RESUMEN HISTORIA - GAVITO

FECHAS IMPORTANTES:
1° guerra mundial: 1914 hasta 1918 (Alemania pierde pero tenia la capcidad industrial de remontar)
1918 hasta 1945 Periodo entre guerras
2° guerra mundial: 1939 hasta 1945
Revolucion industrial: (1760 – 1840)

MODERNIDAD
-Período histórico que inicia con el descubrimiento de América (1492) y con la invención de la imprenta – tipos móviles- en
Alemania con Gutenberg (1440) que posibilitó la expansión de la cultura de forma rápida y económica y la liberó de los monasterios
y de los ricos terratenientes/reyes.
-A partir de la difusión de los libros (cultura), personas como Descartes (1596-1650) (el que dijo su famosa frase “pienso, luego
existo”), darán origen a toda un carrera intelectual en donde a través de la razón, se desplaza a dios como forma de conocimiento
del mundo. (RACIONALISMO, CONOCER AL MUNDO PRO LOS 5 SENTIDOS, NO A TRAVEZ DE DIOS, CONOCER A TRAVEZ DE LA
CIENCIA, TECNOLOGIA, LA INVESTIGACION)
-Algo similar aportará Newton (1643-1727) quien descubrirá las leyes de la física tales como la refracción y descomposición de la luz,
la inercia, la ley de gravedad entre otras facilitando el entendimiento de las fuerzas de la naturaleza que posibilitarán su uso para la
revolución industrial que se desarrollará en la 2da mitad del siglo XVII y principios del S XIX. La Academia de Ciencias se nutrirá de
los avances científicos colectivos que ya no son solo de Lores y Condes o monjes, sino gente común que ahora tiene acceso a la
educación cada vez, más masiva.
-Caracterizada por el concepto de utopía (sueño colectivo de creencia en que a través de la ciencia (desde Newton en adelante
sobre todo), la tecnología (Gutenberg- revolución industrial) y la razón (descartes) se podría moldear un mundo mejor y más justo
para todos.
Si bien hay una búsqueda de la universalidad también la hay de la nacionalidad.

CONTEXTO:
En 1789 se de la Revolución Francesa. Se destituyen los reyes y se plantean tres ideologías: igualdad, libertad y fraternidad.
La Segunda Revolución industrial comienza en 1820 y termina en 1916. Aparte del carbón por el uso del vapor, aparecen dos
fuentes nuevas de energía: la electricidad y el petróleo. A partir de esta revolución surge la división del trabajo y el trabajo en serie.
Esta Revolución Industrial va a generar muchos cambios. Se va a replantear el rol del hombre. Hay una creencia de que la tecnología
puede cambiar el mundo y hacer de él un lugar mejor para todos. La revolución industrial despliega la necesidad del hombre de
involucrarse en los problemas sociales para crear un mundo mejor. Se perdia la autoria cuando la persona entregaba la matriz.
Contexto político
Desde el punto de vista político, se pasa de la monarquía a la democracia. La monarquía ya no es absolutista sino parlamentaria. Surge
el liberalismo basado en la libertad, igualdad y fraternidad. Están presentes la idea de Nación, de competencia y de pertenencia. Lo
que instaura la democracia es la capacidad y el crecimiento de TODA la sociedad.
Contexto social
Desde el punto de vista social, vamos a tener por un lado a la burguesía y por otro al proletariado (la clase más baja compuesta por
campesinos, artesanos y obreros). Los que trabajaban en el campo en las tareas agrícolas se trasladan a las ciudades, las cuales no
estaban preparadas para recibir esta gran cantidad de personas. Las ciudades se transforman entonces en lugares degradados. A
mediados del siglo XIX se trata de resolver el problema del espacio urbano y de la calidad de la vivienda. Aparecen los primeros
barrios obreros y se da una nueva manera de entender los espacios públicos. El ferrocarril permite el desarrollo de colonias y surgen
nuevas urbanizaciones.
Contexto económico
Desde el punto de vista económico, se da el capitalismo, un sistema basado en la racionalización y sistematización de los medios
productivos e inversión de capitales. El poder del capital no va a estar en manos de la monarquía sino de la burguesía. El capitalismo
va a generar la inversión de capitales, la cual genera la producción industrial de los objetos para la vida cotidiana en forma masiva. De
esta manera el objeto dejará de ser elitista para poder llegar a todos.
Contexto filosófico y los pensadores
El hombre va a cambiar su mirada en lo que es el entendimiento del mundo. Hasta el momento, la verdad era adjudicada a lo religioso
y estaba exclusivamente a cargo de la iglesia. En el siglo XIX, con el positivismo, lo empírico prevalece sobre lo religioso y la verdad
es adjudicada a lo real.
Descartes En filosofía aparece Descartes que dice: pienso, luego existo. Se va a poner en tela de juicio lo divino y comienza a verse
el mundo en términos racionales.
DarwinSentó las bases de la moderna teoría evolutiva. Sostiene que los que sobreviven tienden a incorporar variaciones naturales
favorables, las cuales se transmitirán a través de la herencia. En consecuencia, cada generación mejorará en términos adaptativos con
respecto a las anteriores y este proceso gradual y continuo es la causa de la evolución de las especies.
EinsteinFamoso por ser el autor de la teoría de la relatividad.
Marx
Nietzsche Tajante proclamación “Dios ha muerto”. Afirmó el imperativo ético de crear valores nuevos que debían reemplazar a los
tradicionales, y su discusión sobre esta posibilidad evolucionó hasta configurar su retrato del hombre por venir, el “Superhombre”. De
acuerdo con Nietzsche, las masas se adaptan a la tradición, mientras que su superhombre utópico es seguro, independiente y muy
individualista. El superhombre siente con intensidad, pero sus pasiones están frenadas y reprimidas por la razón.
Freud LA principal contribución de Freud fue la creación de un enfoque radicalmente nuevo en la comprensión de la personalidad
humana, al demostrar la existencia y el poder de lo inconsciente.

OBJETO INDUSTRIAL Se redefine la idea del objeto bello y surgen nuevos materiales como el hierro y el vidrio. Cambia la
relación forma función de los objetos, dándole mayor importancia a la función que a la forma, buscando que los mismos sean
prácticos ergonómicos, económicos e higiénicos. El objeto va a incorporar los conceptos de racionalización y optimización de los
tiempos de producción. Henry Ford, por ejemplo, fue un gran empresario que, al lograr la optimización de las cadenas de
producción, fabrica la mayor cantidad de autos al menos costo posible simplificando las formas y optimizando los materiales. De esta
manera, el objeto va a tener características en cuanto a la calidad, cantidad y el costo.

Exposición de 1851 en Londres En 1851, se hace la primer Exposición Universal en Londres donde todos los países
europeos presentan sus productos. Esta exposición inicia la mirada del ser humano hacia el progreso. La misma estaba dividida en
varias secciones como maquinaria, materias primas, manufacturas, bellas artes, etc. Se exhibieron motores de barcos, bombas
contra incendios, barómetros, relojes, cámaras de fotografías, telégrafos, etc.
Esta exposición represento un quiebre porque se cuestiono la calidad estética de los productos industriales.
El jardinero Paxton va a diseñar el Crystal Palace con los nuevos materiales: hierro forjado y vidrio termo resistente, hechos de
maneras prefabricadas. Fue un edificio rentable pues parte de estos materiales podían volverse a usar por el hecho de ser
desmontables, ya que la exposición la hacían en el Hyde Park, y no podía ser algo permamente. Fue el primer edificio que se
construyó como si fuera una estructura, con módulos montables (segmentos metálicos + planchas de vidrio). Desde el punto de vista
estético supuso la ruptura del espacio interior/exterior por la transparencia del vidrio. Esta especie de proyecto de invernadero
sintetiza lo que va a sentar las bases de la optimización de los nuevos materiales.
Esta exposición represento un quiebre.
Representaba todo lo que venía: Funcionalidad, rapidez, seriación, un nuevo concepto de belleza, simplicidad de las formas etc.
Otro de los quiebres fue cuando se construyo la Torre Eiffel en 1889, que saca a la luz la estructura, el racionalismo en su máxima
espresion.

En consecuncia de las nuevas tecnologías:

Cuando aparecen los primeros objetos industriales, éstos trataban de reproducir lo que siempre habían hecho los artesanos: objetos
ornamentados, de buena calidad, uso de materiales nobles tales como la plata, madera de ébano,etc. Pero como las primeras
industrias no tenían la capacidad que hay en la actualidad, estos objetos que trataban de imitar a los artesanales eran toscos, feos
para lo que la gente estaba acostumbrada a ver, de mala calidad y pésima terminación. Lo único que tenían a su favor era el precio:
muy económico en comparación a los hechos a mano.
Esto hará que por un lado, los artesanos pierdan su trabajo y por otro haya un fuerte descontento popular con la calidad de los
objetos.
No se estaban adaptando a las nuevas tecnologías, usaban la máquina para hacer sus diseños, pero no hacían sus diseños PARA la
maquina.
 ART AND CRAFT (APROX 1890) – INGLATERRA- WILLIAM MORRIS – ROMANTICISMO
 PRECURSOR DE LOS MODERNISMOS Y GRAN INFLUENCIA
Basado en las ideas de Ruskin: criticaba la maquina y el empobrecimiento de la calidad en los productos, proponía retornar a lo
artesanal)
-Morris fundo talleres de trabajo (art and craft), eran escuelas taller. (artes y oficios)
-Defendiendo el producto artesanal por sobre el industrial.
-Usan las formas de la naturaleza
-El artesano es noble, el trabajo enbolece al humano
-Manteniendo la calidad del objeto en cuanto a trabajo ornamentado, nivel de detalle, materiales nobles (cristal, hierro etc).
-Se muestra a favor del uso de las máquinas industriales, pues pensaba que tenían que estar al servicio del artesano, usándolas a su
favor y no haciendo objetos en serie. No adapta su diseño al hecho de usar la maquina, no diseña para la maquina.
-Mentalidad de que el artesano hace a objeto único, se queja de su contexto en que lo seriado y el trabajo repetitivo y de hacer una
única cosa (película de Chaplin) deshumaniza al humano. (PENSAMIENTO ROMANTICO)
-Tenia el ideal de que el arte fuera igual para todos, que sea inclusivo que todos lo pudieran tener, pero termino siendo lo contrario y
solo la burgesia poda acceder a sus productos, porque eran muy caros, decía que lo económico no debía limitar al diseño.
-referente: naturaleza
-Su movimiento influencio a varios países, en cada uno se llamo de diferente manera: en Francia, se llamó “Art Noveau” con personas
como Mucha, etc.. en Alemania, se llamó Jugendstil (estilo joven), en Italia, Liberty, en Austria “secessión vienesa”, en España:
modernismo catalán (Gaudí), etc
-Al final no logro su utopia, porue se le encarecio mucho los productos y solo logro acceder la elite a ellos, cuando si idea rectora era
que accediera todo el mundo.
MORRIS: Sentia que tenia un deber social. Tenia conocimiento de las herramientas y respetaba la naturaleza de los materiales con
los que trabajaba y los procedimientos de trabajo. Morris, en su lado artístico, no fue capaz de plasmar sus pensamientos modernos,
por eso se rescata mas sus pensamientos escritos en u libro que sus realizaciones artísticas.
Morris le pidió a Webb que diseñara su casa (La casa Roja) rechazando el estilo italiano y el roccoco, utlizando detalles medievales,
como el arco ojival.
Morris estaba en contra de Manet, Reinor, y el resto de los impresionistas. Morris soñaba con un retorno a la sociedad medieval, a
los oficios y las formas medievales.
De Londres. Decia que los edificios contemporáneos, estaban mal diseñados, eran toscos, que la Revolucion Industrial era la culpable
de esto ya que las nuevas maquinarias permitieron hacer objetos baratos y rápidamente, reemplazando al oficio.
Durante el s XIX el artista comenzó a despreciar a su publico, apartándose de la vida real, logrando que el publico no pudiera
comprender su arte, volviéndose arte para pocos. Pero hubo una época donde el artista era aquel que artesano orgulloso de ejecutar
trabajos por encargo para quien pudiera costearlos.
-Morris usa entre otras cosas, telar eléctrico (típico de la revolución industrial) pero no hace 2 trabajos iguales
Ruskin es quien precede a Morris, planteando que el humano debe vivir en un ambiente apropiado con casa decente, silla y mesas
descentes.
Morris exhorto “no quiero un arte para poco, como no quiero arte para pocos ni educación o libertad para pocos” (Pionero del
pensamiento moderno) El arte debe ser “hecho por el pueblo y para el pueblo”
Morris quiere restaurar el oficio manual, lo que genera un alto costo en su producción, por lo tanto un alto costo de venta, que
genera que sus objetos solo puedan ser adquiridos por un cierto publico adinerado.
Morris dice “tenemos que ser los amos de nuestras maquinas y usarlas como instrumento para imponernos mejores condiciones de
vida”
Morris crea el movimiento Arts and crafts.
Quiere reevindicar el papel del artesano, “transformar a nuestros artistas en artesanos y a nuestros artesanos en artistas”

El libro ideal: William Morris: consideraba las tradiciones artesanales de la edad media como algo positivo, esta influenciado por
los textos de Ruskin. En la primera exposición de Artesanias de Londres escucho la postura de n tipógrafo que lo influencio y creo
Kelmscott Press.
Atacaba la producción en masa.
Plantea que el libro puede ser una obra de arte, sea cual fuera su temática, y que puede estar desprovisto de las limitaciones
comerciales como su precio.
“El libro NO ornamentado también puede ser hermoso, mientras arquitectónicamente sea correcto, y no aumenta necesariamente el
precio, ya que no cuesta mas elegir buenas imágenes por ejemplo”
El libro ideal, disposición arquitectónica:
-Paginas claras y fáciles de leer
-que este bien diseñado, que no tenga ornamentos de mas
-respetar los márgenes. El borde del medio debe ser el menor de todos los márgenes, el superior tiene que ser el mayor, el margen al
corte el mas grande aun y el inferior el mayor de todos.
- el color del papel no debe ser gris, porque dificulta a la legibilidad. Usar un papel de buena calidad. No usar papel grueso para libros
pequeños, dejarlo para los libros mas grandes.
-En pro de la claridad y legibilidad de la lectura hay que cuidar que las letras tengan el cuerpo ideal, el espacioado entre palabras, las
letras romanas no ayudan a la legibilidad, NO hacer espaciado entre palabras; esto ultimo puede no cumplirse cuando se trata de un
diario por ejemplo.
-Se opone al uso del letras condensadas, dice que gran parte de la legibildiad depende de la tipografía.
-El tamaño del libro debe de ser racionalizado.
-El ornamento debe ser utilizado con sabiduría o no debe ser utilizado.

MODERNISMOS: (1880-1914)
-Eclecticismo historicista + racionalismo
-Son las primeras respuestas al conflicto del objeto artesanal vs. Industrial, porque los nuevos objetos generados con la industria
eran toscos, mal terminados, no podían competir con lo estético de un trabajo artesanal.
--Toman como referencia a Morris y Ruskin
-En cada país se llamaron de diferente manera.
-Aceptan los nuevos materiales y tecnología moderna (hierro y vidrio etc)
-reformulan el diseño en base a la industria
-Diseñador-> tenia que tener conocimiento teórico y practico
-Nuevo ideal de belleza ya no recae solo en lo visual, sino que también era bello lo que era universal, que todos podían tenerlo,
accesible, económico, seriado, de formas simples
-- El diseño se empieza a desvincular del arte.
-El espectador empieza a ser parte de la obra, ya no hay una lectura lineal
-La manera de pensar (funcionalidad, seriación, económico/accesible/para todos) era aplicable a todos los elementos que se vayan a
diseñar.
-Rompen con el academicismo.
-Usan como referente la naturaleza
-Diseñador integral: Arquitecto también hacia sillas, libros etc.
-Luchan contra el academicismo, y proponen el lema: arte para todos. Están estrechamente relacionados con tres aspectos
ideológicos de la revolución industrial: liberalismo, naturismo y democracia.
-Esta nueva manera de concebir el diseño, no se aplica solo a objetos, sino también a un cuadro o una casa.
 ECLECTICISMO HISTORICISTA: Es un estilo que usaban diferentes estilos, por ej. Una columna gotica en un edificio clásico. Se
usaba antes de los modernismos, pero queda un poco de esto enlos modernismos (Morris toma lenguaje del medioevo) que se los
considera una época de transición (eclecticimo historicista + racionalismo) hasta que en el proyecto moderno se logran desligar
totalmente de las graficas pasadas y crean un leguaje totalmente moderno y adaptado a la época moderna.

ESCUELA DE GLASGLOW – MACKINTOSH- ESCOCIA

-Realiza algunos cambios significativos a lo que se entiende por objeto bello, defiende la postura de Morris, incorpora un lenguaje
medianamente geométrico (basado en el arte celta) y más sencillo de construir, más económico.
-El blanco, el vacio empieza a tomar poder.
-Hay una mayor racionalidad.
Silla Diseñada por Mackintosh si bien es mas geométrica, esta hecha a mano pero con elementos industriales y ensada para un
lugar físico en particular. No esta pensada de manera seriada pero si se acerca mas a los lenguajes modernos por su geometría. Era
más económico, mas rápido, mas fácil, pero no seriados.
LA SECESSIÓN VIENESA - AUSTRIA
Escribirán en el palacio de las artes, un lema de capital importancia para lo que será el proyecto moderno: “a cada tiempo su arte, y
al arte su libertad”.
-En 1897 un grupo de jóvenes integrantes de la Asociasión de Artistas Creativos Vieneses protestó porque no dejaban que artistias
extranjeros participaran de las exhibiciones. El pintor Gustav Klimt fue el primer presidente y guía espiritual que dirigió la revuelta.
Olbrich, Josef Hoffmann, Koloman Moser, Otto Wagner, Klinger, Roller y Loffler fueron miembros clave.
- Los artistas de la secesión se inclinaron hacia las figuras planas con mayor simplicidad y utilizan tipografías legibles de tipo sans
serif (las cuales solían ser muy orgánicas).
-Apelan a la geometría (la cual no es rígida, sino que posee una sutil cualidad orgánica) y a la construcción modular del diseño. El
lenguaje de diseño que desarrollaron utiliza cuadrados, rectángulos y círculos repetidos y combinados.

DERECHA: Gustav Klimt

IZQ: CARTEL PARA EXPO DE MOSER

ART NOUVEAU- FRANCIA

 Alphonse mucha y Toulouse Lautrec
-Inspirado en las formas naturales y estructuras, líneas curvas. Intentarán armonizar con el medio ambiente. “Arte como forma de
vida (arquitectura, muebles, joyas,etc.)”
-La forma gráfica por excelencia en Francia, en que se manifiesta el nuevo estilo, es el cartel.

Henri Meunier. Es un precursor de la idea de “marca” ver a que consumidor esta dirijido el
producto. Se empieza aconstruir una imagen de marca. (en sus afiches aparecia: que producto
tengo? A que consumidor? Nombre de la marca y como se llama)

JUNGESTYLE – ALEMANIA
MODERN STYLE- PAISES BAJOS
LIBERTY- ITALIA
WERKBUND – ALEMANIA 1907- Antecedente de Bauhaus
Es el que genera mas quiebre.
Se dan en la misma época que los modernismos.
Proto-racionalistas Buscan hacer objetos seriados, no eran todavia extremos en la geometría como en bauhaus (con la cuna 100%
geométrica)
Artistas+artesanos+industriales
Muthesius – Peter Bahrens – Henry Van de Velde
Es una liga de talleres.
Fue creado para llevar a Alemania a una supremasia en términos de producción de productos industriales para reconstruir
Alemania.
-El objetivo de la Werkbund era el ennoblecimiento del trabajo industrial, mediante la colaboración de arte industria y artesanía. Tal
y como su nombre lo decía “werbund” (asociación de trabajo). El lema de esta liga de taller ser la “buena forma” los conceptos de
calidad y sentido practico eran sus marcas características, construir un objeto funcional sin adornos que entorpezcan, esto es un
funcionalismo temprano. Se abandona la idea de un mueble individualizado a favor de un mueble tipo que sea reproducido por la
industria.

Como se crea? Mandan a Mathesius a Inglaterra a ver que estaba pasando, y ve que hay que crear pequeños talleres como los que
tenia Morris donde poner a artesanos, artistas e industriales y escribe “das english haus” que glorificaba las viviendas inglesas por su
sobriedad y funcionalidad y quería llevar esto a la artesanía.
-Estan liberados de los modernismos, hay mayor nivel de síntesis en su grafica.
En oposición a la que pasaba en Inglaterra.
-Se separan del Jundestil que también se daba en alemania.
-Es un paso mas que Morris.
Hermann Muthesius creía que la forma debía estar determinada por la función y quería eliminar todo ornamento. La simplicidad y
la exactitud eran demandas funcionales de la fabricación a máquina.
-Estan influenciads por Loos La nueva belleza esta en lo industrializado, lo funcional.
Loos (influencia para la werkbund) escribe un libro llamado “ornamento y crimen” defendiendo al objeto industrial y resignificando
el término de Bello. Loos argumenta que en tiempos de utopía y de industria, el rol del artesano ya debe quedar en el pasado. El objeto
bello no es aquel que tradicionalmente se entiende como tal (único, ornamentado, etc) sino el que corresponde a estos tiempos que
corren (a cada tiempo su arte): sencillo, económico, seriado, sin ornamento, industria
-Objeto industrializado, estandarizado.
-Peter behrens Desarrolla imagen total de marca. Fue uno de los defensores de la tipografía de palo seco y empleó un sistema de
retículas para estructurar el espacio de las composiciones.
AEG  se considera el primer programa global de identificación visual. Behrens es contratado para el diseño de identidad, fábricas,
packaging y cartelería. El uso coherente de recursos –divisiones modulares del espacio, filetes negros para enmarcar el espacio, usar
sólo una tipografía, usar colores análogos, fotografías y dibujos sencillos y objetivos- proporcionó al diseño gráfico de AEG una
imagen unificada. Era un diseñador integral!
Aportes para la creación de Bauhaus, en que era un grupo de talleres que incluían artesanos, industriales y artistas, (ser un
diseñador integral)
-Solo estaban en Alemania, las vanguardias en cambio eran mas globales.
-Concepto de “buena forma” que incluían la calidad y practcidad/funcionalidad. Sin adornos
 PROYECTO MODERNO

RACIONALISMO, CIENCIA, TECNOLOGIA

-Es un movimiento intelectual de principios del S XX, que busca desarrollar un lenguaje universal (para todos), que todos puedan
comprenderlo y tenerlo.
-Basándose en el lema “a cada tiempo su arte”. El arte de esta época es tecnológico, se usaban la industria a favor, universal (para
todos),
-Inicia con las vanguardias y culminará aproximadamente con el cierre de la escuela ULM en los años 60.
-Buscan la funcionalidad de las cosas (racionalismo), su eficacia
-La forma sigue a la función.
-Utopia de un mundo mejor a travez de la tecnología, atravez de productos que todos pudieran obtener, en manos de todos
(económico)
-Ideal de un hombe integral que puede hacer todo.
-La geometrizacion y nuevos materiales (hierro, vidrio) son el nuevo lenguaje, ya no tienen sentido la ornamentación, porque
encarece el trabajo y no es posible realizarla con la maquina.
-Se adaptan a los tiempos modernos donde reina la racionalidad, las formas industrializadas, la ciencia, la utopia. Antes el arte
era para unos pocos, por eso ellos querían cambiarlo, crear un arte que todos pudieran comprender (universal)

VANGUARDIAS (PROYECTO MODERNO)

Contexto:
o Racionalismo, el hombre ya no depende de Dios para todo lo que sucede en su vida.
o Freud: Inconciente
o 4° dimensión: Tiempo
o El arte vangaurdista era un arte fundamentalmente utilitario, de profundas raíces políticas, era un compromiso de expresar lo social,
no la subjetividad individual.
o Nuevo actor: la masa (arte para todos)
o Maquinas, tecnología, seriación, racionalismo. Fabricas, velocidad, grandes ciudades, luces de noche.
o Nuevos materiales: hierro, vidrio
o Torre Eifel: 1889- En la expo universal La belleza en los nuevos materiales, empiezan a pensar en el racionalismo.
o Palacio de Cristal: Nuevos materiales, seriación.
o 1 guerra mundial
o Fotografia
o Se dan al mismos tiempo que los modernismos.
o Critica social
o Profunda critica y utopia al cambio. Reaccion frente a primera guerra mundial. El fin de la 1 guerra coincide con el comienzo de la
revolución rusa.
o Rechazo a las tradiciones heredadas, no solo esteticas sino también de valores, costumbres, ideales, metas
o Plantean que no hay un gusto universal y para siemrpe, sino que cada tiempo tiene sus modos, sus expresiones. (a cada tiempo su
arte). Reeplantean el termino de belleza. No existe belleza permanente.
o Ncesitan un modo de expresar la metrópoli, la aceleración, la industria, la vida en la metropli, las producciones seriadas, la vida vivida
de manera acelerada, etc.
o Los antiguos canones para representar el mundo ya no resprentaban el mundo actual, por eso decidieron cambiarlo.
o Rechazan la idea de traducir la realidad en términos realistas.
o Quiere disolver la categoría de obra de arte inmaculada, el arte ahora es para el pueblo, no para unos pocos adinerados.

-Las vanguardias pintan la crisis, la sociedad europea en decadencia, la muerte, la destrucción, se rompe con el lenguaje academicista
y se buscan lenguajes nuevos ya que el heredado no les sirve, no se adapta a la época en la que se esta vivivnedo, (tecnologías,
veolocidad, racionalismo) y cambiaron los temas, la realidad cruda y dura. Esa nueva imagen se transforma en belleza. La producción
artística era más un compromiso social tecnológico con la sociedad moderna que un camino para alcanzar la expresividad personal
del artista.
-Se caracterizan por la búsqueda de un nuevo lenguaje ya sea a favor o en contra de este nuevo tiempo.
-Racionalismo:
-Generalmente incorporan la ciencia, la tecnología y la razón.
-Son parte del proyecto moderno
-Logra una Ruptura al 100% con lo académico (a diferencia de los modernismos, que todavía no lograban generar el quiebre y no se
adaptaban a las nuevas tecnologías al 100%)
-Crear un nuevo leguaje que se identifique con el contexto de la época: Burgesia, proletariado, sociedad europea en decadencia,
maquinaria, crecimiento de ciudades, velocidad, autos.
-La diferencia con los MODERNISMOS es que ellos no tenían un quiebre intencionado, las vanguardias creaban manifiestos.
-Comprometidas con lo politico/social
-Usaban lo indistrializado, creían que a cada tiempo correspondia su arte, en estos tiempos modernos de indistrializacion había que
adaptarse a esto.
-Busqueda de la Universalidad: un arte al alcanze de todos, que sea leído y comrpendido por todos los ciudadanos (en los modernismos
y lo académico esto no se lograba, la ornamentación por ej. entre otras cosas encarecia el producto y no era accesible para todos)
-Observador activo termiando de reconstriur la obra
-No existe gusto general, sino que cada época tiene su estética, hay que adaptarse “a cada tiempo su arte, al arte su libertad”.

CUBISMO – FRANCIA
-Contexto: iluminación torre Eifel El artista empieza a salir a la calle, ya no es más el artista encerrado en su taller, observa la realidad
de su contexto.
-Exponente artístico: Picasso y Cezzanne
-Picasso antes pintaba como académicos, porque asi le enseñaron a pintar en la academia de arte, que seguían enseñando el
academicismo (el claro oscuro, el resaltando de lugares dentro del cuadro, la perspectiva) pero un dia visita una muestra de Cezzanne
y ve su técnica, que no era academicista, sino que basaba todo en los 3 cuerpos geométricos, el triángulo, el cuadrado y el cilindro. Se
da cuenta que el modo academicista no representa entonces empieza a salir de su taller a pinta lo que lo rodea, los bares, la calle. Se
dan cuenta que los academicismos no estaban teniendo en cuenta la percepción.
-Plantean que la perspectiva era un “mentira”.
-Empieza a pintar con infinita cantida de planos, se muestra el plano mas significativo, el observador tenía que terminar de reconstriur
el “3d” , el observador es el protagonista, ya no hay una única significación de la imagen.
-Picasso viaja a africa y se inspira en las mascaras africanas (señoritas de avignon, rostro de monos).Esto quiere decir que buscan
nuevos referentes para represnetar cosas, en este caso la cultura africana.
-Picasso, toma como influencia la 4° dimensión que plantea Einstein. Se necesita el factor tiempo para recorrer un espacio.
-El cubismo es el primero e influencia mucho al resto de las vanguardias.
-El modelo ya no es solo la naturaleza muerta, ahora es la vida cotidiana, lo que pasa en las calles, en la ciudad.

Legado al diseño:
-Sintesis
-Uso de la 4ta dimensión, el tiempo. El espacio y el tiempo coinciden. Se necesita “tiempo” para conocer y recorrer un objeto, se
muestran todas sus caras al mismo tiempo.
-Multiplicidad de planos, el observador ve varios tiempos al mismo tiempo, (de frente, de atrás etc)
-Mostrar al objeto desde su punto de vista mas representativo.
-El espectador activo.
-Geometria

Señoritas de Avignon (picasso) y Juan gris

FUTURISMO – ITALIA - 1909

-Basan sus teorías en Darwin (sobrevive el mas fuerte faccismo, racismo) y en Eistein por la velocidad de la luz.
-Tenian como antecedente el Mallarme (poema que forma un caballo) lo critican pero usan eso de la semantizacion de las palabras.
-La belleza de la velocidad, las maquinas y la tecnología.
-Glorificacion de la guerra y la violencia. La guerra purifica.
-Boccioni: palntea que el observdor tiene que terminar de interpretar la obra, observador activo. Habia que sorprenderlo.
-Marinetti plantea que no hay mas horizontal y vertical.
Se produce un quiebre fundamental en la puesta en página: anteriormente, se promulgaba una alineación horizontal; en cambio, con
el inicio del futurismo se abandona esta tradición, diseñando las páginas con una composición dinámica, no lineal. Como declara
Marinetti: “El libro futurista debe ser la expresión de nuestro pensamiento futurista. Y no solo eso. Mi revolución se dirige a la llamada
armonía tipográfica de la página, que se opone al flujo y reflujo, a los saltos y estallidos del estilo que la unifica. De esta manera, en la
misma página utilizaremos tres o cuatro colores de tinta, e incluso veinte modelos diferentes de tipografía, si fuera necesario. Por
ejemplo: itálica para una serie de sensaciones uniformes o rápidas, negrita para onomatopeyas violentas, y así sucesivamente. Con
esta revolución tipográfica y esta variedad multicolor de las letras busco redoblar la fuerza expresiva de las palabras”.
-Marinetti tenía como principal preocupación el libre potencial expresivo del lenguaje: la imaginación del poeta debe entrecruzar
cosas distantes sin cadenas que la conecten, por medio de palabras libres esenciales, destruyendo la sintaxis de su discurso, y así
trasmitir cada una de las vibraciones de su ser.

-Palabras en libertad Destruir los canales de la sintaxis, crear una nueva poesía a partir de la ruptura.
-Palabras libres de obstáculos, sin cadenas de sintaxis, sin puntuación. En estos tiempos modernos en lo que todo es rápido, tiene que
haber rápida lectura, comunicación urgente, que lo veas rápido.
El futurismo impone su sello en el diseño gráfico desde el uso de la tipografía ya no como letra en sí sino como imagen semantizada
ya sea por su forma o por su significado. Le imponen a la tipografía un dinamismo nunca antes visto. Ya no sólo son palabras,
también son formas bellas que se mueven en el espacio, obligándolas a abandonar la horizontalidad. Se liberan de los lenguajes
establecidos, las estructuras, generando diagonales, círculos y todo tipo de movimiento. La tipografía, al fin, es vista como imagen y
como símbolo, pero no como mera portadora de un significado.
Marinetti con Palabras en Libertad pretendía romper con la gramática, la sintaxis, la métrica tradicionales, las herramientas que
habían sido utilizadas durante siglos para expresar los sentimientos de la belleza estática, frente al nuevo estilo explosivo,
violento y rápido de la vida moderna. Se trataba de crear un orden gráfico en la obra poética a través de la manipulación de las
palabras, configurando composiciones desordenadas con letras de tamaños dispares en una amalgama desequilibrada en la que
el oren sintáctico desapareciese.
Dice en su tratado: Se utilizarán onomatopeyas y símbolos matemáticos para expresar todos los sonidos y ruidos de la vida moderna
y para controlar también la velocidad del estilo. Su revolución es en contra de la armonía tipográfica, por eso se utilizaran diferentes
clores de tinta y caracteres de letra distintos para redoblar la fuerza expresiva de las palabras. “no quiero sugerir una idea o
sensación con afectación anticuada sino que deseo arrebatarlas brutalmente y arrojárselas en la cara al lector”.

Legado al diseño:
-El blanco da potencia a la obra
-Uso del collage
-Uso plástico-visual de la tipografía, uso de variables tipográficas, que cada una tenga una diferente funcionalidad.
-Ruptura de la ortogonalidad, con el uso de diagonales.
-uso de variables tipográficas y diferentes tamaños, para generar diferentes sensaciones y darle expresividad a las palabras.
-imágenes dinámicas, varios planos para generar movimiento.
-Colagge
-Uso de fotografia, generaban movimiento.
-semantizacion de las palabras -los sonidos (HOOOOOOLA, tumb tumb tumb- eran sonidos de la ciudad) (antecedentes del comic)
-onomatopeyas (ruidos nuevos de las ciudades, bocinas etc)
Piensan la tipografía como una mancha, de manera pictórica, y también la semantizan (me obligan a entender como quieren que yo lo
lea) da en el blanco con el tema que haya un código universal para todos, que todos entendamos lo mismo.

DADAISMO – SUIZA
- Ball – Tzara - Arp – Ray – Schwitters – Heartfield – Duchamp – Grosz
-Se manifiesta en contra de esta sociedad europea en decadencia. Crean el antiarte, el ready made, tomando objetos de la vida
cotidiana, resignifican los objetos de la vida cotidiana. Se plantean que es mas importante? La obra o el autor? Porque los vendedores
de arte hacia mucho comercio con el arte y ellos estaban en contra de ese comercio, por eso a modo de rebelión hacen por ej. El
mijitorio de Duchamp, cualquier cosa puede ser arte.
-Este movimiento primero aparece en Zurich, el café Voltaire, donde se autoconvocan los artistas independientes. Y por otro lado en
berlin, donde esta Kurt Schwittersy Heartfield que se muestran mas políticos.
-Dadá no significa nada, movimiento antiarte.
-Basan sus ideas en Nietche
- -Espectador activo
-Lo bello es lo feo
-En contra de expresionismo, lo critican por “querer algo” diciendo”dada no quiere nada”
John Heartfield, Wieland Herzfeld y George Grosz, asumieron fuertes convicciones políticas y revolucionarias y orientaron gran parte
de sus actividades artísticas hacia la comunicación visual, para elevar la conciencia pública y promover el cambio social.
Los fotomontajes de Heartfield fueron conocidos por la excelencia de su técnica, como por lo fuerte y eficaz de sus mensajes. Que
hayan elegido este lenguaje no es una decisión estética, sino que de esta manera podía representar objetivamente sus propósitos y
que a la vez la clase obrera pusiera captar y comprender el mensaje sin problemas.

 Legado al diseño:
-El aparente caos que mostraba esta vanguardia hizo que muchos diseñadores encontraran en ella elementos regeneradores para la
publicidad. La utilización de viñetas, las barras espaciadoras, la liberación absoluta del espacio a utilizar, pero sobre todo la
búsqueda de un nuevo lenguaje donde la imagen final puede ser reconstruida por el espectador, el uso de la ironía y el humor. El
uso del Collage (de clara influencia cubista) hace que los dadaístas encuentren una forma de expresión muy pregnante.
-Uso del collage
-Fotografia (Man ray)
-Fotomontaje (Heartfield)
-Vignetas, micelaneas, como la manito etc para ayudarte a entender.
-Cambio de escalas en la tipografia
-Revalorizacion de los blancos
-Superposicion de tintas: Revista Merz, o ejemplo de Dada escrito varias veces

John Heartfield: Collage, compromiso social, contra el nazismo.

Man ray: uso de la fotografía
Revista Merz: Kurt Shwitters revista con desechos industriales en manera de critica.

 EXPRESIONISMO- ALEMANIA- EL PUENTE Y DER BLUE RAITER (1911)

-Plantea que lo real no es aquello que vemos en el exterior, sino lo que surge en nuestra interioridad, cuando vemos, percibimos.
-Busqueda de los escencial, de lo real.
Kandisky  tenia asociado vista y oído
Planteo de que el cuadro en realidad es 2d
Abstraccion: representación simbolica
El circulo representa a perfeccion (azul) el triangulo el espíritu (amarillo) y el cuadrado el hombre en la tierra (rojo, pasión)
-Hay dos grupos: Unoel grupo de “el puente” que se plantean la vida en la ciudad, la miseria, Lo que más destacó en sus obras fue la
agresividad del color y la intranquilidad de las formas que utilizaron, el expresionismo trabaja figuras muy particulares, donde aparece
muy reiteradamente la figura del hombre solo en la ciudad, retratando la época alemana pos guerra, una época violenta de miseria y
muerte. El otro grupo es el “jinete azul”, donde aparecen figuras como Kandisky, Maarc, Paul Klee, donde trabajan desde una
perspectiva mas espiritualizada, no física ni violenta.
SUPREMATISMO (1913)
Malevich
Toman de Kandisky lo del triangulo, circulo y cuadrado pero le agregan el blanco (pureza) y negro (oscuridad).
Simbolismo cuadro de cuadrado negro sobre blanco signifiaba el hombre en la oscuridad.

 DSTIJL (NEOPLASTICISMO ) (1917) HOLANDA

Mondrian – Theo Van Doesburg
-En el 1917 publican Dstijl, con el manifiesto.
-Fundado por Van Doesburg, se caracterizaba por su defensa de lo plástico frente a lo narrativa, de lo universal frente a lo individual,
y de relegar al sentimiento frente al significado. Es la vanguardia más pragmática para el racionalismo.
-De Stijl buscaba leyes universales de equilibrio y armonía para el arte, que así podía ser un prototipo de un nuevo orden social,
trabajando con un estilo geométrico abstracto. Buscaban leyes universales que rigen la realidad visible pero están ocultas por la
apariencia externa de las cosas. Trataban de purificar el arte prohibiendo la representación naturalista, los valores externos y la
expresión subjetiva.
-Esta vanguardia abstracta, funcional y racional (leyes matemáticas, ejes) holandesa aporta al diseño gráfico mucho desde la teoría
y desde la práctica. La gráfica comienza a participar activamente en la construcción de la ciudad.
-Para los artistas De Stijl, la belleza proviene de la pureza absoluta de la obra.
-Mondrian, su mayor exponente, sostiene que todo espacio puede ser ordenado bajo leyes rigurosas de la matemática. Mondrían
divide el espacio en una grilla ortogonal y redujo su vocabulario visual a la utilización de colores primarios con blanco y negro, en
tanto figuras y las formas quedaron limitadas a líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Construyó composiciones en las cuales la
tensión y el balance de los elementos alcanzaron una absoluta armonía.
-Van doesburg dirigió y publicó la revista De Stijl. Se suprimieron las líneas curvas y se preferían las tipografías de palo seco, que se
componía a menudo en bloques rectangulares apretados. El cuadrado se usaba como módulo para el diseño de tipografías logrando
armonía pero poca singularidad y legibilidad.
Como Van Doesburg era De Stijl, es comprensible que este movimiento no sobreviviera a su muerte en 1931. No obstante, otros
siguieron utilizando su vocabulario visual durante muchos años.

-Crear lenguaje universal (como todas las vanguardias). Abolir todo lo que pueda significar un dato subjetivo, sentimental
individualista. -Abstraccion es el lenguaje universal, todos pueden comprenderlo

- Triangulo cuadrado y circulo y blanco y ngero, las líneas horizontales (hombre) y verticales (mujer) (a diferencia del suprematismo
que no tenia líneas horizontales y verticales)
Dato de color: Mondrian echa a Van DoesBurg porque quiere poner diagonales.
-Crearon una revista que se llamana Dstijl

Legado al diseño:
-Se anticipan a la Gestald, mostrando como son los pesos ópticos.
-Peso óptico en la cuadrado izquierdo inferior, tiene mas visibilidad, por eso en los diarios se ponen las publicidades ahí
-Superposicion de tintas
-Uso de la tipo de palo seco y modular
-Grilla ordenadora del plano perceptivo
-Ortogonalidad
-Resignificacion de la palabra
-ASIMETRIA
-Uso de colores primarios y adyacentes
-Funcionalismo
-Se adapta a la modernidad por la economía de recursos.
1 magen es de Theo Van Doesburg: Critica a Gropius porque decía que era retrograda e imporductivo y no creaba nada novedoso(lo
que hace que gropius toma conciencia también) y por eso después cuando quiso entrar en bauhaus no lo dejaron, pero daba talleres
por fuera de la bauhaus enselandole a los alumnos sobre estas teorías, influyendolos.
 Revista Dstijl: Grilla ordenadora

CONSTRUCTIVISMO (1917) (COMUNISMO)- RUSIA

Tatlin – Malevich – Rodchenko –Rodchenko, Maiakovski – Lissitzky

Contexto:
En 1917 se produce la revolución rusa, finaliza la monarquía rusa y comienza el régimen comunista, basado en el pensamiento de
Marx. Luego de abandonar la monarquia los rusos adoptan los leguajes industriales, en muy poco tiempo se adaptan al resto de europa,
poniéndose a tono con lo industrial, esto se puede ver en la expo universal de 1925.
Habia que resolver un problema de comunicación, la mayoría de la población no tenia educación. Habia que adoctrinar a las masas
sobre este nuevo sistema comunista, y para ello adoptan unos sitemas de comunicación muy eficaces: la fotografía (a cada tiempo su
arte) y la imagen en movimiento. Crean graficas sumamente racionales: con tipografía de palo seco mayuscula, tipografias grandes
porque aparecían en la via publica con texto racional y sintético.
Rápidamente es absorbida por el gobierno, poniéndose a su servicio. Abocados a la tarea de comunicar al pueblo no sólo publicidad
de objetos a vender sino también las ideas políticas de este nuevo gobierno, los constructivistas desarrollan una postura gráfica que
aún hoy sigue demostrando su vigencia. Dedicados a informar a las masas altamente analfabetas, estos artistas eligen a las
tipografías sin serif como parte de su sello. Estas tipografías presentan un mayor grado de legibilidad que no poseen las romanas, la
letra es una herramienta que sirve para facilitar la comunicación y comprensión popular, es utilitarista.
-Aplican el uso de collage, el uso de la fotografía (signo de tecnología, modernidad, pregnacia y claridad de mensaje, no necesita
del mucho intelecto), imponen el uso de barras delimitando los espacios, la fuerte semantización de los textos y de los signos de
admiración/interrogación para ayudar a la lectura. Además utilizan flechas que señalan lo importante a destacar en un afiche. Usaron
como modelos a la misma gente del pueblo, y los fondos se volvieron planos, de color uniforme, limitando la paleta sobre todo al
rojo (color de la revolución), negro y los restantes primarios. Conlleva a un orden que fuera universal: la geometría. La geometría
va mas alla del idoma, mas alla de todo, por eso la proponen como lenguaje universal.
-El equilibrio asimétrico, las siluetas en semitonos y el uso hábil del espacio en blanco son otras consideraciones de diseño
importantes
-Trabajan en la escuela Vkhutemas
-La revolución tenia que tener su propio lenguaje. Ya qe se trataba de algo nuevo que quería generar un quiebre con el pasado.
-Se crea un arte social, con utilidad, relacionado con la vida del pueblo, el arte ya no es meramente esttica y burguesa sino social.
-Crean un lector activo: a travez de las diagonales, disposiciones verticales y horizontales, hacían que el lector se involucre de manera
activa en la búsqueda de sentido de la lectura.
-Tratan a la tipografía desde el punto de vista plástico.
-Escribe topografía de la tipografia

Legado al diseño:
- Tipografia san serif mayúscula.
-Blanco activo
-Fotografia experimental (Moholy Nagy)
-Diagonales
-Geometria como ordenadora del espacio
-Contrastes
-semantizacion
-uso de diferentes escalas para jerarquizar información
-Las grandes escalas
-La simplificación
-Blanco rojo y negro

EL LISITSKI NUEVA TIPOGRAFIA

En el cartel cine ojo de Rodchenko, las letras las crea el mismo porque se adecuaban mejor a sus necesidades, usa la geometría como
expresión, rodchenko saca fotos a los trabajadores en sus ambitos laborales, usa angulos difernetes para denotar difernetes cosas, uso
de diagonales. Uso de los rojos las diagonales, la fotografía, las tipografias mayusculas por la analfabetizacion. Geometrizaion de las
fomas.
El lissitzky Pelikan y ussr (uso de la fotografía, rojo blanco y negro) tipo mayusculas palo seco, retrato de trabajadores, grafica para
el país, para el estado.
Mujer gritandorodckenko, rojo blanco y negro, fotografía, geometría, mensaje político, tipografía palo seco grande, mayúscula,
grandes,diagonales, uso del espacio en blanco, persona del pueblo.

Surrealismo (1924)
-Dali – magritte – Breton
Breton escribe el manifiesto surrealista.
-Usan la figuración pero con mucha significación.
-Influencia de Freud, el inconciente, los sueños
-proponen las metáforas, figuras retóricas, la revelación del inconsciente, los deseos y las pulsiones sexuales.

Legado al diseño:
-Retorica
-metáfora.
 BAUHAUS – 1919 – ALEMANIA (PROYECTO MODERNO)

Etapas por director:

1919-1928 Gropius. La etapa mas fructífera del Bauhaus.
1928-1930Mayer. Ligado con el pensamiento comunista.
1930-1933 Mies Van der Rohe: Se inclino más a lo arquitectónico y se prohibió las actividades políticas. Cerrada por el Nazismo.

Etapas por lugares:

1919-1925Wiemar, se fusionan las escuelas de artes y oficios y la de bellas artes (cerraron porque sino los nazis la iban a cerrar, a
Weimar no les gustaba que fueran comunistas. (ARTE + TECNICA + INDUSTRIA) Crearon ahí la hause an horn, super moderna. En la
expo de 1923, a la sociedad era muy tradicionalista en Weimar y no les gusto y tampoco les gusto los alumnos.
1921-1932 Desseau, Ciudad Industrial. Donde construyen el edificio que diseña Gropius, hecho en vidrio concreto y metal, se
construyo rápido porque era fácil, (moderno), La tomaron los nazis.
1932-1933 Berlin

Contexto: Europa Compleja, en 1914 habia comenzado la guerra. Inglaterra y Francia por un lado y por otro el imperio
austrohúngaro (Alemania y Hungria). Alemania es derrotada en 1918, hay un reordenamiento territorial. Alemania en el periodo
entreguerras, como era un país fuertemente industrializado, aplico la política de reconstruirse en todos sus aspectos, políticos,
económicos, y lo pueden hacen porque a pesar de que pierda Alemania es un país fuertemente industrializado. Es importante
remarcar que Alemania estaba ya pensando en la relación entre industria y arte, por eso en 1919 crearon el museo de arte industrial.
-Bauhaus quería como objetivo principal, unir la industria, con el arte y los artesanos. Ubican al trabajo artesanal al mismo nivel que
los arquitectos, las artesanías eran consideradas un arte menor, el Bauhaus se nutre de ambas líneas, la formación de los alumnos
era teórico y práctica.
-Eran fuertemente utópicos como las vanguardias.
-Tenian un taller de teatro, que servia para entender las partes del cuerpo, asi también como los deportes, para entender la
ergonometria.
La idea era abolir el artista individual y el arte elitista y de salón para avanzar a una configuración colectiva de la vida. Quitarle el
valor de obra de arte a los objetos y pensarlos de manera funcional, que cumplan una función en un conjunto de objetos que
cumplan una función grupal, a diferencia del concepto de “buna forma” donde cada objeto individualmente cumplia una función, aca
la idea es que formaran parte de un equipo y no sean objetos decorativos en si, como obra de arte.
Ya eran considerados racionalistas a diferenci de la wekbund que ersn Proto-racionalistas.(los protoracionalistas no eran tan
extremos en la geometrización)

Influencia:
Vanguardias: Tienen una fuerte critica hacia la modernidad.
Modernismos
Morris (talleres, diseñador integral) el arte debe responder a las necesidades de la sociedad. Interrelacion entre función y forma.
Integración del arte en la vida cotidiana
Werkbund reconocer tanto la artesanía como la producción mecánica. Unidad de artistas y artesanos con la industria, para elevar
las cualidades estéticas de la producción en masa.

Como se crea Bauhaus?

Van de Velde tenia la escuela de artes y oficios en Weimar .
Van de Velde le propone a Gropius unir a las bellas artes y los artesanos en una misma escuela, porque en Weimar estaban por
separado Crean Bauhaus e invitan a los mejores artistas del momentos como Kandisky,
Gropius era parte de la liga de talleres Werkbund
Gropius, formo parte de la primera guerra mundial y con eso que vio deseaba que la tecnología ayude al humano.
-en 1919 Gropius escribe el manifiesto de Bauhaus, tuvo ayuda económica de lo público.
-Para la inaguracion Gropius le pide a Feininger que haga un grabado, y hace uno de una catedral gotica.

Catedral Gotica eligen la catedral gotica para el afiche porque las catedrales goticas unifiaban a varios trabajadores de diferentes
diciplinas para hacerlas., de trabajar en equipo, de la materialidad.
Luego de su primera exposición de la escuela que terminó en fracaso (los objetos a excepción de unos pocos, no podían ser
manufacturados industrialmente pues eran mucho más artísticos y “bellos” en términos tradicionales que plausibles de ser hechos
con máquinas, cambia de dirección y objetivos, buscando ser una escuela que incorpore el lenguaje moderno: fotografía, tecnología,
geometría a fin de realizar objetos posibles de ser industrializados, más sencillos y económicos, incluyendo materiales novedosos.
Al principio Bauhaus preseguía uns solución más romántica e idealista, más cercana a morris que a Loos (menos es más, la forma
sigue a la función) pero luego, gracias a los aportes de Nagy y de Van Doesburg (fuera del bauhaus este último), y los planteos de los
alumnos, se cambia de dirección siendo una escuela más pensada no tanto en lo artesanal sino orientada a la industria, donde el
lenguaje geométrico, los adelantos tecnológicos tales como tipos de palo seco, fotografía, collage, etc y los nuevos materiales (cuero,
metal tubular, ej: la silla Vassily) hacen un lenguaje moderno, económico y vanguardista.
- Se Incorpora Moholy Nagy, ) que trae tipos móviles san serif y el uso de la fotografía.

OBJETIVOS:
Un diseño para todos universal, racional, económico (en utilización de recursos, en bajos costos, en forma de producción) y
funcional por encima de cuestión estética (proyecto moderno)
-Generar artículos proyectados para la producción industrial
-Objetos a los que todos pudieran acceder, objetos para la vida cotidiana.
-Un profesional que sepa diseñar desde una taza hasta una casa. (diseñador integral)
-Union de artesanos con la industria.
-Elevar a la artesanía al mismo nivel que las bellas artes.
-La escuela tendría su base en talleres. Los alumnos aprendían de la práctica y experimentación bajo la supervisión de los más
experimentados. Esta escuela no fue la única con intentos reformadores.
-Lo mismo que los modernistas, en el sentido de poder hacer con lo industrial un objeto bello, aprovechar las ventajas de las nuevas
tecnologías.. Hacer artículos para la industria.
-Querian que el diseño fuera adquirido por todos, que sea económico para las masas, que mejorara la calidad de vida de la masas a
travez de los objetos, gererar un lenguaje universal, diseños funcionales y racionales, que se adapten a la industria y a la nueva
calidad de vida.
-Formar proesionales para recosntruir la ciudad Alemana que estaba en pos guerra.

Representan el ideal de hombre moderno que con la razón puede resolverlo todo, hombre que integra todo.

DE QUE MANERA ESPERABAN CUMPLIR SUS OBJETIVOS?

-Uso de nuevos materiales y nuevas tecnologias (hierrovidrio etc)
-Luz natural, se tenia en cuenta la habitabilidad de los lugares
-Uso de lo modulado, grilla que ordenaba el espacio
-Asimetria. Grilla asimétrica.
-Nueva belleza: Lo que todos podían tener, lo simple, industrializado.
-Uso de la fotografía (nuevo lenguaje objetivo)
-Buscan una tipografía universal
-Funcionalidad
-Racionalidad

PERSONAJES:

Gropius: crea el edificios de calzado, sumamente moderno. Crea el programa de Bauhaus. Hecha con vidrio, hierro, nuevos
materiales. De manera funcional, entraba mucha luz.

Itten: Invento el curso “varkus”, el curso preliminar. Cntribuyeron Klee y KANDISKY, donde aprendían teoría del color, a manejar
los materiales, etc. (generación de un diseñador integral), como estaban en la depresión y no había dinero los hacían a los alumnos ir
a buscar lo que encontraban en la calle (mucha investigación de materialidad)

Moholy Nagy: Era un poliartista constructivista, reemplazo a Itten porque era muy experimental-expresionista pero no se
adaptaba a las nuevas tecnologías ni era del todo moderno.
En 1923 se hizo cargo del curso preliminar, elimina la misitica de Itten para reemplazarlo por la maquina. Incorporaba la tecnología
moderna.
-Era fundamental para el que los alumnos vayan al taller de fotografía, que experimenten, como habían hecho los constructivistas.
-Crea el fotograma, una especie de fotografía sin cámara en la que objetos opacos como transparentes se colocan sobre papel
sensible que se exponen después a la luz. En 1923 se hace cargo del curso preliminar de Johannes Itten. Rechaza toda irracionalidad
y cambia el curso preliminar drásticamente. Introduce a los alumnos en las técnicas y materiales básicos y en su uso racional
-Funcionalidad, síntesis, comunicacion eficaz.
-Colagge
DEPARTAMENTO DE TIPOGRAFIA-NUEVA TIPOGRAFIA (MOHOLY NAGY)
-
-Eficacia de la comunicación, la tipografía debía ser clara, liberada de distracciones estéticas.
-La tipografía tenia que estar determinada por las necesidades de su contenido.
-Tipografia: LEGIBILIDAD Y CLARIDAD ABSOLUTA.
-Liberar a la tipografía de la subjetividad.
Tipofoto: Integracion con medios técnicos de la tipografía y la imagen tipográfica. En vez de usar la tipografía solo como una forma
objetiva, la incorpora creativamente al contenido (imagen de pneumatik)

DEPARTAMENTO DE FOTOGRAFIA MOHOLY NAGY :

-Tecnicas constructivistas.
-Nuevo leguaje: Fotografia

-TIPOFOTO: integracion de la fotografía en la imagen. Junto con las palabras y en lugar de ellas.

-Influencias de vanguardias dstijl (grilla ortogonal) constructivismo rojo

blanco negro.

-Experimentación en la fotografía, el dice “para el hombre moderno hay que

encontrar su técnica moderna” Usa la fotografia para hacer una deformación
de la tipografía (tipofoto)

Theo Van Doesburg: No formaba parte de la bauhaus pero enseñaba por fuera alos alumnos. Racionalidad, geometrixacion, tinta

Breuer: Crea silla de hierro y cuero, (funcional, económica, de fácil resolución) Con los nuevos materiales, simple, funcional, de
fácil construcción, que podía hacerse industrialmente. Menos es mas (menor material, menor precio etc)

Herbert Bayer: (Forma parte de la nueva tipografía)

-Protestaba contra la redundancia de las serif y las letras mayusculas, a favor de la eficacia de las minisculas y la economía de las
letras sin serif.
-Plabtea que los diseños de las tipos tradicionales no reflejan la modernidad. Crea una tipografía partiendo de la geometrización
(lenguaje modenro y universal) Las tipografias tradicionales estaban ligadas al método de producción antiguo, es decir con cincel, por
eso tenían las serif que era la marca de ese tipo de construcción tipográfica, había que crear una tipografía ue reflejara los métodos
de producción actual también.
-Se convirtió en el profesor del taller de tipografía y diseño gráfico, al cual introdujo notables innovaciones en el diseño tipográfico. -
Se encarga del taller de imprenta y publicidad entre otros temas. Cambia lo que en Weimar era un taller manual de litografías y
xilografías, en una empresa moderna con tipos móviles y formas mecánicas. Se utilizaban casi exclusivamente fundiciones sans-serif.
El período de Bayer en la Bauhaus se caracterizó por la composición dinámica con horizontales y verticales pronunciadas. Estructura
los requisitos de una nueva profesión: el Diseño Gráfico.
Influencia de Dstijl.

-Desarrollará la tipografía universal exclusivamente en caja baja por ser moderna (san serif. tipografía de este siglo) económica (san
serif), por fonética (cuando uno habla no hay diferencias entre mayúsculas y minúsculas) y basada en la geometría (lenguaje
moderno).

-San serif para mejor legibilidad.

-Racionalidad.
-Había que desligarse de todo aquello que sugiriera carácter manuscrito (como los finos y gruesos, las serif)
- Tipografía adaptable a la industria: mas fácil para escribir (ya que no tiene mayúsculas/minúsculas) mas rápido y por lo tanto mas
económico (porque sino tenían que tener dos cajas de tipos móviles una de mayúsculas y otra de minusculas)
-También experimento con el montaje en la fotografía.

Marianne Brandt: Estudiante, parte del taller de metales. Morfologia y simplificación de las formas.

Joseph Albers: Primer profesor formado en bauhaus. Obligaba a los alumnos a pensar racionalmente. Usan materiales modernos,
y usaban el papel para experimentar.

Klee. Profesor

KandiskyProfesor, Sus obras no tenían relación con la naturaleza, eran abstracciones. Propinia el uso de 3 formas elementales
(triangulo cuadrado y circulo)

Schlemmer: Entró en la Bauhaus de Weimar en 1920. Trabajó durante algún tiempo en el taller de escultura mural y, después, en
el de escultura. Su obra más famosa es «Triadisches Ballett» (1922), en el que los actores aparecen disfrazados de formas
geométricas. Tambien diseña el logo de bauhaus (con perfil griego)
Joost Schmidt 1923 primera expo al publico de lo que se hacia en Bauhaus.

 LEGADO DEL BAUHAUS AL DISEÑO:

-Funcionalidad sin perder la belleza.
-Diseñador Integral
-No ornamentación innecesaria (encarece al producto)
-Diseño en función de lo material.
-Menos es mas
-Uso de fotografía como herramienta de comunicación.
-Uso de tipos móviles
-Geometria como rectora de las formas y lenguaje universal.
-tipo de palo seco.
-Resolver una tipo universal
-Uso de los nuevos materiales
-Grilla asimétrica, modulado.
-Pensar de manera proyectual, a partir de lo material que se podía construir
-pedagogico: curso preliminar que integraba varios aspectos y talleres para que el diseñador sepa manejar las herramientas,

-Total racionalidad, geometría llevada al extremo,

simplificación,
-Se ven influenciados por Kandisky y las formas
primarias (triangulo, cuadrado y circul) y sus colores
primarios.

PORQUE NO FUE BIEN RECIBIDA BAUHAUS?

En un principio con Gropius Bauhaus era metro retrograda, todavía estaba medio aferrada alo artesanal, pero luego cambio y
empezó a hacer objetos puramente funcionales, geométricos, etc. Y se adelanto demasiado a la época y la gente no lo quería. Hubo
una escuela en Rusia (Vhkutemas) que no se hizo conocida (porque los yakis hicieron conocida bauhaus porque gropius fue a eeuu y
no les caia bien rusia) que si funciono. Porque? Porque trabajaba en conjunto con la industria, los industriales le pedían los objetos,
le decían “yo tengo esta maquinaria ahora haceme una pava” y se adaptaban a lo que el industrial y el mercado pedia, en cambio
bauhaus hacia un objeto y después quería salir a venderlo.
 DISEÑO GRAFICO DE ENTREGUERRAS-PERSUASIVA

CONTEXTO:
-Periodo al final de la primera guerra mundial
1914-La primera Guerra mundial se desata con el asesitato de Franz Ferdidand (hastrohungaro) en manos de un Servio.
-rusia se alia con servia (que ya esta aliado con Francia, gran Bretaña e Italia que estaba aliada con Alemania pero se vende a Rusia)
-Habia interés por los territorios, entonces estaban en contra de Alemania y el imperio astrohungaro.
1919termina la guerra con el tratado de versalles. Pierde Alemania, se disuelve el imperio astrohungaro.
-Luego de la primera guerra mundial, tu manera de ver al mundo dependía si eras el país ganador o el perdedor, en países como
Francia, eeuu o gran Bretaña había una euforia consumista, las personas habían pasado 5 años sin poder consumir y cuando temrino
la guerra estaban felicies, se enaltecio el sistema captalista, el cuidadano empieza aquerer vivir la vida, a querer salir, consumir,
divertirse, crece el espíritu de consumo. Casualmente en esta época se crean las luces de neon, la ciudad estaba iluminada de noche,
la gente tiene otra manera de moverse, se hacen muy conocidos los aperitivos y las actividades de ocio en general. Esto significa que
cobra fuerza el capitalismo.
Se suporpone con Bauhaus y varios movimientos.
-Los locos años 20euforia consumista la gente sale, consume.

ART DECO: Inicia en Francia en los años 20, y se expande al resto del mundo. Evoluciona del art noveau a este estilo mas
geométrico. No tiene un concepto como las vanguardias, es un estilo puramente decorativo.
Estilo característico de entreguerras, pero en simultaneo también hay varios movimientos. Es similar al Art Noveau pero este usa la
geométrizacion y la simetría, esta influenciado por las vanguardias. En el Art Noveau no presentaban el producto de manera
persuasiva en cambio en el art deco si. Descubirmiento de tutankamon absorben de esta cultura el monumentalismo y lo dorado.
No es vangaurdia, no hay un grupo que formo un manifiesto por ej.

GRAFICA PERSUASIVA:
En los países que había euforia por haber ganado la guerra y un espitiru consumista, la gente empieza aconsumir productos de 2 o
3 necesidad (viajes, ropa, autos etc) Y por eso empiezan a llamar a los diseñadores graficos, para que persuadan a la gente a
consumirlos.
Urgencia por comunicar, los tiempos modernos son rápidos, existe la velocidad (influencia del futurismo)
Jean Carlu: “no es suficiente con que el cartel se vea también tiene que ser recordado y memorizado. Su efecto óptico debe resultar
de una fusión entre visión y memoria”

OBEJTIVOS:
-comunicación rápida, urgente
-comunicación recordable
-diferenciacion de marcas entre si

COMO LOGRAN SUS OBJETIVOS?

-Uso de metáforas
-Uso de mascotas para que la gente se encariñe y recuerde la marca.
-Hacer que el usuario se identifique con el producto o que quiera tenerlo para forma parte de una elite o grupo.
-retorica.
-carteles llamativos, que se vean rápido, desde lejos
-cartees recordables (dubonet super recordable!) (sintéticos, de alto impacto, de comunicación instantánea)
-En el cartel mostrar: Marca
-Lograr que el usario se empatize y se identifique con la marca.
-Con el slogan, que resalta algúna particularidad de este producto.
-tipografia comprensible

INFLUENCIAS:
De las vangaurdias: Toman el lenguaje de las vanguardias pero dejan sus ideologías de lado. Geometrizacion, sitetizacion de las
formas.
Art noveau. Mucha
Surrealistas: Metraforas, rsignificacion, correr la línea del horizonte para mostrar lo mas significativo (barco)
Freud: Uno no se mueve solo por las necesidades sino también por el deseo. Apelan al deseo.
Bahrens Werkbund Antecedente de identidad corporativa
ANTECEDENTES
Bernhard ALEMANIA Era de la época que se daba en Alemania el “Afichismo”
Era un antecedente del arte persuasivo, mostraba el producto pero no de manera persuasiva. Era llamativo por color y forma, pero
no estaba apuntado a ningún consumidor en particular, no hacia que quisieras comprarlo, es mas una presentación del producto,
pero no tiene persuacion ) con ilustración, solo coloca el objeto y la marca (algo muy visto hoy en día pero en aquella época era muy
extremo) Manolo y Priester
Erdt Empieza a mostrar al usuario que usaría el auto “Opel” es un comienzo de la persuasión.

PERSONAJES PERSUASIVOS:
Paul Colin Ifluencia del futurismo en el cartel de peugeot. Uso del slogan para diferenciarse de la competencia (aceleración)

Chales Laupot Cubismo

Leonetto Cappielo Uso de mascotas

Austin Cooper- Concepto de campaña publicitaria, en Inglaterra, el estado quería organizar la ciudad y hacia publicidades para
generar el uso del subte.
Cassandre FRANCIA. El cartel tiene que comunicar, ya no tiene que ser solo lindo, tiene que ser efectivo, inmediato (tiempos
modernos rapidos) sintetico, ya no basta solo con la belleza, ni mostrar solo el objeto sino que hay que persuadir.
Muchos de sus carteles (bajo influencia de los futuristas por ej) están armados con una tipo palo seco, de gran legibilidad, simple,
mayúscula para mejor legibilidad (en contraposición a bauhaus y tchihold) le da entidad plástica a la tipografía (como los cubistas,
futuristas y dadaístas)
Se corre la línea del Horizonte para enfatizar lo que se quería mostrar.
Perfil Griego elitismo
Dubonnet Secuencia, muy pregnante. Cubismo. /dubo: lo bello + dubon: lo bueno = dubonnet/
-->incorpora el lenguaje de vanguardias (dinamismo futurista, síntesis cubista con figuras geométricas puras (como el afiche del barco)
,el monumentalismo y perspectivas exageradas (para reslatar tamaño de transatatlanticos) figuras retóricas del surrealismo: con
perspectivas cambiadas usando tipos de fantasía creados especialmente (bifur, que recuerda los a los carteles que se encienden y
apagan), apelando a los deseos de consumir, vendiendo a través del lujo y el placer.
Utilizan como arma persuasiiva: las figuras retóricas (metáforas, metonimia, etc
L´intransigent: perfil griego, no es un diario para todos (al igual que dubonet) Corta la palabra y aun asi sabia q era reonocible
En el afiche del tren: no muestra el tren, sino lo que podes consumir, a travez del deseo, eso es grafica persuasiva
Separa al artista del comunicador, partiendo de la base que el cartel, no debe ser firmado.

Edward Mcnight INGLATERRA. Influencia de cassandre. Plasta el lengauje de las vanguadias (mas que nada el cubismo) En Inglaterra
hay mucha campaña publicidad del estado para organizar el uso de la ciudad.
 DISEÑADORES HOLANDESES INDEPENDIENTES:

Busqueda de la universalidad (que todos puedan alcanzar a tener lo mismo) y esperanzas en la tecnología (racionalidad utopia)
No trabajan con lo persuasivo.
Tambien son publicitarios, pero de una manera mas fría y racional.
Comunicación eficaz, buena legibilidad, claridad.

INFLUENCIAS DE VANGUARDIAS
Se quedan con el lado formas de las vanguardias. Se aleja del Art Deco acercándose a un pensamiento racionalista.
En contraste con el Art Deco.
Dstijl La mayor influenciA, pero se despojan de la carga simpolica quedándose con el grado de síntesis y geometría la estructura,
búsqueda del equilibrio a travez de la asimetría, jerarquización de la lectura, colores primarios
Dada toman las micelaneas, la jerarquizacin en el texto, con recorridos alternativos, las diagonales, imágenes dinamicas
Constructivismo: toman el uso de las formas puras, sino el fuerte uso de la fotografía, a diferencia de el art deco que era casi todo
ilustración, tipografias de palo seco.
Uso del blanco activo.

PERSONAJES
Paul Schuittema
-Influenciado por las vanguardias! Constructivistas y neoplasticistas
- Para las balanzas Berkel, tiene un enguaje más dadaísta, constructivista .
-Dice que los diseños tienen que ser concisos y llamativos. -Plantea es uso de colores primarios
-Uso de tipi san serif
-Fotomontaje
-sin ornamentación
-En el transcurso de su trabajo para Berkel abrió nuevas perspectivas en la tipografía publicitaria. Utilizaba mucho la sobreimpresión
y organizaba su espacio con movimientos horizontales, verticales y diagonales rigurosos. La fotografía objetiva se integraba con la
tipografía como parte de una estructura total.

ZWART:
-Queria liberar al lector de la estructura cerrada de la tipografía, generando textos dinamicos
-Se vale de las vanguardias.
-Uso de la san serif y fotografía (contructivista)
-Diseñador integral.
-Uso de micelaneas y diagonales del Dadaismo
-importante: uso de la jerarquización, mostrar al lector que era mas importante.
-funcionalidad
Uso del blnco como elemento activo de la pagina, las transparencias (neoplasticismo), las diagonales(dadaísmo) asimetría
(neoplasticismo)
Catalogo NKF Ifluencia del constructivismo (superposición de tintas, geometría, blanco como protagonista, comunicación eficaz,
san serif) y dada.
- Con fuerte influencia del constructivismo, dadaísmo y neoplasticismo, incorpora un lenguaje novedoso, con collage, aplicando
transparencias, macro y micro fotografía, geometría ordenadora del plano.
Catalogo para imprenta: Influencias del neoplasticismo: Jeraruizar lectura, orden de la pagina, colores primarios,
 Plantea que las letras no tienen que estar ornamentadas.
no tiene que haber rastros de los historicismos
Werkmann
-es absolutamente artista, utiliza la tipografía como forma, usa prensa como forma de impresión par a su revista “the next call”
incorporando texturas y haciendo que no hubieran 2 ejemplares iguales.
-Utiliza los lenguajes de la modernidad, como la geometría, el uso del blanco, pero sin usar la tecnología (es un hibrido, un caso
particular)
 NUEVA TIPOGRAFIA (PTO. MODERNO)

Que es la nueva tipografía?

Contexto: hay mayor demanda de cultura, porque hay mayor acceso de gente a la escritura a los libros.
-El temrino Nueva tipografía abarca las actividades de algunos de los graficos mas jóvenes que trabajan en Alemania, La unión Sovietica,
Holanda, Checoslovaquia suiza y Hungria.
-La meta de la nueva tipografía es una presentación objetiva e impersonal, desprovista de individualidad. Tiene el deber de ser objetiva.
-El fin ultimo de esta es la legibilidad y que sea decifrable de manera veloz (tiempos modernos), las marcas de subjetividad, como
nuestro gusto personal nones importante para el publico.
-El mensaje tiene que ser claro, objetivo y corto.
-Siempre es posible destacar la onfo mas importante dejando a su aldededor tanto espacio como sea posible o bien recalcando algunas
líneas, es necesario el uso de espacios en blanco para generar contrastes. No es necesaria la utilización de micelaneas innecesarias,
mientars el texto este distribuido de manera efectiva y si están mal usados dificultan la legibilidad que es uno de los objetivos de la
nueva tipografía.
La nueva tipografía plantea:
- el uso de las tecnologías modernas, es decir la fotografía (en vez de ilustraciones) la estandarización, la impresiona a maquina, los
tipos de fundición, el papel hecho en maquina
-El uso del color como elemento funcional y no puramente decorativo.
-La fotografía como algo real, ya que las ilustraciones no son tan reales, no convencen tanto y en segunda insntancia el montaje o la
tipofoto.
-Rechazo a la ornamentación innecesaria.
-Escoger una tipografía legible, efectiva, geométrica, hacer jerarquias.
-Ver que requisitos tiene cada pieza que tengo que hacer, por ej un afiche va a necesitar otro tipo de elementos (como tipografía
legible y grande) a comparación de un libro de poesía.

LISSITSKY (formaba parte del comunismo)

-Fue uno de los colaboradores mas destacados del movimiento de la nueva tipografía.
-En esta época hay un cambio en la forma de pensar el libro, por lo tanto hay que dar lugar a las nuevas configuraciones, hay un nuevo
lector. Cmbia El aspecto visual del libro. Hay una necesidad de velocidad (tiempo moderno) el libro tiene que ser funcional a su objetivo
especifico.
explora los valores plásticos de las letras.
-Trabaja para la grafica comunista: Educar a los ciudadanos ya que muchos eran analfabetos por diseañan carteles con mucha
legibilidad, que empleaban la fotografía como lenguaje moderno.

Tratamiento de la tipografía según Lisistski_TOPOGRAFIA DE LA TIPOGRAFIA:

-Las palabras impresas no son percibidas por el oído sino la vista.
-Economia de la expresión (óptica sobre fonética) uso del blanco activo
-Estructurar el espacio del libro, debe responder a impulsos y tensiones del contenido.
-Continuidad de las páginas.
-El nuevo libre exige un nuevo escritor, murieron la pluma y el tintero.

-Propone un cartel que ayuda a la legibilidad

-Semantizacion
-Dice que lo mejor es la tipo de palo seco mayúscula (porque hay analfabetismo en Rusia, porque son mas fáciles de ser reconocidas
que las minúsculas)
-Pelikan La fotografía es el alma de la representación ya no tiene sentido dibujar, es el arte de la época, Usa una fotografía como
hacia moholy Nagy, no utiliza cámara fotográfica sino a través de papel sensible,

TSCHICHOLD ALEMANIA
-Trabajador de la imprenta, toma contacto con el bauhaus (ve a expo de 1923) ve el cartel de schmidt y se cartea con El lissitzky y
ahí escribe el libro. Ya tenia todo un bagaje de bauhaus y vangaurdias.
-Escribe el libro “La nueva tipografía”
-Tchichold dice que los imprenteros eran viejos y no estaban adaptados a las nuevas tecnologías, a la nueva manera de ver el mundo,
el nuevo lenguaje. Entonces escribe en una revista para imprentas el “tratado de la nueva tipografía” traduce este nuevo código a un
lenguaje accesible para los imprenteros, hacer orden en el caos de impresión que había en esa época, para simplificar las treas y dar
orden y estructura.

 LA NUEVA TIPOGRAFÍA:
La “nueva tipografía” publicado en 1928 se manifiesta como evolución lógica de las ideas racionalistas de la tipografía bauhasiana y
toma sus raíces en el Futurismo y el Dadaismo, (revista merz).Constructivismo
Tchichold no hizo otra cosa que especificar alunas ideas que ya adelantaron otros como Moholy Nagy o Bayer en su búsqueda de
tipografía elemental.
Tchicold pretendía crear con este libro una serie de normas y reglas con el fin de desligar la mano del tipógrafo en la composición de
la obra tipográfica.
La escencia de la Nueva Tipografia es la claridad
En pos de la legibilidad, funcionalidad, universalidad e industria.

La idea es quesea universal, para que todos puedan acceder y leerla bien. La idea es que ete libro sea dejado en las imprentas y
que se estandarize la producción de libros.
Este catálogo resume las ideas de vanguardia a cerca de la construcción de un lenguaje universal del proyecto moderno (el
proyecto moderno buscaba la universalidad, la racionalidad, valerse de las máquinas y adecuarse a los tiempos que corrian, la
funcionalidad)
-tipografia objetiva sin marcas de manuscritos ni subjetividad, impersonal, no individual, que denote universalidad.
-no usar ornamentos
-uso de la fotografía (reemplazo de la ilustración) o montaje (tipo foto de moholy)
Representa el proyecto moderno por eso mismo: Quiere lograr una universalidad, proponiendo una tipografía no individualista, que
sea de fácil letura para todos, valiéndose de las tecnologías, que sea objetiva, racional.
-La forma sigue a la función! Hay que evaluar lo que uno quiere comunicar y ver lo urgente.

Armar normas para mandar al imprentero y estandariar el armado de libros.

Propone entre otras cosas: tipificar las medidas de papel (propone las formas DIN) Sino en cada imprenta tenían diferentes hojas.
 uso de tipografía san serif (a cada tiempos su arte), por ser de su época y económicas.
Uso de variables y tamaños para generar niveles de lectura. Mostrar lo inmediato.
Propone mayúscula para afiches y titulares, minúscula para texto corrido (la gramática alemana obliga a sura mayúsculas en cada
sustantivo, lo cual encarece el armado de cajas y más uso de papel),
Asimetria como elemento fundamental del diseño funcional para generar dinamismo
Tipografia geométrica.
el blanco de papel activo no como mero soporte, y para dar descanso
 grillas desflecadas a la derecha y asimétricas,
uso de geometría (barras o círculos) como orientadores de texto y del espacio, pero no de manera ornamental, sino justificado
Uso de la fotografía y no ilustración.
Se “permite” el uso de las serifas siemrpe que con su uso se cree en la pagina un contraste, se pueden usar a modo de broma.
uso del interlineado
sacar el punto de los títulos, quitaban tiempo, no eran necesarios.
simetria entre las dos paginas una continuidad

Tchichold en sus años mas de vejo lo llaman de penguin y ahora que esta mas maduro deja de ser tan dogmatico, y pone tiporafias
antiguas que dan una sematizacion a la palabra. La tipografía también expresa, no podes poner tipografía palo seco para un libro de
shakepear. Tchichold hace un manual de uso corporativo para penguin books, especificando TODO.
Tchicold también trabaja en grafica de cine, usa la fotografía, el uso de los blancos etc.
Tchichold crea savon, homenajeando a la garamond.

NACIONALISMO
Paul Renner
Influenciado por Tchichold, desarrollará la tipografía futura que luego usarán los nazis por ser alemana y nacional, (nacionalismo,
reforzar a travez de la grafica a que pertenece) lo cual dará un puntapié en la carrera de tipografías modernas, basadas en las
antiguas pero adaptadas al tiempo moderno: san serif, geométricas, económicas…
Esta preocupado por la perdida de lo nacional, Entonces une lo nacional y universal, con la futura (palo seco, basada en le geometría)
Manda un afiche a la bienal y lo encarcelan, después va a Italia porque les gustaba la futura, y consideran que esta tipografía era
poderosa, nacional. Empiezan a utilizar la tipografía en los carteles del nazismo, un lenguaje nacional interno tradicionalista ilustrado,
con tipografía gotica, etc. Pero para afuera usaban la futura, para mostrarse modernos, la fotografía, etc.

Inglaterra, Stanley Morrison y Gill.

Morrison desarrollará la Times new roman, que si bien no era san serif, estaba bien porque era muy legible y Gill la Gil san Serif,
también reformula tipografias nacionales.

el Suiza, Fruttiger

desarrollará la Univers, la frutiiger y la ondine

Miedinger Suiza
en el mismo país hará la New haas grotesk que luego rebautizará helvética por problemas de nacionalismo, (naconalismo swizo, es la
tipografía por excelencia suiza)

En ulm, para hacer loftansa modifican la helvética para hacerla menos suiza. (nacionalismo)
 ESTILO TIPOGRAFICO INTERNACIONAL- DISEÑO SUIZO
(1928 aprox)

Contexto: Segunda Guerra Mundial:

1939 - 1945
Colapso de la Alemania nazi
Caída de los Imperios japonés e italiano
Creación de las Naciones Unidas
Emergencia de los Estados Unidos y la Unión Soviética como superpotencias
Comienzo de la Guerra Fría

-Se llama diseño internacional, pero en un ppcio se llamaba diseño suizo. Buscando cada país lograr imponer en el resto un estilo
moderno, utópico, para todos pero de claro corte nacional.
-Despues de Segunda Guerra Mundial
-La situación neutral de Suiza en el terreno político y bélico hizo que prontamente florecieran empresas sobre todo dedicadas a la
medicina (laboratorios) y además se propiciara el campo de la comunicación gráfica.
-Muchos diseñadores se fueron a suiza por la guerra, era un buen lugar que les daba acogida y refugio. Era neutral a la guerra.
- Suiza está dividida en 4 cantones que hablan diferente idioma cada uno: Alemán, francés, italiano y el retrorrománico (típico de
suiza). Por lo que la comunicación visual es un tema preocupante debiéndose buscar soluciones visuales de rápido entendimiento,
por lo que las ideas del proyecto moderno (razón- tecnología- lenguaje universal) encontrarán aquí un fuerte respaldo
gubernamental permitiendo su pronta expansión en el mercado. Necesita buscar un lenguaje que supere la barrera del idioma
(universal) mas que ningún otro país. Este tipo de lenguaje por ser universal, y entendido por todos, desde su fotografía, el uso de la
tipo san serif palo seco, es aplicado en todos el resto de los países.
-Bajo el lema constructivista “el arte debe configurar y organizar la vida cotidiana no decorarla” un grupo de artistas en suiza crean
un rpoyecto sistematico y obejtivo, con compromiso ético en búsqueda de soluciones integrales y universales (pto moderno)
La idea de concebir realizar y difundir un mensaje estético, que pudiera cambiar la sociedad, modificando su entorno(utopia) (a
travez de la universalidad) también la adoptan los diseñadores suizos al igul que los artistas del arte concreto. Se interesan por las
cosas de la vida cotidiana, que lo bello es lo funcional. Asi con objetos (bellos) funcionales y de fácil adquisición para todos
planeaban modificar el entorno del humano para que este pueda vivir mejor. (max bill)
DOS ESCUELAS EN SUIZA: BASILEA Y ZURICH

Influencias:
Constructivistas: Color, Geometria ordenadora del espacio
Bauhaus (A través de Max Bill, que era ex alumno de Bauhaus) Geometria, simplificación de las formas, tipografias modernas,
fotografía como lenguaje modenro. En estas modernas también se aplico como en bauhaus el modelo pedagógico proyectual de
torico-practico. Pensar al diseñador con diseñador integral, uso de las nuevas tecnologías.
Neoplasticistas: Grilla ortogonal, asimetría, colores transparencias
Tchichold: Que fue encarcelado en Alemania, y cuando lo liberan tiene que irse del país y se va a Suiza, Basilea. Asume como
profesor en la escuela de Bailea. (Grilla, pesos asimétricos, tipo san serif, uso de fotografía, normalización de los formatos,
elminacion de mayosculas, blanco activo Universalidad, blanco rojo y negro, síntesis de información y elementos (que sirva para
todos, en cualquier contexto) Hace el afiche para la expo constructivista, ya estando en Basilea, usa el minusculismo (influencias del
bauhaus) blanco activo, síntesis, menos es mas,
Objetivos:
 Busqueda de claridad y eficiencia.
Textos fáciles de leer, lectura placida.
Busqueda de lo impersonal y universal, no buscan un leguaje “personal”, por eso no usan tipo a mano y desechan todo lo que
tenga vestigios de esta misma.
Comunicación objetiva y documental.
Como lo lograban:
-Uso de la Grilla
-Uso del blanco, el espacio no impreso también es importante.
- El uso del color es predominantemente negro trabajando generalmente con el duotono, de preferencia rojo, tal como su bandera
-Diseño “global”aplicar sistemáticamente las mismas reglas a todo el proyecto (por ej a un catalogo, que todas sus paginas sigan
las mismas reglas)
-Formas a maneras de ilustración geométricas
- Una grilla en principio ortogonal pero que permite –tal como el constructivismo-el uso de la diagonal como forma de generar
movimiento
-Fotografia Objetiva no está siendo usado el ´termino de forma habitual. Lo objetivo no es ni el punto de vista ni la composición
sino el mensaje que se da a través de la manipulación fotográfica. Transmitir un único mensaje, que se entienda, que sea único, de
manera eficaz, rápida.. (proyecto moderno). Esto se puede ver en la imágenes para control de transito de Brockman.

FOTOGRAFO HERBERT MATTER

fotografia objetiva: enternder el mensaje,
Era un mensaje persuasivo, tenia un mensaje “lo bueno de venir a los alpes”
uso de palo seco, diagonales (influencia constructivista, fotografía, mayúsculas diagonales ..)

ESCUELA BASILEA:
Theo Ballmer
-Formo parte de Bauhaus
-Su estilo remite mucho a la escuela Bauhaus, con fuerte influencia neoplasticista y constructivista. Por las grillas, lleno y vacio,
austeridad, blanco negro y rojo, geometría,
-Sus puestas en página revelan el conocimiento de la nueva tipografía y la técnica de impresión.
-En su gráfica puede observarse el uso de las tipografías pensadas más desde la forma (geometría) que desde la legibilidad, el
ordenamiento ortogonal y el uso de la geometría como ilustración.
Los diferentes niveles de lectura, grandes y pequeñas escalas,
Emil Ruder
-Escribe “Typographie” un manual de diseño que demostraba la aplicación sistematica de tipo e imagen basado en una grilla y la tipo
san serif, con niveles de lectura, para que la comunicación sea clara y eficaz
-será quien, desde la escuela de Basilea propondrá las bases del diseño suizo que luego se llamará “internacional”.
-Ruder, un poco más dogmático que Tschichold, entiende al diseño desde un concepto más científico matemático por lo que busca
la mejor solución al problema basándose en grillas exactas, matemáticas y un ajustado uso tipográfico San serif. Hbala de los
espacios no impresos, planteando que tienen mucho peso y ayudana la legibilidad. Que tiene que existir un correcto inerlineado e
interletrado,. Un diseño global de un libro-folleto o cualquier elemento con varias paginas, (siguiendo lo que decía William Morris en
el “libro ideal”) Tiene que exitir una grilla. Este diseño es para standarizar la produccin, se repite indefinidamente y por eso es
universal e impersonal (modernidad) para evitar la expresión personal y subjetividad. La comunicación debe ser objetiva y
documental. Es decir que plantea que los problemas de comunicación pueden ser resueltos desde el diseño bajo normas racionales
(PROYECTO MODERNO)
-Su uso de color es escueto, significativamente reducido casi siempre a un blanco de fondo predominante, tipografías de fuere
impronta visual y negras e imágenes cambiadas de escala, casi planas y a un color como mucho.
-INFLUENCIAS: la grilla ortogonal del neoplasticismo, el uso fotográfico manipulado de bauhaus (y a través de Nagy, el
constructivismo) y las lecciones de la Nueva tipografía de Tschichold.

Armin Hofman:
-Escribe Manual de tipografía.
-Propone el uso de fotografia, manipulada casi artística (consructivistas) pero con alto impacto visual y eficaz.
-Color monocromo que reduce el costo de impresión y armado, logrando gran impacto visual a través de la imagen.
- búsqueda de equilibrios tanto sea por la disposición rigurosa en el plano como por el equilibrio entre masas de color, fondo y figura,
-la consabida regla de “menos es más” heredada a través de tschichold y bauhaus, de Adolf Loos (quien escribe “ornamento y
crimen” a principios de siglo, texto inspirador del werkbund).
- Al igual que Ruder conciben al diseño como un producto racional y lógico al que se puede sistematizar a través de reglas y grillas.
(esto ayudo al proyecto moderno pero lugo se volvió predeible y perdió fuerza)
Wolfgang Weingart
-Cansado de las normas, reglas y dogmas, inicia un periodo de experimentación tipográfica donde la legibilidad es casi imperceptible,
obligando al lector a reconstruirla.
-Si bien sigue usando escaso color y predominan en él los juegos visuales equilibrados de masa y fondo, un poco más al estilo
futurista, rompe la legibilidad usándola más como forma y mancha que como comunicación.
-Predomina fuertemente el uso tipográfico experimental por sobre la imagen fotográfica, prácticamente inexistente en sus obras.
Una observación más profunda también nos revela una impronta dadaísta.

ESCUELA ZURICH:
-Este estilo será adoptado por otros países sobre todo para la comunicación donde lo internacional sea la norma EJ: aeropuertos,
catálogos de exportación, etc, debido a su gran capacidad de ordenamiento visual y la increíble legibilidad de la tipografía.
-Escuela de Artes y oficios pensada en el objetivo de preparar diseñadores y artistas para poder dar solución a los típicos problemas
que trae aparejados la modernidad: lo artesanal y artístico enfrentado a lo industrial y tecnológico.
-Las influencias de Tschichold y sus escritos y la promulgación de las ideología del arte concreto por parte de Max Bill llegaron a la
escuela de Zurich junto con los textos y enseñanzas de Ruder y Hofman, marcando en esta escuela, la línea de pensamiento gráfico,
desarrollando este estilo inicial en un estilo maduro, rígido y reconocido en todo el mundo. Esta escuela es la que más hizo por dar a
conocer el estilo Suizo, y por llamarlo Internacional.

Max Miedinger
- trabaja para la fundidora Hass de tipos, diseñando la “Neue Hass Grotesk” basada en plantillas tipográficas típicas de Suiza, en un
claro gesto nacionalista que convive con lo internacional y las fuertes ideas de Paul Renner y la futura alemana.
-En los años ´50, Stempel, fundidora alemana, compra la Hass suiza y él es el encargado de rediseñar el tipo más vendido que era la
“neue has grotesk” la cual renombra como helvética, siendo su tipo más famoso. (obsérvese que “Helvetic” es el antiguo nombre de
Suiza, dando así un fuerte mensaje nacionalista).

Adrián Frutiger
-Crea la Frutiger y la Univers (nombre parecido a la universal de Bayer pero sin tantos problemas de legibilidad).
-En 1976 para señalizar el aeropuerto de Francia, crea la tipografía que lleva su nombre.
Frutiger fue uno de los primero diseñadores en utilizar maro y micro fotografía para poder resolver con tecnología, los problemas de
distorsión tipográfica al agrandarse/reducirse los tamaños de las letras.
Richard Paul Lohse Era artista y tenia mucho conocimiento del color . Clara influencia del neoplasticismo, del constructivismo y
neoplasticismo, con el color resalta lo importante del producto. Diseño pensado como sistema. Uso de grilla, transparencias,
entintados, fotografía. Revisa donde expresa opiniones de como erara el diseño etc.

Josef Müller Brockmann

-Crea la revista Neue Grafik (junto a lohse y vivarelli). Esta revista estará escrita en 3 idiomas, con tipografía helvética y servirá de
plataforma publicitaria para este estilo llamado internacional. Emplea fotografía manipulada, collage, con fuertes grillas matemáticas
que ordenan el espacio de forma clara y eficaz.
-Entre sus obras se destaca el libro “sistema de retículas”.
-Realiza las campañas para la contaminación visual, sonora, para via publica. Lo piensa como sistema.
-Uso de fotografia objetiva: la fotografia en si no es objetiva, pero a lo que se refiere con objetiva es que puede ser comprendido el
mensaje que quiere q se lea, que sea un mensaje universal (modernidad)
-Regido por la geometría,
Max Bill
-Fue alumno del bauhaus sobre todo en Dessau.
-Luego estudia en la escuela de artes y oficios de zurich .
-Influencia de Tschichold , Bauhaus y Neoplasticismo
-Fiel a sus aprendizajes integrales en el Bauhaus, es artista, diseñador gráfico e industrial, caracterizado su estilo la fuerte influencia
neoplasticista. Tomó contacto con esta vanguardia a través de Van doesburg con quien al cabo de un tiempo crearon el Arte
concreto. Con el tiempo, terminará volviendo a Alemania a colaborar en la fundación de la escuela ULM, de la cual será su primer
director.
-Lenguaje abstracto, austero,

ARTE CONCRETO SUIZO:

-movimiento artistico
-Arte de inspiración matemática, y científico, arte sistematico justificado y controlable.
-ARTE NO FIGURATIVO!
-Arte con proceso proyectual, matemático científico y reflexivo.
En 1930, Teo Van doesbrug escribe el manifiesto del arte concreto. El otro integrante, Max Bill, es quien lo llevará a Suiza, generando
un estilo pictórico que marcará tendencia en los próximos casi 40 años.
-reducir lo arbitriario y la creación artística.
-La idea del arte concreto es entender al arte geométrico CONCRETAMENTE como arte, sin ningún tipo de simbología mística ni
esotérica. Es simplemente geometría, en un adecuado y armónico uso de color, pero que simplemente cumple con la función de ser
pintura, respetando con su lenguaje, la bidimensionalidad del cuadro.
-Usan una reticula, en grl ortogonal, colores planos, se basan en las leyes matemáticas, bajo desiciones 100% racionales.reducir lo
arbitrario y la fantasia de la creación artística.
-A diferencia de malevich(suprematismo) con su simbología de los cuadrados blancos o negros, o kandisky (expresionismo) o el
neoplasticismo, no tiene simbolismo.

Influencias de el neoplasicismo (dstijl) constructivistas, kandisky (pero le sacan todo lo simbolico)

-Querian un arte racional, un arte para la sociedad, porque cambiando su entorno podían cambiar la sociedad, tenían un
compromiso social en ese sentido. Un arte para todos, formas qe sean comprendidas por todos (lenguaje universal, utopico)
-buscaban un anitiindividualidad, un lenguaje universal, eliminan la expresión individual.

Uno se sus artistas fue Rihard Paul Lohse: que basa sus cuadros en una sistematiacion, modulos, geometrías,
Este tipo de arte derivará en el Arte Concreto Invención (ver argentina)
 ITALIA:
Contexto:
-En 1909 en Italia, se daba el futurismo (Se proclama abolir con el pasado, abrazar a la revolución industrial, cambiar lo que se
entiende por bello, usar las tipografías como forma, semantizar las palabras para generar emoción, el uso de diagonales y espirales
para generar movimiento, simpatizan con las ideas de Einstein y el poder viajar más rápido que la luz, pues ven el a velocidad, la
belleza extrema. Usan a Darwin como argumento bélico y nacionalista lo cual los llevará a apoyar al fascismo de Mussolini.)
-Leyes proteccionistas de Mussolini hace que todo se tenga que producir en Italia, y por eso crece mucho. Permitan a extranjeros ir a
trabajar ahí.
Fortunato Deppero dice que hay que hacer graficas mas publciitarias, los industriales necesitan imagen de producto.

Tiene un estilo ecléctico donde la impronta del futurismo se deja ver en sus colores brillantes, el uso de fuertes diagonales, y mucho
desenfado a la hora de ilustrar.
De la gráfica suiza heredará el uso ordenado de la comunicación y de cierta grilla (usada con mayor libertad) y una fotografía
manipulada que si bien no será del tipo tan objetiva como la suiza, encontrará aquí una nueva forma de mostrarse, tal como el afiche
de MONZA, para las carreras realizado por Max Huber donde parece convivir tanto el estilo suizo con el futurismo (nótese el
refuerzo de la bandera de Italia, a través del color, recurso previamente usado por Renner en sus afiches alemanes).

ESTUDIO BOGGERI (nace en 1933)

-Formado por Antonio Bogeri (alemán)
-Contrata diseñadores italiano y suizos.
-Inlfuencia del futurismo (por la semantizacion), las diagonales, del neoplasticismo: Uso de los pesos, de la grilla ortogonal, De la
gráfica suiza heredará el uso ordenado de la comunicación y de cierta grilla (usada con mayor libertad) y una fotografía manipulada
que si bien no será del tipo tan objetiva como la suiza, encontrará aquí una nueva forma de mostrarse
-Asocian el producto a un concepto (semantizan)
-+ racional y no tan artístico (muchos diseñadores eran suizos)
-Importante: aparece el rol del director de arte, que maneja la cuenta pero que la imagen la forman en un equipo multidiciplinario.
-Prima la legibilidad pero de manera dinámica.

PERSONAJES DEL ESTUDIO BOGGERI:

Max Hubber:
-Afiche Monza: donde parece convivir tanto el estilo suizo con el futurismo (bandera de Italia, a través del color, época donde todos
los países bscaban afianzar su nacionalismo e imponerlo a otros países.
-Uso de los entintados.
-En el cartl de 500miglia di monza, se nota la clara influencia de los carteles de Moholy Nagy, de experimentación con la tipografía y
la fotografía, se parece al cartel de moholy.
Color superposision, dinamismo, influencia de fotografía futurista (movimiento) diagonales, diseño suizo, se parece al de Lohse.
Tipofoto.

Xschawinsky
- (Alemán, ex bauhaus, llega en 1933 a Milan incorporándolo al estudio Boggeri ) mostrará su adaptación al concepto moderno de la
fotografía manipulada y retocada en esta pieza para Olivetti, en donde resalta la usuaria típica de la máquina de escribir (la
secretaria, nuevo rol femenino de aquella época), en donde se destaca la asociación del color de la máquina y e l rouge de sus labios.
Destinado a la secretaria.
Hay un deliberado interés en mostrar al objeto asociado al destinatario, y el uso del fotomontaje ideológico de apoyo al gobierno de
Mussolini en donde la masa del pueblo forma el cuerpo del fascista dictador y la arquitectura recortada en la palabra SI.
Bruno Munari

 Franco Grignani,
artista de fuerte nfluencia futurista y constructivista, además de pintor fue diseñador en el Studio Boggeri.
- trabaja con las leyes de la gestalt y la ercepción óptica. dentro de sus obras más conocidas está eldisñeo de la marca "pura lana”
-

Marcelo Nizzoli:
estudió en la academia de Artes, y tuvo influencias tanto del Bauhaus como del Art decó y del futurismo. Trabajó para Olivetti
durante mucho tiempo y es el autor de la máquina de escribir Lettera 22 (portátil, toda una novedad en aquella época) para la
empresa.
Realiza diseños graficos, industrailes y aquitectónicos.
en 1956 realiza la marca de Olivetti.
Aldo calabresi
- gráfica de Pirelli.
Usa tanto recursos plástico-artísticos como fotografía manipulada.
-en sus gráficas reina más EL orden suizo que el movimiento futurista. en general, el color es escaso ens us obras, siendo a uno o dos
colorres nada más, recurso más típico de Suiza que de Italia. lo mismo puede observarse en la grilla ordenada que utiliza

Armando testa
-Sintesis, grafica de periodo de entreguerras,

FUERA DEL ESTUIO BOGGERI

Giobanni Pintori:
lo contrara Olivveti y toma deciciones estéticas de toda la fabrica
-Grafica para maquina de escribir
-Usaba forma geométrica.
-Influecias neoplasticistas (supersposicion de tintas planas)
Bob norda
tiene fuerte influencia del bauhaus y de la escuela suiza y del futurismo italiano. Uso de a fotografía.

UNIMARK. 1965 PLATAFORMA DE DISEÑO INTERNACIONAL

-Creado por Bob Noorda
--Participaba Massimo Vignelli
-Era un equipo de trabajo formado po sociólogos, diseadores, publicistas (el diseñador ya no hace TODO) Estudio del mercado es tan
importante como tener un buen diseño. El diseño por si solo no asegura las ventas hay que encontrar como diferenciar la marca
porque hay muchas iguales. El diseño de los no lugares (la calle los aeropertos, subtes etc)
 ULM: (1953)

-Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela, en Alemania en
una zna febril. Luego de la segunda guerra mundial que perdió Alemania.
-Lenguaje del proyecto modenro: Universalidad, racionalidad. Etc
-No es que agregan nuevos conceptos sino que es el momento culmine de la modernidad, la concreción de los ideales y planteos de
la modernidad.

-Es una continuación de la bauhaus, en cuando a talleres por ej. (MAX BILL el fue alumno) pero clara diferencia es que le agrega lo
“proyectual”, el analisis previo que hay que hacer para crear un objeto (cientifico, matematico, ergonometrico etc) Toman lo
pedagocio de bauhaus, como el implemento de un curso introductorio.
-Conexto: proyecto moderno (con la ulm fue su pico máximo)
-Planteo de ue lo geometrico/matematico es mas recordable.

-Buscan unir el diseño y la ciencia, para conocer asu usuario, la antomia, la ergonometria, el diseño se adapta al usuario. Hay una
comprension cientifica proyectual. El diseño es un proceso que conlleva un analisis, en contraposicion a la idea de que el diseño es
algo espontaneo, un acto creativo. -Diseño (deciciones previas proyectuales) y ciencia (la razón, concepto moderno, búsqueda de
leyes que rigen la forma)

-Buscan ver como estos objetos influían en la vida de las personas.

(metodologia de diseño proyectual) igual a lo que se usa en Fadu: 1) el profesor pauta la tarea, los terinos y tiempos. 2) los
estudiantes planifican y se organizan 3) se investiga el consumidor 4) se hacen investigaciones cientificas comoergonometria etc 4) se
desarrolla el producto 5)se elige la decisión mas aprpopiada se realiza 6) se documenta y justifica el proyecto.

-El vidrio deja de ser solo para las ventanas, hace estudioa de los materiales q van a usar. (estudios de las materialidades)
-Responsabilidad critica: Poner en juego siemrpe lo que se creo y ver si se puede mejorar. (no es comoen el styling que le cambian
una pavada estetica y lo vuelven a a vender, sino que lo modifican en cuanto a su funcion, lo actualizan a las nuevas tecnologias)
-Tienen e profesores a diseñadores itegrales (a diferencia q en bauhaus qe tenian artistas)
-buscan transformar la vida cotidiana (utopicos, proyecto moderno) Se involucran con la vida cotidiana, crean objetos para esta, la
anlizan, ven que es lo que hay que hacer para modificala (ejemplo de los platos de luftansa apliables, que era muy dificil de
guardaros entonces los hacen aplilables y ergonomicas, para que no cuando viaj pueda agarraas bien (analizan desde la racionalidad
como hacerlas)
-Desarrollo del diseño integral (antecedente bahrens), Un grupo de personas (diseño multidicipliario) hacen las cosas, por ej.
lufansta que crean desde la ropa de las azafatas hasta la vajilla, como en el caso de luftansa.
-Crean en manual de uso, asi pueden independizar al diseñador del diseño. Y este tipo de diseño lo aplican a toda la empresa.
-Plantean objetos que sean de facil comprension, que no necesites especificamente un manual de uso (ejemplo de enchufe)

-El departamento de comunicación visual decidio trabajar en un pricipio con grafica no persuasiva,(diferencia con el styling que su
grafica si era persuasiva) trabajaban en campos como los de sistemas de signos de trafico, planos para aparatos tecnicos, contenido
cientifico, etc.

-Crearon un periodico en el que escriabn cosas sobre el diseño, teorias etc

-Fue la unica institucion que ofrecia un modelo de enseñanza aplicado a la indusria, por eso su modelo de plan de estudio fue
tomado por muchas universidades.
-Antes el diseño se enseñaba en las escuelas de artes.
-HONESTIDAD- ATEMPORALIDAD
La diferencia con bauhaus es que en la ulm la forma de adaptaa la funcion, en bauhaus por ej. Con la cuna, se nota que es
geometria por geometria pura, por eso la ulm funciona mejor. Pero igualmente la ulm no temrina prevalenciendo porque se le d
mas importancia al negocio/economico que os valores morales y la honestidad.
Dejaban que personajes externos influenciaran, que haya intercambio ideologico. Los personajes que aportaron a la ulm son
muller brockman, gropius, mies van der rohe. Esto hace que el pensamiento de la ULM se exparsa en el resto del mundo.
A diferencia de la bauhaus la ulm, estaba pensada totalmente para la industria, a travez de capitales externos.
-Bauhaus nunca pudo alejarse al 100% de lo artistico, los profesores eran artistas, si bien algunos prototipos de la bauhaus (como
la silla de acero modular) pero la gran mayoria tienen mas un carácter mas artistico todavia, en cambio ulm hacia objetos que
podian ser industrializados y comprados en cualqueir lado no en lugares de diseño, lograr incorporrse realmente a la industria y
bajo costo y reporducido masivamente.
La forma es mucho menos carpichosa que en la bauhaus. Bauhaus no podia salir de la idea de objeto como unidad todavia, en
cambio ulm lograrba resolver soluciones integrales y sistematica.

 GUTE FORM: IDEA RECTORA DE LA ULM, EN CONTRAPOSICIÓN CON EL STYLING

Influencias:
-Concepto que surgio con loos, en “ornamento y crimen”que lo retoma Max Bill
-Vanguardias (nuevos materiales, geometria racionalziad) la forma sigue a la funcion
-Uso de la fotogafia (a cada tiempo su arte)
-Bauhaus
-palo seco.
-Tshichold (tratado) uso del blanco, grilla, palo seco etc etc.
-Grafica siuza
Silla de breuer en bauhaus

Caracteristicas de la gute form:

-Funcionalidad
-Formas nobles (uso de geometria, las formas con las que esta construido el universo)
-Atemporal
-Responsabilidad social y moral  Lo que perdura en el tiempo, no solo porque sus materiales son nobles y duraderos sinotambien
en el uso de colores sobrios, atemporales (gris, blanco negro) general piezas clasicas, que no saturan a la vista.
Hay una honestidad de que realmente el objeto es perdurable y de buena calidad (responsabilidad moral)
-ergonomicos
-Plantean que la forma tiene que seguir a la funcion (racionalidad)
-Productos economicos, funcionales, ecologicos, durables, 100% racionales.
-Economia de recursos.
-Geometria (a cada tiempo su arte), hace los productos recordables y atemporales.
-Funcionalidad ante todo
MENOS ES MAS
Cuanto mas sinterico es el objeto es mas recordable y mas vigente.

PERSONAJES RPINCIPALES DE LA ULM:

Max Bill:
- Estetica de las fabricas,
-Uso de la razon, y ciencia para un objeto cotidiano.
-Defensor de la nueva tipografia
-Estudio en Bauhaus
-diseña el edificio de la ulm.

Otl aicher:
-Pictogramas, grafica re universal, sintectica, basada en figuras geoetricas, pensamiento proyectual.
-Hace critica a la abstraccion, lo conceptual. Quiere hablar de las cosas reales.
Crea catalogos de implementacion de diseño, (luftansa) para que toda la empresa tenga el mismo diseño y normals.
-uso de la reticula, claridad para lograr mensaje universal y efectivo.
-Hace los pictoramas de los juegos olimpicos de munich

TOMAS GONDA
-trabajo en conjunto con otl aicher para luftansa en la parte grafica. (Para luftansa hicieron un rediseño integral)
-LO GRAFICO EN la ulm esta muy influenciado por la grafica suiza, por sus Sistemas reticulares, esquemáticos,
-En ulm, la comunicación no estaba enfocada en lo persuasivo, en lo publicitario, sino orientado a la comunicación social, los nuevos
medios de comunicación, los nuevos medios audiovisuales, campañas deorganización urbana, campañas culturales, creado para la
vida cotidina, para cumplir una funcion y creado para una necesidad.
Dieter rams,
Radio para braun
nada es porque si, es un producto 100% comprensible (universal)
No se tiene que notar el diseño que tiene por detrás.

Tomás Maldonado:
-Dice que el objeto tiene que respo nder ala RAZON.
-Reemplaza a Max Bill (maldonado A DIFERENCIA DE max bill que era mas experimental, con bases expresionistas, decia que el
diseño esta ligado al arte, maldonado orienta el diseño a la industria,cambiando lo pedagogico de la escuela cuando enra (incluyendo
materias como ergonometria, proyectual, percepcion,semiotica) pasa algo parecido que con la bauhaus, que en un ppio era mas
experimental hasta q entra moholy nagy)
-Diseño proyectual
-Dar sentido utilitario a las cosas, funcionalidad.
“el diseño no es arte y el diseñador no es necesariamente un artista” Lo estetico no tiene que guiar al diseño.
 STYLING:
-Es una filosofía de diseño que se se da en EEUU, luego de 1929, que entraron en crisis económica, por el quiebre de la bolsa de
comercio.
-El promotor del Styling fue General Motors, que notaron que si querían construir un nuevo automóvil tenían que invertir mucho
dinero, entonces decidieron hacerle cambios puramente estéticos, es decir no funcionales, y relanzarlo al mercado.
-Al mercado le conviene que los objetos no duren porque tienen que activar las ventas constantemente.
-Resginifican constantemente el mismo producto, sin modificar sus funciones, sino lo estético. Ahora la forma no sigue a la funcon.
-objetos económicos, pensados para sr descartados, que no duren, porque al tiempito te compras otro.
-el consumirdor va a comprrlo porque es lo novedoso.
Toman formas del art deco, que son puramente estéticas, de los deseos de Freud, como los persuasivos.
-Ford en un principio creeia en algo que tenga mucha calidad, perdurable, pero fracaso.
-Crean un nuevo nicho en e mercado: Diseño para mujeres teléfono rosa.

-LA FORMA NO SIGUE A SU FUNCION, ES PURAMENTE ESTETICA.

El tren tiene forma de que es mas veloz, pero es una facada, styling.
EXPONENTE: REYMOND LOEWY, rediseña la caja de marlboro y el logo de Shell, los hace mas estéticos.

En la publidad: Bernbach, toma cosas dela grafica suiza, pero le agrega ironia, buscan generar una reacción en el espectador, en la
ulm el lenguaje era lineal.

Lubalin referete art deco, de vuelta a lo estetico, al ornamento, manuscrito.

Johnatan ive Diseñador de apple, mackintosh, le agrega el color celestito pero la compu es en si, la misma.
Empieza a sumarse elvalor agregador de decir “hecho por tal diseñador conocido”

Phillipe starck Diseño no funcional, se haceconocido y por ej en el faena lucan co decir que su interior fue hecho por este tipo.
 POP (60S)
Acercar el arte a lo masivo
Antisitema, antimercado
Herencia de duchamp
Pone como obra de arte objetos normales, romper con el valor agregador del mercado de consumo.
Uso de la serigrafia (marilin)
Como impactan los medios de comunicación en la cultura actual
Warhol
Eliminar la solemnidad de “la obra de arte”
Consumo de iconos culturales.
Marta minujin plantea que las obras sin el espctador están incompletas, es este quien tiene que temrinar de completarlas.
Tres ramas del pop: fontana y distefano (diseñadores no artistas del op art) en inglaterra (critica ala sociedad de consumo) y eeuu
(warhol linchestein, toman su propia cultura popular, lo que consume la masa)
Jacen un estudio antropoligico que cuanto menor es la cultura de las personas mas les va a gusatr los colores, texturas etc.
Hamilton critica al consumo y Warhol ala masa popular
Toman la actitud del dadaísmo (referente macerl duchamp, los ready mades)

Arte psicodélico uno puede entender lo que quiera, es abierto. No busca universalidad ni algo racional. Arte lisergico plantea el
concepto de aldea, arte solo para ese grupo (se basan el el art noveau) Pnesado para ver con acido, que la persona sienta el viaje.
Gran ifnluencia del art noveau. Facil de consumir.

Contexto:
Terminada la segunda guerra mundial y descubiertos los horrores de la misma, el poder destructivo de la industria moderna, la crisis
económica y demás infortunios, comienza el fin de la utopía moderna, dejando en su lugar un fuerte descrédito a sus bondades.
El mundo se complejiza rápidamente a la vez que las distancias comienzan a dejar de existir. El capitalismo Estadounidense empieza
a hacerse fuerte, reinventando as reglas del mercado y la economía que comienza a globalizarse rápidamente, frente a un
comunismo ruso que como naipes de ajedrez, hace caer gobiernos en China, Cuba y Corea, generando pavor, censura y miedo a las
ideas marxistas en acción. Prontamente, EEUU invadirá Corea, empezando la famosa guerra de Vietnam (1959-1975).
En el arte, las cosas estaban difíciles. Las vanguardias habían cambiado las reglas del juego, llevando la abstracción a extremos tales
como el action Painting (tan polémico de Pollock). Expresionismo abracto-…(muy elitista, al pop no le gusta eso)

Por su parte, vanguardias tales como el dadaísmo y el surrealismo que habían mantenido cierto lenguaje formal-objetual, son
retomadas desde su aspecto más banal, como una respuesta más crítica al abstraccionismo (se abstraían también del público, dado
que eran inentendibles para la mayoría de la gente común, no iniciada en el arte), mientras que de las últimas vanguardias, el dadá y
el surrealismo habían mantenido cierto código de lectura formal con el público, siendo más entendibles al menos en su aspecto
formal.

En Londres, en 1952, nace un grupo de artistas independientes, que trataban de rescatar esa mirada ente dada y surreal,
mostrando un poco el sinsentido de las imágenes pero buscando siempre el guiño cómplice con el espectador. Aquí se muestran
cosas que la gente reconoce. Se pone la mirada en lo que a la gente le llama la atención, lo que consume por un lado y lo que los
medios de comunicación venden a esa misma sociedad. La radio, las revistas, el cine y en breve la TV, invadían la cotidianeidad de las
personas, moldeando sus hábitos de consumo y sus gustos personales. ¿qué hacía a una marca, un producto exitoso?. Este es un
camino algo contracultural de la época, que gusta reflejar lo que la sociedad realmente ve y no el arte para elegidos.
En este tiempo, las Bellas artes comenzaban otra vez a cristalizarse como “superiores” ya no solo al artesano (en eso Bauhaus
muestra su fracaso que Ulm potencializará, aún más esa diferencia), sino que se separa de todo tipo de arte que no fuera abstracto,
geométrico, pseudocientífico como Albers, el arte concreto o la liberación pura del inconsciente como Pollock, el gran invento de
EEUU, pagado por la CIA para invadir culturalmente a Europa..
Mientras que este pequeño grupo de independientes (el nombre es un guiño posmoderno al salón de los independientes de París
que dio origen al movimiento de ruptura artística más grande de la historia del arte: el impresionismo), busca equiparar a las bellas
artes con el arte mundano: el arte publicitario, el cine, y todos los objetos declarados “populares”: los cómix, las revistas de moda,
los programas favoritos de la gente y sus protagonistas, etc.
Es importante destacar que en esta misma época, inicia el arte conceptual, un arte para sesudos y autoreferente, “arte para
pocos” arte de ideas, de intelecto y de poco goce visual.
Por otro lado, en Psicoanálisis, Lacan comienza a desplegar conceptos que llevan a replantear el tema de lo comunicacional. Ya no
se habla de un lenguaje universal , para todos sino que si bien eso existe (el típico cuadro con la enfermera haciendo silencio cumple
con eso), también es cierto que hay otra realidad más compleja a comunicar en donde la participación del espectador deja de ser
pasiva para volverse activa: conviven así lo universal con lo particular, lo global con la aldea.
Pero volvamos al arte. Este grupete de Independientes de Londres, que tiene una pieza clave como antecesora del arte Pop.
En la obra, de Paolozzi,(exponente del movimiento) vemos dos cosas muy interesantes: por un lado, la palabra Pop que luego se hará
extensiva al movimiento, y por otro, el collage en sí que habla claramente de cultura de masa, con las típicas imágenes publicitarias
de consumo masivo. Es una sátira, a la cultura estadounidense, pero que paradójicamente, produjo el efecto contrario, de forma tal
que llamó la atención en el mundo del arte, en los críticos y prontamente se empezó a explorar esa veta del gusto popular en
oposición al arte de elite que reinaba post segunda guerra mundial

Eduardo Paolozzi Grupo Independiente.

Dos Años después, Richard Hamilton realiza la siguiente obra:

1954.
Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?
Dando comienzo a un movimiento que prontamente los críticos llamaron Pop en referencia al Pop de la obra de Paolozzi, y también
a la palabra Popular que define claramente el sector social a la que se ridiculiza por un lado y se ensalza por el otro. Es una clara
alusión a los nuevos ricos (ya no son los altos burgueses de antaño como Ruskin, el inspirador de William Morris, sino de la burguesía
media, no acostumbrada a codearse con la alcurnia, de estudios medios, que tenía más fascinación por el lujo-del tipo ostentoso,
oropel- y la cantidad y variedad de lo que pudiera comprar con el dinero que preocupada por el verdadero lujo que acompaña no
solo al dinero sino a la ilustración intelectual que lo acompaña.
. Critican el expresionismo abstracto.

Paralelamente, pisando los ´60, en EEUU, Andy Warhol daba rienda suelta al pop en aquel país. Poniendo en práctica estrategias
usadas por Dali, basadas en la excentricidad, y en duchamp (“el escándalo vende”), hizo de su figura un acto posmoderno de
autoreferencia y popularidad.
Warhol se dedicaba al diseño gráfico, y al arte, en donde usaba técnicas “bastardeadas” por las bellas artes tales como el grabado
moderno: serigrafía, los colores nuevos y estridentes: el acrílico, las telas sintéticas y todo objeto prontamente popular.
Fue el primero en utilizar a la gente famosa para resaltar su imagen hasta la cariturización. Se sabe que la repetición de un tema,
termina por banalizarlo. Usaba lenguaje provocativo, tomado del comix y la cultura popular masiva y algo decadente.
Warhol fue el primero en mediatizar toda su vida y su obra, argumentando casi descaradamente que el dinero era una de las cosas
que más amaba. Sus serigrafías sobre las cámaras de muerte de EEUU, no tuvieron éxito masivo debido al tema fuerte. Poémico,
haciendo a su autor, volver a lo comercial.
Mantuvo una fábrica recuperada que la usaba como multiarte, donde hacía fiestas, filmaba, pintaba y daba lugar a artistas nuevos.
Trabaja en diseño gráfico haciendo piezas tales como el disco de música de los Rolling Stones
Inmortalizó a un objeto cotidiano como las sopas campbell´s, de uso masivo en los supermercados, típica comida rápida, asociada al
confort, al consumismo y la vida rápida.

Otras personas que estuvieron a su lado fueron R. Rauschenberg (con un sentido más dadaísta, más crítico y ácido que Warhol), Roy
Lichtenstein, de clara influencia del cómix del tipo novela romántica o acción, y Jasper Johns, más poítico también y crítico al sistema
como Rauschenberg.

Lichtenstein (es interesante ver como copia el lenguaje del cómix hasta el típico punto de “grano” de la serigrafía.

Hubo otra corriente del pop Contexto social:

Más alla de la guerra de Vietnam, el arte intelectual vs el arte popular, lo global y la aldea, empezaron cambios sociales que
marcaron todo el rumbo dela segunda mitad del siglo XX:
La pastilla anticonceptiva generó una revolución sexual, el rock´nd roll de la mano de Elvis Presley, generó una revolución en la
música (luego vendrían los Beatles, los stones y tantos otros), Y las drogas hasta ese momento legales, cambian la forma de
comprenderlo todo.
Aparece un nuevo movimiento que engloba todas estas pequeñas revoluciones: el hippismo. Los “hippies”, ya en la entrada de los
´60, promueven el amor libre, la vida en comunidades, el rock, la paz y el consumo de drogas, preferentemente el LSD (activa la
glándula pineal, generando percepciones, colores, etc) y la marihuana (llamada “la droga de la paz” por sus efectos).

El nuevo arte, toma fuentes antiguas, de W. Morris, de A. mucha, pues en su interior, el hipismo protesta contra la modernidad y
sus guerras, su represión, su cultura eltista), y en ese contexto el Arts &Craft, es el último bastión artesanal, de vida natural,
humana y sin bombas.
es importante aclarar que desde la técnico aparecen nuevos tipos de pigmentos que revolucionan el mundo artistico ya sea por su
valor (económicos)o por la gama tonal (flúo): látex, aerosoles, acrílico. estas nuevas pinturas serán muy rápidamente adapatada por
los artistas y darán un sobrado impulso al arte callejero en artistas como basquiat.
Kolman moser y Mucha secesión vienesa (algunas influencias)

El arte de este “pop Lisérgico” como luego se lo denominó por razones obvias en su colores e imágenes, tuvo muchísimo éxito, no
solo en la pequeña aldea de la múscia rock e ideales del tipo “Rock, amor y paz” sino también –aggiornado- en el mundo
publicitario.
Desde H. lubalin hasta el Push pin studio de Nuev York, supieron adaptar este tipo de arte a las grandes masas, saliendo del concepto
de aldea cerrada que mantiene Moscoso, en una tipografía prácticamente ilegible, haciendo que el mensaje sea solo para pocos.
Veamos algunos ejemplos:

H. lubalin, tapa de revista.

H. Lubalin. Cigarrillos “eve” para muejres.

Otro de los grandes publicitarios estadounidenses de esta vertiente, es Peter Max. Mucho más artista que diseñador gráfico, fueron
emblemáticas sus publicidades para el avión PAN AM y su fuerte inlfuencia tomada del arte hindú, que para esta e´poca, los Hare
Krishna estaban a pleno, montando comunidades en EEUU). Forma caleidoscópica, colores, repetición. Influencia del surrealismo,
que hbalaba de los sueños lo onírico. Panam se alia al percado joven.
 LOVE Mandala Pan Am 747

Inglaterra, esta vertiente, también tuvo seguidores:

“Submarino Amarillo” de los Beatles, fue dibujada por Heinz Edelmann, alemán, que vivía en aquel país.

En su versión más publicitaria, el grupo Pentagram, (1970) dará la nota, ofreciendo una solución diferente para cada tipo de pieza gráfica, sin
consolidar un estilo. El “no estilo” hizo de estea empresa publicitaria, una marca única.

Alan Fletcher, Pentagram

 EEUU – ESCUELA DE NUEVA YORK – DECADAS 40’ 50’ 60’

ContextoExpresionismo abtracto:
Es el primer movimiento artístico surgido en ny
No figuración
No realismo
No es un arte para todos (restringido a culturales)

La primera oleada de diseño moderno en EEUU fue importada por inmigrantes europeos talentosos que trataban de huir de un clima
político de totalitarismo. Ellos introdujeron directamente a los estadounidenses en las vanguardias europeas. En la década de 1940
se dieron pasos hacia un enfoque original estadounidense del diseño modernista, se añadieron formas y conceptos nuevos. El diseño
europeo era a menudo teórico y muy estructurado, es diseño estadounidense era pragmático, intuitivo y tenía un enfoque menos
formal de la organización en el espacio.
En aquella sociedad tan competitiva se valoraban mucho la novedad de la técnica y la originalidad de los conceptos. Esta fase del
diseño gráfico estadounidense comenzó con raíces europeas fuertes durante la década de 1940, adquirió importancia internacional
en la de 1950 y prosiguió en el siglo xxi.
El año 50 es el sueño americano, estilo de vida americano que puede comprar los electrodomesticos, y este tipo de publicidad va a
cambiar rapidamnete, gracias a que vienen en principio los exiliados europeos y por esta cuestión del capitalismo, a las empresas no
les bastaba con lo nacional, tenían que manejar la imagen de otra manera, no es que solo tienen que mostrar la marca necesitan una
imagen mas integral.
Se conoce como Escuela de New York a un grupo de diseñadores independientes norteamericanos que por su trabajo durante las
décadas del cuarenta, cincuenta y sesenta caracterizan un estilo de diseño muy particular. Este movimiento, con una fuerte raíz
intuitiva, cuenta entre sus exponentes con Paul Rand, A. Lusting, Saul Bass, Milton Glaser, H. Lubalin, B. Thompson, Steinweiss. Todos
ellos con un amplio conocimiento del movimiento moderno, cosa que les permite apropiarse tanto del collage como del fotomontaje
para generar imágenes que transmitieran los conceptos reduciéndolos a su esencia simbólica. Estas imágenes, generadas libremente,
sin ninguna atadura a concepciones teóricas prefijadas, logra tener una vida autónoma tanto conceptual como expresiva.

PIONEROS DE LA ESCUELA DE NUEVA YORK

Paul Rand: Es sin duda el diseñador más importante de la escuela de New York, comienza su extensa y prolífica carrera en 1932
diseñando piezas editoriales y promocionales para revistas como Esquire, Apparel Arts o Glass Packer, rompiendo las tradiciones del
diseño de publicaciones estadounidense.
Su particular estilo basado en un profundo conocimiento de las vanguardias artísticas europeas le permite desarrollar un lenguaje
gráfico único acompañado de una cuota de humor y dinamismo propia del estilo norteamericano. Encontramos en su obra picardía,
dinamismo visual y algo inesperado, aprovechaba el collage y el montaje como medios para cohesionar conceptos, imágenes textura
e incluso objetos, su obra se caracterizaba por los contrastes visuales sensuales. Sabía que para atraer al público y transmitirle un
mensaje memorable, el diseñador tenía que adaptar y yuxtaponer signos y símbolos. Rand definía el diseño como la integración de
forma un función para lograr una comunicación eficaz.
Influencia del constructivismo, con pocos elementos se podía construir una buena imagen.

Saul Bass: Fue quien llevó la estética de la Escuela de Nueva York a los Angeles.
Titulos de películas: es de los primeros que le agrega diseño a las placas de las películas,
Herb Lubalin

Thompson: Su creatividad era frecuentemente una respuesta tipográfica, tenía conocimiento sobre impresión, utilizó la
sobreimpresión para generar colores nuevos.

Milton Glaser: Es reconocido por la espiritualidad de sus creaciones, en las cuales siempre están los componentes fundamentales de
su obra: humor, color, variedad, sensibilidad y humanidad.
Demuestra en cada una de sus obras sus influencias surrealistas, constructivistas, cubistas, mezcladas con su admiración por Walt
Disney y las acuarelas chinas. Junto con Seymour Chwast, Ed Sorel y Reynold Ruffins forma el «Push Pin Studios» desde donde
surgen cantidades de logotipos, revistas, tapas de discos, afiches, etc
En la imagen de Dylan toma el lenguaje del pop, la psicodelia, es una transición hacia la posmodernidad, se estaba volviendo a lo
individual lo subjetivo (a diferencia de la modernidad que buscaba lo universal) vuelven a poner la firma en los carteles. Cobra peso
quien lo hizo (como en cassandre)
Glaser asimila recursos e imágenes espaciales del surrealismo para espresar conceptos complejos. Durante las décadas de 1980 y
1990 se fue interesanso cada vez más por las ilusiones y la tridimensionalidad. Se dedicó mucho al diseño gráfico para música,
incluyendo carteles de conciertos y tapas de discos --- ha logrado singular habilidad para combinar su visión personal con la esencia
del contenido. La imagen iconográfica que Glaser hizo de Bob Dylan fue muy conocida --- se hicieron casi 6 millones de copias del
cartel y fueron producidas para ser incluidas en un álbum de gran venta. Logo I (love - corazon) New York. Transforma la clave de sol
en flor (flower power) --- Influencia del Surrealismo.
Además de ellos dos, es estudio Push Pin contrató otros diseñadores e ilustradores y a un número de jóvenes que trabajaron para el
estudio y luego en forma independientes o en otros puestos --- ellos ampliaron la gama y base de lo que se conoció como el estilo
“Push Pin”.
Este estilo no sólo constituye un conjunto de convenciones visuales o una unidad de técnicas o imágenes, mas bien es una actitud
ante el diseño gráfico, una manera de sincerarse con las nuevas formas y técnicas y gran habilidad para integrar la imagen y la
palabra dentro de un todo decorativo.
El Push Pin era accesible y su diseño proyectaba vitalidad.
Con influencias del art noveau, el pop, (se puede ver en la imagen de Dylan estas influencias) y del surrealismo.
Push pintambien uenta con influencias geométricas del art deco.
Inspirados en el surrealismo, las imágenes del estilo tipográfico internacional, etc.
AGENCIAS DE EEUU
Nueva agencia de publicidad que abre en 1949, hizo hablar con inteligencia a la publicidad hacia los consumidores, utilizó con
eficacia el espacio en blanco para dirigir la atención hacia el titular y la imagen en las páginas atiborradas de los periódicos. Combinó
palabras e imagen de una forma nueva, transmitiendo un concepto hasta volverse interdependientes. Para cada campaña se
generaba una estrategia en torno a las ventajas características o superioridad del producto. Ideado por un equipo multidiciplinar,
entre redactores, analistas, diseladores, etc, se genera una publicidad sin superlativos exajerados, ellos logran quitar el signo de
exclamación de las publciidades “compre ahora!” transmitiendo un mensaje objetivo y concizo, incluso hasta divertido, para que sea
recordable. Con una organización visual simétrica y limpia.
Bernbach, crea lo de volskwagen muy linkeado a la grafica suiza, con blanco activo, fotografía, un concpeto de sistema, pocos
elementos en el plano.

Leo Burnette: malboro era difícil de promocionar porque era la línea suave de cigarrillos, lo compraban solo las mujeres y
necesitaban aplicar el mercado. Entonces crean esta campaña. Eligieron un símbolo, un icono ligado a lo masculino (cowboy, oeste y
rojo)

Estas agencias le agregaron el diseño suizo desde lo formal, pero pudieron darle una vuelta nacional.

EL EXPRESIONISMO TIPOGRÁFICO ESTADOUNIDENSE

Una tendencia divertida que siguieron los diseñadores gráfico neoyorquinos en las década de 1950 y 1960 tuvo que ver con la
tipografía figurativa, que adopta un sentido connotativo. Las letras se convirtieron en objetos y los objetos en letras. (gene Federico
go out) Hubo una nueva manera de hacer la tipofoto que hacia rudimentariamente moholy Nagy, con una tecnología mas avanzada,
Herb Lubalin: observa los caracteres alfabéticos como formas visuales y al mismo tiempo como maneras de transmitir un mensaje,
las palabras y las letras podían transformarse en imágenes y viceversa, transformaba las palabras en tipogramas ideográficos sobre el
tema. “en ocasiones hay que arriesgar la legibilidad para lograr impacto”. Su logro más innovador fue la revista Avant Garde a fines
de 1960, que nació en medio de la agitación social de los derechos civiles, la liberación femenina, la revolución sexual y la protesta
contra la guerra.

LAS IMÁGENES CONCEPTUALES ESTADOUNIDENSES

En la década del ’50, cuando las ilustraciones gruesas prevalecían en el diseño gráfico americano, “la edad de oro de las ilustraciones
americanas” estaba llegando a su fin. Las mejoras en el papel, impresión y fotografía fueron la causa para que el ilustrador declinara
rápidamente. Durante la primera mitad del siglo, la habilidad para exagerar el valor del contraste, intensificar el color y hacer las
imágenes mas detalladas que la realidad misma para compensar la pérdida de la calidad en la reproducción, había permitido a los
ilustradores crear imágenes mas convincentes. Pero ahora, los adelantos en materiales y procesamientos fotográficos, permitieron a
la fotografía ampliar su gana de condiciones de luz y fidelidad de la imagen. La muerte de la ilustración fue pronosticada
sobriamente mientras la fotografía hacía rápidas incursiones en su mercado tradicional. Pero mientas la fotografía se apoderaba de
la función tradicional de la ilustración, la creación de imágenes narrativas y descriptivas, emergió como un nuevo enfoque de la
ilustración.

LA CARTELMANÍA
En contraste con los carteles polacos de posguerra, auspiciados por organismos oficiales como forma cultural nacional, la manía del
cartel en EEUU durante la década de 1960 tuvo origen popular y fue fomentada por el clima de activismo social. El movimiento por
los derechos civiles, la protesta pública contra la guerra de Vietnam, las primeras agitaciones del movimiento de liberación de las
mujeres y la búsqueda de alternativas en los estilos de vida figuraban entre las revueltas sociales de la década del ’60.
Los carteles de esta época fueron fijados en las paredes de los departamentos, con mas frecuencia que en las calles. Estos carteles
hacían alusión a cuestiones sociales en lugar de anunciar mensajes comerciales. La primera ola de la cultura de los carteles irrumpió
de la subcultura Hippie. Se puso énfasis en la música de Rock, la experimentación con drogas sicodélicas y en contra de los valores
establecidos.
Se inspiró en varios recursos: las fluidas curvas sinuosas del Art Nouveau, la intensa vibración óptica del color asociado con el breve
movimiento del arte óptico. El reciclaje de imágenes de la cultura popular y la manipulación prevaleciente en el arte popular, como
era habitual en el arte pop. Sus principales clientes eran los bailes y los conciertos de Rock. Gráficamente los carteles utilizaban
formas turbulentas y letras torcidas y curveadas, hasta casi ser ilegibles.
(PSICODELIA) Ya se donde toca, ya no interesa lo que dci, no importa la parte informativa del afiche, total ya lo sabe la persona,
sino que ahora importa lo expresivo del mensaje. Quien se fijaba en esos afiches (aldea) ya conocía donde ir.
Trababan mucho con la mirada porqes lo que hace reconocible a la persona (se repite en el polaco)
(Peter max, wes Wilson y Moscoso)
 ARGENTINA

Argentina siemrpe estuvo muy ligada a aeuropa, desde lo cultural a lo político.

Contexto:
-período muy largo de problemas políticos, golpes de estado y revoluciones.

1869 conquista del desierto

Aprox 1880 Granero del mundo exportar productos agricolas, importar teconologias, los prodcutos industriales como artisticos
llegaban con bastante atraso aca.
1880-1914 inmigracion europea (viene gente que conoce la industria de la impresión) y se empiezan a abrir imprentas
-A partir de 1940 argentina empieza su proceso de industrialización.
1945 se funda madi y arte concreto invension
1946 asume peron,el estado adquiere empresas
1950 (MUNDIAL) Estados Unidos comienza a consolidarse rápidamente (después de la 2da guerra mundial) como país dominante
en cuestiones de capitalismo, economía, e ideal de vida. Surgen las primeras ideas del marketing, imponiendo agresivas formas de
venta que incluyen publicidad subliminal, penetración cultural (sobre todo a través del cine), las famosas “muestras gratis” para
probar productos y un estilo de publicidad que se inicia con Bernbach y su decálogo de la publicidad (no mentir, apelar al humor,
etc)
1960 APARECE EL INSTITUTO DI TELLA
1975/78 Hay un retroceso industrial.

INICIOS DE LA GRAFICA ARGENTINA:

1898 “caras y caretas”. De clara influencia Art Noveau, predomina la ilustración, con un logo bastante atrevido para la época
dado que la tipografía es san serif aunque no moderna.
En esa época todavía no había mucha industria imprentera.
1904 “PBT” :revista dedicada al humor gráfico
De formato pequeño, PBT es un ejemplo de cómo las nuevas tipografías estaban entrando en el país con todo el enfoque del
proyecto moderno: tipos San Serif de igual trazo, en mayúscula.
Aún se continúa con la ilustración caricaturesca, el texto no incorporado a la ilustración y un recuadro para la imagen.
1920/35 pleno frenesí del art decó revista femenina de argentina, poniéndose a la vanguardia de lo que pasaba sobre todo en
Francia, con Cocó Chanell y la moda.
Las tapas generalmente eran hechas por Raúl Manteola (a partir de 1935), quien luego se dedicará a hacer la gráfica del Peronismo.
La fotografía aún no estaba incorporada como ilustración, sino que se seguía usando el dibujo
Pettoruti trae con gran revuelo, el futurismo (ya en decadencia en Europa) y Xul Solar nos pone al tanto del surrealismo.

1930/40 la gráfica argentina se nutre con la influencia de las primeras agencias de EEUU que desembarcan en argentina,
generando el típico estilo de ilustración.
Lo fundamental es el mensaje: familias felices, mujeres en el hogar, “sueño americano”, ilustraciones acompañadas con textos que
explican muchas veces de qué trata el producto o dónde puede consumirse, etc. Se focaliza la idea de hogar, salud, felicidad y
buenas costumbres. No era lomismo que casandre porque el ilusraba pero basado en la estética de las vanguardias.
1950 Argentina cambia de rumbo Deja de ser tan agrícolo ganadera para pensarse en un país donde la industria tenga lugar y se
desarrollen productos y marcas típicas de argentina. Uno de los casos más emblemáticos fue la marca Siam – di tella que fabricaba
tanto automóviles como heladeras.
Se funda la FAU (facultad de arquitectura ya urbanismo, sin Diseño) y comienza a desarrollarse una relación entre el diseño gráfico y
la arquitectura.
En 1953Maldonado Junto con Carlos Méndez Mosquera y Alfredo Hlito, fundan el primer estudio de diseño y comunicación del
país, llamado Axis.
1976 dictadura militar, censura de materiales bibliográficos, y de discursos modernos, se irrumpe todo avance tecnológico.
1978 mundial
1981 en las elecciones algunas campañas contratan disñdores.
1985 se crea di y dg en fadu.

*El Peronismo usaba los medios de comunicación para impartir su política.

Cuando hablan de la industria muestran un lenguaje con tiporafias modernas y cuando le hablan a las familias, un lenguaje
manuscrito.
Crean varios tipos de afiches: para la flia, para el trabajador y de carácter político-persuasivo.
Muestran a peron como héroe/heroína, se crea una imagen de los presidentes, a evita a muestran como en en cuento de hadas.

MÁS PERSONAJES de ARGENTINA:

 Lucien Mauzan:
-es un diseñador Francés coetáneo a cassandre. impronta claramente decó. Crea un personaje que apela al humor, cuyo impato fue
tal que muy a la manera de Cassandre, Tiene un corntrol tipográfico mucho menos decorativo y más funcional.
-Hace uso de frases como la del cartel de peigeot, para diferenciarse de otras marcas “saca el dolor” “corta el dolor”
-Usa el lenguaje de entreguerras
-Inlfluencia del art deco
-Busca persuadir.

En esta época se empieza a a apelar a lo AUDIO-VISUAL: implemntacion de campañas tato en tv como en la via publica. Se uasna los
gingles.
Molina Campos
-Grafica para alpargatas, quiere mostrar al hombre comun., incorpora el uso del almana que hace que la grafica tenga visibilidad
constante en la vida cotidiana.

Xul solar: (en el ambito del arte)Incursiona en las vanguardias, empieza a hacer un lenguaje no figurativo ( a pesar de que existian
estos artistas haciendo estas cosas, en las galerias todavia habia arte academica porque quieren consumian arte eran los
terratenientes y consumian academicismos)

Tomás Maldonado

1984 Regresa de su primer viaje a Europa (1948) trayendo tipos móviles Y las ideas del arte concreto de Max Bill (que
transformará en Arte concreto Invención)
-TambiéN trae como novedad, la vanguardia neoplasticista y las ideas del Bauhaus que plantearán reformas en la forma de estudiar
en la Facultad en la facultad se enseñaban academicismos, y los alumnos se contactan con maldonado para que le preste los tipos
moviles para su revista, querian hacer el lenguaje moderno, crean la revista CEA en 1949.

- Crea la revista Ciclo (1948) y la revista Nueva Visión (1953-57), Arturo (1944) y la CEA (centro de estudiantes de Arquitectura
1949) donde traducen textos de Gropius, Mies Van der Rohe, etc poníendonos a la vanguardia del mundo con las ideas.
-Genera un gran cambio en la forma de hacer diseño, abandonando la influencia de EEUU y trayendo conceptos como minusculismo,
grilla matemática, palo seco, fotografía, síntesis formal,
-La revista ciclo esta fuertemente marcada por el diseño que se estaba gestando en europa, la nueva tipografia: el uso de normas
din, la fotografía, la grilla ortogonas, uso de pesos asimétricos, tpo palo seco, economía de recursos, uso del blanco activo, síntesis,
Luego también la revista Arturo cuyo único ejemplar será ilustrado por Hlito (tapa 1944). (CAbE DESTACAR QUE LA REVISTA por fuera
parace una revista casi expresionista, de vanguardia, con tipo hecha a mano, pero por dentro se notan esas cosas que traia
maldonado, con grilla, minisculismo, palo seco, etc) Tocan temas como dstijl, constructivismo, temas de vanguardia.

-Maldonado trajo los conceptos de la modernidad en el diseño.

-Busca imponer tipos san serif y fotografía, abstracción, mientras que aquí se seguía un esquema bastante naif del diseño (mucha
ilustración pero no como la de Cassandre, vanguardista, sino, todavía bastante atada a la ilustración Estadounidense.

-Fue convocado a la ULM, en calidad de profesor, en donde ni bien llegó, modificó el plan de estudios de forma tal que, el sueño
moderno tuviera su máxima expresión a través de objetos tan increíblemente bien resueltos (economía, forma, uso, ergonomía).

-CREA EL MOVIMIENTO ARTE CONCRETO INVENCION:

-que estará a cargo de Tomás Maldonado (argentino) quien entrará en contacto con Max Bill y sus ideas. Básicamente la diferencia
CON EL ARTE CONCRETO SUIZO es que aplican marco recortado y con una clara investigación científica basada en la percepción de la
luz a través del ojo humano, declarando que el arte es un proceso de análisis matemático en el que influyen variables científicas de
percepción (se tiene en cuenta variables de masa, color, valor, forma, equilibrio, etc). El cuadro es autosignificante.
-“La forma no se busca, no se encuentra se inventa” Diferencia entre abstracto y concreto: Cuando algo es bastracto es que se
estra abstrayendo de otra cosa, ese cuadrado representa algo, es una abstracción de un concepto, una representación. En cambio
el arte concreto es PRESENTACION, la forma es lo que es, no representa nada mas que eso.
Se produce un quebré en este grupo y se hace el Madi, que quiere traer una sensibilidad al arte e irrumpe un nuevo movimiento, el
informalismo (artistas como marta minujin) se recupera la idea de artista sufrido (posmodernidad) liberar la pulsión creativa, el
control y fuera de control en contra del arte concreto.
Carlos méndez Mosquera
-En 1963 crea la revista summa. Que habla de arq diseño.
-Tambien forma parte de la grafica para siam di tella.

INSTITUTO DI TELLA.
-Creado en 1960
-Será encargado de promover el arte de vanguardia (un actual underground) en la calle florida, de artistas jóvenes. También busca
insertar al arte argentino en el mundo otorgando becas a personalidades tales como Alberto Grecco y promover a los artistas del
interior que tenían grandes problemas para hacerse conocidos en Buenos Aires y/o el mundo.
-Querian crear un isntituto modernizador en argentina, donde convivieran ersonas de diferentes ideologias artisticas.(desde musicos,
hasta pintores de difernetes ideologias)
-Dedicaban sus esfuerzos, a la ciencia el arte, investigacion etc.
-Querian afianzar sus vinculos artisicos con erupopa.

-Hecha por victoria ocampo para proponer un puente entre cultiras europeas y argentina.

Distefano:
-Formo parte del dpto de publicidad de el di tella.
-Inovo mucho, una de las razones porque no habia plata para gastar, entonces no le quedaba otra que innovar con los pocos recursos
que tenia
-Usaban fotomontaje manipulado, colores llamativos, superposicion de tintas, tecnicas del op art.
-en el di tella se tenia total libertd de accion.
Ruben Fontana Crea pagina 12, (uso de grillas) y revista tipográfica.

RONALD SHAKESPEAR

Realizó la señalización de los Subterráneos de Buenos Aires -Subte- , los Hospitales Municipales.

-En 1971 hace la señaletica urbana.

 POSMODERNIDAD
El pop art, y todo el movimiento hippie etc, ya venían gestando de a poco la idea de la búsqueda de lo no universal, sino mas lo
individual.
Nuevo paradigma, Un personaje, Robert Ventini en base a la frase menos es mas plantea, “menos es aburrido”
El fin de las utopias.
Generar lenguaje propio, ya no están mas ligados a la universalidad de la modenridad, no creen en eso.
La publicidades se empiezana orientar a nichos, chistes para pocos, concepto de aldea. Hay mas estudios de las masas y
publicidades ams agresivas.
Tomas la grafica de las vanguardias pero sin lo conceptual. Lo toman en función estética.
Es la caída de las ideologias.
En la posmodernidad si importa quien diseño cada cosa, vuelve el tema de la autoria, saber quien es el diseñador nos da una pauta
de que esperar.
construccion de intangibles: Idea de marca
Contexto:
Se termina la utopia (ven los horrores de la modernidad y lo industrial)
Neoliberalismo (estado no interventor, privatizar parq el estado intervenga)
Plan Marshal
Globalizacion
Brecha entre ricos y pobres.

En la década de 1970, muchos creían que la época modernista estaba llegando a su fin en arte, diseño, política y literatura. Se
examinaban las normas culturales de la sociedad occidental y se cuestionaba la autoridad de las instituciones tradicionales. Surgió el
pluralismo a medida que se empezaban a poner en duda los principios básicos del modernismo, en un contexto de gran diversidad
cultural (inmigración, comunicaciones mundiales, igualdad femenina y de minorías).
En diseño, es posmodernismo designaba el trabajo de arquitectos y diseñadores que rompían con el Estilo Internacional que tanto se
había expandido después de la Bauhaus, cuestionaban el orden y la claridad del diseño modernista, sobre todo del diseño
corporativo. Los modernistas desdeñaban las referencias históricas, la decoración y lo vernáculo, mientras que los diseñadores
posmodernos recurrían a estas fuentes para expandir la gama de posibilidades del diseño. El diseño posmoderno suele ser subjetivo
e incluso excéntrico. El mayor impulso del diseño gráfico posmoderno es el espíritu de liberación, la libertad para ser intuitivo y
personal, se sentían libres para responder de manera positiva a formas vernáculas e históricas y para incorporarlas a su trabajo. El
ambiente de inclusión y la ampliación de posibilidades permitieron a muchos diseñadores experimentar con ideas sumamente
personales.
Modernidad: busca lo general, socializador e internacional, y el funcionalismo. Creen en el progreso humano a través de la razón y la
ciencia. Quieren un mundo mejor.
Posmodernidad: busca lo individual, lo nacional y reconocible por pequeños grupos y personalidades, la forma ya no sigue a la
función. No creen en términos absolutos. Aceptan el mundo tal cual es. Involucrados en la cultura de consumo. Hay un lenguaje
superfluo, importa más lo estético que el mensaje y hay una impureza de formas.
El diseño gráfico posmoderno se mueve en varias direcciones: la tipografía new wave, el grupo Memphis de Milán y los diseñadores
de San Francisco, el retro, las recuperaciones eclécticas y las reinvenciones excéntricas de modelos anteriores, sobre todo del diseño
vernáculo europeo y el modernista de las décadas de entreguerras, y la revolución electrónica que generaron los ordenadores
Macintosh a finales de la década de 1980.

NEW WAVE – SUIZA

Odermatt, Tissi, Geissbuhler y otros que trabajaban en la década de 1960 no se rebelaron contra el Etilo Tipográfico Internacional,
sino que ampliaron sus parámetros. En la década de 1970 se intentó reinventar el diseño tipográfico, y a estas nuevas orientaciones
se les dio el nombre de tipografía new wave.
Weingart comenzó a cuestionar el orden y la limpieza del Estil Internacional y su filosofía parte de la libre experimentación a través
de la ruptura de las reglas tipográficas, utilizan tipogra’fia espaciada de palo seco, filetes negros con escalones, tipografías en
diagonal, cambios de peso dentro de las palabras.
Friedman exploraba la textura, la superficie y las capaz espaciales y contrastaba formas naturales y geométricas.
April Greiman tuvo una nueva actitud con respecto al espacio, logra una sensación de profundidad en sus puestas tipográgicas.
A medida que se fue difundiendo la tipografía new wave, muchos diseñadores que trabajaban según el Estilo Tipográfico
Internacional comenzaron a poner a prueba sus preceptos dentro de las actitudes de diseño que empezaban a surgir. Se empelaron
técnicas de montaje dadaístas, se establecieron retículas que después no se cumplían, se usaron elementos funcionales de la Nueva
Tipografía de la década de 1920 como elementos decorativos, y ls diseñadores empezaron a definir el espacio global como un campo
de tensión, de forma similar a zwart medio siglo antes. Además la intuición y el juego volvieron a entrar en el proceso de diseño.
ESCUELA DE MEMPHIS Y LA DE SAN FANCISCO
La función pasó a ocupar un lugar secundario con respecto al patrón superficial y la textura, el color y las formas. La forma ya no
sigue a la función sino que se convierte en la razón de ser del diseño. La actitud experimental, la fascinación por los patrones
cromáticos táctiles y decorativos ejercieron influencia en el diseño posmoderno de todo el mundo.
Se puede mencionar a diséñadores de la Ecuela de San Francisco como Venderbyl, Manwaring, Cronin. Aunque lo diseñadores de

DISEÑO RETRO Y EL VERNÁCULO

El enfoque neoyorquino del retro comenzó con un puñado de diseñadores, entre los cuales figuran Paula Scher, Louise Fili, Carin
Golberg, que redescubirieron el diseño gráfico de principios del siglo xx, que abarca desde la Secesión vienesa de los primeros años
del siglo hasta las tipografía europeas modernistas pero decorativas que fueron populares durante las dos décadas de entreguerras.
Los diseños retro se convirtieron en un fenómeno nacional en 1985.
Paula Scher imitó carteles Suizos y del constructivismo. Fili incluyó tipografías que encontraba en carteles de pequeños lugares de
veraneo de la época de entreguerras. Goldberg está influenciada por los primeros diseñadores modernistas como Cassandre.
En Londres uno de los puntos de vista más originales de la década de 1980 surgió con Neville Brody, que diseñaba gráfica y portadas
de álbumes de música rock y trabajó como director de arte de las revistas The face y Arena. Brody ha declarado que jamás ha
aprendido las reglas de la tipografía correcta, lo que le ha dado libertad para inventar métodos de trabajo y configuraciones
espaciales.

LA REVOLUCIÓN DIGITAL

Durante el último cuarto del siglo xx, la tecnología ha avanzado a un ritmo extraordinario, se transformó la manera de comunicarnos
y de acceder a la información, produciendo un período de pluralismo y diversidad en el diseño.
La enorme trascendencia de los ordenadores y el software de Macintosh deriva de su amplia accesibilidad para diseñadores gráficos,
estimulando una revolución creativa en el diseño gráfico, tan radical como wl cambio que se prdujo en el siglo xv con los tipos
móviles de Gutemberg. Usar ordenador permitía cometer errores y crregirlos, el color, la textura, las imágenes, la tipografía se
podían estirar, torcer, hacer tranparentes, disponer en capas, etc.
Entre los pioneros que adoptaron la tecnología está April Greiman, Rudy Vanderlans, Zuzana Licko. Rudy Vanderlans comenzó a
dirigir, diseñar y publicar una revista llamada Emigre que contribuyó a definir y demostrar las posibilidades que brindaba la nueva
tecnología. Se convirtió en un pararrayos para la experimentación, que escandalizó a muchos profesionales del diseño mientras
cautivaba a aquellos que aceptaron el pontencia de la informática para redefinir el diseño gráfico.
El departamento de diseño de la Academia de Arte de Cranbrook de Michigan, dirigida por Katherine McCoy, se convirtió en un
centro de atracción para aquellos interesados en ampliar los límites del diseño. Edwaerd Fella fue una fuente de inspiración dentro
del programa de la academia.
David Carson revitalizó el diseño editorial (Ray Gun), desobedeció las convenciones del diseñó, desafiaba los criterios fundamentales
de la legibilidad. Las técnicas de cine y video fueron la esencia de los diseños de revistas de Carson, porque la estructura de la página
dio paso en su obra a un entorno espacial cambiante y cinético, en el que la tipografía y ma imagen se superponen, se desdibujan y
se vuelven borrosas.
A mediados de la década de 1990, a medida que la economía estadounidense se recuperaba de una recesión devastadora, iba
surgiendo un nuevo paradigma cultural: los ordenadores personales e internet ponían en marcha la era de la información. La revista
que daría voz y serviría de mapa de carreteras de la nueva generación digital fue Wired.

Peter savielle
Neville Brody

stefan sagmeister

David Carson

Fukuda
Idea de fondo y figura, fuguras simples con geometizacion llevadas un paso mas alla. Espectador activo.
 POLACO
Al ver que la ilustración narrativa tradicional no cubría las necesidades de la época, los diseñadores gráficos posteriores a la Primera
guerra mundial reinventaron la imagen comunicativa para expresar la era de la mecanización y las ideas visuales avanzadas. En una
búsqueda similar de nuevas imágenes, en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial se desarrolló la imagen conceptual en
el diseño gráfico, sobre todo en Polonia, EEUU, Alemania y hasta en Cuba.
Contexto en Polonia: La violencia de la Segunda guerra mundial azotó Europa en Septiembre de 1939, cuando Hitler invadió de
pronto Polonia desde el norte, el sur y el oeste, sin una declaración de guerra previa. Diecisiete días después, las tropas soviéticas
invadieron Polonia desde el este y comenzó entonces un período de devastación que duró seis años. Polonia surgió de la guerra con
grandes pérdidas de población, su industria destruida y su agricultura arruinada. La impresión y el diseño gráfico casi habían dejado
de existir, pero a pesar de toda aquella devastación, surgió una escuela polaca de cartelismo de renombre mundial. En la sociedad
comunista que se estableció en Polonia después de la guerra, los clientes eran instituciones y fábricas controladas por el estado.
La toman los rusos y la hacen formas parte de la urss.Se los invade culturalmente, se les impone la grafica rusa pero ellos generan
algo contrario.

Duseño con influencias de Francia, cassandre art deco.

Re diseño de afices de peliculas.

Trepkowski El primer cartelista polaco que surgió después de la guerra fue Trepkowski, su método consistía en reducir las
imágenes y las palabras hasta que el contenido se destilaba en su manifestación más sencilla. En la primera década después d ela
devastación, expresaba recuerdos trágicos y las aspiraciones futuras profundamente arraigadas a la psique nacional. En su famoso
cartel antibelicista utilizó unas cuantas figuras simples para simbolizar una ciudad devastada, superpuesta sobre una silueta de una
bomba que cae. Afiche con alto compromiso social

 Tomaszewski fue el jefe espiritual del diseño gráfico polaco después de la temprana muerte temprana de Trepkowski y dio un
impulso importante al movimiento desde su puesto de profesor en la Academia de bellas artes de Varsovia. El cartel llegó a ser
motivo de orgullo nacional en Polonia y su papel en la vida cultural del país es único. Los carteles para actos culturales, el circo, el
cine y la política eran comunicaciones importantes. Mucho color para alegarar la ciudad gris. Se basa en el arte de los niños. Son casi
posmodernos los afiches polacos, no siguen la nueva tipografia, hacen tipografia hecha a mano, buscan un mensaje mas profundo
El cartel polaco comenzó a recibir atención internacional durante la década de 1950. Tomaszewki encabezó la tendencia a
desarrollar un enfoque agradable estéticamente, huyendo del mundo sombrío de la tragedia y la remembranza para entrar en un
mundo brillante y decorativo de color y forma (se utilizaba el método del collage).

Otra tendencia:La siguiente tendencia importante del cartel polaco comenzó a evolucionar durante la década de 1960 y alcanzó el
punto culminante el década de 1970. Se trataba de una tendencia hacia la metafísica y el surrealismo, sirigida a un aspecto más
oscuro y sombrío del carácter nacional, probablemente como reacción a las limitaciones sociales del régimen dictatorial. Uno de los
primeros diseñadores que incorporó a su obra esta nueva estética metafísica fue Starowiejski.

Jan Lenica condujo el estilo del collage hacia una comunicación mas surrealista en carteles y películas animadas experimentales. A
mediados del 60’comenzó a hacer líneas de contorno fluidas y estilizadas que dividen el espacio en zonas de color.

Cieslewicz vivió en Paría a partir de 1960, y está estrechamente relacionado con el teatro de vanguardia polaco, tomo el cartel y lo
transformó en un medio metafísico para expresar ideas profundas que costaría mucho expresar verbalmente, utilizó el collage,
montajes e imágenes en semitonos.

En 1980 la situación en Polonia no era buena, había escasez de alimentos, electricidad y vivienda y como consecuencia de la censura
oficial durante este malestar, los carteles que se hacía en el país a menudo trataban cuestiones que estaban por fuera de sus
fronteras en lugar de los problemas políticos internos. En 1989 acabaron con el régimen comunista unipartidista y marcaron el
comienzo de una neuva era. Durante medio siglo, el cartel polaco evolucionó como consecuencia de una decisión consciente del
gobierno de aprobar y apoyar el cartelismo como una forma importante de expresión y comunicación. Los carteles eran
declaraciones creativas qu hacían tráfico de ideas, más que de bienes.
 PREGUNTAS:

1. (1 parcial) Relacione moholy Nagy y bayer con el contexto histórico

2. (1 parcial) Desarrolle la relación entre proyecto moderno y nueva tipografía
3. (1 parcial) Nombre las vanguardias artísticas que considere relevantes en la grafica de cassandre y Piet zwart
4. Apartir del texto “la modernidad como autoreflexion” de nicolas cassulo como ve usted que se refleje la idea de modernidad
en el pensamiento de Tchichold.
5. Relacione a la escuela de bauhaus con el paradigma de la modernidad.
6. Cual es el aporte visual del dpto. tipográfico y publicitario de bauhaus.
7. Indicar las características de la grafica persuasiva
8. Cuales son las influencias de las vanguardias en piet zwart.
9. Caracteristicas de la grafica persuasiva
10. Cual es la postura ideologica de cada una de las vanguardias?
11. Cuales son los aportes del futurismo, cosntructivismo dstijl y dadaísmo al diseño grafico?
12. Diferencia entre modernidad modernismos y proyecto moderno.
13. Explique gute form y styling en fncion de sus respectivos contextos.
14. Como ifluye el contexto en el diseño grafico entre guerras ejemplificar.

1-