Parquet Courts - Light Up Gold (2012)

 Parquet Courts en una banda de Indie Rock y Post-Punk de Nueva York. En 2011 lanzaron un álbum debut, American Specialties (2011) que solo se limitó en primera instancia a un lanzamiento de limitados números solo en formato cassette. Luego de esta rara y underground presentación de la banda vendría la apertura de telón verdadera que sería Light Up Gold con la discográfica Savage´s Dull Tools y What's Your Rapture? posteriormente. El álbum ha sido lanzado el 15 de Agosto de 2012 y sitúa a la banda como un conjunto prometedor de Punk Revival norteamericano.

Indie Rock, Post-Punk, Garage Rock

Savage's Dull Tools // What's Your Rapture?

Mi Calificación: 3 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Master of My Craft, Borrowed Time, N Dakota, No Ideas

La banda se destaca ampliamente por ser una gran crítica a nivel social teniendo en cuenta la lucha de clases y los abusos de poder. Las canciones no son rebuscadas ni filosóficas pero son muy conscientes y versátiles, es decir, al tocar un tema político no se vuelve un álbum denso ni menos aburrido, se las han ingeniado mucho para tener la gran visión fría que obtienen acá frente a la sociedad.

Sin embargo, a pesar de ser compositores (Andrew Savage y Austin Brown en su mayoría) y músicos talentosos, su debut musicalmente se vuelve por lapsos algo repetitivo y predictivo. Ya sabemos como terminará cada canción y los acordes parecen convertirse en patrones. Esto crea un contraste productivo que muchas veces solo sale favorecido la gran dotación vocal de los principales compositores nombrados anteriormente, como por ejemplo, en Master of My Craft, No Ideas y Caster of Worthless Spells. 

El ojo crítico de Parquet Courts que muestra la vida de los más adinerados al estilo la película "El Lobo de Wall Street" (2013) en canciones como Master of My Craft y Yonder is Closer to The Heart, también es capaz de ver la vida urbana de la gente trabajadora con tiempo libre que utiliza estupefacientes de modo recreativo como lo hace en Stoned and Starving, una de las mejores canciones en la segunda etapa del álbum. Es decir, logran englobar un gran problema social como son las drogas y la desigualdad social. 

El álbum ha de ser un gran intento por revivir la llama política de lo que fue el Punk y si, mal y pronto es un logro, que se ve opacado varias veces por ser un álbum muy monótono en cuanto a la utilización de los instrumentos. Mas allá de eso, Parquet Courts quedó favorecido por la crítica convencional dentro del contexto musical y se proyectó como una de las escuchas nuevas más interesantes del género. 

Drake - Take Care (2011)

 Take Care es el segundo álbum de estudio del rapero canadiense, Drake. Lanzado el 15 de Noviembre de 2011, el álbum demostró y garantizó al rapero como una promesa del circuito como también mostrándolo como el presente y futuro de la forma mas popular del Rap en todo el globo. Asimismo, el álbum muestra una gran fortaleza del artista en canciones con fórmulas de R&B, música más atmosférica en cuanto a su primer trabajo y la gran y buena disposición de su equipo de producción liderado por Lil Wayne que ha rendido con creces en cuanto a Thank Me Later (2010). El álbum ha vendido alrededor de más de 2 millones de copias a nivel mundial y debutó en N°1 en la lista Billboard posicionando al artista en lo más alto del ambiente mainstream.

Pop Rap, Contemporary R&B

Cash Money Records // Young Money Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Shot For Me, Crew Love, Marvin's Room, We'll Be Fine, Lord Knows, The Real Her

Drake hizo un trabajo muy meditativo líricamente al llevar a cabo este álbum. Take Care se muestra como una carta de presentación sentimental del cantante en donde el mismo se manifiesta de forma dolorosa y sincera frente a relaciones amorosas que no le han funcionado, como también manifiesta el cambio de su vida al entrar en la fama (que al parecer lo mantiene igual de vacío por dentro), poca fanfarronería pero clave cuando la hay y una mirada mas dócil e inocente dentro del mundo del Rap en donde también esta consciente de que ha de ser un rapero que ha venido del ámbito de la actuación, o por lo menos crea varias referencia hacia ese pasado en varias canciones. La forma en que Drake enlaza las canciones melancólicas y agridulces es totalmente destacable por la postura que es capaz de tomar en cada canción de forma mucho más completa y profunda que en su debut, el cual ha dejado de ganas de mucho más o por el contrario de poca expectativa para lo que se venía. Si bien no es un visionario de las letras, las composiciones de las canciones han de tener un trasfondo algo profundo e interesante.

Por otra parte, el álbum presenta buen nivel de colaboradores como la tierna Rihanna en Take Care, la canción principal del álbum en la cual podría decirse que se trata de una pareja adolescente, el estratégico The Weeknd en Crew Love que destroza a Drake en lo vocal, el interludio riguroso de Kendrick Lamar, los adictivos versos de Birdman en We'll Be Fine y Nicki Minaj en Make Me Proud, el imponente Rick Ross en la extraordinaria Lord Knows, André 3000 junto a Lil Wayne en The Real Her y este último también en HYFR completando el elenco que forman parte de un equipo esencial a la hora de realizar un análisis de las canciones.

El artista de Toronto supo como mostrarse como un hombre débil, apenado y enamorado en Marvin's Room como también supo mostrarse como una promesa explosiva en el mundo del Rap en Lord Knows. En este proceso un tanto versátil se encuentra la clave del álbum y la diferencia que sabe hacer sobre el resto de los trabajos suyos. 

El punto fuerte real del álbum por lejos y por unanimidad ha de ser la producción, la cual se ve influida por el magnum opus de Kanye West, My Dark Twisted Fantasy a simple escucha. La misma se ve enmarcada y caracterizada por múltiples capas de sonido electrónico y sintetizado mezclado con instrumentos como la armónica y el piano en algunas canciones que ha de ser algo que le da un aspecto mas completo, pacífico, atmosférico y sobre todo algo más elaborado y mejor pensado para acompañar el sentimiento manifestado en las canciones.

El álbum es un trabajo elegante e íntimo elaborado por un numeroso equipo en racha que han de proyectar una de las carreras musicales más exitosas de todos los tiempos con la contraproducencia que han de demostrar que Drake es más que el producto más vendido del mapa musical, o que a futuro lo sería. Este es el momento en donde demostró que sabe hacer R&B.

10 Años de My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West

 El 22 de Noviembre de 2010 se lanzaba My Beautiful Dark Twisted Fantasy - en español: Mi Bella, Oscura y Retorcida Fantasía -, el quinto álbum de estudio del rapero oriundo de Atlanta, Kanye West, álbum que obviamente hoy está cumpliendo 10 años desde su lanzamiento. 

Grabado entre los años 2009 y 2010 en los estudios Avex Recordings en Hawaii con un coste de aproximadamente 3 millones de dólares, durante una etapa de transición en la vida y carrera del artista, MBDTF representa un punto y un momento clave y de auge en la historia de la música tanto Pop como del Hip Hop. Esto se debe gracias a que se presenta como un álbum que termina de definir a un gran artista y que influyó de manera concreta en el género hasta hoy en día. Entre muchas cosas, el álbum tuvo la intención de mostrar que la técnica del sampleo como formación de canción de Hip Hop, no sería relegada ni "pasada de moda". También es el álbum más íntimo y profundo a nivel personal de West cambiando el punto de perspectiva que se tenía en 808s & Heartbreak con un sentimiento pesimista un tanto más objetivo que el que podemos encontrar aquí.

Kanye trabajó en este proyecto dia y noche a pesar de los problemas que solían acecharlo por aquel entonces como lidiar con la prensa luego del escándalo público de Taylor Swift en los Video Music Awards de 2009 y sus posteriores cuestionamientos como personaje público que han influido de manera u otra en la forma de realizar su música y esto es debido a que siempre fue de abordar temas de su vida personal y los sucesos de la misma. 

La elaboración del álbum fue casi única y sin precedentes para el género inclusive hasta el dia de hoy en donde se creo un ambiente puramente colaborativo entre los artistas y productores que acudieron a Hawaii para grabar y completar el mismo a medida que Kanye los iba llamando e iba revelando donde se encontraba, si, el viaje a Hawaii comenzó como un aislamiento reflexivo autoimpuesto.

Las sesiones de grabación atípicas incluían estrictas reglas que debían cumplirse por todos los que asistan al lugar y se encontraban impresas y colocadas en grande en una de las paredes del estudio. Algunas de las reglas decían "Prohibido tuitear", "Prohibido sacar fotos", "No utilizar gorros estilo hipster", "Cállate de vez en cuando", "Total concentración en el proyecto a la hora de grabar" y la que mas encuentro sorprendente es "Prohibido utilizar guitarra acústica", lo que simboliza muchas cosas. El trabajo de West se encuentra influenciado por la música Pop y Rock pero por sobre todas las cosas destaca la influencia de la música electrónica en conjunto con el Rap. Si no esta de más decir que siempre ha sido importante esta para el desarrollo del género, West logra llevarlo a otro nivel.

Comenzando con Dark Fantasy en donde Nicki Minaj comienza relatando un fragmento del libro "Revolting Rhymes" de Roal Dahls, seguido por POWER, uno de los sencillos más famosos del artista en donde el mismo se redime de nuevo al camino de la fama y el poder personal e imponiéndose de nuevo en escena. All of The Lights se presenta con un interludio instrumental barroco y termina siendo una canción Pop electrizante con el apoyo vocal de 12 cantantes en los que se incluyen a Fergie, Drake e incluso Elton John. Monster presenta un Hardcore Hip Hop salvaje y fuerte que consagra a Minaj con uno de los mejores versos del álbum y de su carrera, So Appalled es realmente una de las letras mas importantes y chocantes dentro del álbum cuestionando un poco la vida alienada y deconstruyendo la vida de lujos que los raperos (ellos mismos) suelen presumir, agregando también, que toma todo lo materialista como algo ridículo. Dentro de esta canción West y Jay-Z obtienen las mejores frases.

Pero sin lugar a dudas, las canciones que se llevan el premio mayor y las de mayor huella son Devil In a New Dress y Runaway. En la primera, West se entromete en el mundo de las relaciones amorosas y saca a flote nuevamente una de sus mejores letras. Acompañado de una instrumentación épica con un salvaje piano y un solo de guitarra embriagador que deja paso a un Rick Ross respetable, sólido y decidido. 

Runaway se consagra como una balada Pop/Soul siendo sin duda una de las mejores canciones del artista y de los últimos años en la música Pop. Recordada por ser tocada por primera vez en vivo en los VMA's, esta canción tranquilamente podría ser un poema moderno en donde West brilla como si fuese un cantante Pop sobre el resto de los atributos.

Podría seguir detallando el final del álbum pero creo que todo se haría mucho más extenso. Siempre que se habla de My Dark Twisted Fantasy se habla de un álbum maximalista, de un álbum de goze y de un gran proyecto gracias a su organización, proyecto que dio sus frutos porque lo considero uno de mis favoritos y esta considerado como uno de los mejores proyectos en la historia de la música moderna. 

Code Orange Kids - Love is Love / Return to Dust (2012)

 Love is Love / Return to Dust es el álbum de larga duración debut de la banda Hardcore Punk de Pennsylvania, Code Orange Kids que con el tiempo pasarían a conocerse solo como Code Orange.

Luego de algunos EPs prometedores llegaría el momento del primer álbum realmente importante para la banda. Una banda que se mostró muy técnica, pasional y dedicada al trabajo de un álbum muy oscuro y de pensamientos muy nihilistas. El trabajo ha sido mas que interesante en lo que a mi respecta y formó una gran expectativa para el presente y futuro de la banda dentro del ambiente del Punk y del Metalcore. El álbum ha sido lanzado el 19 de Noviembre de 2012. 

Hardcore Punk, Metalcore, Sludge Metal

Death Wish Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Sleep (I've Been Slipping), Liars // Trudge, Colors (Into Nothing)

Este proyecto muestra una mirada muy pesimista de la vida y esta fuertemente compuesto por contenido poético a pesar de todo. Muchas de las letras son algo básicas y depresivas, pero también encontramos este estilo de poesía trágica que fascina y hace las canciones de otra cualidad. El pensamiento nihilista se encuentra a través de todo el álbum haciendo alusión al suicidio, el ahorcamiento y la muerte. Sin embargo, esto el autor posiblemente lo ve como un renacimiento hacia otra vida como un "florecimiento" también el compositor, que la banda no aclara quien es, hace referencia al estado de composición del ser humano y a la etapa del limbo después de la vida, situaciones un tanto turbias que mezcladas con la música de la banda quedan muy bien.

El álbum es un tanto caótico, posee voces guturales y un tanto distorsionadas de Eric Balderose junto a un pequeño aporte vocal del resto de la banda en algunos momentos del álbum (se destaca las vocales de Reba Meyers en Liars // Trudge), grandes influencias en acordes del Sludge Metal mezclado con el sonido característico del Metalcore sin recurrir a canciones con golpes y acordes repetitivos en la mayoría de las canciones, lo cual permite que sea un álbum entretenido y no monótono.

Las canciones son de corta duración siendo la última, Bloom (Return to Dust) la mas duradera y la única que dura más de 4 minutos. En la canción Liars // Trudge podemos observar el primer cambio de decibeles. En el fin de esta canción, la misma cambia el ritmo del álbum totalmente para convertirse en el primer punto de quiebre en donde se vuelve una canción mucho más lenta con voces limpias y tenues. El segundo punto de quiebre lo encontramos adrede en Calm // Breathe simbolizando el último respiro antes del último golpe de este álbum algo necrófilo utilizando una gran y sorprendente influencia del Shoegaze. Bloom (Return to Dust) es un gran resumen de este álbum como un último golpe solo que acentúa un poco más el autodesprecio que se tiene el cantante. No muchos se atreven a cantar de manera tan sincera sobre la vida y la muerte. 

Jon Hopkins - Immunity (2013)

 Jon Hopkins ha comenzado la década pasada con trabajos con el artista folk King Creosote, cantante con el cual desarrolló un EP y presentó una colaboración con tintes diferentes a los que venía teniendo al comienzo de su carrera. Realmente estos trabajos electrónicos y vocales fueron buenos pero no han de ser muy relevantes y destacados sobre los muchos artistas del género, es decir, en opiniones prontas y frias, Hopkins siempre me ha parecido un artista interesante solo hasta cierto punto. Canciones cálidas gracias a la voz del cantante irlandés, pasajes ambientales y varias canciones de IDM algo incoherentes y poco entretenidas es lo que había observado hasta los años 2008 - 2010 de su carrera.

Sin embargo, en el 2013 se vendría un cambio totalmente radical para su música. Su afán por las canciones diseñadas y compuestas en detenimiento, frialdad y puntualidad se volvió absoluto. En dicho año presentó su cuarto álbum, Immunity, que intensificó por lejos todo lo que venía haciendo y componiendo. Immunity fue en ese momento uno de los álbumes más esperados y prometedores del año en el género, y no falló. El álbum ha sido publicado el 3 de Junio de 2013 y es considerado uno de los álbumes más influyentes en la música electrónica de la década pasada y de la música ambiental en general. 

Domino Records

Microhouse, IDM, Ambient

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: We Disappear, Open Eye Signal, Breathe This Air, Immunity

El álbum significa un comienzo nuevo para el artista en donde se muestra a Hopkins mucho más habilidoso, táctico y perfeccionista. El álbum es un trabajo que logró mezclar sonidos orgánicos de carácter y fin ambiental con el filoso y atacante sonido de los sintetizadores que convierten a las canciones en piezas de club como en el tridente del comienzo del álbum que es en donde más se presenta este sonido y es también la mejor parte del proyecto. 

Teniendo a influencias evidentes como Brian Eno, el sonido de Immunity suena muy complejo y futurista al mismo tiempo. We Disappear y Open Eye Signal muestran momentos intensos de baile en donde dejan un paso a la imaginación para adentrarte en una utopía digital, y agregando que Open Eye Signal goza de un ritmo y un climax realmente sorprendente. En contraposición, encontramos pasajes y momentos de tensión alivianada con suaves pianos permitiendo desagotar toda esa corriente digital y manteniendo la esencia de sus anteriores trabajos como Diamond Mine con Creosote, en canciones como en Breathe This Air, Abandon Window e Immunity. Dichas partes son claves para mostrar la fusión de música de club con la serenidad de la parte ambiental del álbum.

Si bien el álbum esta basado enteramente en experiencias nocturas, Immunity es un proyecto destacado gracias a su gran conformidad a pesar de los extremos que maneja y contiene, manteniéndose siempre diverso pero sólido, es una de las escuchas más atractivas de la música electrónica de baile y de tipo ambiental. Ha dejado por escrito cuan talentoso se ha vuelto Jon detrás de los sintetizadores y a la hora de idealizar un paisaje agradable para la imaginación del oyente. 

Nominados Latin Grammys 2020

 Este año se celebrará la vigésima entrega de los Latin Grammys o Grammys Latinos en el American Airlines Arena en Miami, Estados Unidos el 19 de Noviembre. La ceremonia será presentada por el  actor y cantante dominicano Carlos de la Mota y la actriz mexicana Ludwika Paleta.

Aquí los nominados (Categorías más destacadas):

Grabación del Año.

• Anuel AA, Daddy Yankee, Karol G, Ozuna & J Balvin - China
• Pablo Alborán - Cuando Estés Aquí
• Bad Bunny - Vete
• Bajofondo & Cuareim 1080 - Solari Yacumenza
• J Balvin - Rojo
• Camilo & Pedro Capó - Tutu
• Kany García & Nahuel Pennisi - Lo Que En Ti Veo
• Alejandro Sanz - Contigo

Álbum del Año.

• Bad Bunny - YHLQMDLG
• J Balvin & Bad Bunny - Oasis
• J Balvin - Colores
• Camilo - Por Primera Vez
• Kany García - Mesa Para Dos
• Jessy & Joy - Aire (Versión de Día)
• Natalia Lafourcade - Un Canto por México, Vol.1
• Ricky Martin - Pausa
• Fito Paez - La Conquista del Espacio
• Carlos Vives - Cumbiana

Canción del Año.

• Vicente Barco, Edgar Barrera, Maluma & Stiven Rojas - ADMV
• Juanes, Mauricio Rengifo, Andrés Torres & Sebastián Yatra - Bonita
• Jorge Drexler - Codo con Codo
• Edgar Barrera, Camilo, Jon Leone, Richi López & Juan Morelli - El Mismo Aire
• Alejandro Sanz & Carlos Vives - For Sale 
• Alejandro Sanz - #ELMUNDOFUERA
• Kany García - Lo Que En Ti Veo
• Residente - René
• Oscar Hernandez & Pablo Preciado - Tiburones
• Kevyn Mauricio Cruz Moreno, Karol G, Nicky Minaj & Daniel Oviedo Echavarría - Tusa
• Camilo & Richi López - Tutu

Mejor Nuevo Artista.

• Anuel AA
• Rauw Alejandro
• Cazzu
• Mike Bahía
• Conociendo Rusia
• Kurt
• Soy Emilia
• Nicki Nicole
• Nathy Peluso
• Pitizion
• Wos

Mejor Álbum Pop.

• Aitana - Spoiler
• Beret - Prisma
• Camilo - Por Primera Vez
• Juanes - Mas Futuro Que Pasado
• Ricky Martin - Pausa

Mejor Performance de Reggaetón.

• Bad Bunny - Yo Perreo Sola
• J Balvin - Morado
• Dj Snake & J Balvin & Tyga - Loco Contigo
• Feid & J Quiles - Porfa
• Guaynaa & Cauty - Chicharrón
• Ozuna - Te Soñé de Nuevo
• Sech & Ozuna - Si Te Vas

Mejor Álbum de Música Alternativa.

• Cultura Profética - Sobrevolando
• Hello Seahorse! - Disco Estimulante
• Louta - 2030
• Lido Pimienta - Miss Colombia
• Barbi Recanti - Ubicación en Tiempo Real

Mejor Canción Urbana.

• Anuel AA, Jhay Cortez, Marco Masis "Tainy" & Ozuna - Adicto.
• Alejandro Arce, Angel Roberto Arce, Luis Eduardo Konig, Gente de Zona, Elena Rose - Muchacha.
• Anitta, Tynashe Beam, Diplo, Eric Alberto Lopez, Mc Lan & Tropkillaz - Rave de Favela
• J Balvin, O'Neill, J Quiles, Alejandro Ramirez & Taiko - Rojo
• El Guincho, Ozuna & Rosalía - Yo x Ti, Tu x Mi

Mejor Álbum Fusión Contemporáneo/Tropical.

• El Caribefunk - Energía Para Regalar
• Riccie Oriach - Mi Derriengue 
• Omar Portuondo - Mariposas
• Prince Royce - Alter Ego
• Carlos Vives - Cumbiana

Mejor Canción Pop/Rock.

• Pablo-Darío Reixa, Frank Dukes, Rosalía & Matthew - Dolerme
• Fito Paez - La Canción de las Bestias
• Conociendo Rusia - Quiero Que Me Llames
• Draco Rosa & Jaime Sabines - Quiero Vivir
• Los Mesoneros - Últimas Palabras

Mejor Canción de Música Alternativa.

• Rafa Arcaute, Pedro Campos & Nathy Peluso - Buenos Aires
• Wilberto Rodriguez - Caracoles
• Eruca Sativa - Caparazón
• Mon Laferte - Chilango Blues
• Ismael Cancel, Ile & Natalia Lafourcade - En Cantos

Conociendo Productores, Capítulo 2: Rick Rubin

 Rick Rubin es considerado uno de los productores más influyentes en los últimos casi 40 años. Nacido en Long Island, Nueva York el 10 de Marzo de 1963 bajo el nombre de Frederick Jay Rubin, se interesó a temprana edad por la música Rock y en su adolescencia por el Punk y el Noise. En 1981 funda la banda con dichos estilos llamada Hose, de la cual sería el guitarrista y el prematuro productor. La banda no tendría reconocimiento mas allá de la escena regional y sería disuelta en 1986. En su adolescencia experimentó con grabadoras de sonido amateurs y grabadoras multipista como también con tornamesas hasta el punto de llegar a descubrir poder hacer beats con el tiempo.

Con 21 años de edad y aún finalizando sus estudios, se le ocurrió fundar una discográfica. Rubin se puso en contacto con varios de los integrantes de la Zulu Nation (agrupación Neoyorkina de afroamericanos la cual transmitía el pacifismo y la igualdad y sus integrantes eran MCs) de los cuales, Jezzy Jay decidió presentarle a Russell Simmons, un empresario que se encontraba relacionado al mundo del Hip Hop. Ambos fundan Def Jam Recordings, una de las primeras discográficas orientadas al Hip Hop y una de las más emblemáticas y significantes hasta el dia de hoy.

Rapidamente comenzaron a trabajar con MCs de las distritos de Nueva York comenzando por sus conocidos como LL Cool J, Run D.M.C. y Beastie Boys teniendo a Rubin como productor.

Incluyeron en sus filas también a Public Enemy, dúo de Hip Hop político que andaría sonando fuerte en aquel momento. Su trabajo más reconocido fue producido por Rick, el famoso It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back.

Rick fue también considerado un adelantado a su época con la inclusión de sonido rockeros al Hip Hop como lo hizo con los Beastie Boys en su labor como productor de Licensed to Ill en 1986 introduciendo bases con sampleos de Led Zeppelin, Black Sabbath, The Clash, mientras que otros MCs y productores se estaban dedicando casi por completo a sampleos de música Funk, Soul y R&B.

Dicho año también se destacó por realizar una fusión que elevó mucho la popularidad del dúo Run D.M.C. y "sacó a flote" nuevamente la carrera de Aerosmith. Propuso y produjo una canción entre ambos mezclando el Rock con el Hip Hop, la famosa canción Walk This Way. Además, dicho año no terminaría aún, en 1986 también produjo y forjó uno de los hitos de su carrera y uno de los álbumes mas importantes en la historia del metal, Reign in Blood de Slayer. El productor rejuveneció el sonido de la banda de Thrash Metal y los llevó a la cima de su potencial creando uno de los álbumes mas agresivos de la música metal y uno de los más técnicos.

Para 1988 fundaría su propia discográfica y se apartaría de Def Jam luego de perder el puesto por la presidencia. Funda en California Def American Records, pasándose a llamar con los años solo American Records. En esta nueva etapa se enfocaría mas en el Rock y el Metal trabajando con The Black Crowes, Danzig (ex Misfits), AC/DC, Johnny Cash, Tom Petty, Joe Strummer, The Mars Volta y System of a Down entre otros.

Para mediados de los años 2000, Rick ya era reconocido a nivel mundial por ser uno de los mejores productores de Norteamérica. Su etapa inicial con American Records, y más específicamente sus trabajos con Johnny Cash, le abrirían un panorama y un espectro de reconocimiento bastante más amplios. Además, su trabajo con System of a Down lo colocó como uno de los mayores referentes del sonido del Nu Metal y Metal Alternativo.

Paralelo a sus trabajos en American Recordings, el productor neoyorquino produjo gran parte de la carrera de los Red Hot Chili Peppers y sus álbumes más exitosos como Blood Sex Sugar Magic y Californication que les valió el reconocimiento como una de las mejores bandas de Rock Alternativo del momento. Rubin tiene a su favor que es un ser muy dinámico a la hora de producir música, tiene sin fin de trabajo hechos con su sello distintivo y logro sacar a flote más de una carrera en especial y es que siempre fue partícipe necesario de los proyectos claves de los músicos. Contabiliza aproximadamente 70 álbumes de estudios producidos sin contar los sencillos ni las bandas sonoras como Wayne's World, Last Action Hero y Spider-Man entre muchas. 

En la última década trabajó con Linkin Park, Weezer, Adele, Lana Del Rey, Kanye West, Ed Sheeran y Lady Gaga. Su trabajo mas reciente como productor adicional fue en el álbum póstumo de Juice WRLD, Legends Never Die. 

Kanye West y Twitter

Kanye West fuera de la música, también es en el país norteamericano, una de las figuras más mediáticas y populares del mundo de la fama ya sea por ser el esposo de Kim Kardashian, sus trabajos y diseños de moda, sus polémicas declaraciones acerca de su vida privada, su carrera, sus ideologías y/o severas acusaciones que se han producido exclusiva y últimamente por la red social Twitter.

Kanye reabrió su cuenta de Twitter a comienzos de 2018 anunciando que ese año trabajaría en 7 álbumes de estudios trabajando como productor, contando entre ellos su álbum de regreso "ye". Este mismo se distinguiría por llevar a Kanye fuera de la ciudad y realizarlo y producirlo en su rancho de Wyoming, y entre otras cosas, declarar su notoria bipolaridad abiertamente.

Desde ese momento hasta el día de hoy, Kanye no utiliza la cuenta para otra que no sea mostrar su ideología ante todos y hacer declaraciones polémicas ya sean acerca de la música y/o la política.

Ese mismo año, mediante la red social, acusó a Drake de falso y desató un beef que duró meses. Se podría decir que el origen del beef en realidad vienen de los problemas que Drake ha tenido con Pusha T, rapero muy cercano a West. La parte importante de todo esto ha de ser los tweets del artista que decían abiertamente que Drake lo amenazaba constantemente.

A partir del año pasado, el cantante se ha convertido en un seguidor de dios y en un fiel amante a la religión, recordemos que también lanzo un álbum de Hip Hop Cristiano, "Jesus Is King", y que con el pasar del tiempo paso de ser una figura que se creía dios a ser seguidor del mismo. Esto trajo consigo también comportamientos extraños en esta figura mediática que de la noche a la mañana, como si de una broma se tratara, se postuló para Presidente de los Estados Unidos para la próximas elecciones del 3 de Noviembre de este año. El rapero simpatiza con el actual presidente, Donald Trump y el partido Republicano. El artista declaró que asumiría teniendo una postura abolicionista contra la esclavitud moderna y el aborto entre otras cosas. 

A partir de Julio de este año fue cuando la cosa se puso más tensa. El 4 de Julio luego de una fallida presentación en vivo para su campaña política, West declara mediante la red social que esta fuertemente en contra del aborto y que su esposa Kim habría querido abortarla cuando se enteró que estaba embarazada de su hija North, como también contó que su padre, Ray West, quizo abortarlo en su momento, pero su madre decidió seguir adelante con su embarazo. Al pasar las horas y luego de una catarata de tweets, Kanye comenzó a comparar la película "Get Out" (2017) con su vida privada, acusando a su suegra y a su esposa, de querer encerrarlo y callarlo por completo al artista. En primera instancia, el rapero da a entender que era por el bien de su salud mental pero luego el asunto se torna como si fuese por intereses políticos en cuanto al ambiente de la música se refiere. En la película, una familia adinerada secuestra y trafica personas afroamericanas.

Esto obligó a Kim, notoriamente en contra de su voluntad y como último recurso, a emitir un comunicado vía Instagram en el cual aclaraba que las situaciones que describía Kanye, eran parte de un proceso colateral que está sufriendo por su transtorno de personalidad. La modelo aclaró las cosas hasta cierto punto, menos despejar los rumores de separación que yacen hace mas de un año.

Mas recientemente, los tweets del artista cambiaron de rumbo y de temas a abarcar. Últimamente, los tweets se están convirtiendo nuevamente en algo controversial ya que Kanye está tratando de "desenmascarar" a los peces gordos de las discográficas y sus injustos contratos de trabajo a los cuales describe como esclavizadores. Para el, los músicos son muchos de los tantos esclavos modernos del día de hoy. La semana pasada ha subido, hoja por hoja, su contrato con Def Jam Recordings, subdivisión de Universal Music, iluminando a muchos acerca de lo que se trata trabajar para una discográfica la que siempre se aprovecha de los música y quitan derechos de las mismisimas canciones que los músicos componen que terminan en manos de las empresas.

En uno de los tweets más polémicos declara: "Necesito ver los contratos de todos en Universal y Sony, no quiero ver mi gente esclavizada, estoy poniendo mi vida al límite por mi gente, la industria musical y la NBA son los barcos de esclavos de la modernidad, soy el nuevo moisés".

El artista sostiene que si los raperos y otros músicos del medio se unen y se conscientizan acerca de los números que manejan las empresas y el dinero que podrían generar los artistas con contratos más claros y honestos, el mundo de la industria de la música podría cambiar para siempre.

Joji - Ballads 1 (2018)

George Kusunoki Miller, más conocido por su nombre artístico Joji, es un cantante japones actualmente residente norteamericano que supo hacerse conocer al mundo en primera instancia como un Youtuber comediante el cual bajo el alias de Pink Guy ya había editado música de comedia para su canal (dos álbumes digitales y un EP). . El mismo es conocido en Japón y gran parte del mundo por sus sketches y vídeos como ya he dicho, ahora bien, su carrera artística tomaría un giro drástico llegado el año 2017 en donde lanza su EP, In Tongues, primer trabajo ya bajo la firma de la discográfica 88Rising.

El proyecto no fue deslumbrante pero fue intrigante, con rasgos R&B profundos y pesados mezclados con una atmósfera melancólica y electrónica con sonidos Trip Hop, algo muy serio en cuanto al hombre que hasta el año anterior encarnaba a un meme viviente. Aparentemente, este EP fue no más que una introducción a lo que iba a ser al año siguiente su álbum debut. Ballads 1 lanzado el 26 de Octubre de 2018 se convirtió en su primer trabajo de larga duración en donde participaron productores como Clams Casino, Shlohmo, D33J, John Durham y Patrick Wimberly entre otros.

Alternative R&B, Pop Rap, Cloud Rap

88Rising // 12Tone Music

Mi Calificación: 2,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Slow Dancing In The Dark, Test Drive, Yeah Right, R.I.P.

Ballads 1 es un álbum muy melancólico, Joji se encuentra en situaciones en donde necesita ser deseado, ser querido y nos describe que sus relaciones no funcionaron o no prosperaron como el creía y quería. El problema central del álbum no se centra más en nada que en eso y se vuelve algo tedioso, es decir, en cuanto a contenido lírico no es tan completo debido a que literalmente no hay otra que decir acerca del mismo, todo parece ser un circulo vicioso cuando Joji nos va contando que falla sus relaciones y le rompieron el corazón. Algo que hace interesante este tipo de álbumes es la forma en que esto se lo retransmite al oyente, en este caso, las metáforas no son muy bien pensadas ni profundas, a excepción de Slow Dancing in The Dark y Wanted U que quizás el artista se luce un poco más con los sentimientos dentro de las letras.

La producción le sienta bien a Joji, en esta oportunidad deja que la voz se convierta en el obvio protagonista de la cuestión junto a las bases Lo-Fi, algunas inspiradas en el Hip Hop más moderno y en el Trap, otras algo más melancólicas y meditativas siguiendo con la corriente reflexiva y melancólica del álbum. No siento un gran esfuerzo por la misma pero aún así ha crecido en cuestiones de producción siendo las producidas por el las de mejor calibre. Canciones como Attention, Test Drive y No Fun, dejan al descubierto a pesar de cuales sean las situaciones, la poca confianza que concentra el artista en sí mismo y es algo que daña al autoestima del mismo.

Slow Dancing in the Dark se destaca como la joya del álbum siendo por lejos la canción mejor compuesta y mejor producida. Canción la cual goza con una especie de beat switch en su clímax que ayuda a Joji a expresar sus emociones desmedidas acerca de una relación amorosa la cual siente muy lejana y ve desmoronada, entre la parte del coro y los demás versos. Se deja mostrar como la canción con más pasión que interpreta el cantante. Si más de una canción podría seguirle el ritmo a Slow Dancing, Ballads 1 sería otro tipo de álbum. Siguen sus pasos igualmente sin poder igualarla, Test Drive con una precaria metáfora acerca del amor sin compromiso, Yeah Right que también se ha convertido en un sencillo exitoso del artista, con un piano tan intermitente como atractivo y un golpe de bajo adictivo acompañan al artista a describir un momento en el que no piensa en otra cosa que "joderse la vida" ya que a nadie de sus conocidos ni de sus relaciones, le interesan, algo ya repetitivo. 

Su única colaboración vocal la encontramos en R.I.P., Trippie Redd participa de la misma con su esencia depresiva que le da un toque diferente al que le venía dando Joji. 

Muchas veces, el álbum termina siendo muy drástico sin ser profundo o atractivo en cuanto al relato pero a pesar de eso, es un álbum Lo-Fi oscuro, apto para escuchar una solitaria noche de lluvia. Un álbum que es más melódico que rítmico, nos muestra que tan tedioso puede ser que te rompan el corazón.

Top 20 Canciones Favoritas de The Beatles

[20] It Won't Be Long

[19]  For No One

[18] I Should Have Known Better

[17] Ticket to Ride

[16] She Loves You

[15] Taxman

[14] With a Little Help From My Friends

[13] If I Fell 

[12] Getting Better

[11] I'm Only Sleeping

[10] I Am The Walrus

[9] Love You To

[8] Michelle

[7] I Want to Hold Your Hand 

[6] Hey Jude

[5] Within You Without You

[4] While My Guitar Gently Weeps

[3] Yesterday

[2] Strawberry Fields Forever 

[1] A Day In The Life 

Converge - All We Love We Leave Behind (2012)

 Converge es una banda ya legendaria en el ámbito de la música pesada y gutural como lo es el Metalcore. Llevan a la fecha de hoy 30 años juntos y en ninguna parte de su carrera ha tenido tiempos de poco interés ni periodos en los que han pasado por desapercibido, no por nada son uno de los más reconocidos en su labor. Con esta consistencia llega el momento de abrir paso a su tercera década juntos luego de un triunfal periodo en donde lanzan los míticos Jane Doe (2001) y You Fail Me (2004) y su predecesor inmediato, el pasional Axe to Fall (2009), álbumes que mostraron el carácter agresivo pero técnico de la banda con gran poder de determinación, fusión e inclusión a la hora de usar los sonidos del Hardcore Punk y por escándalo del Mathcore, tarea que no suena fácil. 

All We Leave Behind es lanzado el 9 de Octubre de 2012 y ha determinado que la banda estadounidense no se encuentra atrapada en un sonido repetitivo ni oxidada, algo que habla demasiado bien de sus músicos. Este álbum se muestra como una conjugación más melódica por parte del cantante, Jacob Bannon, y de ciertos guiños hacia un sonido un poco más oscuro propio del Doom Metal.

Metalcore, Post-Hardcore

Epitaph Records

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Aimless Arrow, Trespasses, Sandnes Come Home, Coral Blue

All We Love es un álbum existencial y pesimista el cual mira con recelo el futuro y añora el pasado. Su composición lírica se encontró totalmente a cargo del cantante de la banda, Jacob Bannon, el cual se expresa de manera muy personal mostrando una postura reacia hacia el avance del ser humano en el tiempo (véase la portada) hacia la vejez o hacia un lugar donde no podrá concluir con las metas que se ha propuesto de joven. Hay que entender que los integrantes de la banda han estado mucho tiempo en el circuito de la música y tiene bastante coherencia que este álbum sea un tanto directo y depresivo en ese aspecto. La mayoría de las canciones del mismo hablan sobre esto desde una perspectiva diferente, la genial entrada dinámica de Aimless Arrow dictamina que para lograr algunas cosas abandonamos otras y con ellas abandonamos seres queridos en el camino siéndose requerido o no, en Trespasses no se encuentra esperanza alguna a pesar de que progresemos, Empty on The Inside como bien lo manifiesta el título, presenta un vacío a pesar de que la vida siga su curso y en la canción de mismo título que el álbum, evidentemente se habla de dejar atrás una relación amorosa y seguir con el ritmo de vida. Si bien el panorama no es bueno, el terreno en donde estas letras describen las situaciones es dentro de canciones técnicas y bien balanceadas, es decir, no son densas líricamente y se convierten sin duda en lo mejor del álbum.

La producción estuvo a cargo del guitarrista, Kurt Ballou, el cual determinó un álbum muy técnico con un sonido áspero que logra convertirse en oscuro rindiendo tributo al Blues Rock y al Doom Metal. Se implementan riff de estos géneros en momentos claves como en el comienzo seductor de Sadness Come Home o en la totalidad de la genial y oscura balada de Coral Blue, la mejor del álbum. 

Mas allá de esto, hay momentos en donde los cambios de ritmos son geniales como en la canción de introducción y su sucesora, Trespasses. Por último, queda destacar que junto con Coral Blue, en la segunda parte del álbum se encuentra el lento instrumental de Precipice  que le da el pie a la canción homónima del álbum. Estas formulas fueron esenciales para, a mi gusto, variarlas con los golpes repetitivos y técnicos ya conocido del Metalcore, haciéndolo un álbum muy atractivo y entretenido. Una razón más por la que Converge es una de las bandas más perseverantes de la escena y una obra en donde Bannon nos muestra un lado bastante personal. 

Rick Ross - Teflon Don (2010)

 Teflon Don es el cuarto álbum del rapero oriundo de Clarksdale (Estados Unidos), Rick Ross. Viniendo de una base un poco más pulida con su álbum Deeper Than Rap (2009), a comparación de sus comienzos sin pena ni gloria sin brillo y con poca atención de la crítica, Ross afronta un nuevo horizonte. A partir de aquí, su carrera comenzaría a tomar otro rumbo y el primero paso fue el lanzamiento de este álbum. Lanzado el 20 de Julio de 2010, Don sigue representando gran parte de los logros hechos por el rapero hasta el día de hoy, un álbum quizás mas infravalorado que tenido en cuenta. 

Hip Hop, Gangsta Rap

Def Jam Recordings

Mi Calificación: 3,5 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: Maybach Music III, Live Fast, Die Young, MC Hammer, Aston Martin Music

El álbum esta compuesto por 11 canciones encargadas a 11 productores, entre ellos el mismo Rick Rozay como se hace llamar a veces. La producción es un punto en auge muy importante a la hora de hablar de este álbum, entre estos productores el que más destaco increíblemente fueron los chicos de J.U.S.T.I.C.E. League, que en pocas palabras, estuvieron a cargo de las canciones mas significativas como "I'm Not a Star", la épica "Maybach Music III"  y "Aston Martin Music".  Mas allá de eso, la producción representa un logro significativo gracias a su suavidad y versatilidad, la gran adicción que presentan los sampleos y la idea genial de instrumentos como violines, chelo, guitarra y trombones junto a las voces de los artistas.

Ahora bien, más profundamente hablando, Rick Ross se muestra muy meditativo acerca del éxito que estaba afrontando en ese momento, nos cuenta esa típica historia triunfante del gueto en donde sus padres no tenían la plata suficiente para brindarle todo a Rick y de un dia para el otro, los tres manejan un capital innumerable gracias a el. Rick afronta la fama pasando por un periodo de negación como lo demuestra en "I´m Not Star" en donde se ve mas como un traficante que como un artista, todo imagen.

La sorprendente "Maybach Music III" resulta ser una aplanadora para sus sucesoras. Ross con T.I., Jadakiss y el estribillo de Erykah Badu, presentan la canción más reflexiva del álbum y de las más icónicas de la carrera de Rozay. 

Por otro lado, si les pareció algo confuso que al principio no se considere un artista, más descolocante es el trato que tiene el rapero en la canción "Live Fast, Die Young", una canción de fiesta, alegría, excesos y supremacía. Kanye West hace lo suyo convirtiéndose en una de las colaboraciones más destacadas del álbum gracias a sus barras y su coro en el estribillo. Al parecer, después de todo Ross no se arrepiente de no aparentar ser una estrella cuando menciona que podría ayudar a la gente pobre pero no lo hace porque es dinero sucio. El último punto importante para mi ha de ser "MC Hammer" con Gucci Mane como colaborador, si bien nombre "Aston Martin Music" me parece que es una canción bella por solo mera producción y no por letra. El caso de "MC Hammer" es claro y facil de analizar. Es una de la canciones más conocidas de Ross también y la preferida de los oyentes de este álbum. Una canción con una estructura sonora de Trap en los tiempos donde muy pocos lo hacían, y los que lo hacían, están presente en este álbum. Es una canción que podría ser un himno callejero, cocaína, armas y las mejores barras que Rick elaboró a pesar de su crudo lenguaje, tan así que para mi modo de ver, Mane está de sobra, dificil de decirlo pero fácil de comprobarlo.

Teflon Don fue uno de los álbumes urbanos más completos de dicho año, buenos ganchos, buenos estribillos, numerosas colaboraciones en donde la mayoría mantuvo su nivel, envidiable producción y algunos toques de introspección personal por parte del anfitrión que nunca dudó de su potencial. Un manual para aquellos jóvenes de la calle que quieren triunfar, aunque deberían hacerlo por las buenas. 

El Origen del Rock Industrial

 El Rock Industrial nace en la segunda parte de la década del 70, siendo mas específicos, a fines de esta misma enfocándose la escena en primer lugar en Inglaterra sin ser un lugar exclusivo de la misma igualmente. Este género alternativo difiere de los demás subgéneros del Rock por tener la presencia de cajas de ritmos, sintetizadores oscuros y ambientaciones con sonidos ásperos y electrónicos que acompañan a la estructura tradicional del Rock (voz - guitarra - batería - bajo), frecuentemente se utilizan sonidos de elementos metálicos u "objetos utilizados en fábricas".

Nine Inch Nails, banda pionera del género, en vivo.

Hay muchos antecedentes aislados que influyeron al primer caudal de artistas denominados bajo el ala del Rock Industrial, algunos de estos antecedentes fueron la puesta en escena de la banda experimental Cromagnon en 1969 con su álbum "Orgasm", en ocasiones la música de David Bowie que con el tiempo pasaría de ser una influencia para el género a ser influenciado por el mismo solo por mero carácter de la determinación del género, el sonido de la escena del Krautrock más específicamente las performances de NEU! y Can entre otros. Pero estas influencias pueden llegar a un punto de ser relativas a comparación de los grandes pilares de la música industrial: Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle.

Ambas bandas inglesas, ambas bandas vanguardistas para la épocas, ambos grupos que ocasionaron varios disturbios en sus presentaciones y ambos proyectos bastantes abstractos y alternativos en cuanto a la música del momento. En cuanto a los Gristles, ellos utilizaban hasta martillos eléctricos en sus presentaciones que ocasionaban daños en el escenarios y alteraban el público. El surrealismo presente en la música y la hostilidad con la que se la realizaba en ambos grupos les dio reconocimiento único y distinguible en el ámbito underground.

Podemos separar los primeros años del Rock Industrial en tres etapas: La década del 70 en su temprano desarrollo y aparición como un género híbrido, la década del 80 como su invasión en los estilos como el Post-Punk y bandas de Rock Gótico y la década del 90 como su consolidación hasta el nivel comercial gracias a Nine Inch Nails y Marilyn Manson.

Algunos de los grupos de la década de los 80 que tomaron como estilo de música principal la industrial fueron Killing Joke, Swans que logra combinarlo a un punto mas surreal con el No Wave y el Noise Rock (banda la cual hoy en día es una de las más reconocidas a nivel mundial en el Rock Alternativo), el grupo suizo The Young Gods con sampleos en suplantación a guitarras reales y Ministry entre los más relevantes. 

De más esta decir que estos dos proyectos puntuales que dieron nacimiento a la posterior escena, tienen un sonido muy primitivo y desarticulado como el que tiene el Rock industrial en los años 80 y 90. Algunas de las canciones más oscuras de Cabaret Voltaire suenan a una locura, una locura psicodélica y es que hay influencia de carácter ácido y sesentero en todo esto gracias a que los integrantes de Cabaret fueron incluyendo hasta herramientas del Rock Progresivo de Frank Zappa como también de la psicodelia de los Floyd y de Jimi Hendrix. El tiempo sigue su curso y cada vez más en esa época se han de aprovechar los recursos tecnológicos e innovadores que dieron lugar a nuevos procesos y sucesos en la música. 

Chvrches - The Bones of What You Believe (2013)

Chvrches es un trío escocés que tiene la particularidad de tener sus tres integrantes: Iain Cook (sintetizadores, bajo, coros), Lauren Mayberry (vocalista, sintetizadores) y Martin Doherty (sintetizadores, batería, coros) con bases y pasados rockeros o por lo menos como intérpretes de Pop Rock, pero sin embargo, la estructura de esta banda no se basó desde un principio en estos géneros, véase incluso como los tres participan vocalmente. 

The Bones of What You Believe, lanzado el 23 de Septiembre de 2013 es su álbum debut en el cual estos viejos conocidos de Glasgow, Escocia, demostraron un gran potencial impulsando un sonido ochentoso de Synthpop acaramelado y melancólico con una producción digna de cualquier banda de reconocimiento mundial.

Synthpop, Electropop

Glassnote Entertainment Group

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas

Mejores Canciones: The Mother We Share, Tether, Lies, Under The Tide, Lungs

Hablando un poco de la historia del origen del álbum, Cook experimentó muchos meses con sintetizadores y llevó la idea a sus otros dos compañeros que al comienzo de todo, les parecía descabellado pero que con los meses y ensayos, les encantó convertir casi la totalidad de su música, en música electrónica.

El álbum ha de ser todo una travesía por lluvia de sintetizadores intensas, momentos limpios y concretos en cuanto a bases de sonidos que desbordan también de ambición por aún demostrar más destreza y con que facilidad se puede hacer un buen Pop, y si, es muy fácil afirmar que por lo menos les parece algo no complicado de lograr y se explica canción a canción. Momento en donde las letras de amor juvenil se cubren y al mismo tiempo son atravesadas por gamas de sonido melancólicas, serias, extrovertidas y firmes, es decir, el álbum posee una gran versatilidad en su sonido y sus letras en donde parece mostrar altibajos emocionales sin mostrar esto mismo en su calidad.

Lauren Mayberry se presenta como una vocalista muy variada y ágil donde rápidamente puede pasar del dolor hacia una alegría sin miedos y sincera. A pesar de ser la vocalista principal y la que a simple vista para nuestros oídos puede ser la anfitriona de esta obra, Doherty no lo hizo nada mal en "Under The Tide" y la adolescente "You Caught The Light". La intrigante "The Mother We Share", que fue el sencillo que le abrió muchas puertas a la banda, es junto a "Tether" las mejores pistas y las más demostrativas. Esta última cierra con un clímax progresivo centrado en una atmósfera puramente Dance y logra una transición importante para la proxima canción, "Lies", que retoma la energía que le cede esta primera.

 Sinceramente no estuve convencido hasta cierto punto de Chvrches pero luego de escuchas, uno puede encontrar texturas nuevas y descubrir nuevos pasajes sonoros dentro de sus canciones. Realmente es algo contraproducente decir que una de las grandes joyas de nuestros tiempos sea un álbum que sangra y luce su admiración por grandes del Pop de los ochenta como la gran comparativa que tuvieron con Depeche Mode pero la música es así y The Bones of What You Believe rinde un homenaje al Pop de dicha época de manera deslumbrante. 

Top 50 Mejores Álbumes Favoritos de 2018

 

30 Años de Canción Animal: El máximo rugido de Soda Stereo

Canción Animal es el quinto álbum de estudio de Soda Stereo lanzado el 7 de Agosto de 1990, un álbum con un sonido rústico, más agresivo y duro en comparación a los estilos anteriormente utilizados por la banda hasta el momento. Significó para la banda un sonido renovado y una etapa de consagración absoluta en muchos aspectos tanto técnicos como comerciales. El álbum fue grabado en Criteria Studios en Miami, Estados Unidos y su sonido se inspiró en grandes bandas del Rock Nacional de los años '70

 Era el año 1990, el comienzo de otra década y un periodo crítico para la economía Argentina, hay que resaltar dicho hecho debido a que el mismo afecto a la estructura de la música Argentina en ese momento y a las discográficas y respectivas bandas. Canción Animal fue uno de los principales responsables en cortar el caudal Pop Rock, New Wave y Ska de la época, que irónicamente también practicó y se destacó Soda Stereo, para entrar en una etapa más rockera a nivel nacional. Junto a otros estilos como el Blues Rock, volverían a predominar en la escena de nuestro país y no solo eso sino que además se convertiría en uno de los referentes más importantes del Rock a nivel hispanohablante siendo muy reconocido también en el ámbito del Rock Español. 

Canción Animal pasó a ser un icono de la cultura musical de la Argentina y Latinoamérica. Su gira fue de las más peculiares e innovadoras para una banda hispanohablante, más propiamente dicho la Gira Animal (1990 - 1991) abarcó ciudades de la Argentina muy poco frecuentemente visitadas por bandas de la talla de Soda como fueron Puerto Iguazú, Clorinda, Chascomús, Trenque Lauquen, Olavarría y Pergamino entre otras llegando a un total de 30 ciudades en el país más catorce funciones en el Luna Park, Buenos Aires, llegando a la conclusión de que todo esto fue un trabajo adelantado para su época aunque Soda venía siendo una banda "adelantada" desde el lanzamiento de su anterior álbum, Signos.

De su playlist no deja nada que desear, su sonido más agresivo y maduro se manifiesta en los diferentes y más numerosos riffs de guitarra en las canciones junto a las letras un poco menos retóricas. La mayoría de las canciones han de ser de las más conocidas de la banda y también se encuentra su Magnum Opus, De Música Ligera. Himno del Rock Nacional reconocida a nivel internacional que demuestra la euforia misma del álbum. Entre otras canciones se encuentra (En) El Séptimo Día, con una métrica poco convencional, Canción Animal con el título homónimo que abarca sobre un lema más explícito haciendo referencia al deseo sexual del ser humano, Hombre al Agua que muestra a una persona enfrentándose a una nueva etapa de su vida luego de una posible ruptura amorosa y Té Para Tres, el momento melancólico del álbum y canción que le dedica Cerati a su padre luego de haberse enterado de la enfermedad terminal que tenía el mismo. 

Deftones - Koi No Yokan (2012)

Luego de Diamond Eyes, un álbum explícito con un sonido áspero pero bastante entretenido y agitado, la propuesta de Chino Moreno, vocalista de la banda, fue que la banda tomara de nuevo un sonido más experimental para el nuevo proyecto que tenían entre manos. La banda decidió de nuevo tomar las influencias tenues y conmovedoras del Shoegaze y el Post-Metal para formar un álbum en donde supieron mezclar grandes corrientes de sonidos y sentimientos en cada una de las canciones. Este proyecto fue Koi No Yokan (expresión propia del japones que significa presentimiento del amor), el séptimo álbum de la banda de Sacramento que recuerda e iguala los mejores momento de una de las mejores bandas del Metal Alternativo. El álbum ha sido lanzado el 13 de Noviembre de 2012. Sus sencillos fueron las canciones Swerve city, Romantic Dreams, Leather y Tempest.

Metal Alternativo, Post-Metal, Shoegaze
Reprise Records

Mi Calificación: 4,5 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Romantic Dreams, Leathers, Graphic Nature, Tempest, Rosemary

Mucho se ha dicho por críticos reiteradas veces acerca de la volatilidad del álbum, y es que en un grito unánime, el elogio general de este proyecto es que Deftones encuentra el punto justo para mezclar la marea alta con la baja, la tormenta con la calma, el éxtasis con la plenitud ambiental misteriosa que rodea a Koi No Yokan. La ambientación del álbum varía de momentos de clímax con repentinos y grandiosos pasajes sonoros ambientales donde se deja ver la desnudez del álbum en si. 

Esto hace que el álbum sea totalmente atrapante y envuelva al oyente de lleno, supieron como comportarse en torno a un álbum de Metal que supo ser ambiental. Estos momentos son claves y sen encuentran al comienzo y final de la mayoría de las canciones creando un hilo correlativo casi perfecto en donde sitúa al climax ruidoso de cada canción en el núcleo de cada una hasta cerrarlas progresivamente hasta un punto experimental como si de una pequeña reflexión se tratara, una estrategia de producción algo vanguardista y sorprendente.

La sinceridad de este álbum es grande, Moreno se ha vuelto un poco más poético y las canciones muestran varias facciones de la personalidad de una mujer, el deseo hacia mismas y la lujuria pero aún así, el romanticismo se sobrepone como una acción natural y sincera.

Koi No Yokan si duda es un álbum con mucho carácter donde la guitarra no suele ser gozada en solos sino que como un ingrediente más (no menos importante) dentro de un álbum que fue forjado como un trabajo en conjunto y hermético. El manejo de ritmos del vocalista aun me impacta, más en canciones como Romantic Dreams, Leathers y Graphic Nature, una de las canciones más descriptivas y mejores escritas por la banda hasta el día de hoy.

Beach House - Teen Dream (2010)

Luego del despertar amateur de Beach House en sus primeros dos álbumes de bajo rango y bajo perfil como lo fueron su álbum homónimo y su segundo álbum "Devotion", el dúo canadiense tuvo las puertas abiertas a nuevos oyentes y nuevas críticas como también le valió la oportunidad de grabar su primer álbum en una discográfica grande y renombrada. Teen Dream es el álbum que los lanzó de una vez por todas a lo que son hoy en día, a partir de este álbum comenzaron a ser descriptos como uno de los conjuntos y proyectos con mayor capacidad de plasmar sentimientos en música Pop alternativa de forma muy profesional y serena.
Beach House comenzó a principios de la década a crecer a pasos agigantados para los críticos y para la gente que le encanta la música melosa. La voz de Victoria Legrand y el apoyo productivo de Alex Scally estaban a punto de sofisticar y modernizar hasta hoy en día las canciones para un de los subgéneros mas crecientes en los últimos años, el Dream Pop. Teen Dream fue lanzado el 25 de Enero de 2010 a través de la discográfica Sub Pop (discográfica que alojó a Nirvana en sus tiempos), producido por ellos mismos y por el productor Chris Coady siendo este el que dio la iniciativa de grabarlo en Dreamland Records, construido sobre una iglesia abandonada.

Dream Pop, Indie Pop
Sub Pop Records

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: Zebra, Silver Soul, Walk in the Park, Lover of Mine, 10 Mile Stereo

Realmente Teen Dream es un sueño fragmentado álgido e íntimo. La forma de plasmar los sentimientos por parte de los dos compositores siempre ha sido buena y cada vez que se me presenta la oportunidad trato de detallar porque, y es que la realidad es que la gran libertad dinámica que parece presentarse en sus canciones mejoran cuando es interpretada musicalmente. Teen Dream fue cuidadosamente conjugado y producido, cajas de ritmos serenas y que logran ponernos en un juicio amoroso y resquebrajeante al unísono en cada una de sus canciones sin aburrirnos. 

La apertura con Zebra describe un amor juvenil, una idolatría hacia una persona que podría ser no correspondida para el perfil de la cantante siendo el mero reflejo de cuando una persona idealiza a otra cuando se enamora de esta, sencilla pero con metáfora. Esta misma da paso a una de las canciones más extrovertidas del álbum, una de las canciones quizás más revolucionarias en el catálogo total de la banda como lo es Silver Soul. Momento en donde la sofisticación suave del álbum se deshace totalmente gracias al riff embriagador de por parte de Scally convirtiéndose también en una de las composiciones más rebuscadas y con las mejores metáforas a aquello que nos hace producir serotonina, el amor.

Algunas canciones pueden sonar algo monótonas sin sonar aburridas en el álbum como surgen los casos de Norway y Used to Be (canción que data del año 2008) pero que igualmente no deslucen la gran imagen y paraje sonoro producido durante todo el álbum. Por otro lado, se remiten a esta descorazonada situación las canciones como Walk in the Park y Lover of Mine, canciones en las que Legrand pasa a ser una especie de gurú amorosa gracias a su talento vocal mientras que en Lover of Mine destacada el sintetizador agudo y levantador que convierte a la canción un tanto pegadiza y adictiva en el gancho, algo demasiado Pop. 

La mayoría de los atributos y críticas que ganó Teen Dream es por la buena realización del álbum ya que sin embargo no pertenece a una gama de álbumes innovadores o de vanguardia pero la sencillez de su proliferación en el relato amoroso es demasiado buena. Hay desarrollo profesional por donde se vea, Alex Scally ha sido el gran músico responsable de la ambientación de la mayoría del álbum destacando en Silver Soul, Walk in The Park, Lover of Mine, Better Times y 10 Mile Stereo. 

Sin duda alguna hasta el momento fue el álbum más completo de Beach House agregando más contenido a su paleta de sonidos con el cual desarrollan las canciones. Muchos sostienen que este es el mejor álbum de ellos y mi opinión es que no lo es. Teen Dream recibe ese título debido al momento en el que fue lanzado, si en este momento gratificante de la banda se habría encontrado otro álbum sería otro el que lo reemplazara pero igualmente, este es uno de los mejores momentos Pop de los años 2010s.

Top 10 canciones Favoritas de Kanye West

[10] Touch The Sky 

[9] All Falls Down 

[8] Monster

[7] Gorgeous

[6] Never Let Me Down

[5] Jesus Walk

[4] New Slaves

[3] No More Parties in L.A.

[2] Runaway 

[1] Devil In a New Dress 

Julia Holter - Loud City Song (2013)

Luego de los esfuerzos debutantes de la cantautora estadounidense Julia Holter con sus primeros dos álbumes amateurs pertenecientes a esta gama de álbumes Pop de dormitorio, por su procedencia casera, que se han vuelto tan numerosos en la pasada década (véase a Billie Eillish como un ejemplo primordial) en la que veíamos a la artista involucrada en cultura Griega como también guiños a su mitología, nos toca adentrarnos en lo que fue su realmente revelador debut en un estudio importante y quizás el álbum que más ha marcado el rumbo de su carrera hasta el dia de hoy, Loud City Song, el primero en un estudio de grabación profesional. De la mano de Domino Recordings Company, Julia Holter exploraría más allá de su completo Pop intelectual y atractivo del que venía moldeando.
Loud City Song es un recorrido exquisito en una ciudad ficticia con un protagonista shockeado y ofuscado por estas luces de ciudad, por su consumismo e idealismo de las personas como también experimenta un poco la locura y la soledad que puede enfrentar a una persona que no es capaz o no esta predispuesta a ser uno más en el mundo de esta sociedad observadora, exigente y egoista. Claro está entonces que hablamos de un álbum conceptual abordando todo lo anteriormente mencionado y basado en Gigi, una novela del escritor francés Colette del año 1944. El álbum ha sido publicado el 20 de Agosto de 2013.

Art Pop, Ambient Pop
Domino Recordings Company

Mi Calificación: 4 / 5 Estrellas
Mejores Canciones: World, Maxim's I, Hello Stranger, He's Running Through My Eyes

Con el pasar del tiempo, la misma cantante ha declarado que el personaje que narra y aborda el álbum es ella misma, es decir, es un álbum altamente introspectivo ficticia o sinceramente pero en fin, termina siendo un trabajo intimo que trabaja con esta especie de sentimientos más personales y oscuros, lo que le da la credibilidad dramática al álbum como también una seriedad intelectual superior a otros trabajos en los que ella ha estado involucrada.

Comenzando con World, una pista del tipo confesionaria ambientada con un atmósfera intrigante de estilo Jazz, Holter nos describe la soledad que percibe en esta gran ciudad cantando desde su apartamento en un quinto piso, se ha de tener en cuenta aquí el importante paso que se ha dado para la elaboración de la parte ambiental que se verá bien presente en todo el álbum.

Las exquisitas y vanguardistas Maxim's I y Maxim's II donde se critica a los observadores necios y malvados de nuestra sociedad que están pendiente siempre del otro con ojos egoísta y juzgadores. En la primera parte nos encontramos con un Pop embriagador e intrigante donde predomina el piano como instrumento de estudio junto a una ambientación dramática mientras que la segunda parte de este reflejo social, nos encontramos con un divertido Pop de Cámara con trombones e instrumento de cuerdas mostrando una versión alegre del mismo juicio.

El álbum mezcla muchos recursos denominados Art Pop como el drama, la alegría, el relato surrealista, performance de Pop de Cámara como también aspectos de canción de cantautor como la misma World y He's Running Through My Eyes, la canción donde me rendí totalmente a este álbum. 

Con un poderoso y solitario piano, en esta última canción, Julia demuestra que su agridulce voz ha de poder convertirse en una de las más poderosas en el Pop de vanguardia de los últimos años, como así también es increíble su forma sencilla pero deslumbrante de tocar el instrumento y manejar una ambientación tan atrapante.

Irónicamente he de aclarar que la canción más recordable y simbólica del álbum ha de ser un cover de Barbara Lewis, Hello Stranger, el cual me parece un conjunto de versos elegidos a la perfección por la arista ya que la canción trata algo tan melancólico como extrañar a alguien y esto se mezcla ya con las referencias a la soledad, la indiferencia y el abandono bien visible que se puede ver en Horns Surrounding Me.

Muchas veces me remito a algunos álbumes como mas que simples escuchas sino que también digo que se pueden imaginar cosas que vallan con el mismo y en este caso, ya que también basa mucho de sus aspectos en una novela, es fácil imaginarse un paisaje abstracto en conjunto con ambas cosas y es que esta es la garantía del mismo, la gran certeza que obtiene en su estructura es lo que permite que se aprecie tan bien. Loud City Song no suena tan ruidoso como el título lo pinta, sino más bien el álbum presenta misterio e intriga que el oyente necesita saciar al terminar el mismo. La vanguardia del Pop comenzó aquí a gozar de una buena compositora. 

Conociendo Productores, Capitulo 1: George Martin

George Henry Martin, más conocido como solo George Martin, nacido el 3 de enero de 1926 en Londres, Inglaterra, fue uno de los productores musicales más famosos y apreciado por el medio como también admirado por varios dentro del ambiente. Fue conocido mundialmente como "El quinto Beatle" apodo que los mismos cuatro de Liverpool le otorgaron pero que este lo desestimaba debido a que no se veía capaz de nombrarse como un Beatle más.
George se interesó en la música desde chico, aprende a tocar el piano alrededor de los siete años, momento en el cual asistía a clases de dicho instrumento. asistió a la escuela de Guildhall de música y drama donde luego de graduarse trabajaría en el departamento de música clásica de la BBC comenzando así su carrera en el mundo de la música.

Martin se graduó de la Escuela de Guildhall con la aspiración, según sus cercanos, a ser el próximo Serguei Rajmaninov, es decir, a llegar a ser uno de los compositores de orquesta más importantes para ese momento como lo fue el mismo Rajmaninov, sin embargo su camino sería otro. En 1950 llega a EMI y fue relegado a trabajar en Parlophone como asistente del quien era jefe de dicha discográfica en ese momento. En el año 1955, con conocimientos en orquesta, música barroca y piano, se convierte en el titular de la firma. 

Previamente, en 1952, comienza su carrera como productor con el sencillo Mock Mozart del actor Peter Ustinov en una comedia. Ya en 1955 produce Songs for Swingin' Sellers de Peter Sellers, siendo este una comedia musical en formato LP seguido por dos trabajos de Jazz al mejor estilo Big Band Británica con The Temperance Seven, banda con la cual logra su primer N°1.. Quizás esta no es la etapa popular de su carrera pero Martin presenció muchas grabaciones de comedias musicales, Soul y Jazz gracias a Parlophone. 

No sería hasta el año 1962 que una llamada de Sid Coleman le cambiaría la vida, a el y al mundo de la música. Sid le quería enseñar a George la banda que su amigo Brian Epstein representaba, The Beatles. Estos cuatro jóvenes (McCartney - Lennon - Harrison - Starr) de Liverpool habían sido ya rechazados por dos discográficas, Decca Records la más reciente, por no demostrar demasiado interés y no ver potencial en estos jóvenes músicos. George los escuchó atentamente y los vio como músicos sencillos y hasta los veía poco capaces para componer letras pero decidió darles igualmente un contrato e hizo el papel de productor de la banda. La primera presentación de los cuatro de Liverpool frente a Martin fue "Besame Mucho" y si, cantada en español. El primer sencillo producido para The Beatles fue "How Do You Do It?" en Septiembre de 1962 siendo una composición de otro artista con el cual Martin ya había trabajado, Gary & The Pacemakers. Este fue seguido por "Love Me Do" el mismo año, llegando al N°4 en las listas de popularidad británicas, era el primer paso del éxito mundial, nadie sabía que estaban a punto de cambiar todo una forma de trabajo.

George produjo toda la carrera de The Beatles convirtiéndose así en "El Quinto Beatle". El trabajo aportado a la banda va desde las técnicas innovadoras y precisas en la parte más experimental de la carrera ("Strawberry Field Forever, "Flying") de la banda hasta el aporte de los arreglos de cuerdas en los pasajes orquestales dentro de las canciones ("Yesterday", "A Day in The Life", "Eleanor Rigby") como también el desarrollo de los coros y la estructura de las canciones. La banda lo describió muchas veces como una persona muy experimental y abierta de mente a la hora de trabajar a pesar de su edad.

En 1965 fundó la Asociación de Grabación Independiente y en 1979 instaló un estudio suyo en la isla Montserrat. En 2011 se publicó una película documental titulada "Produced By George Martin" donde el mismo cuenta detalladamente su carrera en la intimidad. Fue filmada en su casa y con la presencia de su esposa en una extensa entrevista donde también se los entrevista a Rick Rubin, T-Bone Burnett y Ken Scott. 

Además de haber producido los trece álbumes de estudio de The Beatles, también trabajo con Elton John, Bob Dylan, Celine Dion, Jeff Beck, Cheap Trick, Aerosmith y para la saga de películas de James Bond produciendo tres de las canciones principales de las distintas películas.

Tiene el mérito de haber obtenido 6 premios Grammys, 2 premios BRIT, haber sido nombrado el hombre del año en 1998 por la Industria Fonográfica Británica y haber ingresado en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1999.