El Origen de Grandes Bandas Capítulo 18: The Doors

La célebre banda que representó gran parte de la juventud de la década de los años sesenta e hizo una gran contribución a la música psicodélica y al Rock en general, se formó en Los Ángeles, California en el año 1965. Sus únicos integrantes, debido a su relativamente corta carrera de ocho años, fueron Jim Morrison en voz, Ray Manzarek como tecladista, Robby Krieger en guitarra y John Densmore en batería; si, la banda no utilizaba bajo. Lo que unió a estos jóvenes fue la carrera universitaria que estudiaban los cuatro en la Universidad de Los Ángeles (UCLA) ya que los cuatro jóvenes eran compañeros en la carrera de cinematografía.

La idea original de The Doors fue propuesta por Manzarek y Morrison, se dice que una tarde en la playa de Venice en California, estos dos se encontraron y Morrison le presentó un poema que el había escrito dias antes, este poema se convertiría en una de las primeras canciones editadas por la banda e incluída en el segundo álbum de la futura banda, ese poema era Moonlight Drive. Manzarek le pidió a Jim que se la cantara y ahí se le ocurrió que era una buena idea hacer una banda con el mismo.

Ray se encontraba en una banda con sus hermanos llamada Rick & The Ravens. Luego de esto, Jim y Ray decidieron contactar a sus compañeros de carrera, Densmore y Krieger que también se encontraban en una banda llamada "The Psychedelics Rangers". Inicialmente, los hermanos de Ray pertenecerían al proyecto pero se desligaron del mismo debido a diferencias musicales con Jim, mejor dicho, no les gustaba sus canciones.

Así, quedaría conformada la única formación de la banda en su historia. La banda recorrió bares bajos hasta llegar a otros más populares y a uno de los más importantes como el Whisky a Go Go con el que llegaron a tener una clase de contratación recurrente y en el que se lucirían y los sacaría a flote. En el mismo fueron visto por el Arthur Lee, el cantante de la banda de Rock Psicodélico "Love", este mismo los recomendó a Elektra Records y estos después de verlos en dos presentaciones les ofrecieron contrato y cerraron un acuerdo. La banda grabaría todos sus álbumes bajo esta discográfica y la mayoría de los mismos con el productor Paul Rothchild.

El homónimo y primer álbum se lanzaría el 4 de Enero de 1967 con grandes éxitos como Break On Through, The Crystal Ship, Light My Fire y The End presentando un sonido que mezcla el Blues, el Rock y la mismisima Psicodelia con una ingeniería sonora inesperada e innovadora gracias al sonido del teclado y la voz enigmática de Jim. 

Los Espíritus - Agua Ardiente (2017)

Agua Ardiente es el tercer álbum de Los Espíritus, banda argentina surgida de la escena independiente a principios de esta década que acostumbra a interpretar canciones de Rock Psicodélico con influencias del Blues Británico de los dorados años sesenta. La describo como una banda joven con un gran potencial para interpretar uno de los géneros más ricos de la música sabiéndolo hacer muy bien y con gran solidez. Agua Ardiente es el punto más alto en creatividad de la banda, su Magnum Opus y su mayor representación en el circuito musical hasta el día de la fecha. El álbum fue lanzado el 1 de Mayo de 2017.

Rock Psicodélico, Blues Rock, Folk Psicodélico
Los Espíritus

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Perdida En El Fuego, La Rueda Que Mueve Al Mundo, Mapa Vacío, Luna Llena

De carácter sociopolítico, Agua Ardiente representa y transmite mas de una de las preocupaciones de los problemas de la sociedad actual Argentina, y porque no mundial, en los integrantes de la banda que va desde guiños hacia la situación en la que se encuentra el medio ambiente, la política y la gran alienación presente en muchos individuos en nuestra vida cotidiana. El álbum tiene un carácter consciente muy fuerte y valiente, sostiene valores que enfrentan situaciones irreversibles de nuestro hoy y todo esto bañado siempre con un fuerte esplendor psicodélico gracias a su producción que no suele ser tan forzada sino que sencilla mostrando lo justo y necesario en arreglos y en los sonidos.

Mientras que escuchamos a Santiago Moraes, como un líder protestante predicando cada uno de los conflictos de los que no se nos son ajenos, Prietto brilla en la guitarra siempre luego del verso de este agregando ese sonido sesentero de antaño en su guitarra con riffs y solos suaves y sencillos pero sumamente técnicos creando estrategicamente la ambientación ideal para un álbum de esta talla. Reformulando a mi manera, es como si Bob Dylan hubiera venido a tocar Rock en esta época a nuestro país y soy consciente de la gran comparación a la que estoy haciendo.

Cada canción, o al menos la mayoría, guarda algo esencial para la suma del todo, Jugo tiene varios de los mejores acordes del álbum junto con los ritmos más pegadizos que pueda encontrar en el mismo gracias a la voz de Moraes, La Rueda es uno de los gritos más en alza de la queja del sistema condenatorio (para su parecer) en el que convivimos día a día teniendo de protagonista a la madre tierra y a nosotros los humanos como detractores y destructores de la misma gozando también del mejor solo de guitarra del álbum. La mirada incluye una crítica más puntual hacia el sistema económico y hacia el abuso que se ve siempre en la relación ente empleador y trabajador que se puede tergiversar en la relación entre ricos y clase media y/o pobres, Mapa Vacío presenta una ambientación más folclórica que psicodélica o tribal gracias a los tambores utilizados, Las Armas Las Carga el diablo funciona como la canción más pacifista de ellos hasta el momento con los efectos más embriagadores del álbum junto con Luna Llena que permanece utilizando los mismos.

Por último y no menos importante, me encuentro la frutilla del postre para este gran trabajo. En El Viento, Los Espíritus elaboran una canción con una clásica estructura musical en base a canciones del Jam y Country Rock que son más movidas pero presentan un intervalo lírico en medio que corrompe toda la canción como solían hacerlo las bandas norteamericanas del Rock Ácido hace ya más de 50 años.

Para finalizar, sinceramente no es que no les daba mi voto de confianza sino que sorprendieron y superaron totalmente mis espectativas formando un álbum de los más destacados de mi país en la última década. Agua Ardiente es una escucha que a cada repetición se me vuelve más adictiva debido a su creatividad y a su homenaje a grandes momentos de la música mundial. La tierra esta susurrando la gran verdad y estos muchachos te lo cantaron en la misma cara.

Marina & The Diamonds - The Family Jewels (2010)

The Family Jewels es el álbum debut de Marina & The Diamonds, proyecto de la cantautora irlandesa Marina Diamandis lanzado el 15 de febrero de 2010 mezclando grandes influencias de la música tanto como personalidades femeninas y masculinas y mostrando un gran potencial en el ámbito pop.


Pop, Chamber Pop, Indie Pop
Atlantic Records / Warner Bros.

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Shampain, Girls, Hollywood

El álbum presenta un pop agradable, alegre y con una producción muy dinámica que va desde el uso de la ambientación clásica de la música Pop Rock pasando por canciones más de influencia Electropop con efectos y tintes más modernos hasta canciones agridulces de Pop de cámara clásico en donde las canciones se tornan más sentimentales (Obsessions), más serias y algo más profesionales gracias al carisma de Marina pero en sí, la mayoría del álbum se comporta con una alegría bastante ansiosa y un sonido casi juguetón en canciones como Girls y la infantil Mowgli's Road.

A pesar de esto, las primeras canciones de Marina son las que más carácter tienen y las que situaron y permitieron ser la artista en la que se convirtió posteriormente. Sin embargo, nunca me ha parecido este un mal álbum debut sino por el contrario, es un álbum bastante completo que muestra diferentes facetas de la música pop en general.

Marina demostró ser una ambiciosa de la música pop creando canciones, junto a sus productores Pascal Gabriel y Liam Howe entre otros, que se alejan de la media comercial, a excepción de Hollywood que sorprendentemente es la mejor de todas con un estilo crítico sobre el consumismo de la ciudad mencionada. Junto a esta, la que elijo sobre el resto es Shampain y eso explica mucho, es decir, siempre me ha gustado más su faceta de artista Electropop que en los momentos donde prefiere inclinarse para un Pop más tradicional. Puede haber tenido esta artista un debut dispar en donde, por más creativa que suene en sus canciones la calidad no suele ser la misma en la mayoría de las canciones ya que algunas se ven menos funcionales que otras. 

Usted Señálemelo - Usted Señálemelo (2015)

Usted Señálemelo es un trío de Indie Rock y Pop formado en 2008 en la provincia Argentina de Mendoza y lograron convertirse en uno de los referentes más populares del rock nacional en cuestión de algunos años teniendo como tarea y honor representar a la escena Indie Argentina junto con sus pares como Perras On The Beach, Él Mató a Un Policía Motorizado, Bauer y Banda de Turistas entre los más populares. Pero, sin duda el paso más grande que ha dado Usted Señálemelo junto con "Perras, banda del hermano del cantante de esta banda, es sin duda poner en primer plano nacional a las bandas de Mendoza. Su álbum homónimo y debut fue lanzado el 15 de Marzo de 2015.

Indie Rock, Indie Pop

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: La Luna Patas Para Arriba, Agua Marfil

Muchos le han puesto el ojo encima como una de las bandas más prometedoras de la Argentina se tratase, sin embargo, la banda se ve que tiene mucho del cual aprender para formarse como una banda digna de ser llamada "La nueva banda líder del Rock Argentino", título también que es demasiado difícil de designárselo a alguna banda en especial el día de hoy con dicho autoritarismo.

Yendo a lo musical del álbum, producido por ellos mismos, me esperaba mucho más pero también me encuentro con momentos que me parecen familiares del género en Hispanoamérica con pasajes aburridos en donde las guitarras son suaves y, aunque estén muy bien armados los solos y los riff en cada canción dándoles estructuras simples y agradables, la voz del joven Juan Saieg, el cual también toca el sintetizador que con mucha atención solo algunas veces parece estar ahí, nos habla siempre del amor perdido por una mujer, amor no correspondido o pasional y otros detalles demasiados melosos para mi gusto. Las canciones siempre tratan la misma temática volviendo el álbum un ambiente algo monótono y de por más, aburrido. Además, la mayoría de las canciones gozan de una composición corta y repetitiva como lo son "Otra Vez", "Girando A Través" y "Cristales". Por momentos me encuentro con metáforas inútiles como en "Plastilina" que son demasiado comunes y utilizadas y con otras muy interesantes como las que usan al cantar en "Cristales".

Sin embargo, el álbum trae dos joyas que me han gustado y que una se ha convertido en una de sus canciones más escuchadas y una de las causantes en impulsar un poco más rápido su música a partir de la salida de este álbum, hablo de"Agua de Marfil" junto a "La Luna Patas Para Arriba" y creo que es demasiado simple porque me han gustado si se presta atención a esta reseña y al álbum al mismo tiempo. La luna corrompe el álbum, termina con ese Rock juvenil aburrido y meloso que han propuesto en la primera etapa del álbum y viene esta canción más rápida, más feroz y hasta con sonido Lo-Fi que realmente me ha sorprendido y esto es lo que prefiero llevarme de esta banda, un intento de Rock puro y con buena letra que hace que la canción sea más que vibrante. Por otro lado, Agua de Marfil es un polo opuesto a esta canción, es la canción que cierra el álbum y es una hermosa balada que opaca todas las canciones anteriores de sonido indie. La balada acústica fue pensada detalladamente a comparación del resto. ¿Es dulce? si, lo es, pero aún así logró que me fijara en que la letra no se comporta como las demás ni siquiera la estructura de la canción.

En resúmen, los momentos que corrompen lo monotonía del rock juvenil, moderno y suave son los que han de destacar, es decir, en esas canciones se ha de encontrar quizás el error que no deja que la banda se despegue del montón de la escena actual del país. 

Run The Jewels - Run The Jewels (2013)

Run The Jewels comenzó en 2013 con su álbum debut y homónimo (comienzo de una trilogía del mismo nombre) como un dúo de Hip Hop prometedor, moderno y sobretodo agresivo en su lírica como en su dirección y su esquema brindado por El-P y Killer Mike, las únicas dos joyas que componen el proyecto. Ambos crean un balance entre ellos, uno siendo más destacado en líricas y el otro como productor musical de todo el proyecto como lo es El-P, para variar, la idea del dúo resultó gracias a que este produjo el álbum R.A.P. Music de Mike el año anterior y llevaron a cabo ideas de iguales diemensiones para la creación del mismo. El dúo al ser anunciado dejo muy expectante al público del ambiente y de la música tanto que rápidamente como el álbum fue lanzado, fue alabado por la crítica misma. El álbum salió a la venta el 26 de Junio de 2013.

Hardcore Hip Hop, Experimental Hip Hop
Fool's Gold

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Run The Jewels, DDFH, A Christmas Fucking Miracle

Los versos de ambos son sumamente rítmicos mezclando frases cortas en cada verso con bases frecuentemente con golpes a la par de los mismos. Killer Mike por lejos es el que mejor de los dos desafía aquí entre versos de bravuconería e imagen de un rapero moderno y vil sobrepasando a su par en más de lo que este puede aportar a pesar de que este también sea habilidoso. Lo que comparten gradualmente ambos en el álbum y lo formaron grupalmente sin duda es la ridiculización del atributo agresivo del Hip Hop es decir, pone en ridículo la acción agresiva que sostiene el genero muchas veces.

Run The Jewels tiene su balance y equilibrio, Mike si es el que comanda la lírica, El-P tendría que demostrar una producción ambiciosa y completa y es así como lo hizo y yo creo que sobre pasando las expectativas esperadas por algunos. La producción, los arreglos instrumentales, las bases y sus respectivos golpes forman a un álbum totalmente moderno mezclando lo urbano y agresivo con lo fino y lo diseñado electronicamente con bases graduales que son protagonistas en todo momento. Con esto quiero decir que Run The Jewels tiene una de las mejores producciones de los últimos años por el hecho de que es ambiciosa y compleja porque en cada presentación, como lo es cada canción, las bases son muy distantes una de otras pero siempre sorprendiendo de igual manera. El álbum también incluye como co-productores a Wilder Zoby y Little Shalimar y como artistas invitados a Big Boi en Banana Clipper, Until The Ribbon Breaks en Job Well Done y Prince Paul en Twin Hype Back.

Sin lugar a dudas hay partes del álbum que parece que se rapea "solo por rapear" dando lugar a composiciones en simultaneo carentes de mucho sentido o eso es lo que me da a pensar. Sin embargo, el álbum se sujeta en esas joyas del ridiculismo atendidas anteriormente junto con versos de tintes políticos donde rozan el conflicto policial y la violencia de la misma, algo de conflicto racial junto con la violencia urbana de la que muchas veces es protagonista el país norteamericano. Esto muestra el reflejo de un Rap de semiconsciencia que esta al tanto de los hechos históricos y trágicos de una sociedad desarrollada bajo el signo de la violencia, aunque el álbum no quiera transmitir eso sino que criticarla sutilmente.

Nirvana En Vélez Sarsfield

El 30 de Octubre del año 1992 se produjo un concierto histórico en la música Argentina, concierto que aparte de ser histórico también pudo haber sido mítico pero eso no lo hemos merecido ni de por cerca. Yendo paso por paso, dicho día tocaría Nirvana en el estadio José Amalfitani, estadio de Vélez Sarsfield ubicado en el barrio de Liniers de la capital del país. La banda, habiendo llegado un día antes al país, tocaría con una banda conocida por Courtney Love, pareja de Kurt Cobain, como banda telonera como para darle una ayuda a la reputación de la banda de la misma y dándole la oportunidad de también mostrar su material y música.
Bajo el sello de "Coca-Cola Festival" el concierto estuvo compuesto por la banda Argentina, también telonera, Los Brujos, seguido por la banda de Punk Rock de las amigas de Courtney, Calamity Jane la cual estaba compuesta solo por tres mujeres y seguido de la gigante banda oriunda de Seattle y percusora del Grunge en pleno auge a la cual realmente todos estaban esperando dicha noche.

La recepción de las casi 50.000 personas que asistieron al evento en cuanto a Calamity Jane se trató, fue totalmente repudiable y sexista. La banda compuesta por Gilly Ann Hanner, Lisa Koenig y Megan Hanner fue humillada por el público argentino, el muchas veces considerado como uno de los mejores públicos del mundo esta vez le tocó hacer de destructor de una banda y un gran fraude para todos los que vieron de afuera este horrible episodio. Las chicas de Calamity Jane fueron apedradas, escupidas, tratadas de prostitutas y hasta han declarado que había gente que le mostraba sus genitales en medio de las canciones que estaban interpretando.

El concierto se vió interrumpido minutos. Quebraron en llanto en frente de Nirvana que consideraron cancelar el concierto a toda costa, hecho que Cobain también repudió debido a que debían cumplir el contrato que habían firmado para la gira mundial. Sin embargo, a Kurt se le ocurrió una idea: auto sabotear su propio concierto para el descontento y merecido del público. El concierto fue acertadamente terrible y mal ejecutado con dicha intención. Kurt tarareaba las canciones, distorsionaba los acordes de su guitarra, tocó las canciones menos conocidas y amagó veces con tocar Smells Like Teen Spirit que brilló totalmente por su ausencia. El Setlist fue totalmente anormal, variado y aleatorio, las canciones con las que entraron no eran las programadas y mucho menos las esperadas ya sea por cualquier fan o la prensa y así fue como desconcertaron a todo el mundo.

La banda declaró que a pesar del mal trago, fue una de las anécdotas y experiencias más divertidas.

La gira pertenecía al boom del álbum de Nevermind lanzado meses antes. Luego de esta presentación, la banda Punk oriunda de Portland, no decidió seguir la gira junto a Nirvana debido al poco autoestima del que padecía la banda, declarando que les tomó meses recuperarse del episodio.

Coldplay - Ghost Stories (2014)

Ghost Stories es el sexto álbum de la banda británica Coldplay, y su tercer álbum conceptual al hilo detrás de Viva La Vida or Death and All His Friends (2008) y Mylo Xyloto (2011) abarcando en esta oportunidad dos conceptos que hacen referencia al momento crucial por el que estaba cruzando Chris Martin, frontman y vocalista de la banda el cuál estaba en una etapa conflictiva y de transición con la que era en ese momento su esposa, Gwyneth Paltrow con la que se terminó por divorciar en Marzo de 2014 antes del lanzamiento del álbum. Esos conceptos mencionados anteriormente son: La capacidad para amar de una persona y las acciones del pasado que modifican y afectan nuestro presente y nuestro futuro. El álbum fue lanzado el 19 de Mayo de 2014.

Ambient Pop, Pop Rock, Dream Pop
Parlophone / Atlantic Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Always In My Head, Magic, True Love

No puedo negar que me he llevado una gran sorpresa gracias a la profundidad que pude encontrar acá tanto en los sonidos, las texturas y la letra. Mas allá de que sea un álbum conceptual, hecho por el cuál muchas veces los álbumes son sobrevalorados solo por abarcar y tratar un tema en especial interés, Ghost Stories es una escucha muy buena e interesante manteniendo rasgos de la música comercial y la oscuridad de la influencia de la electrónica junto con los sentimientos empuñados por Chris y toda la banda en sí al llevar a cabo las canciones.

Cabe destacar que aquí se quiso hacer un trabajo mucho más personal y acústico que Mylo Xyloto, álbum el cual saca mucho más jugo de la producción electrónica en general, así que aquí nos encontramos en canciones prácticas donde los golpes ténues y atmosféricos de la electrónica juegan increible y sutilmente con la voz de Chris y las guitarras suaves.

A pesar de esto, el cambio fue abrupto y más si contamos realemente el pasado de la banda que viene de ser un representante del britpop de principios de siglo a tener una producción influenciada por el EDM y más si tenemos en cuenta quienes producen este álbum especificamente. Algo realmente banal es la cantidad de los mismos teniendo en sus filas a Paul Epworth, Mike Dean, Daniel Green, Avicii, Jon Hopkins aparte de la banda misma. Muchos productores han deslucido un poco la temática y el esfuerzo real del trabajo en sí. Hay errores marcados por la misma y quizás el más grande sea la canción A Sky Full of Stars mostrando un punto y una melodía totalmente fuera de contexto inclinándose al comercial electropop simple e irrelevante.

Ghost Stories se muestra tembloroso pero valiente al mismo tiempo, mostrando una fortaleza de la banda en el campo de lo electrónico junto a la forma de componer las canciones aunque esto ya sea un atributo quizás ya visto, este relato me ha sorprendido por demás y es uno de los casos en donde realmente no puedo separar el artista de la obra. Esto es un periodo de transición por el cual la banda ha optado por elegir una producción más moderna para acompañar los versos más solitarios que ha escrito la banda en toda su carrera.

The Weeknd - My Dear Melancholy, (2018)

The Weeknd lanzó el 30 de Marzo de 2018 My Dear Melancholy, un EP totalmente sorpresivo por donde lo veas y lo escuches, esto lo remarco debido a que el álbum fue anunciado por su disquera XO y por Republic Records. El álbum tiene una gran influencia de la música electrónica, de más está decir que por momentos abusa demasiado de ella en el momento que acompaña al artista en su relato.

Alternative R&B

XO, Republic Records

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Call Out My Name, I Was Never There

El EP es un pasadizo oscuro en donde la voz aguda y glamorosa del influyente artista pop se mezcla con la producción electrónica vibrante y muy presente en el trabajo. Cabe destacar que es un trabajo muy íntimo, un trabajo en donde por seis canciones predomina solo una voz conocida que da lo mejor de sí en un trabajo espontáneo y fugaz y es quizás por esto que notamos mucho más la presencia de la atmósfera al borde de llevarse el protagonismo.

Call Out My Name fue el sencillo líder de este EP, en donde el artista parece dolido, triste y más que nada decepcionado por el amor de una dama. Características como esta toma el rumbo de My Dear Melancholy,  el artista dejó la música disco moderna bajo el amparo de Daft Punk para entrar en un pozo sombrío donde muestra una decepción personal, sin embargo, Tesfaye no llega a ser lo suficientemente conviencente en cuanto al cuento de su amor.

El álbum es producido por varios artistas del circuito de la electrónica como Skrillex, Nicolas Jaar, Cirkuit, Marz y la sorprendente aparición del francés Gesaffelstein que trabaja como artista invitado en I Was Never There y Hurt You. Estas dos piezas son claves y fundamental para el desarrollo de este trabajo. Gesaffelstein hace que I Was Never There sea totalmente adictiva y fenomenal superando así el sencillo presente aquí o por lo menos poniéndose en su lugar, cabeza a cabeza, desafiando su sonido más pop por uno más íntimo y artificial. Sin embargo, e irónicamente, esta es una de las debilidades que no actúa como fortaleza aquí, el EP suena sobreactuado, muy artificial.

En resúmen, el sorpresivo ataque de The Weeknd en 21 minutos, forma un aura y una atmósfera oscura y sombría que refleja el saldo perdido en el juego del amor. 

Lana Del Rey - Norman Fucking Rockwell! (2019)

Con sorprendentes adelantos como sencillos, la reina del Dream Pop norteamericano el año pasado anunciaba lo que sería posiblemente su trabajo más sorprendente con una ansiedad por parte del público y la crítica por ver y escuchar de que se trataría su último álbum, Norman Fucking Rockwell.
La cantante de Los Ángeles, y personificación del simbolismo y nacionalismo americano dentro de la canción, lanza el 30 de Agosto de 2019 su quinto álbum en el cual se atreve a experimentar con diferentes sonidos más complejos a los que venía interprentando doblegando así su coherencia y estabilidad en el álbum. El nombre del álbum es una referencia a un ilustrador norteamericano del Siglo XX.

Art Pop, Dream Pop, Soft Rock, Trip Hop
Polydor / Interscope

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Mariners Apart Complex, Venice Bitch, Fuck It I Love You, The Greatest, Cinnamon Girl, How To Disappear 

En NFR!, se presenta una nueva Lana, una Lana mucho más madura, más poderosa, más orgullosa y menos vulnerable a la mala suerte del amor como podíamos observar en sus primeros años que si bien no siempre la historia de amor de ella terminaba mal, no parecía como si Lana cantase muy feliz las situaciones que el amor de una adolescente vintage le deparaba. Es en este momento que uno que estuvo cerca del artista, poniéndose a analizar, puede ver como ha crecido a pesar de lo que las críticas le puede sugerir o remarcar, el notorio crecimiento personal va desde la experimentación sonora hasta el pulido profesional de su lírica, es decir, aquí Lana indiscutiblemente es una poeta con metáforas profundas y apropiadas, pasa de ser la adolescente que hemos mencionado a una mujer adulta que habla de que el ser humano debe ser amado y debe amar. 

La cantante californiana decidió alejarse del sonido radial para compensarnos con canciones exquisitas con Soft Rock, Rock con algunos tintes psicodélicos (aunque no estoy de acuerdo que esto sea sumamente psicodélico), el siempre personal Dream Pop y sorprendentes sonidos y efectos en dichas canciones con influencias del Slowcore y el Trip Hop, es decir, aquí se ve la gran experimentación sonora a la que la artista se dedicó. Con canciones que varían poco en sus tempos, el sonido es correlativo, persistente, profesional y maduro. Con una duración de más de una hora, NFR! no puede aburrir a nadie, cada canción tiene un destello que te atrapará sin dudas debido a que los recursos utilizados, junto con la producción, son realmente buenos y dinámicos que acompañando la voz de Lana, que también mejoró al momento de marcar los ritmos de diferentes canciones con su voz, forman hermosas baladas.

Entre sus canciones más sólidas se encuentran sus sencillos lanzados el año pasado como adelanto de este álbum, Mariners Apart Complex (-"Soy el tablero, el rayo, el trueno, tipo de chica que hará preguntarte quien eres y quien has sido"-) con un solo de guitarra setentero y un suave piano y Venice Bitch (-"Estás en el patio, enciendo el fuego, y a medida que el verano se desvanece, nada dorado puede quedarse"-) que rapidamente se convirtió en una de las canciones más aclamadas del artista por su estructura progresiva y su sonido de Rock embriagador y meditativo camino a la final de la canción, características que nunca se habían visto en la artista y fueron bien recibidas gracias al gran cambio en base a las canciones tradicional del Pop al que se volcaba de lleno anteriormente.

A pesar de esto, no solo los sencillos son sorprendentes, Fuck It I Love You, con un buen golpe rítmico acompañando a la voz de Lana, recuerda a las mejores canciones de Ultraviolence, Love Song contiene las letras más personalmente desafiantes del álbum quizás con una atmósfera solitaria y sonido de cuerdas de fondo, Doin' Time es un cover de la banda Sublime llevado al Trip Hop con una Lana alegre y eufórica.

Yendo para la mitad y final del álbum nos encontramos con que todas las canciones son, en resúmen, baladas. Las más destacadas son Cinnamon Girl y How To Disappear en donde se vuelve a encontrar este sonido frio, serio, complejo y progresivo como en Venice Bitch. En la primera canción, la atmósfera es bellisima con los sintetizadores haciendo las veces de ambientación de Chamber Pop y la segunda contiene un sonido de R&B Contemporaneo en una canción donde personalmente creo que aquí trata de explicar ese crecimiento personal con el que se encuentra la cantante, una etapa de cambios muy grande.

Indudablemente estamos ante un cambio en la artista para bien tomando como gran referencia el Rock Clásico y el Folk Rock de Neil Young, Joni Mitchel o Stevie Nicks que quizás es dificil entender que esté presente, pero en su sonido redefinido, la base está armada gracias a estos percusores. Anteriormente, no se había visto la presencia de grandes artistas en Lana jamas, pero quizás es tiempo de tomársela más en serio, por el momento disfrutemos de uno de los mejores álbumes de baladas de los últimos años.

Calvin Harris - Motion (2014)

Bien sabido es que Calvin Harris es uno de los artistas más exitosos en la música en cuanto a lo  popular y en la venta de la misma. El DJ escocés presentó el 31 de octubre de 2014 su cuarto álbum. Motion, debutando en el quinto puesto en la lista norteamericana Billboard 200 y en el segundo puesto en los UK Charts.
Calvin presenta una colección de canciones en donde satura el sonido de la música mainstream y de afinación radial sin ser una desventaja para la elaboración de su música donde muchas veces estas canciones funcionan como las mejores del álbum.

Electrohouse, Electropop, Big Room
Columbia / Sony

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Faith, Under Control, Blame, Summer

Manteniendo este concepto, Motion demuestra muchas cosas acerca del artista y que en su mayoría es la fortaleza que tiene para interpretar el Electropop radial y ser uno de los artistas más importantes del mismo como también muestra algunos errores o falta de originalidad en algunas canciones que le termina costando caro a fin de cuentas cuando se analiza a fondo el álbum.
El álbum presenta varios de sus hits más conocidos como Under Control, Blame, Outside y Summer como los más devotos de estas características. El mismo presenta constantemente un ambiente festivo así como también relatos amorosos por parte de las canciones donde se desarrolla más vocalmente que otras, característica que es para tener en cuenta es que las canciones de Electropop, a comparación de las casi puramente instrumentales de Big Room con la estructura definida y clásica del genero (climax instrumental de club continuo con un ritmo aburrido), son mucho mas originales, dinámicas y no son repetitivas. Tal es asi que Summer y Blame son las mejores canciones aqui en donde en la primera, Harris se luce vocalmente con ayuda de efectos sutiles que llevan al climax de la canción nuevamente y le da soltura y definición al album por completo mientras que con la segunda, cantada por John Newman, ya tiene una estructura mucho más comun y simple.
En Motion podemos encontrar grandes momentos con sus colaboraciones como Under Control con las voces de Hurts y la compañía de Alesso, la brillante y sencilla Outside con Ellie Goulding y Blame con John Newman como vocalista como las colaboraciones más importantes. En otras colaboraciones no tan protagonistas se encuentran Gwen Stefani, Big Sean, Haim, R3hab y Tinashe.
El álbum es todo un proceso para entender el Electropop y el Electrohouse de media popular de hoy en día y quizás uno de sus álbumes mas prometedores como también más demostrativos y completos gracias más que nada a sus sencillos que se presentan como los puntos más altos y lúcidos de su trabajo.

Code Orange - I Am King (2014)

Code Orange, anteriormente y solo en su álbum debut llamados "Code Orange Kids", presentaba el 2 de septiembre de 2014 lo que sería su segundo álbum de estudio, I Am King. El álbum se presenta bajo una temática oscura, por momentos, con un sonido agresivo y tradicional del género del Metalcore en donde las voces desgarradoras de Shade, acompañado por Reba Meyers en tonos más melódicos, relatan versos pretenciosos y depresivos que gozan de momentos dispares en su lírica, letras complejas interpretadas con pasión mientras que contiene otras que la creatividad personal, brilla por su ausencia.

Metalcore, Sludge Metal
Deathwish

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Dreams In Inertia, Starve

Generalmente, y explicado nuevamente, estos subgéneros están elaborado a base de canciones cortas como en el Grindcore debido a que, en mi criterio personal, se quiere mostrar un impacto más significante en un periodo corto de tiempo, y esto es lo que quiso intentar Code Orange, las canciones no pasan de los dos minutos y medios en su mayoría, excepto las mejores demostraciones de poder de la banda que se encuentran en las canciones más largas, irónico.
El álbum muestra performances fuertes y sólidas pero es muy dispar, es inconsistente, Shade usa su screaming como una herramienta horrorosa por momentos mientras que en otros es desgarradora y convincente, algo que me resulto raro de tratar a la hora de escucharlo pero la realidad es que tiene también sus puntos de inspiración fortuita.
El sonido del álbum es, en su mayoría, poco convincente pero tiene sus grandes gemas inclusive, Dreams In Inertia es una de ellas. Retenida como el resplandor de la banda, la canción es una pieza clave de Sludge Metal dentro del álbum, donde Shade y Reba son melódicos, el sonido brutal de la batería cambia radicalmente y la desesperada introducción al álbum se detiene un segundo en una canción mucho más personal e íntima, la mejor canción de la banda. Aún así, soy muy crítico con el sonido de las canciones que son puro Metalcore, mucho ruido sin consistencia como en I Am King, Unclean Spirit con sus momentos más experimentales o dinámicos, Alone In A Room, con pequeños momentos que lograron llamar mi atención y Your Body Is Ready... solo entre otras.
Por otra parte, la canción con la que me sentí más familiarizado es con Starve, que también es una canción que auditivamente se diferencia del montón explosivo de I Am King. Aquí, se vuelven a utilizar los recursos más técnicos del Sludge, guitarras densas y no tan repetitivas formando atmósferas oscuras pero no tan agresivas y repetitivas como en el resto de las canciones, es decir, Code Orange juega con recursos que los hubiera facilitado mucho más la vida.
I Am King es un álbum para amantes de bandas como Converge y del Metalcore tradicional sin ir más alla de las ramas subsistentes, en eso fueron clásicos pero no me agradó, en cambio, su postura donde utilizan las guitarras no tan repetitivamente ni tan forzadas a recitar lo mismo, me sorprendió. Sigue siendo un álbum con muchos altibajos.