Nirvana - Bleach (1989)

Nirvana comenzó en la escena del Grunge de Seattle ya con el pie derecho. Kurt Cobain como su frontman, guitarrista y figura principal también fue su desolado compositor. Cobain era una persona muy depresiva y oscura a pesar de tener un buen carácter y esto se reflejó siempre en su arte. El álbum se grabó entre diciembre de 1988 y enero de 1989 en Seattle con la discográfica independiente Subpop. Su lanzamiento vio la luz el 15 de Junio de 1989, para esos instantes Nirvana ya había estado sonando por el estado de Washington con buenos ojos.

Bleach podría ser hostigado siempre por ser de la terna de los álbumes de Nirvana como el más débil pero Bleach logró despertar energía en lo que en mi opinión refiere. Yendo paso por paso, este es su primer trabajo y Kurt, Kris y Chad y en otras ocasiones Dale en batería ya han experimentado lo que es estar en el mundo de la música a pesar de que este sea su primer gran proyecto. Se los juzgó de no ser buenos instrumentalistas ni músicos pero dah, Nirvana si vamos al cierto caso se ha tratado de esa imagen Punk de Norteamérica, de ese típico adolescente que se mete en problemas y por otro lado esta este espejismo que nos presenta Kurt, lo sombrío, lo oscuro y la perdición que nos puede atraer los problemas personales. Cobain siempre será un gran compositor y es por aquí que empezó a convencerme de esto.

Las composiciones muestran el lado frío de Kurt siempre y puede ser algo melancólico - Blew, About a girl - como también crudo - Floyd The Barber, Paper Cuts, Negative Creep - y lo que acompaña a la vestimenta de esta lírica es un respaldo desolador de parte de instrumentos con fuerte énfasis llegando a la gran influencia por parte del Thrash Metal sobre todo. El sonido de Nirvana luego de este álbum no volvería a ser igual, es decir luego de esto cambiaría su estilo manteniendo la rama del Grunge. Lo más fuerte de la banda esta acá, las voces y gritos al estilo Heavy Metal no las encontraremos en otro lado, esta fue la parte más sucia de la banda y posiblemente es el mejor álbum de la historia grabado con muy bajo presupuesto, la historia ya esta dicha, fueron $600 y un sonido inigualable. Podría decir que encuentro una relación entre las primeras canciones que llevan un estilo más suave hasta que llegamos al final donde Kurt se sale de sus cabales.

Love Buzz sería el primer sencillo y cabe destacar que es un cover de un artista pop holandés llamado Robbie Van Leeuwen. Mientras que las grandes masas observaban monstruos como Van Halen, Metallica, Guns'n'Roses entre otros, desde la sombras crecía una escena desprolija que nos enseñaría la música alternativa.

Lista de Canciones:

1. Blew 2:55
2. Floyd The Barber 2:17
3. About a Girl 2:48
4. School 2:42
5. Love Buzz 3:35
6. Paper Cuts 4:05
7. Negative Creeps 2:55
8. Scoff 4:10
9. Swap Meet 3:02
10. Mr. Moustache 3:24
11. Sifting 5:22

Mi Calificación: 4/5 Estrellas

Nuevos Lanzamientos: Julio 2018

Entramos en la segunda etapa del año y nos trajo consigo los siguientes lanzamientos musicales.

Erasure - World be Live

Género: Electropop, Synthpop

Fecha de lanzamiento: 06/07/2018

Calificación Allmusic: 4/5 Estrellas

Gossamer - Imperishable

Género: Ambiental, Drone

Fecha de lanzamiento: 06/07/2018

Calificación Allmusic: 3,5/5 Estrellas

Cowboys Junkies - All That Reckoning

Género: Alt-Country

Fecha de lanzamiento: 13/07/2018

Calificación Allmusic: 3,5/5 Estrellas

Dirty Projectors - Lamp Lit Prose

Género: Indie Pop

Fecha de lanzamiento: 13/07/2018

Duración: 37:20

Calificación Allmusic: 4/5 Estrellas

Bjorn Torske - Byen

Género: House

Fecha de lanzamiento: 13/07/2018

Calificación de Allmusic: 3,5/5 Estrellas

Ty Segall & White Fence - Joy

Género: Rock Psicodélico, Indie Rock

Fecha de lanzamiento: 20/07/2018

Duración: 30:08

Calificación Allmusic: 3,5/5 Estrellas

Eddie Palmieri - Full Circle

Género: Salsa

Fecha de lanzamiento: 20/07/2018

Duración: 60:22

Calificación Allmusic: 4/5 Estrellas

Vinyl Williams - Opal

Género: Indie Rock, Rock Psicodélico

Fecha de lanzamiento: 20/07/2018

Calificación Allmusic: 4/5 Estrellas

Liars - 1/1 [Original Soundtrack]

Género: Film Score, Electronic

Fecha de lanzamiento: 20/07/2018

Calificación Allmusic: 3,5/5 Estrellas

Iggy Pop & Underworld - Teatime Dub Encounters

Género:  Electronic

Fecha de lanzamiento: 27/07/2018

Calificación Allmusic: 3/5 Estrellas

Denzel Curry - TA13OO

Género: Rap, Trap Rap

Fecha de lanzamiento: 27/07/2018

Duración: 43:20

The Velvet Underground - White Light / White Heat (1968)

The Velvet Underground se consagraba, a lo sumo en norteamérica, como uno de los grupo más populares gracias a su álbum colaborativo del año anterior "The Velvet Underground & Nico" con la mencionada cantante alemana en el título. Andy Warhol y Nico fueron despedidos de la banda y el proyecto siguió adelante con Lou Reed a la cabeza, y no se esperaba algo menor de el
Publicado el 30 de Enero de 1968 "White Light / White Heat" presenta el sonido más oscuro de la banda y más distorsionado. Si escucharon su LP debut y les pareció algo controversial y ruidoso, aún faltaba esto.

Lou Reed es desde el comienzo del álbum el compositor autoritario de las letras de estas canciones. Como sabemos, Reed desde que comenzó a hacer música le gustaba mostrar la cara sucia, oscura, corrupta y tabú de la sociedad de una manera altamente fría y directa hablando del homosexualismo, transexualismo, adicciones, drogas y juventud lo que lleva a catalogar sus obras como "Proto-Punk" es decir, lo que antecedió al estallido del Punk, de aquella rebeldía y criterio de ir en contra de las grandes autoridades.

Volviendo a Reed y su personalidad artística en donde mezcla el arte con ese tabú viviente que se entremete en la sociedad aunque no lo queramos aceptar, el artista nacido en Brooklyn continuó aquí hablando de las anfetaminas y sexo. El álbum comienza hablando justamente de lo que puede llevarnos a sentir dicha droga, luego podemos encontrar a "The Gift" una pista Spoken Word donde John Cale nos relata un cuento escrito por Lou Reed en su tiempos de universidad con música de fondo, algo bastante desacorde pero no tendría porque decir "no me esperaba esto" porque de una banda vanguardista como fueron los Velvet podes llegar a imaginarte mucho y no mucho de lo cotidiano también porque de hecho de eso tienen bastante poco. "The Gift" nos cuenta que tan tétrica puede ser la vida, que tantas sorpresas nos podemos llevar, todo con un cuento tragicómico que termina con una muerte accidental.

Las siguientes canciones se componen de canciones digamos un poco más formales aunque variando también con distorsiones y solos ruidosos como también una pizca de psicodelia de parte de efectos vocales que se logran entremezclando la voz principal de Cale con la repentina voz de Reed de repente y de trasfondo en la historia de la lobotomía de Lady Godiva. Si bien en esta canción y las dos siguientes el ritmo de las canciones es meramente minimalista y repetitivo, no deja de atraparte con la corta balada de "Here She Comes Now" y "I Heard Her Call My Name" al estilo European Son o Heroín con un disturbio musical de fondo que vuelve un poco tétrico la situación de la canción. Como frutilla del postre tenemos una composición larga con improvisaciones y aún más ruido que ocupa toda la cara B de este trabajo (LP). "Sister Ray" para muchos sera una gran obra y es que para mí no es mala pero nose si se merece un merito mas que el decir que fue una composición de una persona que no estaba en sus cabales y es pura improvisación de poco gusto. 

En resúmen, White Light/White Heat no es la joya del grupo pero si obviamente contribuyó mucho en esto del estallido artístico de la música popular. The Velvet Underground en poco menos de cinco años y discretamente aportaron lo mismo para la música contemporánea que The Beatles en casi diez y es que sin este álbum, el mandato del grupo y la contribución no estaría terminada.

Lista de Canciones

1. White Light/White Heat 2:44
2. The Gift 8:14
3. Lady Godiva's Operation 4:52
4. Here She Comes Now 2:00
5. I Heard Call My Name 4:05
6. Sister Ray 17:00

Mi Calificación: 4/5 Estrellas

La habitación más silenciosa del mundo

Bien se sabe que para grabar en un estudio, la ambientación no es la misma que una habitación común y corriente. Los estudios de grabaciones poseen un aislamiento auditivo, en sus paredes, especial para poder apreciar la calidad y nitidez ya sea de la voz del artista o de los instrumentos que se utilice en cada caso.
Ahora bien, estos estudios suelen ser un ambiente muy tranquilo e inmutable si no emitimos sonido alguno, muy diferente al ambiente externo. Pero en este caso, la habitación más silenciosa no se utiliza para grabación de estudio sino que es una sala de experimentación que se utiliza en el campus de Microsoft para configurar sus asistemtas de voz, traductor e interpretadores de voz llamada "La Habitación Anecóica" donde su ambientacion puede llegar a los -23 decibeles cuando el oido humano solo capta hasta 0 decibeles.
Anteriormente una de estas salas que también se encontraban en estados unidos a modo de "experimentación social" llegaba a la capacidad de aislarnos hasta un -9 decibeles aunque la de Microsoft ahora hasta posee el Record Guinness.
El cubículo esta compuesto por paredes de concreto de 13 metros de espesor con laminas adyacentes de fibra de vidrio que es lo que le da el diseño particular de las paredes, todo estos refuerzos para poder aislar el sonido lo mas posible.

Una vez que alguien es encerrado allí, a los pocos segundos comienza a sentir nerviosismo o incomodidad debido a que el oido deja de percibir sonidos externos. Dentro de esta sala no importa cuánto hables, la voz no rebota contra las paredes y las vibraciones no viajan, es que de esto se trata, el sonido son vibraciones, vibraciones que pasan por nuestro tímpano enviando la información a nuestro cerebro. Nuestros oidos comienzan a escuchar cosas que afuera son imposibles de percibir y que nos shockean diciendo "como es posible que escuche esto? esto es mi cuerpo?" si, luego de algunos minutos comenzamos a escuchar el lenguaje corporal con lujo y detalles: como la sangre circulando por nuestros vasos sanguíneos, nuestras incómodidades estomacales, oímos perfectamente nuestros nuestros pestañeos y movimientos de músculos y todo se torna una realidad muy distante a la que podemos vivir todos los días en las grandes ciudades. Luego de 10 o 15 minutos, es un milagro que alguien siga allí adentro, con la ausencia del sonido nos encontramos con una realidad totalmente distinta y hasta incomoda con dolor de cabeza, mareos y hasta pérdida del equilibrio, recordemos que mantenemos el equilibrio gracias a un líquido que se encuentra en el oído llamado Endolinfa, y que todo pasa por una misma causa...el ser humano no puede vivir sin sonido, sin lo social y también sin música y su respectivo arte que nos mantiene vivos en sentido figurado.

Tomorrowland 2018

LLegamos a fines de Julio y consigo llegó el evento y festival de música electrónica más grande del mundo, Tommorrowland. LLevado a cabo en la ciudad de Boom en Bélgica, Tomorrowland este año espera aproximadamente 400.000 personas procedentes de todos los rincones del planeta para ver a sus artístas y DJ's favoritos. Esta edición contará con dos fines de semanas y 6 días total de fiesta contando este primer fin de semana (20, 21 y 22) y el próximo (27, 28, 29). Para la gente del extranjero, el predio de Tomorrowland que de tan grande llega a formar una mini ciudad, cuenta con  un sector de carpas y otro sector de pequeños departamentos donde la gente tiene la oportunidad de alquilarlo en la semana. Este sector se lo denomina Dreamville.

Este año tenemos como Headliner del festival a artistas como Vini Vici, Tiesto, Carl Cox, Alan Walker, Armin Van Buuren, Nicky Romero, Alan Walker, Oliver Heldens entre muchos otros. Hoy se presentaron en el mainstage Paul Oakenfold, Andrew Rayel, Fedde Le Grand, Timmy Trumpet, Yves V, Martin Garrix, y Axwell / Ingrosso con la sorpresiva aparición del cantante de reggaeton y trap latino Bad Bunny, un evento único en el festival ya que nunca antes había sucedido algo por el estilo.

Todos los años Tomorrowland - La tierra del mañana - se presenta con una temática o "historia" diferente en donde participan la escenografía y la organización de todo el festival. Este año la temática se basa en "The Story of Planaxis".

Este festival va ser el primero desde el fallecimiento del célebre DJ sueco Avicii. Durante el set de Nicky Romero por la tarde, se le rindió homenaje con unas banderas con su rostro y la bandera de suecia. Aquí más información: https://www.tomorrowland.com/en/festival/line-up/stages/the-gathering-19-july-2018

Pescado Rabioso - Desatormentándonos (1972)

Pescado Rabioso es formado en 1971 por uno de los fundadores del rock argentino, Luis Alberto Spinetta junto con dos amigos, el Black Amaya y Osvaldo Frascino. En sus anteriores trabajos, el "Flaco" Spinetta demostró una gama del rock compuesto por psicodelia y Folk rock lo que sugería algo de mística remota a la banda, la convertía en una banda muy abstracta.

Desatormentándonos es una obra totalmente juvenil y progresista sobre todos los trabajos artístico en Argentina llevados a cabo ese mismo año. La fundación del rock nacional años antes trajo consigo la inmigración de dicho poder juvenil proveniente del hippismo antibélico norteamericano y europeo como también grandes ramas del rock como la música Beatle y ya para principios de los años 70' como se puede apreciar aquí, un rock mas envolvente, dinámico y pesado, una rama del rock que recién estaba naciendo. Por el momento, Spinetta estaba creando su obra más rockera y distorsionada en cuanto a acordes y sonidos.

El mensaje en general es triste y frío, a Spinetta se lo encuentra desolado y abandonado y que nada mejor que un poco de soltura transmitiendo su mensaje en su lírica, quizás, y es para pensarlo, el quería desartormentarse el mismo aunque el título tengo la creencia que se refiere a la sociedad más que a el mismo. "Blues de Cris", "El Jardinero (Temprano Amaneció)" y "Serpiente (Viaja por la Sal)" son de las obras más rockeras y pesadas en cuanto al álbum. Me remito a la frase - "El rock psicodélico trajo posteriormente consigo, vertientes más pesadas" - algo así como si fuese sucesor del Heavy Metal, nada más que agregar más que la canción para su ex novia cristina y la del jardinero tienen tristemente los mejores solos del artista.

Por otro lado, el álbum puede sonar como algo más monótono que el resto pero llega a ser un álbum imposible de evitar su escucha y pasar por alto. En relación al título, lo que Spinetta quiere desatormentar más alla de sus sentimientos fueron a los jóvenes argentinos, la sociedad en ebullición en medio de un gobierno de facto.

Lista de Canciones

1. Blues de Cris 3:32
2. El Jardinero (Temprano Amaneció) 8:52
3. Dulce 3 Nocturno 5:09
4. Algo Flota en la Laguna 5:10
5. Serpiente (Viaja por la Sal) 9:01

Mi Calificación: 4,5/5 Estrellas 

The Jimi Hendrix Experience - Axis: Bold as Love (1967)

Luego del inminente y completo éxito del disco lanzado en Mayo de ese año, el trío daba revancha nuevamente en menos de un año y lanzaba su segundo álbum de estudio Axis: Bold as Love. La primera impresión del trío fue una gran fusión de un eléctrico blues con la psicodelia del año en cuestión. En esta oportunidad nos encontraremos con una genialidad que no quedó ajeno a esa primera esencia que pudimos captar del artista.

Axis comienza con una pista de introducción llamada "EXP" donde se puede escuchar a Mitch Mitchell haciendo las veces de locutor presentando a un tal Mr Cursoe (Jimi Hendrix) y dándonos la bienvenida a un espectáculo llevado a cabo por este último. La ingeniería de sonido en estéreo presente en esta pista sería el característico sonido binaural con los que juega la banda al editar los álbumes. Axis es animado, edificante, alegre y profundo pero sobre todas las cosas se puede observar la labor de un compositor sumamente hundido en un surrealismo vivo llamado psicodelia.

Las nubes están muy bajas

y rebosan en algodón de azúcar

y campos de batallas rojos y marrones

- Spanish Castle Magic

Cada canción parece ser una composición de amor en la que dos jóvenes se adentran en un paisaje mítico con situaciones ficticias, una utopía que creo Hendrix, algo así como cuentos de hadas pero sin tanta mística. La utopía y el viaje ficticio que podemos apreciar a través del surrealismo de sus letras tan es así que a menudo podemos encontrar repetidamente verbos como flotar, volar, desear, perder la cabeza entre otros. Más alla de que cada vez que Hendrix comenzaba una canción nos contaba una hermosa y corta historia, tristemente no se lo conoce tanto por su audaz composición sino que lo que destaco siempre fue su forma y pasión por la guitarra y es que el álbum sin ese dote no hubiese llegado a donde llego. "Spanish Castle Magic" como el solo más lindo de su carrera musical, "Up From The Skies" como se escucha al rasgar sus dedos sobre la viola, "Castle Made of Sand" con su efecto psicodélico de reversa, "One Rainy Wish" son de lo más destacable en cuanto a guitarra.

Jimi Hendrix y su legado técnico de sobre como tocar la guitarra formaron lo que fueron la música de finales de los años 1960s llegando también a ser un icono del Rock and Roll, ¿quien sabe cuanto más podría haber aportado para el género este grán artista?

Lista de Canciones

1. EXP 1:53
2. Up From The Skies 2:55
3. Spanish Castle Magic 3:00
4. Wait Until Tomorrow 3:00
5. Ain't No Telling 1:46
6. Little Wing 2:24
7. If 6 Was 9 5:32
8. You Got Me Floating 2:45
9. Castle Made of Sand 2:46
10. She's So Fine 2:37
11. One Rainy Wish 3:40
12. Little Miss Over 2:20
13. Bold as Love 4:03

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Cristian "El Pity" Álvarez: De Artista a Asesino

Cristian Gabriel Álvarez, más conocido como "El Pity" es un cantante y compositor argentino que formó parte de las bandas Viejas Locas y posteriormente de la disolución de esta, formó la banda Intoxicados. El estilo de música va desde el Funk hasta el Rock, el Reggae y con estilos Stone directamente influenciados por la banda británica The Rolling Stones.
Cristian es conocido a menudo como una figura pública y mediática más que por lo musical debido a los diferentes episodios de violencia, vandalismo y llamados de atención por parte de la ley que ha tenido a lo largo de su carrera artística.

Cristian Álvarez ingresó en Viejas Locas en 1989 mediante unos amigos que fueron los fundadores de la banda. La banda solo fue un proyecto corto de amigos el cual posteriormente los miembros fundadores lo abandonarían y el Pity lo seguiría y se convertiría en su lider con nuevos músicos.

La banda tocaba temas propios como también covers de bandas inglesas de rock como Pink Floyd y The Rolling Stones, estos últimos como la banda más influyente para ellos.

Viejas Locas utilizó un modo alternativo para ganar popularidad: reparticiones de demos gratuitas, grafitis y de boca en boca. Así en 1994 llegaron a ser teloneros de los Ratones Paranoicos y esa misma noche tuvieron una propuesta de un representante de la discográfica Polydor. La banda siguió desarrollando música y grabaron su primer disco llamado igual que la banda en 1995 con canciones de las más conocidas de la banda como "Eva", "Nena me gustas así" y "Lo Artesanal" que sería la canción insignia de la banda. En 1998 serían teloneros de los Stones en el estadio de River Plate

El pity Álvarez en la década de los 90' // el año pasado

Cristian siempre fue el personaje más destacado y hasta a veces el único conocido de ambas bandas en las que fue líder llegando a ser sinónimo del nombre de las bandas y como dije antes no solo siempre es por lo musical. El Pity tuvo siempre una cercana relación con las drogas y los estupefacientes, ya sean sintéticos, ansiolíticos o alucinógenos, Cristian nunca supo mantenerse al margen de todo ese mundo. Desde joven desarrolló dependencia a varias sustancias y la banda no quedo alejada de eso: las letras de algunas canciones de la banda tratando sobre experiencias relacionadas a las drogas o su dependencia como "La Simpática Demonia", "Lo Artesanal", "Legalizenla", etc.

Pity fuma marihuana desde que tiene 14 años, de ahí en más desarrolló una relación de dependencia a diferentes sustancias como el tabaco, cocaína, alcohol, pasta base, codeína y LSD entre otras. A lo largo de los años, a Cristian se le ofrecieron diferentes tratamientos y ayuda para alejarse del camino de la droga hasta de parte del gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La droga y los dás sin dormir, como se puede apreciar en la foto, arruinaron con simpleza la faceta de un artista. No hay que negar que por sobre todo Pity fue un gran artista viendo el lado simple y humilde de la vida en la capital Argentina.

A pesar de esto, la semana pasada fue acusado de haber asesinado a su vecino y supuesto amigo, Cristian Díaz proporcionandole 3 disparos en la cabeza y uno en la pierna. El evento sucedió en el patio de los Monoblocks del barrio donde vivían, Barrio Samoré alrededor de las 1:00 AM. Pity se ocultó por un día en Ramos Mejía hasta que decidió entregarse voluntariamente. Inmediatamente después del asesinato, el cantante se fue a un boliche en la ya mencionada ciudad, una cosa difícil de creer. Actualmente, Cristian Álvarez, está encarcelado en el penal de Ezeiza en el pabellón psiquiátrico junto a otros mediáticos encarcelados como José Baez.

Antecedentes del Pity Álvarez

2006

Fue acusado de robar un auto a un remisero en la ciudad entrerriana de Concordia en un confuso episodio. Más tarde salió a declarar que el auto era prestado y el chofer no estaba enterado.

2010

Acusado de balear a su mánager en la pierna y paso seis meses en rehabilitación.

2014

Fue declarado ininputable por amenazar a una fan con un arma de fuego

2016

Dos mujeres que trabajaban como ayudantes en las giras de la banda fueron encerradas por el seis horas donde las maltrató físicamente 

2017

Pity sufrió un accidente de tránsito arriba de su moto en la autopista que le dejo como saldo una fractura de cadera y otra en el platillo tibial

2018

Viejas Locas volvería a los escenarios después de 18 años en el estadio Argentinos del Norte en Tucumán hasta que el pity tardó seis horas en llegar y el público enfureció produciendo destrozos que terminarían con el incendio de una torre de sonido

El Origen de Grandes Bandas Capítulo 8: The Who

The Who goza de una popularidad y prestigios muy grandes alrededor de todo el mundo. La banda oriunda del barrio Hammersmith en Londres, Reino Unido, es una de las bandas más influyentes en el rock and roll del siglo XX contribuyendo en su origen y su desarrollo.

Todo comenzó en 1959 en la escuela de gramática de Acton donde dos compañeros apasionados por la música pero mas que nada en el Jazz y el Rhythm and Blues norteaméricano llamados Pete Townshend (Voz, guitarra, órgano) y John Entwistle (Voz, bajo, piano) se unirían a una banda de Jazz llamada The Confederates que los inciaría en el mundo de la música.

Por otro lado, en 1961 Roger Daltrey (Voz, guitarra, armónica) se encontraría con Entwistle por las calles de Acton con el Banjo bajo el brazo lo que llevó a reclutarlo para su banda llamada "The Detours" donde por el momento solo eran tres: Harry Wilson (Batería), Colin Dawson (Voz) y el. Daltrey se lo propuso a John y en el instante el aceptó pero a cambio de eso dijo que Townshend también se les uniría. Así, ya con tres de los futuros Who en la misma banda, The Detours ensayaba canciones de Jazz y R&B.

The Detours fue la banda antecesora a los Who. Al año siguiente, el baterista sería cambiado por constantes discusiones por el baterista Doug Sandom que al ser más grande que ellos, no tuvo la experiencia necesaria para convencer a los representantes de alguna discográfica, sino por el contrario, cuando se encontraban en busca de su primer contrato, les "recomendaron" echar a Sandom de la banda si es que la banda quería llegar al éxito.

The Detours

En 1964, el mismo año que el primer baterísta dejó la banda, el vocalista Colin Dawson también la dejaría. Atendiendo los llamados de atención, la banda puso en campaña una audición para baterísta para la banda. Decidieron optar por un joven llamado Keith Moon (Batería) que en su primera prueba ya había roto accidentalmente la batería. Keith confesó haberlos visto en una presentación de la banda en Oldfield Hotel, Greedford.

Durante unos meses y para la publicación de su primer single sin éxito alguno mediante Fontana Records, la banda por orden de su representante Peter Meaden cambiaron su nombre por "The High Numbers" lo que fue totalmente innecesario y un mero capricho de su representante. Su primer single "Zoot Suit/I'm The Face" no tendría éxito pero un año más tarde, en 1965 y con la ayuda de Decca Records, nada más ni nada menos que la disquera de The Rolling Stones por ese entonces, lanzarían su primer single, EP y álbum de estudio formando una increíble y rápida popularidad más que nada entre los jóvenes de las contracultras Hippies y Mod. 

Logotipo de The Who

Al transformarse en un ícono de la contracultura mod dedicándole letras y frases hacia este movimiento, los Who adaptaron la escarapela de tres colores de la Fuerza Aérea Británica que en ese momento era muy común en las prendas de la gente mod que utilizaba mucho las camperas de aviador, anteojos de sol, scooters, delineado de ojos, etc.

En 1965 publicaron el clásico "My Generation" en su álbum de estudio homónimo llamando la atención del público con canción del Rhythm and Blues más algunas composiciones de Pete complementando el álbum. Este periodo en donde The Who todavía no componía la totalidad de las canciones que tocaban, lo denominaron "Maximum R&B". Esta costumbre se vió también en los debuts de los artístas más importantes como The Beatles, The Rolling Stones y Bob Dylan a lo largo de los años 1960.

El baterísta Keith Moon fallecería en el año 1978 pero la banda editaría igualmente dos álbumes más hasta 1982 con el baterista Kenney Jones en su lugar. En 2002, John Entwistle sufriría un paro cardíaco a raíz del consumo de cocaína dejando a la banda con la postergación de una gira por los Estados Unidos.

De izq. a der.: Pete Townshend, Keith Moon, John Entwistle y Roger Daltrey

Bob Dylan - Bob Dylan (1962)

Bob Dylan graba en Nueva York su primer álbum de estudio luego de un año de residir en "La Gran Manzana" con John Hammond como productor del álbum, el cual es publicado el 19 de Marzo de 1962. Dylan en su primer álbum interpretó canciones clásicas del Folk americano y eso es lo que es su primer álbum, una compilación del Folk americano que solo tiene dos canciones propias de el: "Talkin' New York" y "Song to Woody" dedicada a Woody Guthrie.

Woody Guthrie fue un artista de Folk y el modelo a seguir de Dylan varios años antes de la grabación del álbum. Dylan lo fue a visitar al hospital psiquiátrico donde estaba internado por su padecimiento conocido como la enfermedad de Huntington y desde ese instante se prometió ser el cantante que seguiría su legado como cantante de la música originaria norteamericana, ¿Y que no lo logró? Bob Dylan estaba haciendo su camino para convertirse en el ícono por excelencia de la música estadounidense.

Por otro lado, Bob ya en Nueva York se presentó en diversos bares con su guitarra y armónica típica llegando hasta los oídos de los críticos del The New York Times y de Carolyn Hester, una cantante del género que le ofreció tocar la armónica en su álbum. En este trabajo conocería a quien sería su primer productor John Hammond.

El álbum si bien no obtiene la experiencia necesaria que estamos acostumbrados a escuchar de Dylan, y es que es uno de los álbumes menos escuchados del artista le falta aún pasar por un proceso de madurez musical, la armónica es simplemente irritante en algunas canciones y el álbum lo salva la gran versión bohemia de "In My Time of Dyin'" y "The House of The Rising Sun" que son simplemente geniales pero contrasta demasiado al lado de las demás interpretaciones que encontramos en el álbum. Todo esto igualmente le sirvió para crecer popularmente hasta convertirse en un mito y en ese entonces no por nada pudo llegar a ser un contratado por parte de Columbia pero en lo personal esta faceta de Dylan no me sorprendió en lo absoluto.

Lista de Canciones

1. You're No Good 1:37
2. Talkin' New York 3:15
3. In My Time of Dyin' 2:37
4. Man of Constant Sorrow 3:06
5. Fixin' to Die 2:17
6. Pretty Peggy-O 3:22
7. Highway 51 Blues 2:49
8. Gospel Plow 1:44
9. Baby, Let me Follow You Down 2:32
10. House of the Risin' Sun 5:15
11. Freight Train Blues 2:16
12. Song to Woody 2:39
13. See That My Grave Is Kept Clean 2:40

Mi Calificación 2/5 Estrellas 

21 Savage - Issa Album (2017)

Si bien Issa es el segundo álbum de larga duración del artista, es el único titulado como solista. El rapero de Atlanta publica el 7 de Julio de 2017 lo que sería hasta el momento sus canciones más conocidas y elaboradas dentro de este álbum. Con ayuda del beatmaker Metro Boomin como también en sus otros trabajos, 21 Savage entraría en el #2 del la lista Billboard 200.
La riqueza del rapero creció desmedidamente luego del gran impacto de este álbum Trap Rap que tuvo críticas mixtas. Ya en Atlanta con la banda Slaughter Gang y Outta Pocket Boyz escaló los rankings de popularidad entre los raperos de la región en los años anteriores.

Dentro de Issa. escuchamos las canciones más destacadas del artista de ascendencia dominicana. Pero, ¿realmente es un buen álbum? si bien como dije es de lo más novedoso del cantante, Issa sigue un patrón de Mumble Rap en el que se vuelve demasiado monótono. El estilo de 21 no es novedoso ni mucho menos único aunque su estilo no pierde jerarquía. Desventajas como bases muy acortadas y recursos que llevan a la repetición tanto de las letras como del ritmo al cantar las canciones, todo esto lleva a la monotonalidad.

A pesar de esto, el trabajo de Metro Boomin es algo destacable para mi, algo que puedo disfrutar más por los graves y el bass que por otras cosas en el álbum. La introducción al álbum con el piano en "Famous" me daba esperanza de encontrarme con algo más. Los graves en Bank Account, la canción más conocida aquí y una de las más populares en el Trap hoy en día, son envidiables.

Por otro lado, la elaboración lírica a cargo de 21 se caracteriza por temas del rapero promedio: el camino a la fama, pasado delincuente, drogas, sexo y violencia.

Lista de Canciones

1. Famous 3:54
2. Bank Account 3:40
3. Close My Eyes 4:52
4. Bad Bussiness 2:42
5. Baby Girl 2:49
6. Thug Life 4:23
7. FaceTime 3:59
8. Nothin New 3:39
9. Numb 4:31
10. Dead People 2:27
11. Money Convo 3:33
12. Special 3:37
13. Whole Lot 5:13
14. 7 Min Freestyle 7:11

Mi Calificación: 3/5 Estrellas 

Wu-Tang Clan - Enter The Wu-Tang Clan 36 Chambers (1993)

Wu-Tang Clan es un colectivo de Rap compuesto originalmente por los raperos: RZA, GZA, Ol' Dirty Bastard, Method Man, Raekwon, Ghostface Killah, U-God e Inspectah Deck formando lo que sería no uno si no el más influyente colectivo en la historia del Hip Hop. Posteriormente, los miembros de Wu-Tang formarían sus respectivas carreras solistas pero el objetivo en sí era hacerse conocido mediante este colectivo.
Pusieron la idea en marcha y el 9 de Noviembre de 1993 se publicó por Loud Records "Enter The Wu-Tang Clan 36 Chamber. Precisamente no es un álbum conceptual pero si un álbum con una temática centrada en especial, dinámica, interesante, revolucionaria y hasta alternativa.

La forma en que manejaría la producción del álbum iría en contra de todo lo que estaba llevándose a cabo en ese momento a comienzos de la década de los 1990s donde el hip hop se había vuelto algo ya popular, música pop. RZA optó por tomar decisiones alternativas, su hip hop nunca se baso en las ventas, el reconocimiento, el alcance y mucho menos la fama. Wu-Tang Clan fue revolucionario por crear una atmósfera oscura y underground gracias a la lírica y los sampleos de fondo, canciones explícitas que para ser joyas no necesitaban estar en la radio o en los oídos de todos.

A pesar de esto, la inevitable repercusión del álbum llegó y se convirtieron vitales para lo que sería la vuelta de la costa este (West Coast Hip Hop) a la corona de la cultura ya dicha y no solo eso sino también fueron una de las influencias más grandes dentro del subgénero del Hardcore Hip Hop.

Realmente la unión vimos que hizo la fuerza con artistas de este tamaño, la energía que emana esta música nunca fue igualada por sus carreras solistas, ni por asomo. Enter The Wu-Tang Clan es único en lírica y beats, increiblemente los sampleos no hay nada que desear de ellos, notas de piano y Funk en minimalismo es de lo más edificante combinado con ese sonido oscuro. He leído por ahí que textualmente ponían -"Este álbum pudo haber sido un fracaso"- y es que realmente con un proyecto que presente tanto collage como este trabajo pudo haber salido cualquier cosa.

RZA se encargó de volcar la influencia de la cultura asiática dentro del álbum y la banda, la influencia va desde el nombre de la banda hasta sampleos de partes de películas de artes marciales dentro de las canciones y referencias al Kung Fu y el Islam. Dentro del álbum podemos escuchar sampleos de diálogos y lucha de las películas de artes marciales "Enter the Dragon" (1973) y "The 36 Chambers of Shaolin" (1978).

 -"El estilo de Wu-Tang si lo que usted dice es cierto, puede ser muy peligroso ¿Cree que la espada Wu-Tang puede vencerme?" - (Bring Da Ruckus).

 Los integrantes igualmente ya se relacionaban con estas culturas anteriormente. RZA produjo el álbum en su mayoría acreditándose posiblemente la novedad de lo que era Wu-Tang.

Por otro lado, no se puede ignorar la destreza que tuvieron estos raperos entre verso y verso que es difícil elegir uno "mejor que otro" entre los 9 integrantes. Cada uno tiene una manera de corromper los versos de forma diferente, un estilo único como raperos como Kanye West o Jay-Z.

Lista de Canciones

1. Bring da Ruckus 4:10
2. Shame on a Nigga 2:57
3. Clan in da Front 4:33
4. Wu-Tang: 7th Chamber 6:05
5. Can It Be All so Simple/ Intermission 6:53
6. Da Mystery of Chessboxin' 4:48
7. Wu-Tang Clan Ain't Nuthing F*ck Wit 3:36
8. C.R.E.A.M. 4:12
9. Method Man 5:50
10. Protect Ya Neck 4:52
11. Tearz 4:17
12. Wu-Tang: 7th Chambers: Part II 6:10

Mi Calificación: 5/5 Estrellas

Tyler, The Creator - Goblin (2011)

El 10 de mayo de 2011 Tyler, The Creator lanzaba su álbum debut luego de haber fundado el colectivo de hip hop OFWGKTA (Odd Future Wolf Gang Kill Them All) y haber lanzado un mixtape ya dos años antes.
El estilo de Tyler en este álbum es muy horrorcore, es un álbum muy oscuro con beats de fondo que forman bases lúgubres y profundas en la mayoría de las canciones, muchas son muy bien elaboradas, otras simplemente por más oscuras que sean son precisamente aburridas y ya cansa lo repetitivo que puede llegar a ser. Su voz es una buena combinación ya que es muy grave y áspera.

El trabajo realmente lo veo como una buena idea, podría ser un buen álbum underground o de culto teniendo ese Hardcore Rap pero el rítmo no ayuda en nada y menos las letras misóginas pero hipotéticamente esto hizo tyler para crecer desde el inicio hasta ahora.

Desde el primer instante en Goblin somos capaces de oír la intervención de un terapeuta que habla con Tyler a lo largo del álbum pero no sabemos si es real o solo es el inconsciente despierto de Tyler, en fin, el álbum estaría directamente influido por esto, su inconsciente o como entiendo yo, sus verdaderos y ocultos sentimientos de misantropía y odio. pero...¿Por qué tanto enojo y grosería?

En realidad yo creo que al artista poco le importan las críticas más allá de que realmente aquí se hizo ver fácilmente el doble de lo que era con Bastard en 2009.

El ambiente se pone tenso y la voz de Tyler ya es demasiada densa hasta el punto que llega una canción de lo peor de tyler en su carrera "Bitch Suck Dick", con ese título no queda nada para decir. Irónicamente algo para destacar aquí en el álbum es nada ni nada menos que la colaboración de su amigo Frank Ocean, también integrante de Odd Future que su voz crea un contraste muy inverosímil en las canciones "She" y "Window".

¿A que se deberá este odio constante de Tyler? ¿Busco fama criticando la fama?

Lista de Canciones

1. Goblin 6:48
2. Yonkers 4:09
3. Radicals 7:18
4. She 4:13
5. Transylvania 3:12
6. Nightmare 5:22
7. Tron Cat 4:13
8. Her 3:31
9. Sandwitches 4:51
10. Fish 6:19
11. Analog 2:54
12. Bitch Suck Dick 3:36
13. Window 8:00
14. AU79 3:40
15. Golden 5:43

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Pink Floyd - Ummagumma (1969)

Pink Floyd con la salida de Barrett de la banda, había tenido un pequeño desliz o cambio en su calidad musical pero siempre manteniendo firme su música psicodélica que era la escencia de esta banda, largas improvisaciones psicodélicas con guitarras distorsionadas y varios instrumentos que ayudaron a la ambientación de los álbumes. Ahora bien, en 1969, la banda propuso un nuevo proyecto doble LP donde el primero sería una recopilación de cuatro de los primeros temas tocados en vivo. Por otro lado, el segundo sería ocupado por canciones nuevas que serían hechas individualmente por un integrante distinto en cada canción.

Si bien uno piensa que hacer semejantes temas en vivo como "Astronomy Domine", "Careful with That Axe, Eugene", "Set the Controls for the Heart of the Sun" y "A Saucerful of Secrets" serían muy dificiles yo más bien pienso que perderían un poco la fuerza y la profundidad que nos presentan estas canciones en un disco pasadas por arreglos de un estudio, pero los Floyd doblegaron la apuesta y para Ummagumma eligieron quizás una de las mejores presentaciones en vivo de la banda, MOTHERS Birmingham & Manchester College of Commerce en junio de ese año. La presentación si bien las canciones se vuelven más prolongadas, no deja nada que desear ni reprochar.

Por otro lado, las canciones nuevas y el segundo LP tiene una buena introducción con "Sysyphus" pero se torna algo denso y se tomaron muy a pecho lo que es una improvisación psicodélica, que mas que atraparte, te aburre. Ya sus instrumentales psicodélico no implicaban lo mismo que fue al principio de la banda, o quizás solo en este álbum. A pesar de eso, la melodía de Pink Floyd puede hacerte experimentar con diferentes sensaciones a lo largo de esta segunda partetan diversa como paz, preocupación, relax y paranoia.

Lista de Canciones

Primera Parte: Lado A y B (Primer LP)

1. Astronomy Domine - Live
2. Careful with That Axe, Eugene - Live
3. Set the Controls for the Heart of the Sun - Live
4. A Saucerful of Secrets - Live

Segunda Parte: Lado C y D (Segundo LP)

1. Sysyphus (Parte 1,2,3,4)
2. Grantchester Meadows
3. Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pick
4. The Narrow Way (Parte 1,2,3)
5. The Grand Vizier's Garden Party (Parte 1,2,3)

Mi Calificación: 3/5 Estrellas

Kids See Ghosts - Kids See Ghosts (2018)

Después de los idas y vueltas de Kanye West este año llenando Twitter de debates y fuertes declaraciones acerca de su pensamiento racial acerca de la libertad de los negros y demás, Kanye se asocia con Kid Cudi, un amigo muy cercano de el por cierto, y forman este gran dúo el cuál decidió poner en marcha al mismo tiempo que anunciaría un nuevo álbum. Ya tendré tiempo de hablar de "Ye", su otro trabajo de este año, pero esta es la pieza principal y la frutilla del postre, formar este dúo que sorprendió a mas que solo unos pares para publicar en conjunto lo que es hasta la fecha quizás, uno de los mejores álbumes del año.

Publicado el 8 de Junio de 2018 vendió 142.000 copias la primera semana y debutó en la lista Billboard 200 en el puesto número 2. Cudi no editaba material desde el año 2016 y West en especial estuvo trabajando todo el año pero eso no significa que solo me enfoque en uno de los dos sino que lo esencial de este dúo es la pariedad de trabajo que hay entre los dos. El álbum es arte contemporáneo, es etéreo, subliminal y profundo. West siempre una persona que con su voz y habilidad rítmica no deja que desear. La performance de Cudi en un trabajo tan abstracto equilibra las voces agudas con su voz dominante.

Kids See Ghosts, si bien no soy participe ni simpatizante de lo que voy a decir, es totalmente una apología religiosa, incluye muchas referencia al señor y a una deidad suprema constantemente ("Reborn", "Fire", "4th Dimension") a la cual se la recurre, como cotidianamente, de una salvación y obviamente como todo en el álbum es positivo.

Nunca hay que dudar de la creatividad de artistas de esta talla; el álbum lo tomo como algo conceptual aunque no lo sea, interpreto que lleva consigo el concepto de que la humanidad ve y cree en algo que siempre lo hace sentir mejor, como al escuchar las canciones de este álbum que es alentador por cierto, West esta demostrando que la creencia no es dañina, por eras los seres humanos creímos, el problema es como manejan la manera de creer.

Encontramos la presencia de varios artistas tanto en producción (Mike Dean, André 3000, Mr Chop, etc.) como en colaboración vocal (Ty Dollar Sign, Yasiin Bey). En 4th Dimension escuchamos el sampleo de Louis Prima de "What Will Santa Say" que forma un coro y un estribillo agradable aunque el clímax lo encontramos en la siguiente canción. "Freeee (Ghost Town Pt.2)" funciona como un clímax en todos los aspectos, instrumental, creativo, lírico y compositivo. Una canción con una potencia formidable, unas voces de West y Cudi en niveles incuestionables, la voz grave de Ty, el hermoso coro y la instrumentación fuerte que posee la convierte en mi favorita lejos.

Free es también la canción más expresiva, sera esta en realidad la verdadera referencia a los fantasmas?

Yeah, yeah, yeah, yeah

Feelin' out of my past life

Died and came back twice

Now I'm free

Lista De Canciones

1. Feel The Love 2:45
2. Fire 2:20
3. 4th Dimension 2:33
4. Freeee (Ghost Town Pt.2) 3:26
5. Reborn 5:24
6. Kids See Ghosts 4:05
7. Cudi Montage 3:17

Mi Calificación: 4/5 Estrellas

Nuevos Lanzamientos: Junio 2018

Llegamos a la mitad del año y nos deja uno de los meses más cargados de música hasta lo que va ahora. Hay que recordar que solo comparto aquí y no los recopilatorios, reediciones, ediciones deluxe etc. solo se muestra los nuevos lanzamientos de estudio.

Viernes 1 de Junio:

Kanye West - Ye

Género: R&B Alternativo, Pop Rap

Duración: 23:41

Calificación Allmusic: 2,5 / 5

Calificación Pitchfork: 7.1/10.0

Father John Misty - God's Favorite Costumer

Géneros: Cantautor, Chamber pop, Piano Rock

Duración: 38:34

Calificación Allmusic: 4 / 5

Ghost - Prequelle

Géneros: Hard Rock, Heavy Metal

Duración: 41:48

Calificación Allmusic: 4 / 5

Calificación Pitchfork: 6.1 / 10.0

Viernes 8 de Junio:

Jorja Smith - Lost & Found

Géneros: R&B Alternativo, Neo-Soul

Duración: 46:00

Calificación Pitchfork: 8.1/10.0

Kids See Ghosts - Kids See Ghosts

Géneros: R&B Alternativo, Pop Rap

Duración: 23:50

Calificación Allmusic: 4,5 / 5

Calificación Pitchfork: 7.6 / 10.0

Lily Allen - No Shame

Géneros: Electropop, R&B Contemporáneo

Duración: 50:51

Calificación Pitchfork: 6.3 /10.0

Dave Matthews Band - Come Tomorrow

Géneros: Rock Alternativo, Pop Rock

Duración: 54:36

Calificación Allmusic: 4 / 5

Calificación Pitchfork: 5.0 / 10.0

Virginia Wing - Ecstatic Arrow

Géneros: Indie Pop, Art Pop

Duración: 40:40

Calificación Allmusic: 4,5 / 5

Calificación Pitchfork: 7.8 / 10.0

Ne-Yo - Good Man 

Géneros: R&B Contemporáneo

Duración: 67:48

Calificación Allmusic: 2,5 / 5

Viernes 15 de Julio

Christina Aguilera - Liberation

Géneros: R&B Contemporáneo

Duración: 49:19

Calificación Allmusic: 3,5 / 5

Calificación Pitchfork: 6.7/ 10.0

5 Seconds of Summer - Youngblood

Géneros: Pop, Dance Pop

Duración: 40:11

Calificación Allmusic: 3,5 / 5

Mike Shinoda - Post Traumatic

Géneros: Hip Hop, R&B Alternativo

Duración: 38:34

Calificación Allmusic: 4 / 5

Calificación Pitchfork: 3.8 / 10.0

Viernes 22 de Junio:

Death Grips - Year of The Snitch

Géneros: Hip Hop Experimental, Noise Rock, Industrial

Duración: 37:06

Calificación Pitchfork: 7.3

Nine Inch Nails - Bad Witch

Géneros: Rock Industrial, Rock Experimental

Calificación Allmusic: 3,5 / 5

Calificación Pitchfork: 8.0 /10.0

The Orb - No Sounds Are Out of Bounds

Géneros: Dub Ambiental, House Ambiental

Duración: 38:34

Calificación Allmusic: 3,5 / 5

Panic! At The Disco - Pray For The Wicked

Géneros: Pop Rock, Emo Pop

Calificación Allmusic: 4 / 5

Calificación NME: 8 / 10

Bebe Rexha - Expectations

Géneros: Pop, Dance Pop

Duración: 43:47

Calificación Allmusic: 3 / 5

Viernes 29 de Julio

Drake - Scorpion

Géneros: Pop Rap, R&B Contemporáneo

Calificación Pitchfork: 6.9 / 10.0

Gorillaz - The Now Now

Géneros: Electropop, Pop Rock Alternativo

Duración: 40:42

Calificación Pitchfork: 6.8 / 10.0

Calificación Allmusic: 3,5 / 5

Florence + The Machine - High as Hope

Géneros: Indie Rock

Calificación Allmusic: 3,5 / 5