Repertório Violão

Descrevo um recorte das experiências artísticas vividas
na pandemia em 2020. Procedimentos metodológicos para coleta
de dados incluem a busca e seleção de trabalhos por mim realizados
durante o período de isolamento social no Brasil. Essas
obras estão postadas nos acervos ou plataformas virtuais
da Mosaico Cia de Dança. Diário de bordo artístico, e
escrita e reescrita narrativa e autobriográfica desse texto
são ferramentas para ampliar possibilidades de reflexões
em progresso. A metodologia híbrida abraça princípios da
Prática como Pesquisa e da Autoetnografia. Reflexões se
amparam em perguntas e reticências de quem se encontra na potência da busca por aprofundar o estado de atenção
e cuidado consigo e com demais seres.

I describe a snapshot of artistic experiences performed
during the pandemia. Methodological procedures for data
collection include the search for and selection of works
carried out during the time of social isolation in Brazil. These
works are posted in the collections or virtual platforms of
Mosaico Cia of Dance. Tools to expand the possibilites for
in progress ref lections include artistic logbook and narrative
and autobiographical writing. The hybrid methodology
embraces principles of Practice as Research and Selfethnography.
Results and ref lections are amplified by the
questions and reticense of those who are in the quest for
deepening the state of attention and care for ourselves
and other beings.

In this final-memorial paper conclusion I present the research process and the results obtained during the UFBA Professional Master's Degree, which aimed to compose and elaboratesevencopyrighted parts songs for ukulele soloby WaldirAzevedo.I begin by telling my path until the entrance into the program. I talk about the subjects studied and present the supervisedreports practices. Thearrangement of"Pedacinhos do Céu"by composer WaldirAzevedo.It is the article's objective, in which I discuss issues related to harmony, counterpoint and conduction of voices. At the end I make brief comments about the five arrangements produced, then bringing the final product, my edition of the scores.

As revisões sistemáticas visam a mapear, discutir e sintetizar as produções acadêmicas, consideram campos específicos e contribuem para a difusão e o avanço do conhecimento. O presente artigo discute a produção acadêmica sobre o Circo social no âmbito dos programas de pós-graduação stricto sensu no Brasil. A busca por dissertações de mestrado e teses de doutorado foi realizada considerando os principais diretórios e bases de dados acadêmicos nacionais, empregando distintos uni-termos (circo social; circo; educação popular; arteeducação). Foram localizados oito trabalhos, dois de doutorado e seis de mestrado, defendidos em áreas distintas do conhecimento. As análises indicaram a capilaridade da prática do Circo social em todas as regiões do território nacional, ressaltando a contribuição socioeducativa dos projetos sob uma busca intencional da transformação social. Notamos, por fim, a construção de uma pedagogia em diálogo com saberes e tradições da cultura popular, considerando as particularidades das comunidades onde cada ação é desenvolvida, com destacada ênfase em processos de arte-educação para crianças, adolescentes e jovens. Palavras-chave Artes cênicas. Projetos sociais. Educação popular. Educação corporal. Circo social.

Na trajetória e na produção de Heitor Villa-Lobos, o violão esteve presente, possivelmente, desde a primeira composição registrada em seu catálogo 1 até a década final de sua vida. Um legado numeroso, diverso, e que ilustra com propriedade os distintos momentos de suas aspirações artísticas e sociais. Pode-se sugerir a divisão dessa produção em quatro grupos-peças para violão solo localizadas; peças para música de câmera; peças com violão e orquestra; peças perdidas ou extraviadas. Embora, recentemente, tenham sido descobertas duas importantes peças do compositor para violão-"Valse-Choro", nos arquivos da editora francesa Max-Eschig; e "Valsa de Concerto nº 2", pelo pianista Amaral Vieira, em um sebo paulistano-as partituras perdidas continuam sem referências na bibliografia brasileira. Quando muito, aparecem citadas em catálogos, sempre com listagem incompleta. A proposta deste trabalho é organizar uma lista que reúna as menções a essas peças na literatura disponível. Além de ser inédito, este estudo pretende oferecer caminhos a futuros pesquisadores, na busca dos manuscritos. Peças perdidas ou extraviadas Dispostas cronologicamente, a ordem das músicas perdidas para violão é a seguinte: 1 Há divergências sobre qual teria sido a primeira composição oficial de Villa-Lobos. No catálogo do livro de C.Paula Barros, o crédito vai para a "Panqueca" (1900). Já nos livros de Hermínio Bello de Carvalho e Turíbio Santos, a obra citada é a "Mazurca em Ré Maior" (1899). Em contrapartida, a 3ª e última edição do Catálogo do Compositor, publicado em 1989, traz a canção "Os Sedutores"" (1889) no topo da lista, seguida pela "Panqueca" (1900), e a "Mazurca" (1901). Entretanto, os três originais estão perdidos e as informações que constam nos catálogos citados foram dadas pelo próprio Villa-Lobos ou por Arminda das Neves (responsável pela organização dos primeiros catálogos publicados pelo Museu Villa-Lobos). Assim, não há como assegurar-até que os originais sejam descobertos-qual das fontes possui a cronologia correta brought to you by CORE View metadata, citation and similar papers at core.ac.uk

Ao tomar como contexto teórico as pesquisas em Harmonias Espaciais desenvolvidas pelo teórico de movimento Rudolf Laban na primeira metade do século XX, este artigo considera o longo predomínio da visão de um alguém que habitava um espaço vazio separado do corpo e aponta perspectivas contemporâneas, que tornaram o espaço entre/em ambos mais fluido e plástico. A contribuição teórica aqui apresentada indicou a necessidade da inclusão de configurações geométricas mais instáveis no campo Labaniano e também a criação de percursos para a encarnação de conceitos, que pudessem representar essas novas interações. Como um dos territórios da pesquisa artística que fundamenta esta narrativa, o encontro com a tecnologia foi explorado, inicialmente, como uma forma de ampliar a experiência corpo-espacial dos atuantes formais e informais de uma performance, oferecendo a possibilidade de um desenho cênico que incluía a articulação entre espaços físicos e virtuais e de conexões espaciais de livre escolha. Mais recentemente, a relação se ampliou em uma experiência interdisciplinar de criação cênica e coreográfica em interatividade com processos computacionais. Nos exemplos apontados, o que rege a escolha das tecnologias é o interesse artístico e conceitual de investigar como cada tecnologia pode colaborar na criação, deslocamento e distorção de espaços performáticos.

The purpose of this article is to survey and to organize information on Villa-Lobos’ lost guitar pieces. Totaling 11, this material has never been researched although it has been cited in incomplete lists and some catalogues for the composer’s works. Our goal is to offer options for future autors, in the search of these manuscripts. We made interviews and went through concert programs, periodicals and newspaper of the time. This article includes a copy of the original “Distribuição das Flores”, for flute and guitar, recently found by me, in the “Acervo Jacob do Bandolim”, at the Museu da Imagem e do Som, in Rio de Janeiro.

This study falls upon a new method to make the process of learning how to play the flute more effective. The learners are students of Music in the 5 th grade. This method is based on multimedia as the main factor of communication and motivation. This way this method can be considered a Multimedia Educational Product, which aims to support students in playing popular (well known) melodies using the flute. It consists in the creation of a new DVD Karaoke in which the sound / note relationship appears underlined by a change in colour of each musical figure. This change in colour is supported by an image showing the adequate position of the flute to obtain the correct sound. This study aims to compare the results obtained through the performance of a melody supported by a paper score and the results obtained using a multimedia score.

Atriz, performer, encenadora, diretora, dramaturga e escritora. Docente efetiva do Departamento de Ensino da Arte e Cultura Popular e da Pós-Graduação em Artes da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ), é docente colaboradora e pós-doutora em Artes Cênicas pelo PPGARC da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN). Também é docente colaboradora do PPGT da Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC). Pós-doutora em Antropologia, pela FFLCH/USP, doutora e mestre em Artes Cênicas pelo IA/UNICAMP, coordena seu estúdio de investigação, UNALUNA-PESQUISA E CRIAÇÃO

Uma análise sobre a teatralidade do musical de João das Neves Resumo Este artigo tem como propósito investigar o teatro musical de base afrodescendente desenvolvido pelo diretor João das Neves. Para essa pesquisa, a peça escolhida entre outras 3 do diretor foi Galanga, Chico Rei!, texto de Paulo Cesar Pinheiro. O espetáculo teatral versa sobre a questão do negro e a relação entre as suas tradições e a construção do congado mineiro. Além disso, trabalharemos com alguns conceitos de análise e estruturas propostas por Bertholt Brecht, como distanciamento e gestus (1967).

It is a perspective on the master of the art of storytelling, researcher, ebome of candomblé and apetebi of the cult of Ifá, vovó Cici. It traces an overview of her life as narrator, from the experience with myths. Reflections from the symbology and the social, political and religious context involving the myth are shared. It brings references of Cici's contact with ethnologist and babalaô Pierre Fatumbi Verger and uses some references of Hampâté Bâ. The text reveals the look of artist and researcher Rafael Morais on master Cici, emphasizing the value of a narrator who is able to live the myth in all its nuances and has full mastery of the art of the narrated word. It shares several examples about the knowledge of oral tradition, supported by reflections based on experiences and creative processes with the Teatro Griô Company. It also shares a little widespread history of Afro-Brazilian culture, by the very words used by master Cici, as an example of her way of passing teachings through myth. RESUMEN Se trata de una perspectiva sobre la maestra del arte de narrar historias, investigadora, ebome de candomblé y apetebi del culto de Ifá, vovó Cici. Traza un panorama de su vida como narradora, a partir de la vivencia con los mitos. Se comparten reflexiones devenidas de la simbología y del contexto social, político y religioso que involucra el mito. Trae referencias del contacto de Cici con el etnólogo y babalaô Pierre Fatumbi Verger, y, recurre a algunas referencias de Hampâté Bâ. El texto revela la mirada del artista e investigador Rafael Morais sobre la maestra Cici, resaltando el valor de una narradora que es capaz de vivir el mito en todas sus nuances y tiene dominio pleno del Palavras-chave: Vovó Cici. Tradição oral. Arte de narrar histórias. Vivência. Mitologia afrobrasileira.

O artigo investiga os repertórios de espetáculos de circo oferecidos na região Oeste de Minas Gerais na transição entre os séculos 19 e 20. As principais fontes para essa pesquisa foram os jornais Gazeta de Oliveira, publicado a partir de 1887 na cidade de Oliveira (que mudou o nome para Gazeta de Minas a partir de 1899), cujos acervos, atualmente disponíveis on-line. Nesse período, a inauguração de ferrovias facilitou o transporte de artistas, animais e objetos ligados aos espetáculos, impactando, como consequência, o volume e a própria natureza dos repertórios dos espetáculos oferecidos pelos circos.

Um aspecto bastante peculiar na performance da música eletroa- cústica mista reside nas distorções de cunho audiovisual observadas no gesto instrumental. Estas deformações atuam, por um lado, no olhar, nas relações descontínuas entre a ação do músico e o que de fato se ouve a partir das transfigurações do material, entrando em conflito com a presença física do performer em cena, e, por outro lado, na escuta propriamente, já que entram em jogo objetos sonoros cujas causas não se conhecem e que podem estar menos ligados à ação humana advinda do gesto instrumental, mais “maquinizados” pela sua relação com processos referentes à ação de outras máquinas adaptadas ao fazer musical. Esta “deformação” do gesto instrumental, sua anamorfose, será estudada neste trabalho por meio da análise de duas obras: Altra voce, de Luciano Berio, e Parcours de l'Entité, de Flo Menezes.

Este texto explora estratégias representacionais desenvolvidas por artistas e pela sociedade civil para interpelar o excessivo uso do poder em regimes patriarcais como o cubano, especialmente a partir dos massivos protestos sociais de 11 de julho de 2021, antecedidos pelos movimentos San Isidro e 27N. Apostamos na potência dos corpos raivosos como resultado da violência exercida sobre as pessoas em regimes de controle totalitário e práticas necropolíticas. A teatralm idade do Estado pode ser utilizada para reforçar um sistema panóptico, que intenta subjugar toda forma de dissidência e resistência, do mesmo modo que desenvolve uma performatividade punitiva. Porém, esses mesmos dispositivos são utilizados em atos e gestos de subversão cívica que tornam visíveis a brutalidade dos poderes. Em um enfoque comparativo, são retomadas ações realizadas por artistas em outros contextos de extrema violência, como no México, para visibilizar as formas pelas quais os necropoderes se inscrevem nos corpos. Finalmente, se questionam as possíveis colaborações do silêncio diante dos necropoderes.

Books included in this cutting-edge series centre on global and embodied approaches to performance and technology. As well as focussing on digital performance and art, books in the series also include the theoretical and historical context relevant to these practices. The series offers fresh artistic and theoretical perspectives on this exciting and growing area of contemporary performance practice, and includes contributors from a wide range of international locations working within this varied discipline. Titles in the series will include edited collections and monographs on issues including (but not limited to): identity and live art; intimacy and engagement with technology; biotechnology and artistic practices; technology, architecture and performance; performance, gender and technology; and space and performance.

O domínio do corpo e o olhar sobre seus múltiplos usos, incluindo o artístico, são amplamente estudados no campo da Educação Física. Diferentes registros indicam haver um movimento crescente entre profissionais da área por aprender e ensinar diferentes linguagens artísticas, como o Circo. Identificamos, ainda, muitos professores de Educação Física que se profissionalizaram como artistas, beneficiando-se de seu capital corporal e acadêmico em busca da realização profissional. Nesse sentido, apresentamos uma entrevista-reflexão realizada com Gustavo Arruda de Carvalho, formado pela Faculdade de Educação Física da Universidade Estadual de Campinas (FEF-Unicamp) e respeitado artista circense profissional.

O esporte moderno e o circo, como fenômenos culturais presentes na sociedade contemporânea, constituem-se objetos de estudo na maioria dos casos analisados separadamente, embora alguns estudos salientem os entrelaçamentos e as aproximações existentes entre eles. Neste sentido, esta pesquisa teve como objetivo analisar alguns componentes que constituem a cotidianidade de artistas e de atletas, que aproximam o Circo do Esporte Moderno. A metodologia da pesquisa pautou-se pelos princípios da História Oral e o corpus empírico do estudo constituiu-se por um conjunto de cinco depoimentos orais. Concluiu-se que há uma série de componentes que aproximam o Circo do Esporte Moderno. E, para alguns pós-atletas, o Circo representa uma possibilidade de reconversão de suas carreiras de atletas em artistas circenses.

O texto aqui apresentado tem como proposito discutir a danca contemporânea a partir de sua resistencia e porosidade. Trata-se de pensar essas duas dimensoes a partir do trabalho da coreografa francesa Odile Duboc, denominado Projet de La matiere e concebido no ano de 1993. Essa danca engaja-se a pensar o corpo nao atraves “do que ele permite”, mas atraves “do que ele pode”. Ai o corpo e encarado do ponto de vista de suas possibilidades, explorando em ato o que pode o corpo – uma resistencia que se inscreve em sua propria porosidade; ou seja, sua desconfianca ao olhar das identidades e das abordagens mais solidas.

This article addresses the case model for the Live art exhibition project Venice International Performance Art Week, founded and curated by artist duo VestAndPage (Verena Stenke and Andrea Pagnes) in 2012. Since its inception, it has promoted performance art and Live art practices on a local, national, and international scale through live performance events,
exhibitions, formative learning programs, and co-creation experiences. Founded on the principles of sustainability, hospitality, and care, it has become a recognized international platform where dialogue and exchange, artistic expressions, and cultures can flourish proactively among performers. The project formats have evolved over time, progressively focusing on forming temporary performance artist communities in terms of a social sculpture. Its core mission is to foster exchange among performers, Live artists, and people: a gathering reunion, a people’s project made by the people for the people. It functions as a think-tank for outlining conceptual visions that declaredly overcome imposed and external human conditioning, generating accretive reflection on topics such as poetic and civil sovereignty,
inclusiveness, and accessibility through performance practices. As the project founders, we have also conceived it as a breeding ground for future professional opportunities of the participating artists, curators, and cultural operators, as well as a means to broaden the audience for performance art and Live art, both locally and internationally. The Venice International Performance Art Week has now adapted into an experiential co-creation artist-in-residence format. This enables to expand performance art and Live art beyond works of presentation and display, focusing instead on real-time co-creation of interdisciplinary collective productions.
Keywords: performance, co-creation, artist-in-residence, artistic community, education

Neste artigo apresentamos o projeto de implantacao de disciplinas regulares com mestres de saberes tradicionais e populares no ensino de graduacao da UFMG. Buscamos em nosso percurso argumentativo retomar o historico de protagonismo da UFMG na colaboracao com mestres de saberes tradicionais em iniciativas que antecederam a esta, bem como situar a relacao entre os saberes tradicionais e as questoes do mundo contemporâneo e um breve quadro de sua insercao no mundo academico a partir das experiencias de outras universidades. Em seguida, apresentamos o projeto de Formacao Transversal – Saberes Tradicionais que tem a diversidade como filosofia pedagogica central.

O objetivo deste artigo foi apresentar as dramaturgias crip como uma lógica operativa e política para criar dança. Desde os anos 1990, as principais pesquisas da área, já haviam reconhecido a importância do corpo e do movimento, para além da linguagem verbal e dos textos teatrais. Mas o que se instaura após 2000 com as teorias crip é a ênfase no fracasso, no descentramento da vida humana e na desfuncionalização do corpo-organismo como uma potência de criação aberta a outros corpos (animados e inanimados). Artistas de diversos contextos culturais têm criado suas dramaturgias da dança como dispositivos para evidenciar singularidades, incluir outras vidas e ativar estratégias de criação não antropocêntricas.  Neste sentido, destacamos a pesquisa da coreana Jeong Geumhyung, da chilena Manuela Infante e do brasileiro Eduardo Fukushima.  

Resumen: El arte dialoga con múltiples paradigmas desde una óptica particular, dicho diálogo lo constituye como espacio de producción de conocimiento. En este sentido, una propuesta académica destinada a la producción artística, tiene que partir de la confluencia entre arte,  ciencia y tecnología, la cual se proyecte hacia una serie de especializaciones o campos de conocimiento en donde la tecnología sea un elemento que colabore y potencie, o bien, que logre ampliar públicos y discursos en el espacio y el tiempo. Bajo el planteamiento anterior, los espacios académicos para la danza en México apoyan esta significación nacional con programas de estudio variando en temáticas y niveles educativos, ofertado tanto por instituciones privadas como públicas. Sin embargo, se ha identificado un vacío importante en la formación de profesionistas que permita profundizar en temas contemporáneos, particularmente aquellos que abordan el uso y creación con lenguajes tecnológicos, donde se cuestionen...

Este texto explora estratégias representacionais desenvolvidas por artistas e pela sociedade civil para interpelar o excessivo uso do poder em regimes patriarcais como o cubano, especialmente a partir dos massivos protestos sociais de 11 de julho de 2021, antecedidos pelos movimentos San Isidro e 27N. Apostamos na potência dos corpos raivosos como resultado da violência exercida sobre as pessoas em regimes de controle totalitário e práticas necropolíticas. A teatralm idade do Estado pode ser utilizada para reforçar um sistema panóptico, que intenta subjugar toda forma de dissidência e resistência, do mesmo modo que desenvolve uma performatividade punitiva. Porém, esses mesmos dispositivos são utilizados em atos e gestos de subversão cívica que tornam visíveis a brutalidade dos poderes. Em um enfoque comparativo, são retomadas ações realizadas por artistas em outros contextos de extrema violência, como no México, para visibilizar as formas pelas quais os necropoderes se inscrevem nos corpos. Finalmente, se questionam as possíveis colaborações do silêncio diante dos necropoderes.

Este texto explora estratégias representacionais desenvolvidas por artistas e pela sociedade civil para interpelar o excessivo uso do poder em regimes patriarcais como o cubano, especialmente a partir dos massivos protestos sociais de 11 de julho de 2021, antecedidos pelos movimentos San Isidro e 27N. Apostamos na potência dos corpos raivosos como resultado da violência exercida sobre as pessoas em regimes de controle totalitário e práticas necropolíticas. A teatralm idade do Estado pode ser utilizada para reforçar um sistema panóptico, que intenta subjugar toda forma de dissidência e resistência, do mesmo modo que desenvolve uma performatividade punitiva. Porém, esses mesmos dispositivos são utilizados em atos e gestos de subversão cívica que tornam visíveis a brutalidade dos poderes. Em um enfoque comparativo, são retomadas ações realizadas por artistas em outros contextos de extrema violência, como no México, para visibilizar as formas pelas quais os necropoderes se inscrevem nos corpos. Finalmente, se questionam as possíveis colaborações do silêncio diante dos necropoderes.

Resumo: O presente artigo versa sobre a presença de violonistas na cidade de São Paulo no século XIX. Através de críticas do pianista Alexandre Levy, publicadas em 1890, analisam-se os concertos de Martinez Toboso e Gil-Orozco, violonistas espanhóis, cujo duo parece ter sido o primeiro a realizar concertos mais formais em São Paulo. Trata, ainda, da atuação de Gil-Orozco, que fixou residência na capital paulistana durante dezessete anos (1890-1907), tendo sido fundamental para o desenvolvimento do violão na cidade.

O artigo discute aspectos da dramaturgia e da encenacao de Egotrip : ser, ou nao ser? Eis a comedia , peca do dramaturgo e encenador Joao Sanches, publicada pela Colecao Dramaturgia da EDUFBA. Baseando-se na nocao de desvio, desenvolvida pelo teorico e dramaturgo frances Jean-Pierre Sarrazac, este estudo concentra-se nas estrategias de composicao que contrariam principios tradicionais. Com essa perspectiva, o artigo destaca procedimentos como a alternância rapsodica de diferentes modos de enunciacao (epica, lirica e dramatica), a fragmentacao/interrupcao da fabula, a mutiplicidade de tempos e espacos e os enquadramentos mono e metadramaticos dessa dramaturgia.

Pretendemos compreender como é possível que determinadas práticas corporais, tais como as práticas somáticas, sejam capazes de transformar modos de pensarmos nossa própria subjetividade (que é também socialmente construída) e, consequentemente, nossas maneiras de ser e de agir no mundo. Nosso foco aqui é a relação estabelecida entre instrutor e praticante, entendida aqui, necessariamente, como uma relação de poder. Partimos da afirmação de que se a dança e o movimento pode ser uma descoberta de si e uma possibilidade de liberdade individual, isso pode ser entendido como um resultado de uma relação social de dominação. Se isso está correto, uma prática corporal que se pretende libertadora só se realizaria, paradoxalmente, porque baseada numa relação de submissão. Sabemos que as práticas somáticas partem do respeito aos limites e à expressividade de cada um. Porém, o praticante, ao entrar na aula, aceita entrar em situações que, não raro, poderá sentir vergonha, humilhação, ou mesmo d...

A última década tem sido marcada por discussões que repensam a noção de dramaturgia a partir do surgimento de novas tecnologias e debates políticos. No Japão, este termo nunca foi amplamente usado, a não ser para obras concebidas por artistas Ocidentais. Entretanto, isto não significa que não exista uma dramaturgia nas experiências artísticas japonesas. Trata-se de uma epistemologia distinta para lidar com as relações entre texto e ação e, por isso, pede por outras abordagens. A proposta deste artigo é testar o termo transdramaturgia, tendo em vista buscar uma aproximação com alguns dispositivos lógico-afetivos identificados em experiências de artistas japoneses. Não se trata de impor uma nova classificação, mas sim, de chamar a atenção para uma lógica trans (não dicotômica), que evidencia como o processo dramatúrgico tem início antes da organização da cena artística (narrativas e gestos), durante a gênese de um pensar/sentir corpos e ambientes. Partimos de performances transgênero ...

Este artigo tem como tema a mediação cultural por meio da dança. O objetivo é discutir como a dança pode potencializar a mediação cultural na escola. É um estudo de caráter qualitativo, e utilizou a metodologia Análise Textual Discursiva para a análise dos dados, os quais foram tratados a partir da análise de fotografias. O artigo discute sobre Mediação Cultural, Espaços e Objetos; Educação Estética e Experiência. Como resultado, sinaliza-se que a mediação em dança possibilita o olhar para essa arte para além de uma atividade física, assim como a simples construção de uma coreografia; instiga os alunos a perceberem suas potencialidades de movimento e de relações consigo, com o mundo, e tudo e todos que estão próximo a eles, e possibilita o aflorar da sensibilidade e da percepção em comunhão com a razão. A dança na escola é uma potência de afetamentos quando desenvolvida por meio do fazer experiência, da educação estética e da mediação cultural.

Trata-se de apresentação do Dossiê Temático Produção de dramaturgia a partir do Sul: perspectivas críticas de formação e criação, com retomada de ementa de lançamento de sua proposta, em 2021, e breve exposição seguida de Sumário comentado sobre os textos que compõem o dossiê da Urdimento, v.2, n.44 (2022).

A presente entrevista trata do criador e diretor artístico da Escola de Circo Picolino, Anselmo Serrat, que fundou em Salvador a primeira Escola de Circo do Nordeste do Brasil, em 1985. Como diretor artístico, Anselmo Serrat especializou-se na direção de espetáculos circenses, com a realização de espetáculos com a estética do Novo Circo. Neste ano de 2020 Anselmo Serrat faleceu, deixando um legado de luta e resistência para a solidificação da Escola de Circo Picolino.

P(AR)ticipate: body of experience/body of work/body as archive and AffeXity are two AR (Augmented Reality) and Screendance works that attempt to capture, amplify and share affect and memory using AR, mobile phones and audience participation. P(AR)ticipate is an immersive, autobiographical, participatory and live installation work comprising: text, analogue hieroglyphs and gestural Screendance videos, tagged to the hieroglyphs, using the AR app Aurasma, within an interaction design. The work explores the porosity between analogue and augmented gestures, personal somatic memories and mediated experiences, of living in an apartheid and democratic South Africa. AffeXity on the other hand, is an interdisciplinary choreographic project examining affect, dance on screen and cities. AffeXity, a play on both 'affect city' and 'a-fixity'. It is a collaborative project drawing together dance, visual imagery, AR and mobile phones, that audiences use for the viewing of choreographies embedded on tags in the city of Copenhagen Denmark. The project now forms part of the Living Archives Research Project at Malmö University. This paper describes the process and methodologies of capturing affective choreographies and memory on video, on analogue hieroglyphs and the processes of sharing them within interaction AR designs. It also describes the collaborative processes involved in both projects that attempt to allow audiences with mobile devices, to extrapolate hidden layers of affect and memory using networked mobile technology. These projects may shape choreographic formations that have not yet been explored and "is a specialised and evolving form-where the choreographic language is interrogated not for form or content sake, but in response to the changing stimuli and physical liberties of the technology itself." (KRIEFMAN, 2014). This consequentially liberates the choreographic content and language from more traditional vocabularies, narratives and settings, to poetic ones. Above all, the paper investigates the archiving of affect within a relational and dialogical field, of "unfolding the self into the world, whist enfolding the world within" (BRAIDOTTI, 2013). It explores how we anchor our bodies to the world (GREGG and SEIGWORTH 2010 cited in KOZEL, 2012) and how these "messy encounters become platforms for the transmission of affect (and memory) across bodies that themselves exist across layers of mediatization" (KOZEL, 2013).

The last decade has been marked by discussions that rethink the notion of dramaturgy from the emergence of new technologies and political debates. In Japan, by the 1990s, this term has never been widely used, except for works designed by Western artists. However, this does not mean that there is no dramaturgy in Japanese artistic experiences. It is a distinct epistemology to deal with the relations between text and action and, therefore, asks for other approaches. The purpose of this article is to test the term transdramaturgy, in order to seek an approximation with some logical-affectivedevices identified in experiences of Japanese artists. It is not a question of imposing a new classification, but rather of drawing attention to a trans (non-dichotomous) logic, which shows how the dramaturgical process begins before the organization of the artistic scene (narratives and gestures), during the genesis of a thinking/feeling bodies and environments. We start from transgender performances that challenge the male/female dichotomy since Medieval Japan; and from recent transdimensional experiments that neglect dichotomies between real and fictional, person and object, radicalizing the notion of creation as an insurgency of new meanings for art. Thus, we seek to broaden the debates on contemporary dramaturgy.

Este texto é formado a partir de uma série de conversas detalhadas com Andrea Pagnes, do duo de performance arte VestAndPage (artista italiano Andrea Pagnes e artista alemã Verena Stenke) sobre as questões de dor, sofrimento e rituais de sangue em suas performances. O VestAndPage realiza atos físicos extremos em situações físicas constritivas, não para glorificar a dor, mas como possibilidades de um encontro poético com o sofrimento como fonte de criatividade, para assim libertar a estética da justificação do sacrifício. A partir de sua experiência de vida pessoal, eles traduzem suas feridas em ações performativas para buscar autenticidade e falar sobre preocupações existenciais pertencentes à humanidade, ao indivíduo e à sociedade. RESUMEN Este texto está formado de una serie de conversaciones detalladas con Andrea Pagnes, del dúo de performance arte VestAndPage (artista italiano Andrea Pagnes y la artista alemana Verena Stenke) sobre las cuestiones de dolor, sufrimiento y rituales de sangre en sus performances. El VestAndPage realiza actos físicos extremos en situaciones constrictivas, no para santificar el dolor, y sí como posibilidades de un encuentro poético con el sufrimiento como fuente de creatividad, para de esta forma, libertar la estética de la justificación del sacrificio. A partir de su experiencia de vida personal, ellos traducen sus heridas en acciones performativas para buscar autenticidad y hablar sobre preocupaciones existenciales pertenecientes a la humanidad, al individuo y a la sociedad.

The article resumes the author’s lecture Bodies in Dissent. Regarding Live art and performance art, issues such as embodiment and identity are tackled, enriched by excerpts of a recent conversation the author had with Australian performance artist Stelarc about how technology is affecting the human body as a cognitive tool, leading us to reconsider the meaning of human existence.

O objetivo deste projeto artístico foi adquirir um maior conhecimento sobre o bombardino e as suas características compositivas a partir da sua utilização pelo compositor Joan Mont. Para tal propósito e para uma mais fácil compreensão, o trabalho foi dividido em duas partes. Na primeira parte expõe-se brevemente a história e evolução do bombardino até chegar ao instrumento atual; na segunda, o sujeito da investigação vai ser o próprio Joan Mont, apresenta-se, primeiramente, uma contextualização cultural de Valência e uma descrição da vida do nosso compositor, e posteriormente, é feita uma análise das suas obras para permitir uma explicação das características compositivas que as tornam distintivas dos demais compositores.The aim of this artistic project was to acquire more knowledge about the euphonium and its compositional characteristics, from its use by the Valencian composer Joan Mont. For this purpose, and for an easier understanding, the work was divided into two parts. In the...

Dissertação apresentada ao Programa de Pós-Graduação em Educação da Universidade Federal da Bahia, como pré-requisito obrigatório para a obtenção do grau de Mestre em Educação, área de concentração Educação e Diversidade. ... Orientadora: Prof. Dra. Alessandra Santana ...

This study falls upon a new method to make the process of learning how to play the flute more effective. The learners are students of Music in the 5 th grade. This method is based on multimedia as the main factor of communication and motivation. This way this method can be considered a Multimedia Educational Product, which aims to support students in playing popular (well known) melodies using the flute. It consists in the creation of a new DVD Karaoke in which the sound / note relationship appears underlined by a change in colour of each musical figure. This change in colour is supported by an image showing the adequate position of the flute to obtain the correct sound. This study aims to compare the results obtained through the performance of a melody supported by a paper score and the results obtained using a multimedia score.

O artigo discute estratégias de composição recorrentes nas dramaturgias contemporâneas, relacionando-as à noção de rapsódia, formulada pelo dramaturgo e teórico francês Jean-Pierre Sarrazac, e ao princípio de multiplicidade, abordado pelo escritor Ítalo Calvino no livro Seis Propostas para o próximo milênio. O artigo desenvolve uma associação entre multiplicidade, procedimentos rapsódicos de construção dramática e considerações sobre a pós-modernidade. Para isso, escritos do filósofo Jean-François Lyotard são utilizados como referência, e também a noção de princípio da pesquisadora e atriz Sônia Rangel.

Um Brasil de Circos: a produção da linguagem circense do século XIX aos anos de 1930 (A Brazil of Circuses: the Production of Circus Language from the 1800s to the 1930s) is an impressive work. Its 520 pages are filled with rigorously presented data from 42 circus companies that performed in Rio de Janeiro during the nineteenth and early twentieth centuries. Its review highlights the main point of the book to emphasize its contribution to the history of the circus arts in particular, but also to the performing arts as well as social history in general.

Ao longo das décadas de 1960 e 1970 pôde ser vista em escala mundial a eclosão de movimentos de contestação, oriundos de uma juventude engajada, cuja circulação de referências, atores e repertórios foi reinterpretada de acordo com as diferentes conjunturas nacionais, abrindo, dessa maneira, diferentes possibilidades de atuação para os movimentos estudantis, a saber, dentre outras: as guerras revolucionárias de libertação nacional; a rejeição da política tradicional; a defesa das universidades; a inclusão dos valores da contracultura e a emergência de novos movimentos sociais. A partir da produção historiográfica sobre o tema e utilizando documentos de naturezas diversas, o artigo reflete sobre a periodização da “época 68” do movimento estudantil brasileiro, analisando-a a partir de seu acontecimento, que possibilitou a ampliação do repertório de contestação contra a ditadura militar, mostrando como essas diferentes influências aparecem no caso brasileiro através das suas rupturas e ...

O conceito de dramaturgia é tão antigo quanto o teatro grego. Porém, sua entrada no campo da dança traz a chance de revisitarmos o termo, voltarmos para usa origem e trabalharmos com sua prática e conceituação na contemporaneidade. Com o foco sobre a dramaturgia do corpo e da dança, este artigo propõe discutir o termo a partir da investigação prática que aconteceu durante um encontro entre artistas-pesquisadores da dança. Através de vivências práticas de dança moderna e contemporânea, dança-teatro e das manifestações populares brasileiras entendemos a dramaturgia como uma manipulação de energia que acontece no processo de criação, incluindo o treinamento técnico do performer.

Most postcolonial societies continue to bear the scars of European colonialism in their sociocultural, political and pedagogic domains. Neo-colonialist relationships with their erstwhile colonisers continue to affect the historical and material conditions of every postcolonial nationstate to the extent of shaping the synergy between indigenous and foreign cultural systems and how postcolonial societies model their new universes.This essay looks broadly at the state of post-colonialism in the 21st century, it argues that while there are opportunities, postcolonial performance is still subject to Political, Cultural and Pedagogic constraints.

O Projeto Encontro de Saberes (PES), elaborado e coordenado pelo antropólogo e professor da Universidade de Brasília (UNB) José Jorge de Carvalho, é uma ação inédita do Instituto Nacional de Ciência e Tecnologia de Inclusão do Ensino Superior e da Pesquisa (INCTI/MCT/CNPq), com sede na UNB. O objetivo do PES é descolonizar o conhecimento universitário por meio do diálogo entre as matrizes epistemológicas indígenas, afro-brasileiras e científicas no espaço acadêmico, representadas pelos (as) mestres (as) do saber da tradição e docentes doutores (as) parceiros (as) que juntos elaboram as ementas, o programa do curso e ministram aulas com base em diferentes epistemologias. Nosso objetivo neste artigo é apresentar e discutir a metodologia do PES, exemplificando-a a partir das experiências ocorridas na UECE e na UFMG em 2014, refletindo teoricamente sobre esta metodologia. Para este fim, utilizamo-nos da pesquisa bibliográfica embasada em Carvalho, Águas e Floréz e em alguns autores pós-...