción.

The ability to understand, in a critical and informed way, as well as to express oneself and share audiovisual messages, is directly related to media literacy and the ability to actively participate in the digital world. Com ON project is a strategic partnership on adult education, focused on developing an innovative training programme in the field of audiovisual narrative and communication. The project seeks to create an online programme that, supported by open educational resources and an andragogy-based and peer-learning approach, will offer European adults the opportunity to improve their competences to understand, create and share audiovisual messages and stories. The main goal of this project is to work on the specific competences of audiovisual communication and creation of particular interactive products through the creation of digital narratives, and at the same time working on transversal key competences such as emotional, technological and social abilities. This paper presents the first results of the research project titled "Com ON-Unleash your potential for audiovisual COMmunication". Using interviews from five experts in this field, we performed the first stage of the research in order to develop a Training Programme that covers the theoretical elements of audiovisual language and communication. After the interviews, we analysed and discussed the results achieved which constituted a base of work that permitted to trace a training path and the design of contents. As a conclusion, we created a training programme on audiovisual narrative and communication, that will count on a set of modules/sections, including: a. Digital narrative: audiovisual language elements; storytelling beyond words; audiovisual storytelling: online and offline experiences; b. Video creation: basis of video creation; the story and the message; tools for creating and recreating videos; sharing your ideas online; c. Image creation: basics of image creation; when pictures tell a story; images formats and uses (picture, gifs, memes…); tools for creating and editing images; sharing your ideas online and d. Illustrations: drawing your stories; storyline for your comic design; tools for creating illustrations (infographics...) or comics; sharing your ideas online.

Las teen series son un producto mediático en torno a la cultura juvenil, al mismo tiempo que representan el prototipo de ficción seriada preferido por la audiencia adolescente. Este artículo presenta los resultados de un estudio sobre 50 teen series contemporáneas, producidas en Estados Unidos, Reino Unido y España. A través de una aproximación cualitativa y una metodología mixta, el estudio dibuja las características fundamentales del formato de la segunda generación de teen series. Como las producciones de la primera generación de los años noventa, las teen series actuales siguen siendo programas estrella del prime-time y se siguen centrando en personajes y temáticas adolescentes. Pero, a diferencia de las de la primera generación, las teen series de la segunda generación suelen ofrecer representaciones juveniles más diversas y variadas, proporcionando modelos identitarios basados en la aceptación de uno mismo, se abren a un público joven y joven-adulto, y recurren a estrategias narrativas y estéticas propias de la actual etapa meta-televisiva y de la llamada tercera edad de oro de la televisión, configurándose como producciones populares de calidad.

Este artículo aborda la impostura como resultado de la necesidad de olvido en el
film Una historia de violencia (A History of Violence, 2005) de David Cronenberg. Se
plantea como objetivo establecer el funcionamiento de los mecanismos de ocultación
y desvelamiento en la reconstrucción de la identidad. Para ello, utiliza una metodología
que, a partir de postulados teóricos de la filosofía de la memoria y de la
pragmática del lenguaje, propone un modelo específico de análisis de la dimensión
locutiva, ilocutiva y perlocutiva del lenguaje de los personajes en el diálogo y de los
conceptos de personaje patente, latente y ausente, basado en el modelo dramatológico
de José Luis García Barrientos aplicado a la poética narrativa. El resultado de este
trabajo desvela que la reconstrucción del personaje se realiza a través de un proceso
dialéctico que se sostiene en un triple eje: experiencia-olvido-impostura (personaje
reconstruido), experiencia-memoria-defensa de la impostura (personaje cuestionado)
y desvelamiento-experiencia-nueva impostura (personaje doblemente reconstruido).
Finalmente, se apunta que la escritura (y el cine es escritura) fija la memoria para convertirla
en experiencia para el lector, que ha contemplado al personaje percibiéndose
como él, compartiendo sus silencios y su memoria, convirtiéndola también, como experiencia,
en parte de la suya.

RESUMEN Dentro del ámbito audiovisual, la expansión de los relatos se materializa a través de remakes, adaptaciones y franqui-cias ficcionales. En este contexto, los remakes o nuevas versiones son fórmulas muy recurrentes porque recuperan contenido familiar para la audiencia, y a la vez lo reinventan para captar la atención de nuevas generaciones. No obstante, la fórmula del remake ha ido cambiando en el nuevo milenio, adaptándose a las nuevas tendencias na-rrativas. Como consecuencia del auge de la intertextualidad y el valor en alza de la nostalgia, en los últimos años se han producido numerosas películas a medio camino entre el remake y la secuela, tales como Star Wars: El despertar de la fuerza o Terminator Génesis. En particular, el objetivo de esta investigación es realizar un análisis comparativo entre Parque Jurásico y Jurassic World, pues, aunque esta última prolonga el discurso original a modo de secuela, también ofrece una reinterpretación de la primera película. ABSTRACT In the audiovisual field, the expansion of the stories is, specifically, materialized through remakes, adaptations and franchises. In this context, the remakes or new versions are recurrent formulas because they recover familiar contents for audiences and, at the same time, they reinvent it in order to capture new generations' attention. Nevertheless, the remake formula has been changing in the new millennium, adapting to new narrative trends. In recent years, because of the rise of intertextuality and the increasing value of nostalgia, many films have been produced halfway between the remake and the sequel, such as Star Wars. Episode VII: The Force Awakens or Terminator Genisys. In particular, the aim of this paper is to make a comparative analysis between Jurassic Park and Jurassic World because, although this last film extends the original discourse as a sequel, it also offers a reinterpretation of the first film.

The strategies that Colombian Universities employ to communicate
their production of scientific knowledge, using audiovisual media,
do not abide to the production an popularization frameworks, that
the new digital media has established. They have also not incorporated
new techniques of multimedia expression, which have transformed the
audiovisual narratives, allowing them – through inter-textual networks –
to generate better synthesis processes, in order to develop a more assertive
approach to scientific knowledge. There exists a void, born from not
connecting the new audiovisual media with the popularization of science.
By not including these elements in a systematic framework, in order to
be connected, the universities have difficulties showing the world their
own findings and breakthroughs. In this paper, we’ll analyze the strategies
employed by Universidad Del Norte, specifically, the audiovisual series
“Ciencia a tuAlcance” (Science within your reach).

Resumen:
El objeto del presente trabajo es utilizar el modelo retórico propuesto por Aristóteles para crear el marco de una posible retórica de la narrativa audiovisual. Para ello, en primer lugar definiremos el objeto de estudio, aislándolo en la medida de lo posible de otras artes o ciencias hermanas, como la poética o la dialéctica. Seguidamente trataremos alguno de los problemas fundamentales que emergen de la aplicación de un modelo retórico basado en la palabra, a una retórica basada en la imagen sonora y en movimiento, como la dificultad de traducción de un lenguaje a otro o la necesidad de evitar la reducción de la retórica a una de sus partes. Finalmente estableceremos lo que consideramos el marco retórico aristotélico básico (los tres tipos de prueba por persuasión), y lo aplicaremos a la narrativa cinematográfica o audiovisual.

Abstract:
The subject of this paper is to use the rhetorical model proposed by Aristotle to create a framework for a potential rhetoric of audiovisual narrative. For this, first we define the object of study, isolating it as much as possible from other related arts or sciences, as poetic or dialectic. Then we discuss some key issues emerging from the application of a model of rhetoric based in words to a rhetoric based in moving images and sound. We discuss for instance the difficulty of translation from one language to another or the need to avoid the reduction of rhetoric to one of its parts. Finally, we establish what we consider the basic Aristotelian rhetorical frame (the three types of proof by persuasion), and we apply it to audiovisual narrative.

Las dicotomías conceptuales masculino-femenino, Yo-Otro estructuran nuestra realidad, fomentando desigualdades y dejando fuera de consideración cualquier fenómeno híbrido. En el presente ensayo analizamos los recursos expresivos que se emplean en los documentales Art of Being Yourself, The Word y Vidimo-Nevidimo de Kseniia Khrabrykh, una artista rusa emergente que pretende desafiar los esquemas cognitivos dicotómicos, crear un espacio simbólico de encuentro con la Otredad y promover así las actitudes empáticas y tolerantes hacia la diversidad inherente a la sociedad actual. Partimos de la aproximación a las diferentes perspectivas teóricas sobre el papel de alteridad en la construcción identitaria (incluyendo los feminismos postcoloniales y los estudios queer) para luego corroborar la presencia sus principios en los tres proyectos mencionados. Seguidamente, nos centramos en definir el discurso conceptual de cada obra, el formato de su narrativa visual, su manera de evocar la problemática tratada y el nivel de la interactividad del trabajo.

Resumen:
En la ficción serial de los últimos años se puede observar que los protagonistas de las series más recientes casi siempre tienen una característica que los distancia del virtuosismo clásico, un elemento de extrañez, asocial en muchas ocasiones. Este artículo se propone demostrar que en la ficción televisiva estadounidense de los últimos diez años el héroe progresivamente adquiere características que impiden la interacción normal con el mundo que le rodea. Las características de este tipo de personaje, alejado de los estándares tradicionales narrativos, son diversas y múltiples, pero todas ellas son propias de lo denominado como ‘freak’.

Laburpena:
Azken urteotako fikziozko telesailetan, protagonistek birtuosismo klasikotik urruntzen dituen ezaugarri bat dute ia beti, bitxikeria puntu bat, asoziala kasu askotan. Artikulu honek erakutsi nahi du heroiak apurka bereganatu dituela azken hamar urteotako Estatu Batuetako telebista-fikzioan munduarekin elkarreragin arrunt bat izaten ekiditen dioten ezaugarriak.
Pertsonaia mota honen ezaugarriak, estandar narratiboetatik aldendu direnak, askotarikoak eta anitzak direla, baina guztiak ‘freak’ bezala ezagutzen denari dagozkie.

Abstract:
In the most recent serial fiction the hero is markedly different. The main characters of the latest series almost always have a feature that is far from the classical virtuosity, an element of strangeness, often asocial. This article aims to show that in the U.S. television drama of the last ten years the hero progressively acquires new features that not allow the normal interaction with the world around him. The characteristics of this type of character, away from traditional narrative standards are diverse, but all of them are typical of the known as freak.

The ability to understand, in a critical and informed way, as well as to express oneself and share audiovisual messages, is directly related to media literacy and the ability to actively participate in the digital world. Com ON project is a strategic partnership on adult education, focused on developing an innovative training programme in the field of audiovisual narrative and communication. The project seeks to create an online programme that, supported by open educational resources and an andragogy-based and peer-learning approach, will offer European adults the opportunity to improve their competences to understand, create and share audiovisual messages and stories. The main goal of this project is to work on the specific competences of audiovisual communication and creation of particular interactive products through the creation of digital narratives, and at the same time working on transversal key competences such as emotional, technological and social abilities. This paper pre...

The importance of the tourism industry in Spain is unquestionable. Long before the emergence of the so-called film commissions, the use of the audiovisual industry, and in particular of cinema, as an instrument for the promotion of tourist destinations was noticeable. Based on this premise, the objective of this research study is to analyse the placement of tourist space as a product placed in the narrative and dramatic structure of the tourism-themed films produced during the life of the Spanish Ministry of Information and Tourism (1951-1977). This study, therefore, focuses on the analysis of the audiovisual narrative. The results show how the representation of the tourist space is materialised in tourist views, is associated to certain intangible values, sometimes by contrast to other spaces, and can produce a digression from the story or can be fully integrated in its dramatic structure.