UNIDAD 1 | ARTE CONTEMPORÁNEO

Y TENDENCIAS POSMODERNAS

1.1 INTRODUCCIÓN Y ORIGEN

El término arte contemporáneo ha sido utilizado para
designar el arte realizado durante el siglo XX. La ruptura
con los modelos tradicionales es una de las
características esenciales, ya que el constante
cuestionamiento de los convencionalismos se convierte
en un valor en sí misma a la transgresión por el mismo
hecho de ser provocativa, por lo cual, ésta termina
fijándose como una convención más, y por tanto, genera
la oposición tanto desde una óptica subversiva como
conservadora.

El cuestionamiento de los principios artísticos que se inició en las últimas décadas del siglo XIX y
tuvo una influencia decisiva en la formación del espíritu crítico propio del siglo XX. Esta revolución
estética no depende de las opciones de una generación de artistas, ya que estos no hacen más que
traducir las concepciones intelectuales y sociales de un momento histórico. Por tanto, son los
cambios filosóficos, científicos y políticos los que exigen del arte una forma diferente de afrontar
la realidad. A partir de esto, el artista ha accedido a su completa libertad, o al menos es lo que de
él se espera, en una nueva función social que lo equipara a poetas y pensadores (los intelectuales)
que se supone que han de interpretar la realidad y señalar los caminos de futuro.

La técnica por un lado, pone al hombre en posición de poder intentarlo todo; pero no sin crearle al
mismo tiempo una nueva esclavitud: la de la máquina, un mundo repetitivo de una intensidad
agobiante que, pese a su comodidad, produce un gran desasosiego e insatisfacción, que el arte
expresa a través de la irracionalidad.

Todo se ha intentado y todo se ha hecho posible, en la

realidad como en el arte. Si se habla de una nueva
arquitectura espacial, si es posible una ciudad
subterránea, también la escultura se ha convertido en
un objeto que se mueve, o confunde sus límites con la
pintura, que se convierte en algo materializado. La
misma música ha llegado a ser conjugada con las artes
plásticas. Nunca ha habido una mayor capacidad
asociativa entre las artes. Sin embargo, es evidente que
esta libertad para inventar y crear permite todo tipo de
excesos, desde los excesos creativos conscientes de las
vanguardias que el nazismo demonizó como arte
degenerado, hasta los subproductos artísticos de
consumo masivo que la élite desprecia como "de mal gusto" como el kitsch.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

Debido a los cambios e inestabilidad social que vivía Europa a finales del siglo XIX y principios del
XX, se desemboca la Primera Guerra Mundial dando lugar a una fecunda productividad en el
ámbito científico e intelectual. Ante esto, el arte se vio afectado y empezaron a surgir múltiples
corrientes que se denominaron "ismos", eran las diferentes rupturas, vanguardias o estilos con los
modelos de belleza dominantes en la época. Sin embargo, en el período contemporáneo no todas
las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas de ellas surgen al mismo
tiempo y tienen interrelaciones entre sí. Las vanguardias no se pueden entender intentando
establecer un orden cronológico ya que es hasta la II Guerra Mundial que surgen las primeras
vanguardias artísticas, mientras que pasada la guerra aparecen las segundas vanguardias y el
postmodernismo.

Las raíces del arte contemporáneo las encontramos a

finales del siglo XIX, una de ellas es el Impresionismo y el
Postimpresionismo que constituyen un punto de partida
para las corrientes del siglo XX. Dentro de las vanguardias
históricas, las más destacadas fueron el fauvismo, el
expresionismo, el cubismo, el futurismo, el
constructivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el
surrealismo. Todas tienen una serie de elementos
comunes en su ideología, pero no en lo estilístico. Existe
una conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo
dejan reflejado en sus respectivos manifiestos. Niegan el
pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una visión diferente de la realidad, a la
que ya no imitan si no la interpretan. El deseo de novedad los lleva a experimentar con el color, las
formas y la composición.

Lee el tema 1.1 Introducción y origen, y elabora un mapa conceptual

ACTIVIDAD 1 donde describas qué es el arte contemporáneo, cómo surgió y sus
características.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 UNIDAD 1 | ARTE CONTEMPORÁNEO
Y TENDENCIAS POSMODERNAS

1.2 CARACTERÍSTICAS DEL ARTE

CONTEMPORÁNEO

El arte contemporáneo cuenta con una gran herencia estética de las vanguardias artísticas, la
constante búsqueda de diferentes formas de expresión es uno de sus rasgos fundamentales ya
que permite al artista expresarse libremente, dejando que el espectador tenga cierto
entendimiento sobra la obra y a la vez otorga al creador de ésta la libertad de realizar cualquier
cosa que pueda “significar algo”.

La abstracción ha sido una de las corrientes artísticas que ha

marcado de manera profunda el desarrollo del arte
contemporáneo. Se considera pues, que la abstracción es una
de las principales características de este período debido a la
simplicidad de las formas, técnicas y significados de la obra.

Así mismo, las tendencias conceptuales forman una parte

muy importante del arte contemporáneo. Esta fusión de corrientes artísticas junto con la
originalidad, la experimentación artística y la huella del propio autor, se pueden considerar sus
principales características.

El medio, el instrumento o la herramienta que utiliza el autor en sus producciones artísticas está
en constante cambio, cada día son más artistas los que recurren a la aplicación de las nuevas
tecnologías. Si bien es cierto, la idea de aplicar collage o combinaciones no solo de imágenes, sino
de elementos artísticos, han dado lugar a una exquisita creación de estilos propios de cada artista.
Esto ha permitido que ellos mismos se atrevan a innovar cada vez más en cada una de sus obras
logrando resultados que elevan los cánones de belleza ya establecidos.

Investiga los siguientes conceptos utilizando al menos 2 fuentes de

ACTIVIDAD 2 consulta diferentes.
1. Abstracción
2. Vanguardia
3. Estilo
4. Artista
5. Estética
6. Canon
7. Collage

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 ACTIVIDAD 3 Encuentra las siguientes palabras en la sopa de letras.

contemporáneo
estética
revolución
tendencias
ismos
ruptura
vanguardias
novedad
experimentación
excentricidad

UNIDAD 1 | ARTE CONTEMPORÁNEO

Y TENDENCIAS POSMODERNAS

1.3 TENDENCIAS
CONTEMPORÁNEAS

La pintura moderna tuvo movimientos precursores iniciados en el siglo XIX, como los son el
impresionismo representado por Claude Monet, el postimpresionismo, con autores como Vincent
Van Gogh y Paul Cézanne y el neoimpresionismo de un Georges Seurat. Posteriormente se inician
nuevas pinturas con pintores y creadores precursores, también derivados de los movimientos
pictóricos modernos, y que darán lugar a las primeras pinturas contemporáneas.

Las vanguardias históricas que surgieron en los primeros años del siglo XX fueron el fauvismo, el
cubismo y el futurismo. Henri Matisse con el fauvismo comienza las primeras polémicas pictóricas,
con el uso del color en sus cuadros colocados de forma ambigua. Pablo Ruiz Picasso y el cubismo
deforman las figuras de la realidad, creando con ellas formas planas y sin volúmenes, y como
manipuladas antes de ser pintadas. Emplean el collage, con el uso de elementos y materiales

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

extras en su mayoría recortes de papel (de periódicos) pegados en conjunto con la pintura creada.
En el período de entreguerras surgió, en primer lugar, el expresionismo en el que se encuentran
artistas como Vasily Kandinsky y Paul Klee, que derivaron hacia la abstracción. En efecto, Vasily
Kandinsky, con la pintura abstracta, representaba el interior del ser y el pensamiento, y que solo
era posible a través de formas no figurativas. Otra tendencia dentro de la abstracción es el
neoplasticismo, representado por Piet Mondrian, quien crea una nueva forma de pintura
abstracta no figurativa, utilizando elementos y figuras geométricas. La Revolución rusa tuvo
también una expresión artística inmediata en movimientos como el suprematismo y el
constructivismo.

Marcel Duchamp, en el arte dadá o dadaísmo representan objetos reales de la vida diaria como
formas puramente artísticas. El surrealismo, corriente que invade las artes en los años 1920, tiene
también su manifestación pictórica, diferenciándose entre los surrealistas abstractos como Joan
Miró y los figurativos como René Magritte.

Después de la Segunda Guerra Mundial, el centro del mundo pictórico se traslada de París a Nueva
York, ciudad que a partir de entonces se constituye en el centro de las artes plásticas. Allí surgió la
corriente del expresionismo abstracto, que tuvo en Jackson Pollock su principal representante.
Cultivó un nuevo estilo de pintura abstracta, enfocado en la pintura de acción. Se enmarca dentro
de las tendencias informalistas y matéricas que se cultivaron también en Europa.

Otros pintores se enmarcan en tendencias neoconcretas y tecnológicas, como Equipo 57 o la

nueva abstracción representada por Frank Stella y Barnett Newman. De aquí derivan movimientos
como el Op-art (arte óptico) o el arte cinético.

A partir de los años sesenta se aprecia un regreso a lo figurativo, y se habla de tendencias

neorrepresentativas (o neoicónicas). Dentro de ellas puede distinguirse el pop art, que dio como
figura destacada a Andy Warhol con el pop art se sitúa en las culturas en masas, entrando en un
mundo más comercial y gráfico. El Arte Minimal nace con la voluntad de intelectualizar el arte, de
llegar directamente al intelecto del espectador aplicando la abstracción absoluta tanto del color
así como de las formas y materias persistentes.

Da lectura al tema “Tendencias Contemporáneas” y elabora un cuadro

de clasificación que contenga cada una de las tendencias o estilos, los
ACTIVIDAD 4 principales artistas y las características correspondientes utilizando una
imagen representativa de cada una de las tendencias artísticas
señaladas.

En equipos de 4 integrantes, expondrán alguna de las principales

tendencias artísticas utilizando como material gráfico de apoyo un
ACTIVIDAD 5 collage donde se identifique principalmente algunas de los principales
artistas de dicha tendencia así como las principales obras
representativas.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 UNIDAD 1 | ARTE CONTEMPORÁNEO
Y TENDENCIAS POSMODERNAS

1.4 PINTURA, ESCULTURA Y

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEAS

La pintura contemporánea es la que ha dado su inicio y se ha

desarrollado a lo largo del siglo XX, y continuado en el siglo XXI.
Es una consecuencia de la pintura moderna, en donde los
primeros movimientos pictóricos modernos marcaron mediante
íconos las primeras pinturas contemporáneas, y que fueron
iniciados por los principales pintores modernos. Esta nueva
pintura tiene como característica fundamental la expresión sin
sentido, es decir, el plasmar lo que el artista siente aunque
carezca de un significado para el espectador. Las pinturas
contemporáneas corresponden a los significados del color y la
forma, dejando de lado lo que es el concepto puro de la
composición. Antepone los sentimientos propios del artista
dejando fluir la propia naturaleza del material como podemos ver
en el expresionismo abstracto de Pollock.

La escultura contemporánea se entiende como una de las más modernas dentro del campo del
arte, pero esto no implica que su historia sea breve; la misma fue influida por varios movimientos
que la han convertido en lo que hoy es. Durante el
siglo XX la escultura ha protagonizado una ruptura
con el pasado; podemos asegurar que ésta junto
con la pintura, surgieron en este siglo como dos
ramas complementarias de una misma búsqueda
formal y a su vez persiguiendo fines iguales. Las
escultura contemporáneas no fueron hechas
únicamente por artistas con el mote de
“escultores” sino que éstos eran a la vez pintores,
los ejemplos más claros son los de Matisse, Picasso
y Degas, ellos utilizaban la volumetría escultórica
para verificar la validez de su propia visión.
Las esculturas contemporáneas tienen como característica principal el cambio; durante el siglo XX
se pierden las tradiciones técnicas y cae la función conmemorativa que solían tener las obras. Las
funciones tradicionales que solían tener, en especial si hablamos de las religiosas y políticas, se
fueron desvaneciendo de a poco; las esculturas contemporáneas ya no son los vehículos de
pensamiento y de ética abstractos como lo eran antes; es por esto que en su período se buscan
nuevas funciones y simbologías. Este tipo de obras ya incluye otros materiales que antes no eran
tenidos en cuenta, los mismos permitían al escultor liberarse de los condicionamientos

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

convencionales; los mismo ocurrió con la aplicación de la metalurgia industrial, ésta permitió a los
escultores incorporar metales a sus obras.

La arquitectura contemporánea comienza alrededor de los años 70, con el postmodernismo, que
pretende responder a las contradicciones de la arquitectura moderna, su principal característica es
que pretende recuperar el ornamento arquitectónico. La idea principal de la arquitectura
contemporánea radica principalmente en rechazar aquellos estilos históricos que anterior a este
se utilizaban. Frente a las tendencias clásicas utilizadas
aun para el último tercio del siglo XIX, surge la
arquitectura contemporánea la cual viene con una
propuesta totalmente diferente a lo que ya existía.
Basándose en el empleo de nuevas técnicas y nuevos
materiales industriales, durante el siglo XX. Esta
corriente, busca recuperar las formas del pasado, con
la tecnología del presente y trata de solucionar los
errores urbanísticos cometidos por el movimiento
moderno, pues se ocupaban sólo del problema
funcional, abandonando los problemas sociales,
económicos y culturales.

Como es notable, la revolución industrial ayudo en gran medida a la transformación del contexto
tecnológico y social de la construcción. Y aunque es difícil de aceptar, la revolución industrial fue
causante de que los antiguos preceptos arquitectónicos hayan perdido importancia o valor. En
primer orden es evidente el uso del hierro, vidrio y el acero laminado, en este caso el vidrio fue
utilizado en grandes dimensiones. Estos materiales fueron fabricados masivamente y de esta
manera se generaliza su uso en la edificación.

Lee atentamente el tema “Pintura, escultura y arquitectura

ACTIVIDAD 6 contemporánea” y escribe al menos 5 características correspondientes
a cada una de las clasificaciones anteriores.

DIVISIONES CARACTERÍSTICAS

Pintura

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 Escultura

Arquitectura

UNIDAD 1 | ARTE CONTEMPORÁNEO

Y TENDENCIAS POSMODERNAS

1.5 ORIGEN DEL ARTE

POSMODERNO

Es el arte propio de la postmodernidad, teoría socio-cultural que

postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado
el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y económica
propia de la Edad Contemporánea, marcada en lo cultural por la
Ilustración, en lo político por la Revolución francesa y en lo económico
por la Revolución industrial.

Surgido tanto en Europa como en Estados Unidos desde mediados de

los años 1970, enmarca diversos movimientos como son la
transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, el
neomanierismo, el neominimalismo, etc. Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de
las vanguardias artísticas, el arte postmoderno defiende la cultura popular, se caracteriza por el
eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” –ir de un estilo a otro–, la “deconstrucción” –tomar
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
elementos estilísticos del pasado–, etc. Así como la vanguardia se basaba en la innovación, la
experimentación o la evolución, los postmodernos vuelven a los métodos clásicos como la
pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcla de estilos cayendo en la
repetición o la reinterpretación.

El término “postmoderno” se empezó a aplicar en arte a

mediados de los años 1970, inicialmente en el terreno
de la arquitectura: durante esos años hubo una
tendencia entre los arquitectos que experimentaban
nuevas soluciones estilísticas a abandonar el
racionalismo arquitectónico que había preponderado
desde los años 1920, caracterizado por las formas puras
y minimalistas. En los años 1980 el arte postmoderno
pasó a reflejarse en otras formas artísticas, como la
pintura, la escultura, el videoarte, el cómic, el diseño,
etc. Las primeras obras que vislumbraron esta tendencia fueron las de artistas que añadieron
elementos populares a sus obras.

Durante este periodo se agotó la evolución del arte encauzado a través de movimientos concretos.
Tales movimientos fueron sustituidos por tendencias de moda, tan variables como diversificadas.
En este contexto realizaron su obra numerosos autores, cada uno de los cuales presentaba unos
rasgos expresivos personales, y que quedaron englobados dentro del llamado arte posmoderno,
que no define movimiento ni estilos algunos, sino que aúna a los artistas de fin de siglo.

Lee el tema “Origen del arte Posmoderno” y elabora una síntesis

ACTIVIDAD 7 donde se exhiba tu propio concepto de Arte Posmoderno.

Crea un cartel de alguna de las tendencias contemporáneas o

ACTIVIDAD 8 posmodernas utilizando información e imágenes que correspondan a
la tendencia mencionada.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 UNIDAD 2 | ARTE EN MÉXICO

2.1 MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS

DEL MÉXICO ANTIGUO

En México existía una rica tradición en pintura y escultura mucho

antes de la llegada de los españoles, combinando esta tradición con
las técnicas españolas importadas, los artistas del periodo colonial
produjeron trabajos de considerable profundidad y pureza. Sin
embargo, los últimos años de la época colonial se caracterizaron por
una producción puramente académica de la que surgió la pintura
costumbrista, la cual se caracteriza por representar escenas de la
vida cotidiana y las costumbres del México del s. XX y teniendo
como principal precursor a José María Velasco.

A principios de este siglo, el arte se ve obstaculizado por el régimen de Porfirio Díaz debido a que
los artistas son perseguidos por exponer sus ideologías en contra del gobierno plasmadas en sus
obras para que la clase media tuviera fácil acceso a dicha información. Sin embargo, aun cuando se
ven afectadas la escultura y la arquitectura, con el desarrollo del grabado crítico se nota un nuevo
espíritu en la pintura.

El grabado en México surge en 1895 encabezado por José

Guadalupe Posada, quien figuró con el grabado en zinc, en
el que trabajó prácticamente el resto de su vida, pues con
su habilidad y su arte, el medio se prestaba a una mayor
rapidez de ejecución. La Revolución Mexicana impuso un
estilo diferente, así como un nuevo contenido ideológico;
esta nueva visión artística, se caracterizó por una
militancia activa y la formación de una conciencia política
y nacionalista.

Lee atentamente el tema “Manifestaciones artísticas del México

ACTIVIDAD 9 Antiguo” y con la siguiente lluvia de ideas resuelve el siguiente
crucigrama.

REVOLUCIÓN MEXICANA | COSTUMBRES | MÉXICO | TRADICIÓN | GRABADO | MURALISMO

SÁTIRA | CRÍTICA | PINTURA COSTUMBRISTA | PORFIRIATO
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
 UNIDAD 2 | ARTE EN MÉXICO

2.2 PINTURA, ESCULTURA Y

ARQUITECTURA EN MÉXICO

El grabado se gana un lugar privilegiado en la plástica mexicana con la

figura de José Guadalupe Posada ya que se vale de este arte para
exponer sus ideas sociales y políticas en contra del gobierno de Porfirio
Díaz. Además de un sentido agudo por la sátira social, su obra muestra
interés por la vida cotidiana del mexicano, su historia y sus costumbres.
Sintetiza en ella una de las más arraigadas obsesiones del mexicano: la
muerte. También realizó carteles y litografías con temas fuertes y
violentos de escenas de la época.

En el s. XX la pintura mexicana se renueva bajo la influencia de

Europa y empieza a producir estilos propios con artistas de gran
calidad como “los tres grandes” Diego Rivera, David Alfaro
Siqueiros y José Clemente Orozco, principales representantes
de un notable grupo de artistas mexicanos que revivieron el
arte de la pintura al fresco con el muralismo mexicano sin dejar
de lado su importante trabajo en pintura de caballete.

La escultura contemporánea en México sigue los modelos europeos sin dejar a un lado el folklor
mexicano, uno de los escultores más sobresalientes fue Guillermo Ruiz quien fundó la escuela de
talle directo en 1927. Para los escultores la talla directa lograba compenetrarse con la más íntima
naturaleza del material, con su sencillez elemental. A través de esta técnica se intentaba
desentrañar la expresión atrapada en la materialidad (en la recia textura de la piedra o las vetas de
la madera), para propiciar ese encuentro primordial entre el arte y
la naturaleza que se atribuía a los objetos primitivos.
Hoy en día aunque la mayoría de los escultores tienden a mostrar
su individualismo, algunos de ellos defienden los valores
tradicionales del pueblo mexicano y cuentan su historia mediante
la aplicación de materiales escultóricos innovadores para crear
sublimes obras de arte contemporáneas.

La arquitectura mexicana contemporánea se caracteriza por un conjunto de facciones modernistas

como lo es la plástica lineal de los volúmenes, los grandes ventanales longitudinales o el
funcionalismo extremado. Nacida en la segunda mitad del siglo XX, se diferencia de todo tipo de
Arquitectura existente puesto que utilizando referencias del movimiento moderno no hace uso de
típico lenguaje neocolonial y californiano de las ciudades que lo circundan. El muralismo y el
funcionalismo son algunas de las principales tendencias de esta arquitectura. Con sus
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
planteamientos racionalistas y anti academicistas, José Villagrán García abre paso a esta expresión
arquitectónica en la década del 1920. La arquitectura escolar, hospitalaria y
residencial, así como el conjunto de la ciudad universitaria de las décadas
1940 y 1950 contienen la temática predominante. Juan O'Gorman,
arquitecto que evolucionó hacia una tendencia organicista obsesionada con
la individualidad expresiva.
Dentro de los exponentes del funcionalismo Enrique Yáñez se considera el
propulsor, su edificio de oficinas para el Sindicato de Electricistas en la
ciudad de México es una de sus obras más importantes. Yáñez hizo uso de
la integración de arquitectura y naturaleza en el proyecto para su casa,
relacionando los espacios abiertos y cerrados con patios-jardines interiores
y juegos de masas y vacíos.

Investiga las biografías de José Guadalupe Posada, Guillermo Ruíz, José

Villagrán y Ricardo Legorreta y escribe una reseña de cada uno de los
ACTIVIDAD 10 artistas mexicanos y sus principales aportaciones al arte
contemporáneo mexicano.

UNIDAD 2 | ARTE EN MÉXICO

2.3 MURALISMO EN MÉXICO

El Muralismo es un movimiento artístico de carácter indigenista, que surge tras la Revolución

Mexicana de 1910 de acuerdo con un programa destinado a socializar el arte, y que rechaza la
pintura tradicional de caballete, así como cualquier otra obra procedente de los círculos
intelectuales. Propone la producción de obras monumentales para el pueblo en las que se retrata
la realidad mexicana, las luchas sociales y otros aspectos de su historia. El muralismo mexicano fue
uno de los fenómenos más decisivos de la plástica contemporánea iberoamericana y sus
principales protagonistas fueron Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros. A
partir de 1930 el movimiento se internacionalizó y se extendió a otros países de América.
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
El impulsor de este movimiento fue José Vasconcelos, filósofo y primer secretario de Educación
Pública de México quien, tras la Revolución, pidió a un grupo de artistas jóvenes revolucionarios
que plasmaran en los muros de la Escuela Nacional Preparatoria de la ciudad de México la imagen
de la voluntad nacional. Los artistas tenían total libertad para elegir los temas y mostrar un mundo
nuevo sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis política surgida tras la Revolución. Influidos por el
rico pasado precolombino y colonial, los muralistas desarrollaron un arte monumental y público,
de inspiración tradicional y popular, que ponía fin al academicismo reinante, exaltando su cultura
y origen precortesiano. En la práctica, el indigenismo tomó varios cauces. Por un lado está la
concepción histórica de Diego Rivera: descripción minuciosa de una idílica vida cotidiana antes de
la llegada de los españoles. Por otro, la de José Clemente Orozco, que integra las culturas
indígenas en el contexto de una religiosidad violenta; su obra épica la realizó con suficiente ironía,
amargura y agresividad como para encarnar una imagen verdadera y convincente del mundo
moderno, con su despiadada lucha de clases, teniendo como tema obsesionante el del hombre
explotado, engañado y envilecido por el hombre. Sólo David Alfaro Siqueiros se interesó por
acercar a la pintura moderna los valores plásticos de los objetos prehispánicos.

El muralismo se desarrolló e integró fundamentalmente en los edificios públicos y en la

arquitectura virreinal. Los muralistas se convirtieron en cronistas de la historia mexicana y del
sentimiento nacionalista, desde la antigüedad hasta el momento actual. La figura humana y el
color se convierten en los verdaderos protagonistas de la pintura. En cuanto a la técnica,
redescubrieron el empleo del fresco y de la encáustica, y utilizaron nuevos materiales y
procedimientos que aseguraban larga vida a las obras realizadas en el exterior.

El introductor de nuevas técnicas y materiales fue Siqueiros, que empleó como pigmento pintura
de automóviles (piroxilina) y cemento coloreado con pistola de aire; Rivera, Orozco y Juan
O’Gorman emplearon también mosaicos en losas precoladas, mientras que Pablo O’Higgins utilizó
losetas quemadas a temperaturas muy altas. Las investigaciones técnicas llevaron también al
empleo de bastidores de acero revestidos de alambre y metal desplegado, capaces de sostener
varias capas de cemento, cal y arena o polvo de mármol, de unos tres centímetros de espesor.

Desde 1922 hasta nuestros días no se han dejado de hacer murales en México, lo que prueba el
éxito y la fuerza del movimiento. En la década de 1930, la internacionalización del muralismo se
extendió a Argentina, Perú y Brasil, y fue adoptado incluso por Estados Unidos en algunos de sus
edificios públicos.

Lee el tema “Muralismo en México” y elabora un mapa conceptual

ACTIVIDAD 11 donde definas las características del movimiento muralista así como las
atribuciones de cada uno de los principales autores.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 En equipos de 3 integrantes: elaboren una réplica a manera de collage
de alguno de los murales de Diego Rivera, Clemente Orozco o Alfaro
ACTIVIDAD 12 Siqueiros, donde representen la mitad de la imagen mediante una
técnica de pintura y la otra mitad con materiales reciclados (semillas,
plástico, vidrio, papeles, etc)

UNIDAD 2 | ARTE EN MÉXICO

2.4 ARTISTAS MEXICANOS

La pintura en México se vio representada por grandes figuras de

la plástica además de los tres grandes tales como Frida Kahlo,
Lilia Carrillo, Leonora Carrington, Pedro Coronel, Alberto
Ginorella, Carlos Mérida, Rufino Tamayo, Vicente Rojo, Gerardo
Murillo (Dr. ATL), José Luis Cuevas entre otros, quienes
influyeron en de manera determinante en la sociedad de aquella
época y hasta nuestros días con los temas plasmados
principalmente expuestos en obras en caballete.

En escultura sobresalen Ignacio Asúnsolo, Enrique Carbajal, Francisco Goitia,

Guillermo Téllez entre otros quienes otorgan un nuevo sentido a la escultura
contemporánea en México logrando impulsarla a un nivel internacional con
la aplicación de nuevas técnicas escultóricas.

Por otro lado, la arquitectura mexicana se encuentra

representada por Ricardo Legorreta, Luis Barragán, José
Villagrán, Juan O'Gorman y Enrique Yáñez principalmente,
sobresaliendo por la aplicación de los estilos franceses del s.
XIX en total armonía con el eclecticismo del s. XX y las nuevas
tendencias unidas en ambientes totalmente funcionales.

Crea un mapa mental del tema “Artistas mexicanos” que contenga

ACTIVIDAD 13 imágenes relacionadas con las obras más importantes de cada uno de
los principales artistas contemporáneos.
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
 UNIDAD 3 | ARTE EN NAYARIT

3.1 ANTECEDENTES DEL ARTE EN

NAYARIT

En Nayarit el arte se encuentra estrechamente

ligado a los grupos indígenas que habitan en el
estado; gran parte de las tradiciones de Nayarit se
remontan a la época prehispánica. Los grupos
indígenas que habitan en las sierras de la región
son los coras, los huicholes, los tepehuanos y los
mexicaneros, quienes hablan una variante del
náhuatl. El carácter indómito de los indios nayares
es legendario entre todos los grupos étnicos del
país, pues fueron ellos los últimos
mesoamericanos en ser conquistados por los españoles.

Las festividades indígenas se relacionan con las labores de la agricultura y de la cacería e

involucran a un amplio panteón de divinidades, consideradas como los ancestros de los vivos: el
sol, la tierra, el agua en sus diferentes formas, la luna, la estrella de la mañana, el maíz, el venado.

La complejidad de sus expresiones culturales, creencias y rituales es enorme. Después de la

llegada de los españoles, convirtieron algunas de estas deidades en figuras católicas para adorarlas
como santos patronos de las comunidades, por ejemplo: San Juan, el sol; San Miguel, el lucero; la
Virgen del Rosario, la tierra. Todos reciben una gran veneración en su día mediante ceremonias y
rituales, en los que participa toda la comunidad.

Nayarit se identifica y se muestra en las expresiones artísticas de los cinco pueblos que lo
componen coras, huicholes, mexicaneros, tepehuanos y mestizos. Único en formas, colores y
sabores, el arte popular nayarita conjuga las aportaciones contemporáneas con un complejo
mestizaje, encabezado por las contribuciones europeas, a las que se suman otras aportaciones
provenientes de África, Asia y Oceanía. En donde toda una amplia gama de nichos y
ecosistemas han permitido florecer una gran riqueza y creatividad que brota de las recias manos
de sus artistas populares.

En Ixtlán del Río existen talleres de alfarería, cerería, dulces tradicionales, nieve de frutas. A
escasos cinco kilómetros de la cabecera municipal se localiza una vasta zona arqueológica
importante por sus estelas indígenas, conocida como Los Toriles. El municipio de Ahuacatlan en los
últimos años se ha convertido en el expendio de cestería y muebles de la región, contando además
con una dinámica casa de la cultura. Jala alberga grandes talleres donde se procesa la hoja de maíz
que posteriormente dará vida a objetos diversos como flores y nacimientos entre muchas más
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
utilidades. Junto a su cabecera municipal, se encuentra el pueblo de Jomulco en donde en cada
vivienda hay potencialmente una familia artesana. En este lugar se teje la palma de llano, costilla
de otate y de carrizo, que sirven de materiales como sillas, mesas, sillones, canastos y una amplia
gama de objetos.

En el Nayar, en el pueblo de Los Aguajes se teje la barba de pino creando una gran extensa gama
de productos donde figuran bolsas, canastas, hueveras, porta retratos, etc. El Municipio de Santa
Maria del Oro en donde se “pica” la piedra volcánica para; molcajetes, metates, recipientes para
destilar agua, cuencos. En Municipio de Bahía de Banderas ubicado en el extremo de la costa sur
del estado, se talla madera y cáscara de coco; se produce alfarería y objetos elaborados con
piedras, conchas y caracoles marinos. En Compostela, hoy en día alberga talleres de fabricación de
puros y talabartería, donde se elaboran monturas, fustes, huaraches, entre otros productos.
Por otro lado, en Tepic existe cualquier cantidad de artesanos ofreciendo sus cuadros de
estambre; pulseras, aretes, anillos, medallones de chaquira y muñecos vestidos a la
usanza wirraka. En San Blas, antiguamente segundo puerto más importante de país y puerta de
entrada al principal corredor cultural del pacifico al centro de México, se producen delicados
objetos de conchas y caracoles, al igual que tejen redes y tarrayas.

La costa nayarita es una rica veta de cultura popular. Desde Tuxpan, Santiago, Tecuala
y Acaponeta se teje la palma, se elaboran barcinas. En la Isla de Mexcaltitán las mujeres tejen
costilla de candelón para dar vida a una variedad de piezas: lámparas de mesa y de pared, floreros,
paneras, hueveras, canastos, bolsas, tapetes, mientras los hombres se dedican a tejer mangas y a
fabricar y mantener sus chiqueros de camarón. En la zona serrana donde se asientan coras,
huicholes, mexicaneros y tepehuanos, antiguos dueños de los valles nayaritas, congregados en
pueblos, aldeas, rancherías y ranchos de aguas de los municipios de la región del Gran Nayar
compuesta por los municipios de Huajicori, El Nayar, y La Yesca, viven y se manifiestan a través de
sus danzas, música, medicina tradicional, mitotes, estas etnias parte importante de nuestra
identidad cultural.

ACTIVIDAD 14 Contesta las siguientes preguntas.

1. ¿Cuáles son los grupos indígenas que habitan en el estado de Nayarit?

2. ¿Qué plasman los artesanos en sus trabajos?

3. ¿Por qué crees que es tan importante el trabajo artesanal de los grupos indígenas de nuestro
estado?

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

4. ¿Qué tipos de artesanías nayaritas conoces?

Crea un folleto que exponga a los 4 grupos indígenas de nuestro Estado

ACTIVIDAD 15 y las principales artesanías que elaboran.

UNIDAD 3 | ARTE EN NAYARIT

3.2 GRUPOS ÉTNICOS DEL ESTADO

DE NAYARIT

Huicholes
La vestimenta tradicional varía de una región a otra y se caracteriza por su llamativa y elaborada
confección, especialmente del traje masculino.
Todos los diseños tienen una significación religiosa
importante. La indumentaria de las mujeres
consiste en una blusa corta en un solo color, naguas
interiores y exteriores, con un manto floreado para
cubrir la cabeza y collares de chaquira. Los hombres
usan pantalones de manta blanca y camisas del
mismo material que tienen abierta la parte inferior
de las mangas; dichas prendas están bordadas con
elaborados diseños simétricos de colores.

Los huicholes usan sombreros de palma con adornos de chaquira o bolas de estambre, una capa
cuadrangular doblada a la mitad que se coloca sobre los hombros y, eventualmente, aretes y
pulseras de chaquira. Para amarrar los faldones de la camisa a la cintura se usan cintas de lana.
Cada hombre lleva consigo varios morrales pequeños; calzan huaraches o zapatos deportivos. Los
niños más grandes visten como sus padres, mientras los más pequeños andan semidesnudos.
Los huicholes constituyen un grupo orgulloso por su gran riqueza cultural, son de carácter alegre,
comunicativo y hospitalario, y es frecuente verlos portando su vistosa indumentaria tradicional
hecha de manta con bordados de colores vivos. Los hombres llevan terciadas bolsas de lana con
bellos bordados y, según su número, es la posición social y económica de quien las porta.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

Las formas de expresión artística de los huicholes reflejan sus sentimientos religiosos y son
plasmadas en una gran variedad de objetos rituales tradicionales, en los diseños de la ropa y en la
construcción de templos e instrumentos musicales.

Entre las artesanías huicholas figuran las tablas de madera cubiertas con diseños representativos
hechos a base de hilos de colores de lana o estambre así como la chaquira, sus prendas son
cotizadas en el mercado con precios altos debido al tiempo que invierten en confeccionarlas. Son
especialmente llamativas, donde reproducen dibujos geométricos y figuras fantásticas, muy
relacionadas con la ingesta del "peyote". Por su parte el arte Huichol con sus tatei neixa (fiesta del
tambor), patsixa (cambios de varas o autoridades), peregrinaciones a lugares sagrados (Wirikuta y
otros), Hiíikuri neixa (fiesta del peyote), Xarikixa (fiesta de la siembra) y toda su parafernalia ritual
desarrollada en el Tukipa (centro ceremonial), sus nierikas como ofrenda, en sus formas básicas,
telaraña, disco de bambú, disco de piedra, disco de madera o cartón, de espejo y cuadro,
enriquecen la gran variedad iconográfica local.

Coras
La forma de vestir de hombre es sencilla; calzón de manta que se amarra de la cintura y a la altura
de los tobillos, la camisa puede ser de cualquier tela fresca y los colores más usuales son los de
tono fuerte; rojo, azul turquesa, amarillo, verde y siempre de manga larga, los huaraches: los hay
de dos tipos los de dos hebras (de orcapollo) que se sostienen con una en el dedo gordo y se lía
con la otra punta por el talón y tobillo; el otro estilo con tejido de petalillo y cubre completamente
el pie dejando sólo descubiertas la puntas de los dedos y el talón, los más curiosos les graban su
nombre y los adornos con casquillos y en la suela de vaqueta se le incrustan garbancillo de metal,
pues de esta manera "al bailar la tarima", lo hacen con bastante sonoridad llegando en ocasiones a
opacar el dibujo rítmico de los violines y guitarras, viniendo unos solos entre el bailador y el
músico del tambor, sacando agilísimos pespunteaos y redobles. Utiliza sombrero de dos tipos: el
de comal con ala amplia y de cuatro
pedradas, pintado de blanco para que se
endurezca, éste es utilizado por los coras más
conservadores y por los ancianos. El
sombrero de soyate; se trenzan largas tiras
de una palmilla propia de la región llamada
soyate y se unen cocidas a mano por lo
ancho hasta darle la forma de sombrero
también es de cuatro pedradas.

La mujer usa falda de color fuerte con olán de tela estampada de color contrastante, comúnmente
de tono de la blusa. Recientemente por razones escénicas se le ha hecho algunas adaptaciones
como utilizar la falda corta arriba del tobillo pero respetando su colorido.
La artesanía es escasa y su comercialización se restringe a la propia región cora. La más
representativa son los morrales de lana, algodón o fibras sintéticas; estos últimos hechos por lo
Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR
regular para la venta. Los colores que suelen tener son negro con blanco, o bien combinaciones
vistosas y contrastantes. Otros artículos artesanales coras, son los huaraches de piel con suela de
llanta y los sombreros de yute, producidos en Santa Teresa. El arte cora, producto de sus seis
comunidades de esta etnia endémica: Jesús María, la Mesa del Nayar, San Francisco, San Juan
Corapan, Rosarito y Santa Teresa, ejemplifica sus principales manifestaciones tangibles a través de
la técnica de cartonería, manifiesta en sus xayacaj o máscaras de judío, en sus textiles
encabezados por los morrales de hilo doble, triple o cuádruple, con los bordados de entramado
tereseño, además de la técnica de entramado de telas comúnmente utilizada. A la par, su arte
intangible lo liderean sus célebres cantos de Mitote y de Pachitas; su música de túnamo y de
mariachi cora, abuelo paterno del mariachi contemporáneo, con sus sones, minuetes, potorricos,
brazueliados, chutes, y demás; así como sus danzas de La urraca, Nagüillas, Maromeros y Moros;
su ceremonia de iniciación para los niños en el conocimiento del sexo conocida como la danza de
la tortuga.

Tepehuanos
Entre los hombres, la vestimenta tradicional está cayendo en desuso, sobre todo en las
comunidades más cercanas a la influencia mestiza. En un promedio del 80% ya no lo utiliza
excepto cuando asisten a las fiestas religiosas y a los mitotes. Esto quiere decir, que casi todo
tepehuan tiene su camisa y su calzón de manta, pero únicamente lo utiliza en ocasiones
especiales. Permanece el guarache, morral bordado y sombrero de soyate.

Por el contrario, las mujeres en su mayoría portan el traje

tradicional que consiste en coloridas blusas, faldas y mandiles de
satín decoradas con encajes y listones de colores, rebozo negro
de encaje y calcetines afelpados de colores muy vivos, zapatos de
hule. Todavía elaboran sus huaraches de vaqueta, preparando el
material del tal modo que dejan las correas más blandas y
pueden hacer tejidos más finos. Las mujeres tejen el “guangox”
en el telar en la cintura y lo usan los hombres para cargar su
comida y demás cosas de uso particular.

Para el O’dam los objetos que hacen tienen siempre una utilidad
práctica, los artículos de más demanda por su rica decoración son los morrales de estambre (de
telar o punto de cruz) y las redes (de ixtle o cordón de plástico); otros productos que elaboran son
los sombreros de soyate decorados también con estambre, los equípales y bancos, las pipas de
carrizo y barro, las ollas, cómales y platos de barro crudo sin decoración.
De barro se hacen muñecos, pipas y animalitos rústicos para jugar. En madera se diseña carritos
que llegan a medir hasta un metro de largo. Se hace una que otra máscara de madera sin pintar
para las fiestas.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

Mexicaneros
Los jóvenes y algunos adultos se visten a la usanza mestiza: pantalones de fibras sintéticas o
mezclilla y camisa a cuadros o rayas; sin embargo, entre los ancianos y entre las mujeres se utiliza
todavía la ropa tradicional: calzón y camisa de manta, y huaraches de vaqueta para los hombres;
blusas, naguas y zapatos de hule de diversos colores para las mujeres.
Los mexicaneros manufacturan generalmente los utensilios que
emplean de manera cotidiana, por ejemplo, canastas, cestos y
chiquihuites de carrizo, bateas de madera, morrales de algodón,
ollas, cazuelas, platos y comales de barro. Arco musical de madera y
guacima o frijolillo; con una cuerda de ixtle este arco es colocado
sobre una jícara o xical la cual funciona como caja de resonancia al
percutir la cuerda con 2 palitos de madera.

En el siguiente mapa del estado de Nayarit, señala los municipios

ACTIVIDAD 16 donde se ubican los grupos indígenas nayaritas con color rojo
Huicholes, color azul Coras, amarillo Tepehuanos y café Mexicaneros.

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR

 UNIDAD 3 | ARTE EN NAYARIT

3.3 ARTISTAS DE LA PLÁSTICA

NAYARITA

ACTIVIDAD 17 Investiga las siguientes biografías de artistas nayaritas.

VLADIMIR CORA

EMILIA ORTIZ

ANTONIO RIVAS MERCADO

Elaborado por: L.D.G. SARAI ROJAS AGUIAR