CONTEXTO HISTÓRICO: SIGLO XIX

REVOLUCIÓN FRANCESA Y SEGUNDA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL

En 1789 se de la Revolución Francesa. Se destituyen los reyes y se plantean tres

ideologías: igualdad, libertad y fraternidad.

La Segunda Revolución industrial comienza en 1820 y termina en 1916. Aparte del

carbón por el uso del vapor, aparecen dos fuentes nuevas de energía: la electricidad y
el petróleo. A partir de esta revolución surge la división del trabajo y el trabajo en serie.
Esta Revolución Industrial va a generar muchos cambios. Se va a replantear el rol del
hombre. Hay una creencia de que la tecnología puede cambiar el mundo y hacer de él
un lugar mejor para todos. La revolución industrial despliega la necesidad del hombre
de involucrarse en los problemas sociales para crear un mundo mejor.

Contexto político

Desde el punto de vista político, se pasa de la monarquía a la democracia. La

monarquía ya no es absolutista sino parlamentaria. Surge el liberalismo basado en la
libertad, igualdad y fraternidad. Están presentes la idea de Nación, de competencia y
de pertenencia. Lo que instaura la democracia es la capacidad y el crecimiento de
TODA la sociedad.

Contexto social

- Desde el punto de vista social, vamos a tener por un lado a la burguesía y por otro al
proletariado (la clase más baja compuesta por campesinos, artesanos y obreros). Los
que trabajaban en el campo en las tareas agrícolas se trasladan a las ciudades, las
cuales no estaban preparadas para recibir esta gran cantidad de personas. Las
ciudades se transforman entonces en lugares degradados. A mediados del siglo XIX
se trata de resolver el problema del espacio urbano y de la calidad de la vivienda.
Aparecen los primeros barrios obreros y se da una nueva manera de entender los
espacios públicos. El ferrocarril permite el desarrollo de colonias y surgen nuevas
urbanizaciones.

Contexto económico

Desde el punto de vista económico, se da el capitalismo, un sistema basado en la

racionalización y sistematización de los medios productivos e inversión de capitales. El
poder del capital no va a estar en manos de la monarquía sino de la burguesía. El
capitalismo va a generar la inversión de capitales, la cual genera la producción
industrial de los objetos para la vida cotidiana en forma masiva. De esta manera el
objeto dejará de ser elitista para poder llegar a todos.

Contexto filosófico y los pensadores

El hombre va a cambiar su mirada en lo que es el entendimiento del mundo. Hasta el

momento, la verdad era adjudicada a lo religioso y estaba exclusivamente a cargo de
la iglesia. En el siglo XIX, con el positivismo, lo empírico prevalece sobre lo religioso y
la verdad es adjudicada a lo real.

Descartes
En filosofía aparece Descartes que dice: pienso, luego existo. Se va a poner en tela de
juicio lo divino y comienza a verse el mundo en términos racionales.
Darwin:
Sentó las bases de la moderna teoría evolutiva. Sostiene que los que sobreviven
tienden a incorporar variaciones naturales favorables, las cuales se transmitirán a
través de la herencia. En consecuencia, cada generación mejorará en términos
adaptativos con respecto a las anteriores y este proceso gradual y continuo es la
causa de la evolución de las especies.

Einstein
Famoso por ser el autor de la teoría de la relatividad. Es probablemente el científico
más conocido del siglo XX.

Marx
Su concepción pasó a denominarse marxismo, una de las principales corrientes de la
teoría política contemporánea. La teoría del marxismo era lo suficientemente
sofisticada para atraer a los intelectuales, al tiempo que podía simplificarse y difundirse
entre las masas.

Nietzsche
Uno de los argumentos fundamentales de Freud era que los valores tradicionales
(representa- dos por el cristianismo) habían perdido su poder en las vidas de las
personas, lo que llamaba nihilismo pasivo. Lo expresó en su tajante proclamación
“Dios ha muerto”. Estaba convencido que los valores tradicionales representaban una
“moralidad esclava”, una moralidad creada por personas débiles y resentidas.

Nietzsche afirmó el imperativo ético de crear valores nuevos que debían reemplazar a
los tradicionales, y su discusión sobre esta posibilidad evolucionó hasta configurar su
retrato del hombre por venir, el “Superhombre”. De acuerdo con Nietzsche, las masas
se adaptan a la tradición, mientras que su superhombre utópico es seguro,
independiente y muy individualista. El superhombre siente con intensidad, pero sus
pasiones están frenadas y reprimidas por la razón.

Freud
La principal contribución de Freud fue la creación de un enfoque radicalmente nuevo
en la comprensión de la personalidad humana, al demostrar la existencia y el poder de
lo inconsciente.

OBJETO INDUSTRIAL

Con las grandes industrias generadas por la inversión de capitales va a surgir el objeto
industrial. Éste va a tener que redefinirse desde dos aspectos:
- El estético: tanto las formas como los materiales.
- El funcional: en donde la pregunta será para qué sirve el objeto industrializado.

Se redefine la idea del objeto bello y surgen nuevos materiales como el hierro y el
vidrio. Cambia la relación forma función de los objetos, dándole mayor importancia a la
función que a la forma, buscando que los mismos sean prácticos ergonómicos,
económicos e higiénicos. El objeto va a incorporar los conceptos de racionalización y
optimización de los tiempos de producción. Henry Ford, por ejemplo, fue un gran
empresario que, al lograr la optimización de las cadenas de producción, fabrica la
mayor cantidad de autos al menos costo posible simplificando las formas y
optimizando los materiales. De esta manera, el objeto va a tener características en
cuanto a la calidad, cantidad y el costo.
Exposición de 1851 en Londres

En 1851, se hace la primer Exposición Universal en Londres donde todos los países
europeos presentan sus productos. Esta exposición inicia la mirada del ser humano
hacia el progreso. La misma estaba dividida en varias secciones como maquinaria,
materias primas, manufacturas, bellas artes, etc. Se exhibieron motores de barcos,
bombas contra incendios, barómetros, relojes, cámaras de fotografías, telégrafos, etc.

El jardinero Paxton va a diseñar el Crystal Palace con los nuevos materiales: hierro
forjado y vidrio termo resistente. Fue un edificio rentable pues parte de estos
materiales podían volverse a usar por el hecho de ser desmontables. Fue el primer
edificio que se construyó como si fuera una estructura, con módulos montables
(segmentos metálicos + planchas de vidrio). Desde el punto de vista estético supuso la
ruptura del espacio interior/exterior por la transparencia del vidrio. Esta especie de
proyecto de invernadero sintetiza lo que va a sentar las bases de la optimización de
los nuevos materiales.

La cualidad estética de los productos industriales aquí presentados era abominable

pues estaban hechos a máquina pero imitaban a los objetos artesanales y se notaba.
Sólo los visitantes más sensatos se dieron cuenta de esto. El diseño decorativo
exhibía una vulgaridad en el detalle.

En cuanto a la producción de imprenta, las consecuencias fueron la mecanización, el

abaratamiento del papel, la tinta y los materiales de encuadernación.

HISTORICISMO / ROMANTICISMO: WILLIAM MORRIS Y ARTS & CRAFTS

Las nuevas máquinas permitieron a los fabricantes lanzar al mercado miles de

artículos baratos con materiales de imitación, en los que el dominio del oficio fue
reemplazado por la rutina mecánica y donde se optó más por la cantidad que por la
calidad. La forma y el aspecto de los productos quedaron relegados al fabricante
ignorante. A esto se le suma la falta de educación del consumidor.

El artista comenzó a despreciar la demanda ignorante del público y la utilidad y se

apartó a un círculo sagrado creando el arte por el arte. Al mismo tiempo, el público
dejó de comprender su lenguaje personal, aparentemente inútil.

Pero, por otro lado, a fines del siglo XIX (1888 al 1907) surgió en Inglaterra el
Movimiento de las Artes y Oficios como reacción contra este primer estilo industrial.
Fueron aborrecidos los artículos de producción en masa de la era victoriana. El
Movimiento Arts & Crafts tiene en William Morris, Walter Crane, Ashbee, Aubrey
Beardsley, Arthur Mackmurdo y Charles Mackintosh a sus más destacados
impulsores y congrega a artistas y artesanos creando objetos bellos reivindicando los
oficios medievales.

El escritor y artista John Ruskin, quien formaba parte de la hermandad prerafaelista,

inspiró la filosofía de este movimiento. Ruskin insistió en la unión del arte con el oficio
para el servicio de la sociedad. La verdad en hacer es para Ruskin el hacer a mano.

Entre los artistas, arquitectos y diseñadores que adoptaron las filosofías estéticas y la
conciencia social de Ruskin se encuentra William Morris, una figura fundamental en la
historia del diseño. Morris fue un artesano, pintor, diseñador, impresor, poeta, escritor
y activista político y es considerado por muchos como el padre de la modernidad por
múltiples razones:
- Rechaza la separación entre el arte y la artesanía. Para Morris, la falta de gusto de
los artículos de producción masiva puede ser evitada uniendo el arte con el oficio. Con
esto Morris busca devolver a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión
estética.
- Plantea un arte para todos en donde se produzcan objetos bien diseñados y
accesibles a todos los niveles sociales. A él le debemos que la vivienda del hombre
común haya llegado a ser un objeto digno del pensamiento del arquitecto, y una silla,
un empapelado, un vaso, un objeto digno de la imaginación del artista. El diseño de los
objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
- Es conciente de el que arte de una época no puede estar separado de su sistema
social y es un diseñador integral.

Con respecto a la máquina:

Morris fue uno de los más destacados críticos del maquinismo. Encuentra en la
tecnología la razón de la pérdida de belleza de los objetos, por esto dijo no a la
máquina, no a la mecanización. Así Morris aboga por la habilidad manual del artesano
y no emplea en su taller ninguno de los procedimientos de producción
postmedievalres. Sin embargo, en sus últimos discurso Morris matiza la condena
ruskiana de la máquina. No era tanto el horror a la máquina lo que prevaleció en él,
sino el mal uso que de ella se hacía. Acepta la máquina, pero sólo si ésta se encuentra
realmente sometida a la voluntad del ser humano.

Estética de sus diseños:

Su principal inspiración es el arte medieval y las figuras botánicas. Es un entusiasme
del gótico y de la naturaleza. Sus diseños por lo general carecen de blancos y tienen
gran cantidad de ornamentación. La increíble complejidad en las decoraciones y
ornamentaciones es su marca registrada.

El ideal utópico de Morris es por lo tanto producir objetos bellos de uso cotidiano de
manera artesanal que puedan competir con los productos elaborados mecánicamente
y ser consumidos por toda la sociedad. Las principales ideas y proyectos que mantuvo
Morris emanan de un socialismo utópico, pero sus exquisitos mobiliarios y los
magníficos libros de la Kelmscott sólo estaban disponibles para los ricos, pues
mantenían una calidad extraordinaria y en consecuencia, un costo altísimo.

Si bien Morris el artista no fue capaz de ir más allá de las limitaciones de su siglo,
Morris el pensador sí lo hizo y es por esto que es considerado el padre del Movimiento
Moderno. La paradoja de Morris es que mientras buscaba refugio en la artesanía del
pasado, desarrollaba actitudes de diseño que proyectaban el futuro. Su demanda por
la destreza, la honestidad en los materiales, el hacer lo utilitario hermoso fueron
actitudes adoptadas por las generaciones siguientes que buscaban unificar, no las
artes y los oficios, sino el arte y la industria.

MARSHALL & FAULKNER

En 1859, Morris le pidió a Phillip Webb que diseñara su casa. Webb utilizó detalles
góticos como el arco ojival y el techo de gran pendiente. Webb considera el aspecto
exterior de la casa como expresión de las exigencias internas, sin pretender una inútil
simetría. La casa roja es una marca sobresaliente de la arquitectura doméstica. La
fachada expone el ladrillo rojo sin cubrirlo de revoque.

En 1861, Morris establece la empresa de arte decorativo Marshall & Faulkner junto con
Webb, Rossetti (pintor prerafaelista), Brown y Burne-Jones. Allí realizan textiles, papel
tapiz, sillas, mesas, ventanas con vidrios de color, etc.
KELMSCOTT PRESS (1891-1898)

En 1891, Morris funda la Kelmscott Press, donde logra una calidad excelente en las
páginas de sus libros, teniendo en cuenta el concepto de estética ligado al concepto
utilitario de la forma. El concepto de Morris del libro bien hecho y su sentido de la
unidad del diseño y de los pequeños detalles relacionados con el concepto total,
inspiraron a toda una nueva generación de diseñadores de libros.

El papel hecho a mano, los bloques de madera cortados a mano y las iniciales
ornamentadas de los libros de la Kelmscott press los convirtieron en una forma de
arte. Morris diseñó tipos, orlas, iniciales ornamentadas, cabeceras, ilustraciones
originales y grabó xilografías de ilustraciones de sus colaboradores (Burne-Jones y
Crane), compaginando cuidadosamente cada una de las páginas, controlando y
ordenando la producción como si de un taller renacentista se tratara. Su lección
magistral consistió en la distribución de la mancha impresa sobre el blanco. Allí intuyó
uno de los hallazgos formales atribuidos a la vanguardia tipográfica del siglo XX al
considerar al a la página abierta la verdadera unidad del libro.

Morris llamó Dorado a su primer tipo de letra. El tipo romano está basado en los
caracteres romanos llamados Venecianos, diseñados por Jensosn entre los años 1470
y 1476. Posteriormente Morris desarrolló el tipo Troy, un estilo de letras góticas cuyos
caracteres son notablemente legibles. Una versión más pequeña del tipo Troy, llamada
Chaucer, fue la última de los tres diseños de tipos de letras de Morris.

EL LIBRO IDEAL

En 1893, Morris escribe el libro ideal, donde afirma que el libro, por desprovisto que
esté de decoración, igualmente puede ser una obra de arte si el tipo es bueno y se
presta atención a su composición general, es decir, si es arquitectónocamente bueno.
La disposición arquitectónica buena solicita como característica principal que las
páginas sean claras y fáciles de leer. Para lograr esta facilidad y comodidad de lectura
hay que tener en cuenta:
- El Diseño de la letra: Critica a la Bodoni por tratarse de una tipografía ilegible y tener
demasiado contraste entre finos y gruesos. Admira los diseños de los tipógrafos
venecianos del siglo XV, con Nicholas Jenson a la cabeza, ya que considera a éste el
tipo romano de mejor calidad y claridad. También admira las tipografías basadas en la
letras góticas como los tipos Mentelin (que sólo adopta una pizca de la firmeza floral
Gótica) y el tipo Mainz. Los tipos demasiados comprimidos, puntiagudos en exceso y
demasiado intencionalmente góticos, no los considera fáciles de leer.
- El Cuerpo: Morris dice que el cuerpo no debe ser menor al de una pica. Si los
tipógrafos quieren que entren más letras deben reducir el interlineado o eliminarlo por
completo.
- El espaciamiento entre letras: los espacios que las separen deben ser pequeños.
Nunca debe agregarse un espacio entre una letra y otra.
- El espacio entre palabras: No debe ser mayor que el mínimo y necesario para
identificar cada palabra.
- La ubicación caja tipográfica: Esto es para Morris un punto de suma importancia, ya
que cualquier libro en que la caja esté correctamente ubicada en la página es tolerable
a la vista, por malo que sea el tipo. Morris considera a la página abierta la verdadera
unidad del libro. Con respecto a los márgenes, el borde del medio debe ser el menor
de todos, el superior tiene que ser más grande, el margen al corte más rande aún y el
inferior, el mayor de todos.
- Tipo de papel: El libro ideal debe estar impreso en papel hecho a mano de tan buena
calidad como sea posible. De todas maneras, si se usa papel a máquina, Morris afirma
que éste no debe aparentar ser un papel grueso, liso y lujoso sino mostrarse como lo
que es. Un libro pequeño no debe imprimirse en papel grueso por bueno que sea, ya
que las páginas no serán fáciles de pasar.
- Formato: El libro pequeño rara vez se queda quiero y es incómodo para leer. El
formato grande se queda quieto majestuosamente en la mesa, de modo que la mente
goza de libertad para disfrutar de la literatura.

Con respecto a la ornamentación, Morris considera que el ornamento debe tornarse

arquitectónico y manteniendo la armonía y la unidad en la página impresa. Por último,
el libro ilustrado no es necesario pero nos da placer infinito y está conectado con el
arte de la literatura imaginativa.

Morris enseñó que el diseño podía llevar el arte a la clase trabajadora, pero sus
exquisitos mobiliarios y magníficos libros de la kelmscott fueron demasiado caros para
ser populares y cayeron en los círculos adquisitivos de reducidas élites económicas,
contradiciendo sus ideas morales.

ESSEX HOUSE - DOVES PRESS - ASHENDENE - ERAGNY

Luego de la muerte de Morris, Ashbee decidió contratar al personal clave de la

Imprenta Kelmscott, comprar el equipo que estaba en venta y formar la Imprenta
Essex House, la cual quebró en 1907. Aunque Ashbee era un diseñador teórico
sobresaliente y seguidor de los ideales de Ruskin y Morris, después de la Primera
Guerra Mundial, comenzó a formular una importante política de diseño para la era
industrial. Así llegó a ser una importante voz inglesa que demandaba la integración del
arte y la industria.

En en año 1900, Cobden-Sanderson se asoció a Walker para establecer la Imprenta

Doves. En los volúmenes producidos allí no hay ilustraciones ni ornamentos. Su Biblia
de cinco volúmenes utiliza unas iniciales sorprendentes diseñadas por Johnston. La
pureza del diseño de este libro rara vez ha sigo igualada.

Ashendene, dirigida por Hornby de Londres, demostró ser una imprenta excepcional.
El tipo diseñado por Ashendene fue inspirado por tipos semigóticos y poseía una gran
elegancia y legibilidad.

Cautivado por los libros Kelmscott, Lucien Pissarro fundó la Imprenta Eragny. El
diseño a tres y cuatro colores de las ilustraciones grabadas en bloques de madera es
una peculariedad de los libros de Eragny. Su tipo Brook fue inspirado, al igual que
Morris, por Jenson. Pissarro combinó las sensinbilidades mediavales con un interés en
el florecimiento del movimiento Art Nouveau.

INFLUENCIAS DE MORRIS EN EL MUNDO

El trabajo de Morris influyó mundialmente generando un mejoramiento significativo del

diseño del libro y de la tipografía en todo el mundo.

- EN ALEMANIA

El hombre más importante de las letras alemanas fue Koch, quien era profundamente
místico y medieval. Sus diseños de tipos van desde interpretaciones originales de las
formas medievales hasta diseños nuevos e inesperados, como las letras toscamente
labradas de sus tipos neuland.

- EN ESTADOS UNIDOS
En Norteamérica, la última fase del Movimiento de las Ortes y los Oficios fue
impulsada por Rogers y Goudy. Dwiggins, alumno de Goudy, demostró ser un
diseñador de libros sumamente culto. En 1920, para describir sus actividades
profesionales, Dwiggins creó la frase diseñador gráfico.Rogers llegó a ser el diseñador
de libros más importante a principios del siglo XX. Para Rogers la prueba fundamental
al considerar el uso de un elemento decorativo era: ¿es imprescindible o la página se
ve mejor sin él?

MACKMURDO: MODERNISMO

Arthur Mackmurdo (Inglaterra) se inspiró en las ideas y los logros de Morris en el

diseño aplicado. En 1882 encabezó un grupo de diseñadores y artistas que se
asociaron para formar la Comunidad del Siglo. Las artes del diseño se elevaron al lado
de la escultura y pintura, ya que todas las formas de expresión visual merecían la
condición de arte (Selwyn Image).

Varios diseños de Mackmurdo tienen formas orgánicas que son Art Nouveau. Como
muestra del trabajo de los integrantes del grupo se publicó la revista El Caballo de
Juguete del Gremio del Siglo por primera vez en 1884. Ésta fue la primera revista que
introdujo la teoría y el diseño británicos al público europeo.

La cubierta para el libro que Mackmurdo escribió para Wren, editado en 1883, se
considera el primer diseño gráfico modernista. Las formas de plantas están estilizadas
en forma de llamas, con ritmos ondulantes. Hay una interacción positiva y negativa
entre lo negro de la tinta y lo blanco del papel.

MODERNISMO: ART NOUVEAU POR PAÍSES

Es el término con que se designa una corriente de renovación artística desarrollada a

fines del siglo XIX y principios del siglo XX (1890 a 1910 aproximadamente). El Art
Nouveau es el estilo de transición que se desvió del historicismo, es decir, del uso de
las formas y los estilos del pasado. De esta manera, el Art Nouveau constituye la fase
inicial del movimiento moderno.

Los modernismos fueron los primeros que pudieron superar la dualidad arte y técnica y
por lo tanto son los verdaderos pioneros del diseño moderno. Morris decía sí al arte
pero no a la técnica, no a los nuevos materiales.

Carteles, cucharas, teteras, vajillas, marcos de puertas, sillas, escaleras, entradas a

trenes subterráneos y casas son sólo algunos de los objetos a donde llegó el Art
Nouveau. Los diseñadores del Art Nouveau trataron de hacer del arte parte de la vida
cotidiana y fueron capaces de mejorar la calidad de las comunicaciones masivas.

CARACTERÍSTICAS VISUALES

La configuración del diseño del Art Nouveau está gobernada por el diseño del
ornamento. La cualidad visual que identifica al Art Nouveau es una línea parecida a
una planta orgánica que fluye con elegante gracia decorando un determinado espacio,
una curva ondulada que cubre asimétricamente todas las superficies aprovechables

Otras características visuales de este estilo son:

- Ornamentos inspirados en la naturaleza y formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazadas.
Una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la
representación estrictamente realista de éstos. Las formas y las líneas del Art
Nouveau son inventadas en lugar de copiarse directamente de la naturaleza, por lo
que en ocasiones tienden a la abstracción.
- Una actitud que tiende a la sensualidad, con un guiño hacia lo erótico en algunos
casos
- Influencias del arte decorativo japonés, tales como el dibujo lineal caligráfico, la
simplificación de las apariencias naturales y la configuración plana de las siluetas (es
decir la representación visual en forma plana o bidimensional).

Flores como la rosa y el lirio, pájaros (especialmente los pavorreales) y la figura

femenina (la cual se muestra en actitudes delicadas o sensuales, con un
aprovechamiento generoso de las ondas de lo cabellos) son motivos frecuentes del Art
Nouveau. La figura frecuentemente aparece estilizada y esbelta sin tener en cuenta la
representación real.

FRANCIA: ART NOUVEAU

Características visuales
Ornamentos florales, líneas onduladas (ornamentos de formas orgánicas), influencia
de los grabados japoneses (característicos por el dibujo caligráfico y la representación
plana del espacio (es decir bidimensional, sin realidad espacial). Los títulos y los textos
participan activamente dentro del espacio de la ilustración y con los elementos
decorativos. Las tipografías son del tipo fantasía en la mayoría de los casos.

INTEGRANTES

Chéret

Las figuras de sus carteles expresan energía y movimiento. Su composición típica es

una figura central o figuras con gesticulaciones animadas, rodeadas de remolinos de
color con letreros atrevidos, que suelen ser una resonancia de las formas y los gestos
de la figura. Se verifica en sus obras el esfuerzo por unificar visualmente las palabras
e imágenes.

En muchos de sus carteles las figuras son vistas desde abajo. Sus mujeres son
felices, seguras de sí mismas y disfrutan de la vida al máximo, usando vestidos de
escote bajo, bailando, bebiendo vino y fumando en público.

Lo novedoso de Chéret fue la aplicación de colores en la litografía (cromolitografía).

Durante la década de 1880 utiliza una línea negra con los colores primarios: rojo, azul
y amarillo.

Grasset

Las figuras de Grasset eran lo contrario a las de Chéret, tranquilas, recatadas,

esbeltas y altas en vez de exuberantes. Un amor exótico por el arte oriental se reflejó
en sus diseños de libros, vitrales y textiles. Algunas de las ideas sobre diseño de
Grasset incluyen los ribetes decorativos que enmarcan el contenido y la integración de
la imagen y el texto en una unidad. Utiliza colores de baja intensidad, a diferencia de
Chéret, que prefiere los clores brillantes. También utiliza en mucho de sus afiches
fuertes contornos de línea.

Steinlen
Toulouse-Lautrec

Admirador del arte japonés, frecuentó los burdeles y cabarets de París captando la
vida nocturna de le belle epoque. Utiliza óleos, pasteles y carbonillas y la litografía.
También utiliza el cepillo de dientes para lograr efectos tonales con una cuidadosa
técnica de rociado. Usa personajes caricaturescos, irónicos y satíricos.

El cartel de El Molino Rojo sentó nuevas bases en diseños de carteles. Un modelo de

superficies planas, siluetas negras de espectadores, óvalos amarillos como lámparas y
la blanquísima ropa interior de la bailarina de cancán se mueven horizontalmente,
detrás del perfil del bailarín conocido como “el sin huesos” debido a la sorprendente
flexibilidad de su cuerpo. Es decir que observamos un mayor nivel de síntesis que se
logra con plenos de color, tal como en las estampas japonesas.

Alphonse Mucha

Mucha se deleitaba al llenar el espacio total con formas y decoraciones animadas,

prevaleciendo un horror al vacío. Su tema dominante era una figura central femenina
rodeada de formas estilizadas, derivadas de plantas y flores y también de lo mágico y
lo oculto. Los peinados estilizados de sus mujeres y las ondas de sus cabellos son un
distintivo de la época. Sarah Bernhardt aparece en muchos de sus carteles. Debido a
la complejidad y los colores apagados, al trabajo de Mucha le faltó el impacto a
distancia que tenían los carteles de Chéret. Pero cuando los apreciaban de cerca, los
parisinos quedaban asombrados. Trabaja con grandes formatos, con figuras en
tamaño real.

Sus piezas prácticamente funcionan como cuadros, si bien están muchas veces,
basados en fotografías. De esta forma, Mucha utiliza la tecnología.

Emmanuel Orazi
Su obra maestra es un cartel de 1905 para la galería La Mansión Moderna que
competía con L´Art Nouveau. Dibujada en perfil casi egipcio, esta elegante visitante de
la galería muestra la influencia del Art Nouveau sobre el diseño de la moda.

Paul Berthon
Discípulo de Grasset impulsó el estilo Art Nouveau hacia la suavidad. Utilizó los
contornos de Grasset, motivos florales y un perfil de color opaco.

Georges de Feure
Organizó sus carteles en zonas orgánicas de tonos oscuros, medianos y claros.

Héctor Guimard
Construye las entradas para el metro de París, las cuales fueron realizadas con
métodos de manufactura industrial. El Castel Béranger presenta desbordantes
efusiones ornamentales en la rejas de entrada.

INGLATERRA: MODERN STYLE

Un fuerte impulso del Art Nouveau en Inglaterra fue creado por la revista El Estudio.
En la edición de septiembre se incluyó Las tres novias del pintor holandés Toorop.
Esta pintura muestra con claridad las características del Art Nouveau, a partir de las
largas curvas, la esbeltez de las proporciones y los perfiles extrañamente oblicuos. Se
observa un diseño complicado, ondulante, sinuoso, entrelazado que cubre
enteramente la tela.

INTEGRANTES

Aubrey Beardsley

Algunas de las características de su estilo son su excelente manejo de la pluma, sus

vibrantes blanco y negro y sus figuras escandalosamente eróticas. Tiene una gran
habilidad para componer líneas de contorno y de textura. Su simplificación de los
detalles y la interacción de sus figuras positivas y negativas son notables. Utiliza el
color como áreas planas e ignora la anatomía convencional, ya que sus figuras son
esbeltas y estilizadas y a menudo se convierten más en símbolos que pinturas. En sus
últimas obras los modelos planos y las curvas dinámicas son reemplazados por
contornos punteados que suavizaban la línea decisiva de su trabajo anterior.

Charles Ricketts
En las páginas de los libros diseñados por Ricketts prevalece el uso del espacio en
blanco, algo inaudito hasta este momento. Sus figuras son estilizadas y sus
ornamentos, más abiertos y geométricos. En sus diseños Ricketts marca figuras y
vestimentas con un mínimo de líneas y configuraciones planas sin modulación tonal,
pues recibe influencias de las figuras planas de las estampas japonesas.

Laurence Housman
Este reconocido autor trabajó como diseñador de libros. Sus diseños decorativos eran
ejecutados con minucioso detalle.

Beggarstaff: Pryde y Nicholson

Estos pintures adoptaron el seudónimo Beggarstaff para proteger la reputación de sus

bellas artes. Desarrollaron la técnica del collage a través de recortes de papel que se
entremezclaban. El estilo resultante eran superficies coloreadas absolutamente planas
con bordes delineados con tijeras. Los Beggarstaff fueron inmunes al prevaleciente Art
Nouveau y forzaron este método de trabajo en carteles de siluetas y figuras de
potentes colores. Sus figuras resultantes son por lo tanto simplificadas a partir del uso
de colores plenos.

NORTEAMÉRICA: ART NOUVEAU

INTEGRANTES

Louis Rhead
Adoptó las doncellas esbeltas y altas de Grasset y las líneas de contorno pero no usó
sus colores pálidos, sino que los cambió por combinaciones llenas de vitalidad. Utilizó
combinaciones de colores inesperadas como una doncella con contorno de líneas
rojas con el pelo en azul.

Will Bradley
Bradley se inspiró en Aubrey Beardsley, lo cual lo llevó a la producción de figuras
planas y contornos estilizados. El contorno de la línea delicada, el dibujo de tono
complejo y la reducción de la imagen a masas de siluetas en blanco y negro son todos
efectos de Bradley exploró. Hacia 1905 la fascinación de Bradley por la tipografía
colonial y los grabados en madera inspiraron al cambio del Art Nouveau al estilo
gótico.

Ethel Reed
Sus figuras planas están influenciadas por las estampas japonesas.

Edward Penfield

Sus series mensuales de carteles para la revista Harper describían gráficamente a los
integrantes de las clases altas, con frecuencia leyendo o llevando consigo un ejemplar
de la revista. El primer cartel para la revista tiene una ilustración naturalista en
acuarela. Luego Penfield evoluciona hacia un estilo de dibujo de contornos con
superficies planas, las cuales a menudo eran terminadas con una técnica de
graneado.

Carqueville produjo similares carteles para la revista Lippincott. Posteriormente Gould

fue contratado para continuar la campaña. Parrish llegó a ser el ilustrador más popular
de Norteamérica desde la Primera Guerra Mundial hasta principios de la década del
cuarenta.

Tiffany
Fue un artista y diseñador industrial estadounidense muy conocido por sus trabajos en
vitral y es el artista de Estados Unidos que más se asocia con el movimiento Art
Nouveau. Cada pedazo de sus vidrios es como una pincelada de color en sus
lámparas.

BÉLGICA: ART NOUVEAU

INTEGRANTES

Horta

Este arquitecto construyó el Hotel Solvay y la casa Tassel. Los tallos pintados en las
paredes, distribuidos en mosaicos en el piso y curvados en hierro para las ménsulas
de las columnas y la baranda de la escalera son la lei motiv del Art Nouveau.

Van de Velde

Van de Velde (arquitecto, diseñador, pintor) creía que el trabajo contemporáneo debía
ser moderno y expresar las necesidades de la época. Los objetos hechos a máquina
tenían que ser fieles a su proceso de fabricación en lugar de tratar de aparentar estar
hechos a mano.

Consideraba a los ornamentos no como decoraciones, sino como un medio de

expresión que podía lograr la condición de un trabajo de arte. No aplicó el ornamento a
la estructura, sino que su ornamento era un aspecto lógico del conjunto. El trabajo de
Van de Velde evolucionó desde las formas inspiradas por motivos de plantas e ideas
simbólicas hasta el estilo abstracto.

Combaz
Fue miembro de la Libre Estética y realizó carteles para de exhibición para este grupo,
en los que usó un colorido intenso.

INGLATERRA: ESCUELA DE GLASGOW O LOS CUATRO MACS

Mackintosh, McNair y las hermanas Macdonald forman la Escuela de Glasgow, la

cual desarrolla una composición bastante geométrica, combinando elementos
curvilíneos con fuertes estructuras rectilíneas. La verticalidad ascendente, la
integración de curvas fluidas y la estructura geométrica ilustran el estilo de este grupo.
Líneas que se elevan (a menUdo con curvas sutiles en los extremos) que se unen con
líneas horizontales es la temática de diseño de Mackintosh. Las hermanas Macdonald
tenían fuertes creencias religiosas y adoptaron creencias místicas y religiosas.

Es en el diseño de objetos, sillas e interiores donde el grupo realizó sus mejores

logros. Su mobiliario es sencillo y tiene delicados ornamentos y en sus interiores cada
detalle tiene una relación con el conjunto.

AUSTRIA: SECESIÓN VIENESA

El término “secesión” en arte se da a grupos de artistas que en un momento dado se

separan de la normativa académica de su entorno y buscan nuevas vías de expresión
artísticas.

En 1897 un grupo de jóvenes integrantes de la Asociasión de Artistas Creativos

Vieneses protestó porque no dejaban que artistias extranjeros participaran de las
exhibiciones. El pintor Gustav Klimt fue el primer presidente y guía espiritual que
dirigió la revuelta. Olbrich, Josef Hoffmann, Koloman Moser, Otto Wagner, Klinger,
Roller y Loffler fueron miembros clave.

Los artistas de la secesión se inclinaron hacia las figuras planas con mayor simplicidad
y utilizan tipografías legibles de tipo sans serif (las cuales solían ser muy orgánicas).
Apelan a la geometría (la cual no es rígida, sino que posee una sutil cualidad orgánica)
y a la construcción modular del diseño. El lenguaje de diseño que desarrollaron utiliza
cuadrados, rectángulos y círculos repetidos y combinados.

La revista Ver Sacrum de la Secesión vienesa fue publicada desde el año 1898 hasta
el año 1903. La revista tiene un insólito formato cuadrado. El uso de espacios en
blanco en la composición de cada página le daban a Ver Sacrum un aura de calidad.
En esta revista también se exploró la fusión del texto, la ilustración y los ornamentos
en una verdadera unidad. Se obervan en muchas de sus páginas iniciales de estilo
figurado.

ALEMANIA: JUGENDSTIIL

El Art Nouveau en Alemania fue llamado Jugendstil (estilo Joven). Este nombre fue
tomado de la publicación periódica Jugend que comenzó a publicarse en 1896. El Arte
Nuevo Alemán atraviesa dos etapas. En un primer momento, tiene una fuerte
influencia francesa la cual convive con tipos de estilo gótico y de estilo romano del
renacimiento. Algunos exponentes de esta época sin Christiansen y Sattler.

La revista Jugend tiene abundancia de ilustraciones y diseños decorativos, su formato

es casi mitad de material visual y mitad texto. Una política editorial era permitir al
diseñador elegir el tamaño de la portada para cada semana y permitirle diseñar un
encabezado que armonizara con el diseño de la misma. Sattler se hizo notar por su
trabaho para la revista Pan (1895-1900).

Eckmann y Behrens fueron influenciados por los ideales del movimiento de las Artes
y los Oficios, pero depurados del sentimiento medieval. De esta manera, el estilo joven
se orienta hacia formas geométricas sencillas y funcionales.

Die Insel fue la primera publicación en establecer y mantener un estilo tipográfico

uniforme. Peter Behrens fue su asesor de diseño. Der Bunte Vogel experimentó con
ornamentos y viñetas de diseño abstracto.

Peter behrens (1869-1940): AEG

En 1907, Rathenau, el director general de AEG (una de las corporaciones más

grandes del mundo en la fabricación de artículos eléctricos), llamó a Behrens para que
se hiciera cargo de la imagen visual de la misma (arquitectura, diseño industrial y
gráfico). El trabajo de Behrens para AEG es el primer programa de diseño corporativo,
cohesivo y coordinado.

Behrens propone la tipificación y estandarización de las piezas. Su diseño tiene un rol

social que tiene que ver con mejorar la calidad de vida.

Le Corbusier, Gropius y Van der Rohe trabajan para él.

Objetos y características visuales

Artefactos eléctricos como estufas, relojes, teteras y lámparas fueron diseñados como
formas lógicas desprovistas de ornamento, pues Behrens creía que la belleza podía
derivarse de la comodidad. Su arquitectura también desiste de formas innecesarias.
En 1909 construyó la fábrica de turbinas de la AEG y la marca de fábrica de la AEG.

Ideal
Behrens rechaza la tesis de Semper (1803-1879) según el cual el nuevo estilo de los
objetos industriales sólo podía surgir de la función y de la materia. El ideal de Behrens
consiste en unir arte y técnica en una sola realidad.

CATALUÑA: ART NOUVEAU

CARACTERÍSTICAS VISUALES
Es un estilo arquitectónico que se desarrolla Cataluña (España) y principalmente en
Barcelona. El modernismo desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la
naturaleza, que consisten en los materiales de construcción que se emplean, en las
formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Las ventanas y los balcones
disponen de rejas de hierro forjado, que son labradas artísticamente y contienen
motivos inspirados en la naturaleza.

INTEGRANTES
Gaudí, Domenech i Montaner, Puig i Cadafalch

PROTORACIONALISMO: ALEMANIA. WERKWUND (1907-1930)

Mutthesius es un seguidor de Semper que a su vez es un seguido de Loos. Va hacia

Inglaterra y cuando vuelve a Alemania funda en 1907 el Instituto llamado Werkbund, la
liga de talleres, una asociacion de artistas, arquitectos, artesanos, pedagogos,
fabricantes.
El Werkbund no es un estilo ni un lenguaje, sino una asociación para forjar una alianza
entre arte, artesanía e industria y mejorar la calida de los productos industriales para
desbancar a otras industrias. Su objetiv o es por lo tanto el ennoblecimiento de las
artes industriales.

Muthesius fue miembro fundador de la Werkbund, la cual se manejaba con

conferencias, exposiciones y otros métodos didácticos para mejorar la calidad de los
productos alemanes.

INTEGRANTES
Van de Velde (en Weimar), Bruno Paul (Berlín), Hoffmann, Bernhard, Behrens y
Eckmann.

MUTHESIUS Y EL CONCEPTO DEL TIPO

Muthesius basó su visión de la arquitectura moderna en la idea del tipo. Sólo a traves
de fijar el tipo la arquitectura podía recuperar el significado universal que la
caracterizaba. El arquitecto tendrá que trabajar no para él mismo sino para la Nación,
ayudando a establecer modelos y normativas estándares.

LOOS: EL ORNAMENTO ES DELITO

Encontrar belleza en la forma en lugar de hacerla depender del ornamento es la meta
a la que aspira la humanidad. La belleza es para Loos utilidad y armonía en todas las
partes de la obra. Considera a los ingenieros los helenos, pues de ellos recibimos
nuestra cultura. Es un seguidor de las ideas de Semper según el cual el nuevo estilo
de los objetos industriales sólo podía surgir de la función y de la materia.

PRIMERA GUERRA MUNDIAL 1914-1918

Están involucrados Inglaterra, Francia y Alemania. Se disputan territorios en tierra y

mar. En la gráfica comienza a surgir la idea de competencia. Alemania es derrotada y
debe reconstruirse (Bauhaus)

SEGUNDA GUERRA MUNDIAL 1939-1945

Finaliza con la bomba de Hiroshima. Alemania es derrotada y debe reconstruirse

(ULM).