Análisis de las Imágenes en la historia

Español:
El asesinato de Rogelia Cruz Martínez, en enero de 1968, fue parte de las prácticas contrainsurgentes guatemaltecas que pusieron énfasis en los sin-límites de las operaciones policiacas en contra de los revolucionarios. Rogelia ostentó el título de Miss Guatemala 1959, participó en el certamen Miss Universo en Long Beach, California, y militó en una de las primeras organizaciones insurrectas de Guatemala, las Fuerzas Armadas Rebeldes (far). Su imagen fue parte del ideario político-revolucionario guatemalteco, en 1973 el artista plástico Arnoldo, El Tecolote, Ramírez Amaya plasmó su rostro en un edificio de Ciudad Universitaria durante el proceso de muralización. Ante ello, este estudio se dirige a colaborar en la memoria histórica de Guatemala, desde la contribución de una mujer significativa al proceso insurgente del país centroamericano, mediante el proceso de construcción de Rogelia Cruz como personaje relevante e icónico de la lucha revolucionaria.

Inglés:
The murder of Rogelia Cruz Martinez, in January 1968, was part of the Guatemalan counterinsurgency practices. The image of this woman emphasized the no-limits law enforcement operations against the revolutionaries, the impact is imminent in the population, since a decade earlier she had held the title of Miss Guatemala 1959 and participated in the Miss Universe in Long Beach, California. She was part of one of the first revolutionary organizations of Guatemala, the Rebel Armed Forces, at the time of his abduction that took her to be killed cruelly. The image of Rogelia Cruz was part of the Guatemalan revolutionary political ideology, in 1973, the artist Arnold "El Tecolote" Ramirez Amaya painted a portrait of her in the walls of the university campus during the so called muralización. Also, various political organizations have taken her name, however, the story lies in the wording of a martyr, necessary for the mobilization and awareness of the fight, but far from historical reality. Therefore, this is an attempt to delve into the lives of Rogelia Crruz to assist in the historical memory of Guatemala, from the contribution of a woman who made a significant contribution to the revolutionary process of the Central American country.

En 1640 la iglesia del pueblo de indios de Tópaga, en Boyacá, pasó del control del clero secular a manos de los jesuitas, quienes la dispusieron como el punto de partida para la empresa misionera de reducciones a los Llanos orientales, en el Nuevo Reino de Granada. En la ejecución, se implementó todo un conjunto de prácticas de acuerdo a la espiritualidad de San Ignacio de Loyola, el fundador de la Compañía de Jesús, que se manifestaron no sólo en los hábitos, sino también en la arquitectura y en el programa iconográfico del templo religioso. Así, la aparición de un diablo en el techo del Arco Toral reivindicó el discurso que los Ejercicios Espirituales definían sobre el mal, de acuerdo a la espiritualidad ignaciana del siglo XVII.

La magnitud y continuidad de los flujos de plata de Potosí que contribuyeron a la primera globalización originaron, paralelamente, una amplia circulación de textos e imágenes. Potosí Global analiza las trayectorias e influencia de las primeras imágenes de su famoso cerro y las conexiones que se entretejieron entre Sevilla, Amberes, Frankfurt y Constantinopla. Es, de alguna manera, una historia de Potosí en el mundo o una historia de interrelaciones. La autora reconstruye el contexto de producción de las imágenes para acercarse a los significados que tuvieron, con una aproximación que se sitúa en la confluencia entre la historia de los libros y la imprenta; entre la cultura visual y el arte. Es un viaje y recorrido desde el momento en que Potosí fue emergiendo como un lugar central en la nueva geografía que se fue configurando a fines de la segunda mitad del siglo XVI. Surgirían entonces sus primeras representaciones en los libros de Cieza de León y Agustín de Zárate entre 1553 y 1555, influenciando las que se pintaron desde Estambul y el Imperio Otomano. Se analiza, luego, uno de los más conocidas grabados que retrata las penurias del trabajo de extracción de la plata en las entrañas del cerro rico, publicada en una colección de viajes, en un contexto de agudos conflictos religiosos y políticos que enfrentó la Monarquía de los Habsburgos. Imágenes completamente diferentes se produjeron en la misma época en el Virreinato del Perú que apelaban a un reconocimiento de los señores nativos locales y a una alianza con la Corona Española. La imagen de Guamán Poma de Ayala retrata así, en torno a Potosí, tanto la corona como el Inca junto con sus representantes de los cuatro suyus. En la última parte, finalmente, se examina la representación de Potosí como parte de un amplio escenario cuyo diseño estuvo a cargo de uno de los más famosos artistas de su tiempo, Paul Rubens, en 1635, que representó la Casa de Moneda en forma del cerro potosino.

A través del presente texto, se exponen los resultados parciales de una primera aproximación desde el ámbito de la disciplina histórica, al contexto de una investigación emprendida desde la antropología (Perilla, 2009)  y que actualmente incursiona  en la historia, en este sentido la historia cultural por su  enfoque interdisciplinar proporciona las herramientas teóricas y metodológicas para avanzar en la investigación de las transformaciones culturales de una parte de la población indígena de zona de frontera durante la colonia.
Esta primera aproximación se realizó a partir de un ejercicio de análisis de imagen icónica que permitió interpretar las concepciones que para el siglo XIX se tenían de una región y sus habitantes, de esta forma en relación a imágenes textuales, se logra una visión amplia en términos temporales necesaria para identificar las posibles transformaciones culturales de la población nativa. La importancia de abordar el siglo XIX en este caso, se debe a la escasez de registros documentales de principio y mediados del siglo y la ausencia al finalizar el mismo sobre los grupos indígenas que habitaron la región oriental (cordillera oriental y provincia de Caquetá) y la consolidación del mito Andaquí en el imaginario nacional.

El presente trabajo se propone indagar los procesos de representación de la realidad construidos por los jesuitas y por los guaraníes en torno a la figura del Arcángel San Miguel presente en todas las reducciones jesuíticas del Paraguay. A partir de ellos intentaremos reflexionar sobre la importancia de los mismos en la consolidación de la alianza defensiva jesuita-guaraní que permitió la expansión del sistema de reducciones.

Por: Daniel Chiquete INTRODUCCIÓN La arquitectura cristiana es casi tan variada como lo son las formas en que las comunidades de creyentes se organizan para celebrar y comunicar su fe. En la Biblia no existe indicación alguna sobre la forma que deben tener los templos cristianos ni sobre los elementos simbólicos o utilitarios que deben contener. En realidad, el cristianismo nació sin tener siquiera en mente que habrían de tener la necesidad de construir lugares especiales para desarrollar sus actividades. Hasta el siglo IV la iglesia no construyó templos, y esto por diversas razones, entre las principales es que no tenía el poder económico, político y social para hacerlo. Las primeras generaciones creían en el inmediato regreso de Cristo y no se preocupaban por construir templos. El primer edificio que se reconoce en la actualidad como una modificación y adaptación consciente para celebrar un culto cristiano, según la investigación arqueológica, se encuentra en la ciudad de Dura-Europos, a las orillas del río Éufrates, la que en el año 256 fue adaptada para celebrar la liturgia, incluyendo la realización de bautismos, como lo atestigua la gran pila bautismal que contiene, a la cual se desciende a través de varios escalones. Para entender la forma, la función y el significado de los templos cristianos es necesario considerar al menos tres elementos determinantes: 1) la teología o las ideas religiosas dominantes en la comunidad, 2) las formas litúrgicas que la comunidad cultiva y 3) el contexto socio-urbano donde ellos son construidos, incluyendo las posibilidades económicas de la congregación. Estas variantes están presentes tanto en el catolicismo como en las diversas familias confesionales del protestantismo, incluyendo a las iglesias pentecostales. Sin duda, hay elementos invariables, o al menos muy repetitivos, que generalmente distinguen un edificio como iglesia cristiana, pero también son muchos los elementos propios de las diversas tradiciones cristianas, los que también coadyuvan a darles una identidad corporativa. En otras palabras, hay algunos elementos arquitectónicos comunes y muchos otros específicos y diferentes. Por ello la intención de este escrito es resaltar algunos de estos elementos en la arquitectura cristiana y compartir alguna información sobre su significado. I. LA ARQUITECTURA CRISTIANA ANTIGUA En realidad, los espacios construidos por la iglesia para actividades litúrgicas son una aparición muy tardía. Desde que la Iglesia se convirtió en una fuerza social y política importante dentro de las estructuras del Imperio Romano, lo que hizo fue tomar edificios ya existentes y adaptarlos a sus necesidades. La forma más representativa a partir del siglo IV fue la basílica, que en su origen era unaespecie de juzgado civil, aunque también cumplía otras funciones  Publicado originalmente en: Juan José Barreda y Edesio Sánchez,

La historia de las primeras huelgas obreras en Barrancabermeja se ha examinado en múltiples ocasiones. Sin embargo, son pocos los relatos que consideran con cuidado las imágenes del contexto, pues suelen retomarse como ilustraciones o pruebas de la historia. El presente texto busca contribuir a este vacío partiendo específicamente de las fotografías de Floro Piedrahita, quién llegaría en 1924 al puerto petrolero acompañando a grandes figuras sindicales como Raúl Eduardo Mahecha y María Cano. No obstante, Piedrahita no se encargaría meramente de registrar el nacimiento de la Unión Sindical Obrera, sino que sus fotografías plantearían toda una serie de preguntas con respecto a la representación del movimiento obrero. Por ende, partiendo de la fotografía como construcción y producto material, en este trabajo se escudriña el lenguaje fotográfico de Floro Piedrahita, se analizan formalmente sus imágenes y se establecen comparaciones con círculos de fotografía obrera, e incluso con algunas obras pictóricas para identificar las particularidades del caso de estudio. Los protagonistas del análisis, lejos de ser sujetos individuales o sindicalistas, son los obreros petroleros como colectividad. Se concluye que la mirada del fotógrafo como testigo mediador no es en absoluto evidente y posibilita varios caminos para pensar la representación visual del obrerismo.

El espacio litúrgico en el pentecostalismo mexicano: Acercamiento teológico a la arquitectura pentecostal  Por: Daniel Chiquete 1. Introducción En los últimos años los estudios sobre el pentecostalismo han experimentado un acelerado auge y se ha producido una importante cantidad de trabajos que abordan diferentes aspectos de esta tradición cristiana. La diversidad y complejidad del pentecostalismo latinoamericano empieza a exigir estudios más particulares y geográficamente delimitados, a partir de los cuales se pueda acceder a la comprensión de aspectos de esta espiritualidad que no han podido ser abordados por los estudios más generales. La intención de este artículo es hacer un aporte a la comprensión de un tema muy importante del pentecostalismo y de cualquier otra expresión religiosa: el espacio de culto. Quiero abordar de forma interdisciplinar el estudio de la arquitectura pentecostal de una región del noroeste de México y, a partir de ese estudio, proponer para la discusión una interpretación de los espacios de culto pentecostales. Especial atención se dedicará a la interrelación entre la liturgia y el espacio de culto, pero sin descuidar otros factores que inciden en la conformación espacial. En la investigación de campo realizada para este estudio se analicé en forma general más de 30 espacios de culto (templos) de iglesias pentecostales del estado de Sinaloa (México) pertenecientes a diferentes tendencias de la región. 2. Relación entre espacio, liturgia y comunidad: planteamiento teórico La comunidad creyente que se reúne para celebrar su fe en el acto litúrgico adquiere forma y realidad en un espacio específico. Mediante la liturgia cada persona se relaciona con la comunidad y con el espacio y establece diversos tipos de relaciones con ambos. En su interrelación, todo cambio en uno de los elementos se reflejará en los otros dos. Ninguno de ellos puede ser comprendido de manera independiente. Según la teología de la liturgia, el espacio de culto debe servir al objetivo de hacer la celebración cultual adecuadamente visible, audible, clara y significativa; debe ayudarle a reforzar su mensaje sin distorsionarlo. La liturgia, a su vez, debe esforzarse no sólo por usar correctamente el espacio, sino también por consultarlo, respetarlo e incluirlo como un elemento valioso de la celebración. Ambos deben permitir a la comunidad celebrante orientación, seguridad de acción, ambiente de adoración y sensación de bienestar. La  Publicado originalmente en: Estudos de Religião 22, año XVI, Brasil, Universidade Metodista de São Paulo, junio 2002, págs. 110-140.

El concepto de dibujo infantil libre es más bien el resultado de un proceso histórico. El dibujo y la pintura no contaban entre las materias escolares de la tradición europea posterior a la Antigüedad. Sólo recibían formación los niños destinados a ser artistas y los nobles. Aprendían a pintar como adultos. La introducción de las clases de dibujo en las escuelas a finales del XVIII no cambió las cosas. Aún el modelo de Pestalozzi, en su época el que más respetaba la autonomía del niño, proponía transmitir lo más temprano posible los métodos de enseñanza de los adultos. Estos niños  ya no podían dibujar en  forma infantil aunque se lo hubieran propuesto. 
    El  dibujo infantil libre se comenzó a perfilar a fines del siglo XIX, y se impuso en épocas modernas. Procura que el niño se manifieste espontáneamente.  El arte no debe entrar en el niño, debe salir de él. El niño necesita la presencia de un adulto para expresarse, el cual se deberá limitar a poner a su disposición técnicas, materiales, ideas y temas.
    En la rama de las artes visuales existen relativamente pocos niños prodigio, puesto que para transformar la idea en algunos casos desordenada de la mente en algo lógico y ordenado se requiere de gran madurez mental.
  El niño pasa de un realismo esquemático a un realismo fotográfico. Rara vez representa a un hombre de perfil, porque de frente tiene una visión más completa. No toma en cuenta la perspectiva. Las figuras permanecen estáticas y rígidas. No emplea el claroscuro y normalmente utiliza solamente un color favorito. Repite formas en manera automática porque no puede realizar esfuerzos de observación.
    Esta muestra es testigo de que el dibujo infantil de Efraín Recinos, realizado en forma espontánea,  carece de las características usuales en los demás niños.  Refleja tal madurez que lo hace caer en la excepcional categoría de niño prodigio de la pintura.

Por medio de la plataforma History Pin y en el marco de la iniciativa del Ministerio de Cultura y la Biblioteca Nacional de Colombia, "Comparte Tu Rollo", se realizó el Fondo Gavassa y las Colecciones "Bucaramanga y sus antiguos sitios emblemáticas", "Bucaramanga y sus profesiones de otrora, "Bucaramanga y sus actividades de antaño" y "Bucaramanga y sus instituciones religiosas". Por consiguiente, a cada imagen se le da un título, leyenda, ubicación y fecha exacta o aproximada, con un comentario historiográfico y se le anexan unas etiquetas de búsqueda. Estas características en la imagen permiten que cada Pin del Fondo y ubicado en su respectiva Colección, contenga la información suficiente de manera específica y en contexto y que sea una fuente fiable con fines científicos y culturales

Hasta mediados del siglo XX, el Salto de Tequendama fue uno de los lugares emblemáticos de Colombia, curiosamente la naturaleza, una de las banderas de la visualidad colombiana, no tenía muchos referentes, pero este lugar se representaba por viajeros, artistas y fotógrafos de modo recurrente. Su transición de emblema a olvido es analizado a través del recorrido histórico de sus imágenes, a partir de la colección que alberga el Banco de la República en Bogotá.

Como una ola innovadora en la Argentina  de mitad del siglo XX, el primer mandato de Juan Domingo Perón implementa un plan de gobierno de características poco vistas  y de importantes cambios en políticas sociales, que buscaron como primera medida la mejora de la calidad de vida de la clase trabajadora. Este texto busca abordar diversos proyectos reformistas que se encontraban en ejecución para finales de la década de los 40  teniendo en cuenta la función que desempeñó la fundación Eva Perón como gran ejemplo de la implementación de estas reformas, haciendo hincapié en cómo eran presentadas a la población mediante fotografías plasmadas en la revista Mundo Peronista, evidenciando así el discurso visual que giró alrededor de un conjunto de obras asistencialistas y cómo las mismas podrían ser usadas como un elemento adoctrinador para la época, esto a través de la exposición de una serie de recortes de la revista que permitan un acercamiento a la  imagen como posibilitadora de interpretaciones, de conocimientos relevantes para el historiador y a su vez como reflejo de la realidad sociopolítica del momento.

Sobre el presente ensayo corre una pregunta: ¿es posible aprehender la realidad a través del estudio de las imágenes? Una pregunta que, en términos más particulares, nos lleva a la cuestión de si es posible, acaso, aprehender la realidad del pasado valiéndonos de las imágenes. Usando como eje la reflexión que en "Las palabras y las cosas" Foucault hace sobre "Las Meninas" de Velázquez, este ensayo se interroga acerca del estatuto epistemológico del estudio de las imágenes.

Las postales han sido objeto de análisis que han puesto el acento en diferentes cuestiones. De manera destacada puede reconocerse una tradición que ha analizado las imágenes que componen las postales para conocer cómo se retratan los destinos turísticos. Otros abordajes han complementado estos análisis señalando la condición de objeto complejo: un objeto que se elige, se adquiere, se escribe, se envía (e incluso se conserva) como parte de la experiencia turística. Se ha sugerido que la postal presenta una imagen estandarizada (la que se encuentra en el verso) y un espacio para la escritura del turista (en el reverso) marcada por la subjetividad. Este artículo busca cuestionar esa supuesta dicotomía entre imagen estereotipada y anónima versus texto subjetivo y personal a partir de una revisión histórica de la postal como objeto (sus modos de uso, sus formatos, sus usuarios) y proponer un análisis cualitativo de las postales que entrelace el verso y el reverso como fuente para indagar sobre las prácticas turísticas desde el punto de vista desde el propio turista. Abstract: Postcards have been object of analyses that have emphasized various issues. Images on postcards have naturally attracted examinations of the ways they portray tourist destinations. Other approaches have complemented these analyses by examining their status as complex objects: a postcard implies not only a representation of a tourist destination, but itself is an object that is selected, acquired, written on, sent (or kept) as part of the tourist experience. Also, some studies assume that postcards are double ‑sided objects with a standardized image (on the front) and a blank space for personal writing (on the back). This article aims to question the supposed dichotomy between stereotypical and anonymous image versus personal and subjective text. This is achieved through a historical revision of postcard as object (the way it has been used, its formats, its consumers). The article also suggests a qualitative analysis of postcards that consider post‑ cards' front and back together to inquire into tourist practices from the tourist's perspective.

Neste artigo é apresentado e debatido o Método Documentário de Análise de imagens desenvolvido por Ralf Bohnsack, pesquisador da Freie Universität Berlin, e algumas de suas possibilidades para os estudos História e demais áreas das Ciências Humanas. A busca pelo sentido documentário da imagem, para além do sentido imanente, caracteriza o método que aponta para a análise da visão de mundo e do habitus do grupo produtor da fonte. Desta forma, passa-se da simples interpretação da imagem para o estudo aprofundado das características de tal grupo, suas ideias, ações, seus conceitos e preconceitos. Na tentativa de aproximar o método das ciências históricas e políticas, apresentamos uma análise de uma charge como exemplo. Tal forma de representação foi escolhida pelo fato de poucas imagens serem tão marcadamente políticas e ao mesmo tempo representativas de um momento e um grupo social quanto as charges. A análise da imagem pretende, assim, demonstrar a abrangência que uma fonte dessa natureza pode apresentar, bem como a efetividade da utilização do método documentário na busca por sua ampla compreensão.

Durante los años en que se desarrolló la lucha política, los revolucionarios y militantes de la
izquierda política dejaron un legado artístico, por el cual se expresó la ideología y la utopía por la que
se luchó. Tal es el caso de la militancia en el interior de la Universidad de San Carlos de Guatemala,
donde se llevó a cabo un proceso de muralización desde los primeros años de la década de los setenta,
por un grupo de intelectuales y artistas. Este proceso fue captado por el fotógrafo Mauro Calanchina,
quién aportó con su trabajo a la conservación de la memoria histórica. El recorrido por el patrimonio
artístico guatemalteco implica el estudio de las imágenes que fueron desarrolladas durante este periodo.
En este trabajo se pretende puntualizar algunos momentos significativos, para entender el desarrollo de
estas manifestaciones culturales, los murales y la fotografía en la USAC, que aportan a la comprensión
y conocimiento de la lucha revolucionaria del país centroamericano.

El antropólogo mexicano Roger Bartra en sus trabajos hace un análisis de la evolución del mito del salvaje europeo, que hunde sus raíces en la más clásica antigüedad para evolucionar y adaptarse a la mentalidad de las gentes que fueron poblando Europa hasta su expansión por el mundo a finales del s. XV, extrapolando esa mitología a la construcción discursiva en torno a los habitantes del Nuevo Mundo. Esta dimensión mitológica se funde con el rol que el indio fue adquiriendo a lo largo de la consolidación de la hegemonía europea en torno a la idea de Modernidad y Capitalismo, en la primera como alteridad y en la segunda como habitante de la periferia explotada. Dimensiones ambas estudiadas y criticadas por el pensamiento latinoamericano contemporáneo. Este trabajo se pone como objetivo reflexionar sobre la complejidad de la formación discursiva en torno a la imagen del indio usando estos tres ejes transversales ¿Qué papel jugó la mitología y la fantasía europea en conjunción con aspectos más típicamente relacionados con el racionalismo europeo, como son el capitalismo y la Modernidad, en la conformación de lo indio? Explorar, entonces, el encuentro entre el salvaje europeo y la Modernidad.

ARTÍCULOS

1) El vientre de los modernos. Psicología, fisiología y filología de la conciencia histórica
Filippo Fimiani
Università de Salerno
Universitè París I-Panthéon-Sorbonne

Traducido del francés por Yanina Benítez Ocampo y Santiago Bellocq
(Universidad Nacional de San Martín)

Resumen
“La ‘modernidad’ a través de la imagen de la comida y la digestión”. Ésta es la tarea y el programa de la genealogía fisiológica y psicológica identificada con claridad por Nietzsche en un fragmento del otoño de 1888 y firmemente perseguida en toda su obra. El diagnóstico es implacable y es posible por un uso extendido de la metáfora gastronómica, aplicada a todos los campos de la experiencia y el lenguaje por una escritura temeraria de la historia. Como Valéry y Péguy también lo ilustran, la experiencia de los hombres contemporáneos es pobre y enferma y se caracteriza por una duplicidad radical y una contradicción sin síntesis. No sólo las cosas, como además lo muestra en sus análisis sobre las mercancías como nuevos jeroglíficos que marcan el espacio saturado de la metrópolis, sino también el hombre es doble, así como su corporizada y profundamente fisiológica economía. Su estómago hambriento tiene dos caras, porque todo lo toma pero no nutre en absoluto; vocifera acerca de entusiasmos varios y heterogéneos, no sobre un verdadero alimento para ser absorbido y transformado. En resumen, vive por un instante sin pasado ni futuro. El opuesto de esta lógica de la enfermedad y la insensibilidad en busca de muchas sensaciones y shocks sensacionales, y el reverso de este olvido por rapidez excesiva, es un ser anti- o incluso premoderno en extremo. En los tiempos modernos, el entrenamiento de un criticismo genuino acerca de los prejuicios y el supuesto auto-conocimiento implican una regresión y una alteración de las propias identidades históricas, las creencias y los valores. Finalmente, como Benjamin y Warburg lo revelaron, el criticismo es como tornarse otra vez animal y la interpretación es como recuperar la lentitud y la melancolía de un eterno masticar, al igual que un perro o una vaca.

2)Palabra e imagen en la modernidad temprana. Representaciones de la barbarie mediante ilustración, écfrasis y alegoría
Nicolás Kwiatkowski
Consejo Nacional de investigaciones Científicas y Técnicas
Universidad Nacional de San Martín

Resumen
El objetivo de este artículo es indagar en el papel de las transposiciones como dispositivos de producción de identidad y alteridad en la modernidad temprana. Se analizarán usos concretos de ilustraciones, écfrasein y alegorías, y las características de su producción y recepción. Se buscará discernir el modo en que, mediante la transposición, se produjeron representaciones de varios Otros que, a su turno, contribuyeron a generar diversas identidades en el contexto europeo.

NOTA CRÍTICA

Memoranda Estética. Un manuscrito desconocido de Guillermo De Torre (1924)
Carlos García
Hamburg, Alemania

Resumen
Guillermo de Torre (1900-1971) fue miembro prominente del Ultraísmo, movimiento de avanzada español con ramificaciones en la América hispana. Publicó luego una obra standard: Literaturas europeas de vanguardia (1925). Torre fue también cuñado de Jorge Luis Borges. La mala relación entre ambos es bien conocida, al menos entre los especialistas, porque casi no hay biografía de Borges que la silencie. En el documento reproducido a continuación encontramos una rara excepción, puesto que en este caso es Torre quien critica a Borges. Más interesante es, empero, la crisis de la cual este manuscrito da testimonio: la evolución personal de Torre es la materia de su texto, su auto-compromiso en aras de la aventura y en contra del orden.

Image des femmes pendant la guerre civile espagnole à travers les affiches. Nous avons recensé les types suivantes :
1. La femme combattante : le mythe de la milicienne.
2. La femme « démon » : la femme comme porteuse de maladie.
3. La femme « ange » : la femme protectrice du foyer.
4. La femme active et contradictoire : Les organisations Mujeres Libres et Mujeres Antifascistas.
5. La femme victime: la souffrance engendrée par la guerre, la menace pesant sur la famille.
6. La République : Marianne et l’Espagne.

Se aborda el tema de la Guerra de Granada en el imaginario artístico español, prestando especial atención a los elementos vinculados a la propaganda. Nos centramos en tres tiempos históricos principales: el desarrollo del conflicto, el siglo XIX y el siglo XX, con unas breves referencias a la actualidad. No se trata de un análisis pormenorizado del fenómeno, sino de breves apuntes que pueden ser de utilidad para estudios futuros de mayor profundidad y extensión. Así, observamos que en primer lugar hay una búsqueda intencionada del apoyo al conflicto, para tras la conquista difundir la victoria en beneficio de los Reyes Católicos. Durante el siglo XIX se vincula la Guerra de Granada a la génesis de la nación española y así continuará durante buena parte del siglo XX, lectura potenciada por el franquismo y su apropiación de símbolos y significados medievales, que solo recientemente comenzaron a modificarse en el imaginario popular, gracias a nuevas muestras visuales como la serie Isabel.

Palabras clave. Arte, Propaganda, Granada, Guerra, Reyes Católicos.

The theme of the Granada War in the Spanish artistic imagery is addressed, paying special attention to propaganda factors. The paper is focused on three main historic moments: the period of conflict, the19th and 20th centuries, and present time. Instead of trying to draw a detailed analysis of the phenomenon, the works pretends only to outline the guidelines for further research. Thus, in the first place an intentional search to support the war can be detected. In fact, after the war was finished, the news of the victory spread, in benefit of the Catholic Monarchs. During the 19th century, artists and scholars have associated the War of Granada with the genesis of the Spanish nation. This point of view had remained very much the same during the 20th
century, helped by the regime of Francisco Franco and its appropriation of medieval symbols and meanings. The Granada War representation in people’s imagination has started to change only recently, thanks to new visual media such as Isabel, the Spanish historical fiction television series.

Keywords. Art, Propaganda, Granada, War, Catholic Monarchs.

El 17 de octubre de 1946 el gobierno argentino conmemoró el primer aniversario del 17 de octubre con un sello postal, en cuya viñeta se representó una imagen del pueblo en interacción con una alegoría de la república. El trabajo analiza, contextual y comparativamente, la construcción de la imagen del pueblo en los sellos postales, las continuidades y rupturas iconográficas, las particularidades históricas y políticas en la forma de representación del mismo y describe el proceso político de apropiación selectiva por parte del peronismo de la imagen clásica de la república para conmemorar la fecha, junto a los cambios iconográficos que originó esta particular reapropiación. La interacción en la imagen de ambas alegorías (la de la república proveniente de la tradición liberal y la del pueblo de la socialista) explicita una novedad iconográfica y la propuesta política del peronismo para representar la jornada como un hito simbólico, celebratorio y no de protesta, en la búsqueda de adhesión y apoyo. Ello explica que en la representación de la jornada estuviera ausente la imagen de Perón y que el lugar que ocupe la imagen de la república, como representación de su ausencia y referente de su presencia, nos permita interpretaciones políticas en un contexto en el que el peronismo aún no contaba con el monopolio de las interpretaciones simbólicas del 17 de octubre, ni había desarrollado su aparato propagandístico, y cuyo deseo principal, a cuatro meses de haber asumido el poder, era el de generar amplios consensos políticos.

El estudio, el análisis y la contextualización histórica de los códices Techialoyan, permitirán conocer el pasado de los pueblos de indios coloniales, así como comprender la relevancia de su uso como herramienta legal ante el despojo de sus tierras. Los Techialoyan se convirtieron en portadores de la memoria histórica de los pueblos, la cual funcionó para rememorar los privilegios y derechos que por herencia ancestral les correspondían.

Rojas Cocoma, C. (2018). Las postales de la casa Flohr, Price & Co. en Colombia: la invención de un lugar a comienzos del siglo XX. Estudios E Investigaciones, 13, 19-39. Recuperado a partir de http://revistascientificas.filo.uba.ar/index.php/payro/article/view/10482

La intención de este ensayo visual es compilar y poner en diálogo imágenes de la revista Billiken correspondientes al periodo de 1945 a 1955 para pensar qué representaciones e imaginarios sobre la Historia se construyen a través de las ilustraciones.

Primera edición, diciembre 2014 © de los textos y fotografías: sus autores © de la edición: EnredARS y Aula Latinoamericana de Pensamiento y Creación Contemporáneos Impreso en España / Printed in Spain Todos los derechos reservados. Su reproducción en cualquier formato 5 4

Gran parte del siglo XIX en América Latina, se define como una época de incertidumbres que habitaba un intersticio entre el anhelo del pasado colonial reciente y la necesidad de encontrar una identidad fundamentada en la diferencia; una contradicción perenne que comulgaba con los objetivos de las luchas emancipadoras, las constantes guerras intestinas y los deseos de consolidar el proyecto de las jóvenes naciones. Tanto las comisiones cartográficas, como los exploradores, se consolidaron como hitos que inauguraron una tradición cultural en una época donde la realización de viajes investigativos y la representación de lo propio se arraigaría en lo más profundo de las raíces culturales americanas. En este artículo se parte de la comparación de los contextos sociopolíticos de dos casos particulares, los Estados Unidos Mexicanos y la Nueva Granada, procurando reconstruir el modo en que la cartografía se convirtió en la respuesta idónea ante un estado de emergencia identitaria, derivada del desconocimiento geográfico, las carencias económicas y la inestabilidad territorial, transformándose en la herramienta más eficaz para la construcción del imaginario de nación, el cual le brindó a las comunidades la capacidad de identificar un territorio aunado a la construcción simbólica de un mapa, trazando así la nación. Naciones e imaginarios Es un hecho ampliamente conocido que el siglo XIX en América Latina es un periodo caracterizado fundamentalmente por el intento de conformación de los proyectos nacionales tras los sangrientos y complejos procesos de emancipación del sistema colonial europeo. Si durante los tres primeros siglos de colonia la corona fungió como principal órgano rector, enarbolando la santa voluntad de la iglesia como instancia última y método de persuasión y conquista, el siglo XIX es la transición hacia un régimen de control social de orden institucional, fincado en la figura de la nación. Junto con ello, el papel de las artes se fue desvinculando paulatinamente de la labor eclesiástica, para encontrar un nuevo mecenas con diferentes preferencias y exigencias, así pues, "[…] los artistas se adaptaron a los nuevos tiempos, en esa transformación que significó pasar de los "Santos

El presente artículo revisa el papel que las láminas del Álbum de la Comisión Corográfica cumplieron en la edificación del “imaginario nacional” neogranadino. Es comprensible que, dadas la magnitud e intenciones de la empresa, se les otorgue tal importancia a sus imágenes. Sin embargo, la exagerada distancia cronológica entre la producción y la publicación de las mismas permite cuestionar el rol paradigmático que se le ha conferido. Para tal propósito este trabajo plantea una revisión cronológica de los diversos momentos de dichas láminas.

El presente trabajo propone una aproximación comparativa a las imágenes del cuerpo sindical en 1963 y 2017 para relevar las continuidades y desplazamientos en la puesta en forma de esa corporalidad, masculina y organizada, en dos imágenes con tiempos históricos diferentes: los años 60 del siglo XX y la segunda década del XXI, con el objetivo de abordar cómo se delinea ese cuerpo social sindical en ambos momentos. En este sentido, proponemos como corpus a analizar el afiche “¡Basta!” de 1963 del artista plástico Ricardo Carpani (1930-1997) y la fotografía sin título de 2017 del fotógrafo Fernando de la Orden (1976-) realizada para el diario Clarín.

"Arquitectura invisible de un espacio imaginario. Una propuesta de relato de la pintura española del siglo XIX”, en PAYO HERNANZ, R., Martín Martínez de Simón, E., MATESANZ DEL BARRIO, J., ZAPARAÍN YÁÑEZ, M.J. (ed. lit.), Vestir la arquitectura: XXII Congreso Nacional de Historia del Arte, Burgos, Universidad, vol. II, pp. 1770-1774.
ISBN 978-84-16283-64-4

The pomegranate is a highly seasonal product with a high level of production that must be marketed in a relatively short period of time. Before being harvested this fruit is affected by particular problems, such as the so-called sunburn (Melgarejo et al., 2004), which does not influence the internal quality, but prevents the marketing of the fruits affected because it degrades the external appearance. On the other hand, there is the difficulty of peeling the fruit and manually extracting

O presente artigo pretende aplicar a análise semiótica peirciana sobre os anúncios publicitários impressos de diferentes produtos da marca “Seda”. A pesquisa foi baseada no modelo didático-pedagógico proposto por Lúcia Santaella (2002), a partir dos três pontos de vista semióticos peircianos apresentados pela pesquisadora para a realização da análise. Também procedemos às revisões bibliográficas sobre a comunicação publicitária para conceituar o tema aqui tratado.