Akira Yamaoka - Silent Hill 2 (2001)

 Silent Hill 2 es catalogado y reconocido como uno de los mejores videojuegos del género Survival Horror y también de los mejores de todos los tiempos. Tan importante título e influyente, como si fuera poco, viene acompañado de una banda sonora totalmente impactante y destacada. En el ámbito de los muy aficionados melómanos e internautas de la música, el soundtrack de Silent Hill 2 es muy citado recurrentemente entre los más importantes, atrapantes y esenciales. En el año 2001, más precisamente a fines de septiembre de ese año, salía al mercado este videojuego para Playstation 2. Sin imaginarse nadie la influencia que provocaría en el mundo del gaming, este título vino acompañado de una banda sonora totalmente superior a cualquier videojuego que hayan jugado. El 3 de octubre de 2001, Akira Yamaoka publicaría la banda sonora de dicha obra de arte, lo que significaría un mérito más a la profunda historia del juego. Artista y compositor, que ya había compuesto la banda sonora del primer juego para el Team Silent y Konami, Yamaoka, desafía la ambientación de los videojuegos y marca un antes y un después innegable en materia soundtrack de los mismos. 

Video Game Soundtrack, Ambient, Trip Hop.

Columbia / Konami

Mi calificación: 5 / 5 estrellas

Mejores canciones: Theme of Laura, White Noiz, Forest, A World of Madness, Promise, Null Moon, Heaven’s Night, Alone in The Town, Prisonic Fairytale, Love Psalm, Terror in The Depths of The Fog, Betrayal, Overdose Delusion, Pianissimo Epilogue.

La mayoría de las veces, es difícil explicar por qué aficionados, melómanos, gamers e incluso los mismos críticos y productores, con el pasar del tiempo, han de tener si o si, un segundo de detenimiento en el análisis de esta banda sonora. Fue más valorada con los años, es una realidad, pero con este beneficio al estilo retroactivo, Yamaoka empezó a gozar de mucha reputación. Aquí no analizo lo demasiado bueno que es el videojuego, aquí me cuestiono lo demasiado bueno que es su banda sonora. Yamaoka empezó a ser un compositor muy apañado por la crítica desde este punto. 

Como era de esperarse lógicamente, esta larga historia no iba a ser orquestada por una banda sonora corta. Con una hora y casi quince minutos, Akira viaja confiadamente entre el Noise Rock y el alternativo, el ambient industrial en base a un synth siniestro y lúgubre, escasos momentos melosos melódicos, pesadillas oscuras industriales e intrigantes canciones de piano. Estos factores son los que congenian uno de los álbumes más creativos de oriente de los últimos 30 años, independientemente del tipo de música  en cuestión.

Haciendo un juicio superficial, igualmente la música de Silent Hill 2 se diferencia de sus iguales por amplia diferencia. Konami ha tenido un buen apaño para el Team Silent. La realidad es que Akira ha de ser un compositor experimentado y que, junto a la realidad de los  guionistas, logró llegar a su clímax como artista en la participación de uno de los videojuegos más importantes de la historia. La única opinión que desarrollo y manifiesto,  en base a la historia de trasfondo,  es que pienso que estuvo todo pensado milimétricamente para crear un aura totalmente atrapante y adictiva para el usuario.

Enfocándonos más en lo musical, sin tener delante nuestro una pantalla, un personaje o algo interactivo, Yamaoka demuestra que la materia musical que produce, por lo menos en términos de música ambiental, es totalmente prolífera y eficaz. El artista nacido en Niigata, desarrollaría joyas instrumentales que traspasan el gaming como “Theme of Laura” (contiene las mandolinas del tema principal del primer juego) y “Promise” como las instrumentales más icónicas con guitarra y piano. Luego, si tenemos en cuenta canciones que pueden ser de un amplio espectro, o por lo menos una pequeña determinación “Pop/Rock”, podemos encontrar Angel’s Thanatos y Love Psalm, siendo realmente un alto contraste entre ambas. La primera simbolizando peligro y la segunda relajación.

Apartando estas pistas y las protagonistas, Silent Hill 2 se basa ambientalmente en una odisea oscura, dura, necia, fría y totalmente conmovedora en donde los sintetizadores y teclados a cargo de la ambientación, se llevan definitivamente el protagonismo. Atrapantes  en White Noiz, dubitativos  e intrigantes en Ordinary World, impositivos en Heaven’s Night (teniendo en cuenta la escena del juego), y sobre todo, totalmente sorpresivos y atrapantes como en Terror in The Dephts Of The Fog, se convierten en la pieza alimenticia de, quizás uno de los soundtracks más recordados de la pantalla chica y grande.

Indudablemente, he aquí aplicado un trabajo ambiental inmediatamente puesto a prueba. Desde el desarrollo de la apertura con la canción de Laura hasta la canción del miedo en las profundidades de la niebla. Yamaoka ha de ser consagrada desde este instante (hasta el día de hoy) como uno de los mejores compositores multiinstrumentista de la música ambiental. Que camino recorriste Sunderland…

Future - Monster (2014)

 Como si de un artista casi atemporal del Siglo XXI  y comercialmente exitoso se tratase; como Drake supongamos; Future es uno de los raperos de Atlanta que, desde su inicio como artista, hasta el día de hoy, prácticamente elabora un hit radial por año. Desinteresadamente, mucha gente alrededor del mundo reconoce por lo menos una canción de él. Este fenómeno, hace un poco menos de diez años, veía la luz gracias a adictivos sencillos colocados en la lista Billboard. Entre esas canciones vacías, se camufló inocentemente su más profundo trabajo y mixtape, Monster, lanzado el 28 de octubre de 2014.

Trap

Epic Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas.

Mejores canciones: Monster, Throw Away, After That, 2 Pac, Hardly, Codeine Crazy.

Mientras el artista, bautizado por nacimiento como Nayvadius Wilburn, transcurría la ruptura amorosa con su pareja de ese entonces, Ciara, a su vez dejaba lo mejor que tenía en el estudio cada vez que iba a componer. A diferencia de la mayoría de sus trabajos banales, triviales, hedonistas o desafiantes que habría elaborado anteriormente, en Monster, Future decidió por primera vez contar como se sentía y desarrollar un trabajo con una temática mucho más introspectiva y reflexiva. Sumemos a esto, los productores como Metro Boomin,Southside y Nard & B entre otros, en un momento de inspiración y flexibilidad bastante favorable.

Luego de estar disfrutando su fama y gran reputación monetaria por unos seis o cinco años, a Future le llega un momento crítico en su vida, la separación con su prometida Ciara. Es en este año en donde el rapero decide plasmarlo en su mixtape y contar un poco lo que sucede por su mente. Monster es muy diferente a sus trabajos sin brillo, repetitivos, ominosos y bruscos que ya había grabado en el comienzo de su carrera. Todo artista tiene su punto de inflexión, y para Nayvadius fue este. Momento citado, el cual, se convirtió al día de hoy en uno de los trabajos más significativos e importantes en el Trap americano. Monster es un momento increíble de lucidez en donde artista y productores se complementan para brillar de una vez por todas. Es decir, las asociaciones de aquí, ya las hemos escuchado y en el futuro inclusive no harían casi nada interesante, es decir, es un destello atónito pero muy apreciable del artista.

La canción homónima del álbum, el artista tiene en cuenta la maldad  que puede tener de manera totalmente vulgar y sexista pero de manera inmediata solo para tratar de apaciguar los reales problemas que se presentan en Throw Away, como una oda de descargo terrible que se diferencia de toda su carrera y Codeine Crazy que trata de simbolizar su caída más profunda en adicciones y mala vida. Esta última inclusive, se asemeja en varios puntos a Hardly, canción en donde detalla el dolor que siente internamente.

Da igual si anterior a este trabajo las canciones de Future solo connotan un falso o incluso simbólico triunfo, tanto económico como social. Lo importante es que, quizás por primera vez en su carrera, y no última, nos encontramos con un álbum que contiene una trama, contiene un guion y contiene un concepto definitivo y significante. Su sonido instrumental, meritoriamente, también se diferencia del resto. En el viaje encontramos bases rítmicas, misteriosas, oscuras y dinámicas. Future Hendrix comenzó a ser tenido en cuenta por el mundo crítico luego de Monster y, por supuesto, es una acción totalmente justa luego de retratar por primera vez un hecho sentimental comprobable en su carrera. 

JPEGMAFIA x Danny Brown - Scaring the Hoes (2023)

 Tan repentino como seguro idealizado por algún que otro melómano, dos de los artistas más extrovertidos, genuinos y habilidosos en el ámbito del Hip Hop, decidieron juntarse y crear un viaje completamente de ida hacia la locura del dinamismo musical, y si, no se podía esperar menos de Danny Brown y JPEGMAFIA, sin ni siquiera exigirles algo. El primero, el antirap personificado con barras crujientes y voz chillona, el segundo, posiblemente el mejor productor del momento. Ambos lanzaron "Scaring the Hoes" el 24 de Marzo de 2023.

Experimental Hip Hop, Hardcore Hip Hop

Peggy Records

Mi calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores canciones: Lean Beef Patty, Scaring the Hoes, Garbage Pale Kids, Fentanyl Tester, Shut Yo Bitch Ass Up / Muddy Waters, Orange Juice Jones, God Loves You, Run the Jewels, Jack Harlow Combo Meal.

Leal a la naturaleza de los dos artistas, este álbum es caótico, chocante y, sobre todo, entretenido y dinámico. A la primera escucha jamás adivinarás como terminará el beat. El trabajo de JPEGMAFIA, único productor aquí y elaborador de todos los beats y a cargo de todos los samples, es auténtico y superior a todo lo que haya hecho antes, si, aún mejor que el aclamado LP! (2021). En la otra esquina, se encuentra Danny, con sus versos resquebrajados, su voz aguda y fuerte y sus múltiples referencias hacia las drogas, jamás cambió su repertorio. El artista oriundo de Detroit se hace notar más que nuestro querido productor en más de una canción. Si bien se encuentran en un nivel parejo, es preocupante lo bueno que es Danny. Versos con humor ácido, rápidos, intensos y adictivos es lo que agrega al trabajo.

Si algo comparten nuestros protagonistas, es la bandera de artista alternativo y el rechazo a las figuras que pertenecen a discográficas y a quienes son más producto que otra cosa. Brown fue rechazado por una en sus inicios y JPEG nunca necesitó del apoyo de alguna para divulgar su destreza. Esto se verá reflejado en las letras con también rechazo a la vieja escuela del Hip Hop que es caracterizada por ser conservadora. La traducción literal del álbum sería “asustando a las p*tas” y es que ni siquiera debe hablar de una figura femenina, sino que es el término peyorativo utilizado para referirse a todo lo que vienen a derribar de manera pretenciosa pero justa. Nadie de la vieja escuela podría sacar hoy un álbum que opaque a este. De igual manera, no es música de radio y si es un álbum “espantaviejas”, su ruido es moderno pero improvisado con una corriente que marca notablemente que sus críticas son a juicio limpio.

Reiterando la característica del sonido, la producción es tan sorprendente como compleja. En Fentanyl Tester produce una amalgama que no deja en paz la voz de Danny, la canción de apertura es totalmente inquieta y abrasiva dando poder a la entrada del rapero-productor Hendricks (por su apellido de nacimiento), en Orange Juice Jones es totalmente adictiva con la voz de Michael Jackson sampleada, en Scaring the Hoes es desafiante y volátil y en God Loves You implementa un sample de Gospel para apaciguar las aguas y quizás no olvidar las raíces del asunto. Se puede profundizar aún más en la producción caótica pero atrapante de Devon Hendricks e inclusive, otra reiteración, sin opacar el peculiar pero llamativo flow de Danny.

Referencias al auto-tune, cuestionamiento a personas importantes y adineradas de la sociedad, planteo alternativo a los cantantes de discográficas, apoyo a las nuevas maneras de realizar música, menciones tradicionales al consumo de droga, la calle y la fanfarronería aún es lo que podemos apreciar en un trabajo que de principio a fin, ya es un clásico moderno, actual y vanguardista.

Joy Division - Unknown Pleasures (1979)

  Luego de la crisis del petróleo en 1973 en Reino Unido, y de sus consecuentes movimientos culturales e ideológicos, (hablo del Punk), nuestra querida corona se encontraba a las puertas de una nueva etapa musical. Joy Division puede jactarse de ser, junto a Talking Heads y The Cure, referentes esenciales del movimiento Post-Punk latente en ese momento. Presentándose como una banda seria, profesional, sombría y misteriosa, los liderados vocalmente por Ian Curtis, tres años después de formar la banda, grabarían su álbum debut en Manchester en abril de 1979 dejando, impensadamente, una impronta mas que relevante en la historia del Rock. Hablamos de Unknown Pleasure, su disco debut.

 Post-Punk

Factory Records

 Mejores canciones: Disorder, Day of the Lords, New Dawn Fades, She's Lost Control, Shadowplay,

Wildness.

 Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas.

 

 

 Si hablamos de álbumes clásicos, con todo lo que podría llegar a significar esa etiqueta, quizás poco se diferencian por su gran pesimismo, apatía y sentido de la soledad como lo hace Unknown Pleasures. Una mirada fría, a veces nostálgica y trágica de la vida proyectada igualmente por un grupo de adolescentes descontentos a nivel personal e interpersonal. A pesar de formar un relato profundo e impactado como en Days of The Lords o Insight, no deja de ser una mera muestra de disconformidad. Ahora bien, una disconformidad  trascendental, entretenida, adictiva e impactante artísticamente hablando.

 La producción es fría, oscura y puntual, es decir, te transmite ni más ni menos su cometido de formas excelentes. Martin Hannett, su productor, es el autor y el culpable de que esto haya tenido mucho éxito. El hombre en cuestión agregó los efectos de sonidos, la voz de Ian con eco, los tempos en las canciones y los arreglos sonoros. Sin desmeritar a los grandes músicos, este trabajo es de aquellos que es delito pasar por alto a la producción. Hemos dicho que hay una buena transmisión de mensaje y también hay calidad en la forma de transmitirlo.

 Curtis tenía solo 23 años, y suena como un vocalista con 15 años de carrera y detrás encontramos a Sumner en guitarra con excelentes solos sin sobresaltos ni exageraciones, siendo los de She’s Lost Control y Day of the Lords los más destacados. Cada sonido y golpe se encuentra en su lugar, esperando a ser respondido por otro integrante de la banda, todo impulsado por el resquebrajeante dolor emocional de Curtis.

 Caso conocido el de nuestro vocalista en cuestión que decidió atentar contra su vida 11 meses después del lanzamiento de su primer y último álbum presencial. La disconformidad con la cotidianidad, el rechazo a la vida y el nihilismo existencial toman más cuerpo en Unknown Pleasures luego de tener esto en cuenta, y es que, Ian, abandonó el plano terrestre con placeres sin descubrir.

La Muerte de los Artistas, Capítulo 6: Amy Winehouse

  Amy Winehouse fue una cantante británica de Soul y Pop que vio su popularidad a mediado y fines de la primera década del nuevo milenio gracias a su talento, pasión y creatividad musical. Artista envuelta en incidentes, controversias y noticias caóticas que rodearon la carrera de la misma por mucho tiempo. Nacida el 14 de Septiembre de 1983, la cantante londinense dejo sin dudas una huella e impronta importante en la historia del pop moderno a costo de una vida agobiante, agitada e insalubre. 

 

Figura destacada desde que era menor de edad en la Orquesta Juvenil de Jazz de Londres, adolescente rebelde en nivel secundario y voz de mando del pop británico por varios años, Amy vivió la vida rápida y de forma apasionada. De niña, sufrió la separación de sus padres y posteriormente la insana relación con el hombre que ella declaro ser el amor de su vida, Blake Fielder-Civil, muchacho al cual conoce a sus 21 años de edad y tras idas y vueltas durante varios años, en 2008 contraen matrimonio. Bien sabido en el entorno de ambos era que Blake tenía problemas de adicciones y con el pasar del tiempo, fue señalado como la peor influencia y la causa de la caída anímica para siempre de Amy. Además, la pareja se envolvió en una rutina toxica y violenta de la cual la artista en cuestión, le costó salir. Quiérase o no, Blake fue un punto de quiebre para la cantante.

Artista con dos álbumes de estudio, siendo estos Frank (2003) y Back to Black (2006), se jacta de ser una de las figuras del pop moderno más recordadas y representativas pero, nada de todo esto valió para recompensar la salud mental de la misma. Pasando por episodios en donde fue vista fumando crack a echar a perder un recital entero en Serbia en el año de su deceso, Amy pasó por situaciones totalmente exhaustivas y demoledoras. Si bien tenía un múltiple problema de adicción, también tenía que lidiar con la crítica de la gente y los problemas maritales. En el año 2009, encarcelaron a su marido Blake por agresión, el cual en ese momento también demandaba el divorcio con la cantante. Problema tras problema, agobiaban la rutina de Winehouse quien también tenía que lidiar con su genio.

La historia de Amy, a nivel amoroso, en cierta parte se trato de un gran sacrificio. Back to Black (2006), uno de los trabajos más exitosos hasta el día de hoy del Reino Unido, estuvo enteramente dedicado a Blake. Esa persona que la manipulo, la agredió y la cambio para siempre. Lo único que logro, fue agravar problemas internos de la artista que siempre dio señales de que necesitaba ayuda.

Finalmente, el 23 de Julio de 2011, Amy fue encontrada por su guardaespaldas en su departamento en Camden Town acostada en su cama sin pulso alrededor de 15:00 horas. En la escena se encontraron tres botellas de vodka vacías. Al arribo de las ambulancias, constataron la muerte de Winehouse por intoxicación alcohólica. Luego del peritaje, se registro una cantidad de 4.16 gramos de alcohol por litro de sangre, una cantidad fatal. La voz del Soul británico moderno había sufrido un paro cardiorespiratorio por sobredosis de ingesta de alcohol. A lo largo de los años de involucración con el alcohol y diferentes estupefacientes, la cantante había intentado en numerosas ocasiones alejarse de los mismos. De esta manera entraría al mítico club de los 27.

 

 

Sufjan Stevens - Carrie & Lowell (2015)

Carrie & Lowell es el séptimo álbum de estudio del cantautor estadounidense Sufjan Stevens, artista multiinstrumentista que supo adueñarse del cariño de la crítica y sus oyentes gracias a múltiples trabajos conceptuales y profundos durante la década de los 2000s. Siendo casi un artista de culto, llega en el año 2015 con su proyecto más personal e intimo de su carrera, el álbum en cuestión. El trabajo que lleva el nombre de su madre y su padre, está enteramente dedicado a su madre que murió de cáncer en el año 2012, siendo así, un álbum conceptual que retrata el dolor, el conflicto y la relación que tuvo con su progenitora. Esta hermosa muestra de amor fue lanzada el 31 de Marzo de 2015.

Indie Folk, Singer-Songwriter.

Asthmatic Kitty. 

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas.

Mejores Canciones:

Death With Dignity, Should Have Known Better, All of Me Wants All of You, Fourth of July, Carrie & Lowell, Blue Bucket of Gold.

 

 

  Claro quedo en el álbum, su infancia y sus dolencias a temprana edad al nombrar varios aspectos de Oregon, estado de Estados Unidos, en el que se crio pero que ya no frecuentaba. A lo largo del trabajo, sentencia varias situaciones en aquel lugar, a pesar de que su madre no fue del todo presente en su niñez. Al parecer, la protagonista de esta historia lo habría abandonado de muy joven.

Sin necesidad de adentrarse más en lo personal, queda claro que las melodías agridulces que llenan el proyecto son totalmente chocantes y llegaderas. Sufjan ha sabido como retratar el dolor añejo en canciones hermosas y suaves que hacen de Carrie & Lowell uno de los álbumes más conmovedores que he escuchado.

 

Junto a Illinois (2005), se convierte en su trabajo más popular, y a pesar de esto, no pierde por nada su esencia. La producción suave e intima, los arpegios, su voz rasposa y la producción detallada y puntual de Doveman junto al artista, crean una atmosfera penetrante y totalmente conmovedora. Los acordes de Should Have Known Better, el solo de guitarra de All of Me Wants All of You que quiebra a cualquiera en dos, Fourth of July en su totalidad, la canción homónima como inflexión pintoresca con influencia Country gracias a un cálido banjo y la devolución cristiana en John My Beloved constituyen los momentos más apreciables en el álbum.

 

Totalmente destacable la habilidad y la gran sutileza que posee Sufjan para relatar situaciones dolorosas y devastadoras convirtiendo algo tétrico en algo conmovedor como lo logra en Fourth of July. Canción que relata textualmente la ultima conversación que sostuvo con su madre en vida. Podríamos decir que cualquiera podría escribir una canción del asunto pero pocos que la hagan llegar al oyente como el aquí. Dicho momento, junto a All of Me Wants All of You, se convierte en el pico máximo del trabajo y quizás de su carrera.

 

Carrie & Lowell quizás nos demuestra que tan importante puede ser la manera en que se relate y se produzca un evento conmovedor para plasmarlo en una canción. Stevens, en ese momento y actualmente, es uno de los mejores letristas del mundo de la música y esta vez, por desgracia, tuvo que relatar algo totalmente devastador.