Autocine en Madrid, autocines en el mundo

Autocine: Recinto al aire libre donde se proyecta una película que se puede seguir desde dentro del automóvil. Esta es la definición que da el diccionario de la Real Academia Española para referirse a este modelo de visionado de cine que viene siendo una alternativa curiosa a la sala de cine tradicional. Idea importada made in U.S.A.

Esta entrada la quiero enmarcar en la sección de curiosidades del cine en este blog. Viene a colación por la próxima apertura prevista para el mes de septiembre de un autocine en la ciudad de Madrid. El proyecto está promovido por cuatro jóvenes emprendedores que van a hacer su apuesta por este modelo que tantas veces hemos visto en las películas estadounidenses. Cristina Porta, Tamara Istambul, Javier Fernández, y David Alsina son los responsables de este proyecto.

Un poco de historia: El primer autocine a nivel mundial se inauguró en la ciudad de Camdem, en Nueva Jersey, el 6 de junio de 1933. La idea fue patentada por Richard Hollingshead, J.R y la primera película emitida fue la comedia británica " Two White Arms" a la que asistieron 600 espectadores. Si bien hay que decir que también era posible asistir sin la necesidad de llevar automóvil.

Pero sin duda alguna fue en la década de los 50 cuando la idea tomó auge. En ese periodo histórico hubo más de 4000 autocines a lo largo y ancho de la geografía estadounidense. Esta forma de ver cine se consideró en su momento parte de la cultura norteamericana. Desde luego se adaptaba como un guante a la personalidad de una parte de la población al más puro estilo: "American Way of Life".

Autocine en Camdem

Como en casi toda novedad, después de este auge, llegó la posterior decadencia de esta manera de tan curiosa de ver cine. Aún así, todavía quedan alrededor de 400 autocines en Estados Unidos. Nostalgia, curiosidad y diversión son las motivaciones principales del espectador actual. También rememorar tantas y tantas películas de Hollywood donde se rodaron multitud de escenas en la que aparecían los susodichos recintos que tanto han dado que hablar.

Aunque el autocine se extendió por diversos lugares del planeta, quizás, fuera de Estados Unidos el país donde más caló esta idea fue en México. Allí los precios relativamente accesibles hicieron que bastantes familias mexicanas pudieran disfrutar de esta diversión emulando a sus vecinos norteamericanos. Conviene recordar que en este país hay una extensa cultura cinematográfica y que también tuvo su edad dorada del cine.

La decadencia de los autocines no solo fue debida a que dejaron de ser una novedad. La aparición de otros medios de entretenimiento, más el encarecimiento del suelo que tuvo lugar durante las décadas de los 60 y 70, también tuvieron una clara influencia en su declive.  En la actualidad en la ciudad de México, cuentan con un autocine que aprovecha las vistas de la ciudad para servir como reclamo. Tal vez sea una fuente de inspiración, de la que bebieron estos jóvenes emprendedores para impulsar el proyecto que da pie a este texto.

Ilustración del próximo autocine de Madrd

Después de estos breves apuntes históricos, me gustaría proporcionar la información de servicio que nos ayudará a comprender mejor el funcionamiento de estos curiosos recintos. El autocine de Madrid contará con una superficie de 25000 metros cuadrados y tendrá una capacidad para 350 vehículos y una zona de butacas para el verano. La pantalla tendrá un tamaño gigante de 250 metros y la proyección sera en sistema digital. El sonido de la película llegará a través de emisora de radio FM que podrá ser sintonizada en la propia radio del coche.

También contará con un servicio de restauración al estilo americano de los años 50 en una zona gastronómica conocida como "food trucks". Ádemás el autocine contará con distintos servicios necesarios que complementarán esta zona de ocio. Como "fondo de pantalla" podremos contemplar el nuevo "skyline" de la ciudad de Madrid. Además de los estrenos de actualidad, tienen previsto revisitar algunos clásicos del séptimo arte. Particularmente en España existen algunos autocines en la zona de Levante (Valencia, Denia y Alicante) y en la zona norte peninsular (Gijón, Getxo).

Zona de recreo del futuro autocine 

En definitiva y desde mi opinión personal, cualquier método que sirva de forma vehicular (y nunca mejor dicho) para introducirnos en la cultura popular del cine siempre debe ser bienvenido. En los tiempos que corren de crisis económica y de incertidumbre mundial yo solo puedo aportar mi pequeño granito de arena. Mi intención es divulgar cualquier iniciativa que suponga una apuesta por llevar el cine a un nuevo segmento de población que quizás de otra manera no se hubiera interesado en acercarse al maravilloso mundo del cine. Desde aquí, solo me cabe desear mucha suerte a este grupo de personas en tan personal e ilusionante proyecto. http://www.autocinesmadrid.es/

Infierno Azul (The Shallows)

¿Existe el género cinematográfico de tiburones? Bueno exista o no, esta es la premisa que nos encontramos en esta película. Es una nueva vuelta de tuerca al "cine escualo" donde el malo de la película es un malvado tiburón que se quiere zampar a la rubia de turno.

Nancy es una joven estudiante de medicina que decide tomarse unos días de vacaciones en una apartada playa de México. Allí desatará su pasión el surf. Lo que en principio iban a ser unos momentos idílicos se convierten en un infierno. La joven se queda atrapada en unos rocas a escasos 180 metros de la orilla y en la zona de alimentación de un enorme tiburón blanco. Sola y sin ayuda, tendrá que afrontar la experiencia mas dura de su vida para intentar conseguir su supervivencia. Su ingenio y determinación se pondrán a prueba.

Jaume Collet-Serra, el taquillero director español afincado en Estados Unidos, se pone a los mandos de esta producción para intentar triunfar en la taquilla de los cines americanos. En todo caso no deja de ser un film plenamente comercial aprovechando el verano boreal y los días de playa por venir. Cine de aventuras en el mar que bebe de otras muchas fuentes. Existen referencias a la ya clásica 'Tiburón' de Steven Spielberg y recordándonos también a 'Náufrago' de Robert Zemeckis. En Infierno Azul se sustituye la famosa pelota con la que hablaba Tom Hanks por una gaviota herida que hace compañía a Nancy en su particular naufragio.

Infierno Azul es un intento de epopeya marina de irregular resultado. El director por darle un cierto formato de videoclip apoyado en algunas novedosas imágenes que utilizan las videollamadas por teléfono móvil como hilo narrativo. Con ello nos da  a conocer el pasado de Nancy. Esta, después de haber sufrido un importante revés emocional en su vida, busca en la soledad y en la aventura superar una dura situación personal que dará un giro cuando se vea envuelta en una batalla por su propia supervivencia.

Es cierto que el ajustadísimo metraje de la película se siente acertado en esta ocasión. Sin llegar a la hora y media de rigor la trama no es redundante en exceso. Hay que tener en cuenta que la producción está sustentada en un solo personaje y los diálogos por lo tanto muchas veces se convierten en monólogos. A veces se utiliza en otras el recurso de la gaviota herida que servirá como interlocutora para así apreciar las evoluciones de la protagonista.

El resto de personajes son algunos oriundos del lugar pero con muy poco peso en la filmación. Algunas imágenes de las heridas que sufre Nancy tras uno de los ataques del tiburón están perfectamente conseguidas. Grandes efectos visuales que sustentan bien la propuesta. Ella misma tendrá que proceder a suturarse una de las heridas valiéndose de los pocos materiales que tiene a mano tras su naufragio particular en una cirugía casi documental.

La actriz Blake Lively alcanzó la notoriedad por su aparición destacada en la serie de televisión 'Gossip Girl' y aquí se nos muestra como una actriz ya en plena madurez profesional. Su estilo "Old Hollywood", más su correcta evolución interpretativa, ha hecho que Woody Allen haya contado con ella para su último proyecto de inminente estreno en Estados Unidos titulado 'Café Society'. Por otra parte, el excelente actor Oscar Jaenada (Cantinflas) tiene una pequeña aparición que sin embargo resultará determinante para el desarrollo de la acción.

Además de los efectos especiales ya reseñados, lo mejor de esta producción esta bajo mi punto de vista en la extraordinaria utilización de la fotografía por parte del director de la misma. El encargado de la misión es el donostiarra Flavio Martínez Labiano que da una verdadera lección en la utilización de la gama cromática.

En conclusión, nos encontramos ante una propuesta con aromas de serie B con más continente que contenido, pero que trata de profundizar en el desafío humano por la supervivencia. Para los amantes del cine de aventuras con ciertos toques de suspense puede pasar la prueba de una tarde veraniega. Jaume Collet-Serra es honesto y ha pensando en realizar un producto para divertir...

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jaume Collet-Serra.

Reparto: Black Lively, Oscar Jaenada,
Brett Cullen, Sedonia Legge.

Música: Marco Beltrami.

Fotografía: Flavio Martinez Laviano.

Guión: Anthony Jaswinski.

Estreno U.S.A: 24/06/2016.

Estreno España y México: 15/07/16.

Mi amigo el gigante (THE BGF)

Cine de autor. Steven Spielberg vuelve a ser un niño y saca lo mejor de sí mismo impartiendo una magistral lección con el mejor aroma del cine clásico de todos los tiempos. Grandísima obra que sin embargo, en tiempo de superhéroes y de determinado cine basura, me temo que no tendrá toda la repercusión que debería obtener. En otra época, hablaríamos del nacimiento de un clásico para la historia. Hoy en día ese honor esta reservado para superproducciones que son puro artificio del tipo Spiderman 12 o Batman 28, es decir secuelas de las precuelas o todo lo contrario, yo me perdí en X-Men 17...

Érase una vez una niña que vivía en un orfanato de Londres. Una noche al mirar por la ventana observa cómo un gigante camina por la ciudad. Al verse sorprendido, el extraño ser secuestra a la niña y la lleva consigo hasta el país de los gigantes. Allí entablan una entrañable amistad. Allí la niña se percata de que en realidad es un gigante bonachón y un incomprendido entre sus compañeros. Correrán grandes aventuras y conseguirán implicar hasta a la reina de Inglaterra en un plan para salvar a los niños de los malvados gigantes.

La cinta está basada en el libro 'El gran gigante bonachón' del exitoso escritor británico Roald Dahl. Este autor fue uno de los magos de la literatura infantil y juvenil (Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate, Las brujas). Esta vez Spielberg vuelve a contar con Melissa Mathison, la guionista de 'E.T el extraterrestre', para adaptar el guión de la obra original. Y de nuevo los aires de aquella mítica película vuelven a aparecer en escena. Observamos el típico el rol de niña conoce a "monstruo" y entablan amistad. Es decir, género dentro del género infantil que tan buenos resultados artísticos viene cosechando en las últimas décadas. Dulce despedida de Melissa Mathison.

El formato de cuento en el cual está narrado 'Mi amigo el gigante', hace que sea una obra universal que hubiera tenido validez hace cincuenta años y la tendrá dentro de otros cincuenta años más. De ahí que me permita comentar lo intemporal y el clasicismo de esta historia que en definitiva es lo que más le gusta a un niño. Por lo tanto aquel que haya leído el libro o visto la película tendrá una bonita historia para contar o para soñar con ella. 

Y de sueños literalmente es de lo que trata la propuesta. No obstante el gigante dedica su vida a ser un cazador de los mismos. El árbol de los sueños es el lugar onírico donde los captura y luego los sopla con su magia a los habitantes de la ciudad. Las pesadillas las reserva para momentos de urgencia. Todos tenemos sueños, algunos ya están rotos, otros vendrán a buscarnos, pero él llama a esto la obra de su vida, su legado.

Y como no, otra de las temáticas tratadas es la amistad. Amigos intergeneracionales, amigos interesados, amigos desinteresados, amigos en lo bueno y amigos en lo malo son las distintas cargas de profundidad que apreciamos en una segunda lectura de la historia. Siendo este concepto de la amistad una de las motivaciones más destacadas en la filmografía de Steven Spielberg.

Mark Rylance, ganador del Oscar de la Academia de Hollywood este mismo año por su excelente papel en 'El puente de los espías' también de Spielberg, es el encargado de dar vida al gigante bonachón. Sin duda uno de los descubrimientos del año. En el encuentro que tiene con la reina de Inglaterra despliega todos sus matices interpretativos con gran acierto. Por cierto, pequeñísimo pero agradable papel de Rebeca Hall como ayudante de la Reina.

Mención especial merece el debut de la niña británica Ruby Barnhill en el papel de Sofía. Una cría que es todo un prodigio, y que a sus once años trata de tú a tú a actores con una carrera ya consagrada. Lo cierto es que la naturalidad de los niños en pantalla hace que al final se muestren tal y como son. Los efectos visuales mediante técnicas CGI son magníficos, aunque eso era de esperar. La música a cargo de John Williams es una autentica sinfonía y se me antoja como una banda sonora para adquirir casi de urgencia.

Sin embargo, la pieza musical final para cerrar la producción se muestra algo tenebrosa y desacertada al igual que los títulos de crédito de cierre que son secos, fríos y asépticos dejando cierta sensación agridulce que no concuerdan con el resto de la cinta. En todo caso, estaríamos hablando de un mal marco para un estupendo lienzo. Mi conclusión final, me lleva a pensar que estamos ante el mejor Spielberg en una vuelta a sus orígenes buscando la magia en el cine. Quizás en otra época esta película hubiera embelesado a los grandes públicos, pero hoy en día me temo que irónicamente pasará a ser cine relativamente minoritario. Hoy por hoy, el cine clásico, está absurdamente en las antípodas de la demanda del espectador relativamente joven que es el que más acude a las salas según las estadísticas. En cualquier caso, Mi amigo el gigante es una gran adaptación literaria con el sello idealista marca de la casa.

 Nota: 9/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Steven Spielberg.

Reparto: Mark Rylance, Ruby Barnhill,

Rebeca Hall, Penelope Wilton.

Música: Jhon Williams.

Fotografía: Janusz Kaminski.

Guión adaptado: Melissa Mathisson.

Estreno EEUU: 1/7/2016.

Estreno España: 8/7/2016.

Demolition

Cine para adultos y no erótico precisamente. Demolition es un poema visual sobre la pérdida. La vanguardia en el cine está en hacer propuestas atrevidas, duras y descarnadas como esta. Si queremos saber lo que es el dolor inesperado y sobrevenido, asomémonos a esta ventana En ella, veremos que no todos los viajes son bellos y alegres. Este tour emocional nos habla de nuestro interior, representando con ello todas las contradicciones del ser humano. 

La historia: Davis es un exitoso ejecutivo con una vida aparentemente ideal. Una mañana, sufre un accidente de tráfico junto a su esposa que es la que conducía el coche en ese momento. Ella recibe el impacto principal muriendo como consecuencia del brutal golpe. A partir de ese momento es cuando empieza esta historia que nos habla de la reparación del daño sobrevenido y como reconstruir una vida. Un niño y su madre, a los cuales conoce tras el luctuoso suceso, ayudarán a Davis aentender su pasado y su futuro, pero la demolición será inevitable, será necesaria.

La crítica: Podríamos entender la película como una realidad, o como una metáfora sobre los cambios inesperados. Su director, el canadiense Jean-Marc Vallée (Dallas Buyers Club) y de la mano de un gran guión de Bryan Sipe, nos sorprende gratamente con un retrato intimista y a veces radical de la condición humana. La exuberancia de las emociones complejas en algún momento suenan desbordantes, pero todas las piezas del engranaje mental de su protagonista comienzan a cuadrar cuando comprende lo que sentía y lo que siente ahora hacia su mujer.

Mirada perdida

La paradoja del marido consiste en que realmente no siente dolor ante la pérdida de su mujer o si lo siente, no sabe como canalizarlo. Para él, es un martirio no sentir el dolor que se supone debería sentir ante un suceso de tal magnitud. El propio hecho de no poder llorarla y empaparse con su recuerdo es lo que le esta destruyendo. Para ello, emprenderá una reconstrucción de su vida y específicamente del hogar conyugal. Ahí la demolición sera literal y tendrá ciertos toques de buen humor ácido.

Romper para empezar, llorar para seguir. De esto es básicamente de lo que nos habla esta propuesta que por momentos se presenta en una atmósfera original y perturbadora. Desde luego, si hubiera que poner algún pero o crítica constructiva, la cinta no sería la mejor opción para los detractores de las producciones dramáticas o tramas un tanto interiores; por el contrario, será una lección de aprendizaje para personas maduras e interesadas en la condición humana. Al final habrá esperanza.

De la parte final no puedo desvelar casi nada como es natural, pero si diré que contendrá emociones muy potentes que giraran sobre el perdón hacia uno mismo. La aparición de nuevos elementos del pasado resultarán bastante sorprendentes y nuevamente inesperados. La compañía de Karen y su hijo Chris, a los cuales se acerca tras el luctuoso suceso, le ayudarán a afrontar la travesía del desierto en forma de auto-curación ante el drama vivido. 

Esperanza, ilusión....

Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain) probablemente tiene el personaje más complejo de toda su carrera y lo resuelve notablemente. Matices y miradas difíciles de olvidar de actor en plena madurez. Naomi Watts (21 gramos) es una actriz extraordinaria y lo demuestra una vez más. Sus dos nominaciones al Oscar saben a poco, y su talento merecería mayor reconocimiento. En su papel en 'Demolition' ayudará a Davis a superar el duelo mediante la amistad y la semilla de un romance. Destacar la aparición de Chris Cooper en el papel de suegro y jefe de Davis. La relación con el marido de su hija, tras la desaparición de esta, se va envenenando y Cooper cumple a la perfección con el papel de duro en el que está algo encasillado.

Los aspectos técnicos están resueltos con corrección: montaje, música y dirección de arte se resuelven con asepsia. La fotografía si destaca dando un aire realista a toda la filmación. Recapitulando, lo más destacable de la producción es la credibilidad que tiene toda la trama. No hay artificios, y te olvidas que estas viendo una película. No obstante, no es una cinta fácil. Gustará o no gustará. No habrá medianías. Como he dicho en alguna ocasión: "No eres tú el que eliges a las películas, en realidad son ellas las que te escogen a ti".

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jean-Marc Vallèe.

Reparto: Jake Gyllenhaal, Naomi Watts,

Chris Cooper, Polly Draper, Ben Cole.

Guion: Bryan Sipe.

Fotografía: Yves Bélenger.

Estreno U.S.A: 8/4/16.

Estreno España: 1/7/16