1) De acuerdo con Hauser ¿Por qué se produce la disolución del arte cortesano?

Para Hauser la razón más importante es el subjetivismo burgués. El Rococó es arte de

la aristocracia y de la clase media, ahora construyen patrones privados y no reyes y ciudades,

los elegidos son edificios y pequeñas mansiones. Aparecen los colores pastel, el rococó gana

en preciosismo y elegancia, es tierno e íntimo.

Es la actitud espontánea de una sociedad frívola, cansada y pasiva. Es una sociedad

aburguesada que tiene poder económico, comienza a darse lugar a lo privado, ya no todo es

público y no todo lo público resulta interesante.

Además, ya la clase alta no participaba del ejército ni ocupaba cargos políticos

importantes, por lo tanto seguían manteniendo poder económico pero debían ocupar su

tiempo en otras actividades.

“​El arte se hace más humano, más accesible, con menos pretensiones; ya no es para

semi dioses y superhombres, sino para comunes mortales, para criaturas débiles, sensuales,

sibaritas; ya no expresa la grandeza y el poder, sino la belleza y la gracia de la vida, y ya no

quiere imponer respeto y subyugar, sino encantar y agradar”-

2) ¿De qué manera caracterizan los diversos autores al “rococó”?. Señalen analogías y

diferencias con el barroco de las cortes católicas.

Hauser sostiene que el Rococó parte de la ruptura con la tradición cortesana. Es un arte de la

aristocracia y de la alta clase media. Señala que desaparece la tendencia hacia lo monumental,

lo solemne-ceremonial y lo patético. En el Rococó se deja lugar a lo gracioso, a lo íntimo.

Para Hauser el Rococó es un arte distanciado, distinguido, esencialmente aristocrático.

Hauser resalta que en el Rococó en vez de castillos y palacios se construyen hoteles y que al

frío mármol y al pesado bronce de las estancias solemnes, ahora se prefieren la intimidad y la

gracia de los cabinets y boudoirs; el colorido serio y solemne, el castaño y la púrpura, el azul

oscuro y el oro se sustituyen por los claros colores al pastel, por el gris y el plata, el verde

reseda y el rosa. Plantea también que el Rococó gana, en oposición al arte de la Regencia, en

preciosismo y elegancia, además es un arte atractivo juguetón y caprichoso, pero al mismo

tiempo en ternura e intimidad también; evoluciona, por un lado, hacia el arte mundano por

excelencia, pero, por otro, se acerca al gusto burgués por las formas diminutas. Es un arte

decorativo virtuosista, picante, delicado, nervioso, que sustituye al Barroco macizo.

Para Hauser, el Rococó es un arte erótico destinado a epicúreos ricos y gastados, es un medio

para elevar la capacidad de disfrute incluso allí donde la naturaleza ha puesto un límite al

placer, además representa la última fase de una cultura social en la que el principio de la

belleza predomina de manera absoluta y en la cual lo "bello" y "artístico" son todavía

sinónimos.

El Barroco de las cortes católicas, según Checa y Morán, giraba fundamentalmente en torno a

las realidades monárquicas y religiosas.

En el Barroco de las cortes católicas el espíritu aristocrático de la iglesia se manifiesta

constantemente, además, lo que se entiende por bello, bueno, espiritual, elegante, distinguido,

se orienta, por lo que en la corte es así estimado. También los salones pierden su significación

originaria, y la corte se convierte para todas las cuestiones de gusto.

3- Según Checa y Morán ¿Cuáles son las polémicas en torno al arte barroco que se

establecen en el siglo XVIII? Expliquen con sus palabras las dos etapas o momentos del

debate artístico.
Según Checa y Morán, en el siglo XVIII la nobleza constituía todavía, una capa social de

importancia que no pudo ser borrada por la Monarquía Absoluta. La gran aristocracia

constituye un bloque social con mucha significación desde el punta de vista artístico,

proponiendo en ocasiones, soluciones que formalmente eran más avanzadas que las mismas

realizaciones de la monarquía.

Checa y Morán plantean que dado el carácter omnipresente de la monarquía, luego termina

asumiéndolas como propias y desarrollándolas a gran escala. Las pretensiones artísticas de la

nobleza son claramente emulatorias de las actividades artísticas que realiza la monarquía. Se

produce, claro está, un conflicto de poderes entre monarquía y nobleza a lo largo de todo el

siglo.

4- ¿Qué son las “fiestas galantes”? De acuerdo con Aznar ¿Qué tipo de pautas de

comportamiento social implican? ¿Cómo se relacionan con el sentido del refinamiento y

distinción? ¿Qué concepción de la naturaleza subyace a la pintura galante francesa?

Según Aznar, las fiestas galantes son un género de la pintura del siglo XVIII que se

caracteriza por ser decididamente aristocrático y francamente irregular.

Las fiestas galantes tienen origen nórdico. Ya había antecedentes de fiestas galantes en el

siglo XVII, en la pintura holandesa, se pintaban “reuniones alegres”, grupos de parejas

dedicadas a la conversación, la música y el baile, en jardines o salones.

En cuanto a las pautas y comportamiento social, las fiestas galantes implican por ejemplo,

integrarse dentro de la categoría de la Bonneteté. La Bonneteté era una forma ideal de vida

que existía con independencia, e incluso en oposición, a las exigencias de la corte,

entronizando lo indefinido, lo ambiguo, la sutileza en la conversación, como esencia del

genuino comportamiento aristocrático.

Este estilo de vida era imprescindible para distinguirse de los demás, de la clase funcionarial,

de los arribistas, y consiste en un apartamiento descontentadizo de cualquier interés práctico

y en el cultivo de una vida refinada de estudiado ocio, interesada casi con exclusividad en los

escarceos amorosos, en las conversaciones privadas, inteligentes, y absolutamente

independiente de toda necesidad de cultivar el favor real. De esa manera se relaciona con el

sentido del refinamiento y distinción típicos de la aristocracia.

La concepción de la naturaleza que subyace en la pintura galante francesa es una concepción

de naturaleza “desacralizada”.

5- ¿De qué forma valoraron los contemporáneos la obra pictórica de Jean-Antoine

Watteau? Indiquen sus antecedentes e influencias y sus vinculaciones con la

conversación, la danza, la música, el teatro (en particular la ​Commedia dell’arte​ italiana)

Todos sus biógrafos destacan en sus dibujos la libertad de la mano, la ligereza de la línea y la

gracia de la expresión. Gersaint y Caylus, explican lo lejos que estaba de las normas

académicas francesas e italianas el sistema de trabajo de Watteau. Lo distinguían como un

pintor capaz de dibujar sin objeto y que cuando pintaba un cuadro simplemente reunía su

colección de dibujos e iba escogiendo los que más le convenía para formar los grupos que

con tanta facilidad parece que se relacionan sobre sus fondos de jardines.

Watteau, era un hombre rural, nacido en Valenciennes, en 1684, dentro de una familia de

artesanos y albañiles, medio francesa y medio flamenca.

Alrededor de 1702 Watteau viaja a París y, después de unos difíciles principios como copista

de cuadros, empieza a trabajar, primero, con Claude Gillot (1673-1722), un artista

especialmente interesado en el tema novedoso de la Comedia Italiana , y, después, con

Claude III Audran. Audran era, sobre todo, conservador del Luxemburgo desde 1704 y era el

diseñador de interiores más importante de París.

Según Crow, Watteau tomó la mayor parte del lenguaje de sus cuadros de sus

contemporáneos y tuvo influencia de los flamencos de Rubens y de los venecianos, de

Veronés.

6- ¿Qué papel le atribuyen a Watteau los diversos historiadores del arte analizados?

Consideren las categorías de “lo lúdico”, “lo bucólico”, “lo sensual”, “lo melancólico” u

otras nociones que crean relevantes para abordar la obra pictórica de este artista.

Para Jacques y Francois Gall, Watteau es un poeta, un ser que fue capaz de desviar la

corriente de la época, lo ven como el creador de la atmósfera en la que todo se desarrollara.

En resumen, para ellos es el creador de este nuevo mundo artístico.

Para Aznar Almazán, es quien puede en sus “fiestas galantes” mostrar una fiel imagen de esa

época, a pesar de que es obvia la influencia de sus contemporáneos, logró darle un marco

original.

Para Hauser fue quien ocupó con sus obras los salones donde el público progresista admiraba

esta forma de arte que ya no era ceremonial religioso, marcó el cambio de gusto que se dio en

esa época, fue el maestro de las “fiestas galantes”. Donde lo erótico junto a lo lúdico, lo

sensual y lo melancólico, ocupan un lugar preponderante.

Podemos decir para resumir, que los diferentes autores coinciden en la importancia de

Watteau como representante más exquisito del Rococó, como creador de las “fiestas

galantes”, donde podemos ver lo lúdico y lo bucólico, bañado en un aire de teatralidad.

7- Para Checa y Morán ¿Cuáles son los cambios de sensibilidad que se manifiestan con

el ascenso progresivo de la burguesía?

8- Confronten la obra pictórica del mencionado Jean-Antoine Watteau con la de

Francois Boucher y Jean Honoré Fregonard. ¿Cómo es el abordaje del cuerpo femenino

en los distintos casos? Analicen el tema del placer y el erotismo teniendo en cuenta la

mirada del otro.

Sus pinturas son escenas del arte bucólico e idílico. Son reflejo de la vida cortesana que busca

artificialmente un contacto con la naturaleza.

En él se encuentran influencias flamencas y venecianas (Verones) al que le agrega su gusto

francés. Predomina el erotismo lírico con temáticas como el teatro, la música, la

conversación, los personajes de la comedia del arte y la mitología.

Aplica los colores de manera diluida en capas de extrema delgadez, lo que permite numerosas

transparencias.

Los acontecimientos políticos y sociales son también generadores de moda, y así podemos

ver en sus pinturas como el corsé se impuso nuevamente tras el uso del miriñaque, el cual

aparece con la visita de dos damas inglesas a la corte. Este armazón llega a ser moda en París.

Sus pinturas se pueden interpretar como la visión de una realidad de ensueño, de la fiesta

galante, que era una alternativa de intimidad al lujo y a la fiesta típica del antiguo régimen.

Cuando los aristócratas miran sus obras, se identifican con la fantasía, esto los aleja de su

vida tan lujosa y sin sentido.

El abordaje en cuanto al cuerpo femenino es lírico, le da un aire de teatralidad, utiliza en sus

pinturas las faldas y los corpiños sueltos, se puede notar un gran erotismo en sus pinturas

pero podríamos decir que bien disimulado.

Fregonard, aborda el cuerpo femenino de forma mas picaresca como podemos ver en su obra

el columpio. Sus obras son manifestación de un sentido moderno y burgués de la imagen

basada en el predominio del sentimiento.

Sus obras oscilan entre los límites del decoro y la ligereza en la línea, podemos ver en sus

obras que las imágenes parecen como captadas desde la vista de una ventana, asi podria estar

evitando la vulgaridad.

Su técnica se origina, de alguna manera, de la escultura. Afina los rostros a grandes trazos,

indicando rápidamente los planos, no se detiene a corregir, conservando un aspecto

inacabado. Le da importancias al grado de atrevimiento, de frivolidad del contenido y al

movimiento para la forma, sus claroscuros son bien marcados.

En cuanto al papel de la mujer, podemos notar que retrata a la mujer que es la favorita del

rey. A diferencia de Watteau, su tratamiento es menos delicado y posee más erotismo y

picardía. Marca bien las líneas del cuerpo de mujer.

Siguiendo los argumentos de Checa y Morán, sinteticen el papel de la crítica de Denis

Diderot respecto a “la articulación teórica del nuevo gusto y en la polémica de los

géneros” ¿Qué valoración realiza Diderot sobre las obras de Francois Boucher y

Jean-Baptiste Greuze?