Latin American photography

Desde los años 1990 las exposiciones de fotografía latinoamericana presentan temáticas recurrentes en torno a las nociones de identidad, historia y memoria. Nuestra hipótesis es que los artistas fotógrafos, cuyas obras se encuentran asociadas a esas temáticas, producen imágenes que fomentan experiencias significantes del tiempo, articulando pasado y presente, y manipulando la historicidad de las referencias introducidas, mediante operaciones de montaje, collage, superposición, puesta en escena y alteración de archivos. El análisis comparativo de dos obras, una de Alexander Apóstol y otra de Tomás Ochoa, permite distinguir dos tipos de relaciones entre pasado y presente. Si bien ambos trabajos operan según una misma modalidad formal: la reinterpretación de un documento iconográfico del pasado, la relación que establecen con ese documento es antagonista, evidenciando así dos relaciones distintas entre pasado y presente.

Review of three book on the photobook:

Horacio Fernández
The Latin American Photobook
Exh. cat. New York: Aperture Foundation, 2011. 256 pp.; 250 color ills. Cloth $75.00 (9781597111898)

The Photobook: From Talbot to Ruscha and Beyond
London: I. B. Tauris, 2012. 288 pp.; 45 b/w ills. Paper $31.00 (9781848856165)

Ryuichi Kaneko and Ivan Vartanian
Japanese Photobooks of the 1960s and '70s
New York: Aperture Foundation, 2009. 240 pp.; 400 ills. Cloth $75.00 (9781597110945)

Resumen: A pesar de los debates que a partir de 1839 enfrentaron al daguerrotipo con las artes tradicionales, fotografía y caricatura iniciaron tempranamente una fructífera relación, que se extendería al nuevo siglo. En este artículo estudiamos algunas particularidades de este fenómeno en la prensa argentina, focalizándonos en la revista Caras y Caretas, cuyo carácter pionero y modélico sentó las bases para muchas publicaciones locales posteriores. Analizando las diversas formas de interacción entre fotografía y caricatura, mostramos el rápido proceso de sofisticación y entrenamiento visual que propiciaron estas tempranas revistas ilustradas.


Abstract: Despite the debates that, towards 1839, confronted the daguerreotype with the traditional arts, photography and caricature began a fruitful relationship that would extend well into the new century. In this paper, we analyze this phenomenon in the Argentine illustrated press, focusing particularly on pioneering and exemplary Caras y Caretas magazine, which somehow laid the foundation for most of the subsequent local publications. By analyzing the different ways in which caricature interacted with photography, we intend to show the role these pioneering magazines played in the quick process of sophistication and visual training of the local public.

Este livro é uma coletânea de ensaios de 27 autor@s resultante do Seminário Internacional de mesmo nome realizado no MAC USP, em 2017, com apoio da FAPESP. COSTA, Helouise; ZERWES, Helouise (org.). Mulheres Fotógrafas-Mulheres Fotografadas: Fotografia e Gênero na América Latina. São Paulo: Intermeios, 2021, 406p.

Los estudios fílmicos de los últimos treinta años han puesto en evidencia la creciente imposibilidad de abordar al “cine de los primeros tiempos” separadamente de la más amplia y representativa cultura visual de su época. Hoy es indudable que, para comprender la naturaleza y complejidad de este medio, es necesario examinarlo en el contexto de las múltiples series culturales de las que emergió y con las que compartió características de variada naturaleza, aún desde mucho antes de que las condiciones tecnológicas que lo hicieron posible estuvieran dadas. La fotografía, la técnica con la que el cine está ontológicamente más vinculada, fue la base de algunos de los espectáculos visuales que mayor influencia tuvieron en el surgimiento del nuevo arte y es, sin embargo, una de las más relegadas por los estudios críticos e históricos. Este libro propone un abordaje de las múltiples relaciones que ligaron a la fotografía y al cine en la Argentina desde 1840, año de llegada del daguerrotipo al Río de la Plata, hasta 1933, fecha de estreno del primer film sonoro y momento de inicio del periodo de expansión industrial de la cinematografía nacional. La hipótesis de la que parte la autora es que gran parte de la aceptación y comprensión con la que el cine contó en sus inicios se debió a que muchas de las competencias de lectura, el manejo de convenciones, los códigos de representación, las modas temáticas y estéticas venían siendo internalizadas por los espectadores a lo largo de cincuenta años de historia de la fotografía. Convertidos en medios de información, educación y recreación, en depósitos de la memoria y el conocimiento, y en mecanismos de construcción social de la realidad, tanto la fotografía como el cine favorecieron la emergencia de un nuevo espectador que estableció una estrecha relación entre la experiencia directa de lo real y su representación, y llegó al punto de percibir las imágenes producidas por estos medios visuales como experiencias sustitutivas de conocimiento del mundo material.  Esto contribuyó a la difusión de determinadas formas de entendimiento de la realidad social, que en el caso específico de la Argentina, impactaron en cuestiones fundamentales para el contexto sociocultural del período, como la conformación de la identidad nacional, las tensiones entre modernidad y tradición o las diversas representaciones de la alteridad, entre otras. Partiendo del estudio de un amplio corpus de imágenes representativas de la producción fotográfica y cinematográfica local, esta investigación intenta hacer visibles esos diversos y complejos vínculos formales, temáticos e ideológicos que unieron a la fotografía y al cine en sus primeros años de existencia.

Essay written for "Barbara Brändli" (Madrid: La Fabrica, 2018), the first bilingual monographic publication dedicated to the work of the Swiss-born photographer. This volume from La Fabrica's PHotoBolsillo series follows Brändli's career in Venezuela as she photographed indigenous communities, urban Caracas, cultural institutions and Andean farmers in the isolated páramo.

CUARTEROLO, Andrea, Emiliano JELICIÉ, José Antonio NAVARRETE y Alfredo SRUR. Alejandro C. Del Conte: Memorias de un soñador. Buenos Aires: CIFHA-Centro de Investigación Fotográfico Histórico Argentino/ Artexarte. Fundación Alfonso y Luz Castillo, 2021, 184 pp. (ISBN: 978-987-48043-0-3, en español e inglés
Catálogo de la muestra Alejandro C. Del Conte: Memorias de un soñador, Artexarte. Fundación Alfonso y Luz Castillo, Buenos Aires, agosto-septiembre 2021

An examination of photographers working from 1860-1920 in Mexico (Désiré Charnay, Alice D. Atkinson), Peru (Eugène Courret, Hiram Bingham, Martín Chambi), Chile (Odber Heffer) and two who documented indigenous peoples (Max Schmidt and Walter Garbe). The article uses their work to explain how their shots reflect their various interests and intentions as well as the context in which they worked.

Del 12 al 21 de abril de 1948, en la Sala de Exposiciones de la Oficina de Turismo de Ciudad de Guatemala, se realizaron dos muestras simultáneas: una, de Guillermo Grajeda Mena (1918-1995; la otra, de Julio Zadik (1916-2002; ambos, jóvenes artistas que irrumpen en el escenario del arte guatemalteco durante esa década. 1 Fue una suerte para Zadik contar con Carlos Mérida (1891-1984) como autor del texto que introducía el catálogo de su primera exhibición individual, pues este reconocido pintor -y frecuente escritor sobre temas artísticos-era uno de los escasísimos guatemaltecos que, a la sazón, podían afrontar con indudable solvencia la exégesis de un trabajo fotográfico. 2 Por ese entonces, a escala de Occidente, muy pocos críticos e historiadores de las llamadas artes plásticas poseían el instrumental metodológico y el bagaje cultural necesarios para abordar con eficacia el examen de los productos de la fotografía como práctica del arte, cuyo repertorio de logros aún no era suficientemente apreciado.

Las imágenes eran crudas, imperfectas, rotas, pero igual eran imágenes 1 …la similitud se ha convertido en la simultaneidad; [la imagen digital] se ha transformado en un asunto radicado totalmente en el tiempo: la sincronización del tiempo y el control del tiempo.

As últimas décadas do século XX foram cruciais para a fotografia latino-americana, o período representa o início de uma aproximação estratégica entre os agentes da fotografia na América Latina, numa tentativa de romper com o isolamento entre os países, de estreitar os laços e as distâncias e promover ações para o bem comum. Foi, especialmente, a partir da realização do Primeiro Colóquio Latino-americano de Fotografia e da exibição da Primeira Mostra da Fotografia Latino-americana Contemporânea, na Cidade do México, em 1978, que essa denominação parece haver surgido e se consolidado na América Latina e, posteriormente, também no exterior. Proponho, neste artigo, o desafio de¬¬ (re)pensar a fotografia latino-americana, diante da amplitude de entendimentos e leituras que o termo sugere, observando o conjunto de fatores que contribuíram para a sua emergência, reforçando os objetivos e o viés crítico desses eventos, na tentativa de esclarecer a importância de ainda defendermos uma fotografia da e na nossa região. Esperando, desta forma, que as reflexões possam contribuir para uma maior assertividade no uso e na valorização do termo, no sentido de reconhecer seu lugar e valor histórico, sua relevância cultural e política, e os contornos da empreitada que vem sendo feita desde a década de 70 por essa construção comum.

There were different reasons for choosing the 1990s as the starting point for the photography exhibit we present here, Changing the Focus: Latin American Photography 1990Photography -2005. The 1990s brought important changes to the photographic medium, opening the way to new conditions that help us to better understand photography today. During that decade, Latin American photography finally gained a strong foothold in the international arts scene; 1 it overcame long-held internal disputes, and took advantage of thematic and technical innovations, especially after the emergence of digital media, to generate a new aesthetic. The deteriorating social and political conditions of the last two decades, together with those aesthetic, technical, and diffusion changes, resulted in a critical discourse that approaches reality using a variety of languages that include, in many instances, resorting to conceptual solutions, as well as relying on more traditional approaches.

Desde meados do século passado a fotografia na América Latina vem buscando se articular para promover a integração regional. Porém, foi somente a partir de 1978, com a realização do Primeiro Colóquio Latino-Americano de Fotografia que o projeto integrador começou, de fato, a surtir efeito, aproximando as e os produtores de imagens do território e mobilizando agentes e instituições em prol de objetivos comuns. Entretanto, outras iniciativas tem também contribuído, ao longo dos anos, para a geração de vínculos, parcerias e colaborações. Portanto, seria insuficiente apontar apenas o colóquio como catalisador de uma movimentação em prol da fotografia na América Latina. Dessa forma, neste trabalho, elencamos algumas iniciativas importantes, e destacamos um outro evento, desta vez no Brasil, que teve também significativa responsabilidade na articulação regional: o Fórum Latino-americano de Fotografia de São Paulo, onde veríamos surgir o que convencionamos chamar de Rede da Fotografia Latino-americana.

Through a critical analysis of a selection of orientalist photographs taken by Colombian photographers Melitón Rodríguez and Benjamín de la Calle during the long 19 th century, this article explores the ambivalence of such images according to both the context in which they were created and their specific functions. In this text, the notion of orientalism is problematized by placing the problem outside established narratives, which regard it as a phenomenon proper to the centers of colonial power. Thus, it is critical to question the role of orientalism in places like Latin America, where there was no power relationship with the East, in order to achieve an accurate understanding of part of these photographers' body of work.

Dans les discours sur la photographie latino-américaine, les termes mémoire et identité sont employés de manière récurrente pour qualifier les travaux contemporains. L’engagement d’une recherche mémorielle et identitaire permettrait aux artistes de construire des « histoires alternatives » . Si ces histoires impliquent des relectures de l’Histoire, elles n’ont pas tant pour objectif de se substituer à l’Histoire que d’ouvrir « des portes alternatives pour une nouvelle relation entre les sujets et l’histoire » . Quels sont les différents types de rapports à l’histoire que cette nouvelle relation permet d’établir et quelles en sont les modalités éthiques et esthétiques ?
À travers l’analyse de travaux photographiques contemporains, nous présentons différents types de rapports à l’histoire, élaborés par les artistes dans les images en sollicitant une mémoire collective. Cela permet de montrer comment les mémoires permettent d’interroger mais aussi de réécrire l’histoire. En effet, selon l’enjeu politique qui les motive, les histoires alternatives articulent différemment les catégories temporelles passé/présent. Pour certains artistes, il peut s’agir de se réapproprier dans le présent un passé oblitéré ou marginalisé, c’est notamment le cas des travaux qui concernent l’époque des dictatures avec la question des disparus, mais c’est aussi le cas pour des travaux faisant références au passé préhispanique de l’Amérique latine. Enfin, le travail artistique procède parfois à une actualisation du passé dans le présent. Cette actualisation entend montrer la contemporanéité de certaines problématiques identifiées comme appartenant au passé, elle permet de comprendre les déterminations d’un présent à l’aune des problématiques du passé. C’est notamment le cas des travaux qui s’appuient sur les thèses décoloniales et postcoloniales.
L’analyse de ces différents types de rapports à l’histoire permet de mettre en évidence la manière dont les artistes, grâce à la mémoire, permettent d’assimiler dans le présent un passé problématique. Toutefois, dans un premier temps, il convient d’expliquer brièvement en quoi la mémoire est devenu un enjeu essentiel des rapports à l’histoire en Amérique latine.

Essay written for "Lámpara de mil bujías: Fotografía y arte en América Latina desde 1839" (Barcelona: Editorial Foc, 2018). Edited by Elena Rosauro and Juanita Rosauro, "Lampara de mil bujías" offers a selection of recent studies about lesser-known aspects of the history of photography in Latin America. My essay explores the remarkable circulation history of a single photographic image by Kati Horna. Originally taken in 1944 for a photographic reportage about the Central Mental Asylum in Mixcoac, in the outskirts of Mexico City, Kati Horna’s "El iluminado" (The Enlightened One) depicts one of the patients living in the then-overcrowded institution. In 1961, nearly two decades after being first published in the Mexican illustrated weekly "Nosotros," the portrait was one of the works included in the controversial collective exhibit Los Hartos (The Fed-Ups), organized by Mathias Goeritz at the Antonio Souza Gallery. This article examines the rich circulation history of the image, one of the best known within the photographer’s corpus. Paying attention to how it was re-signified in domestic and public settings, I propose that the portrait’s inclusion as an artistic object in Los Hartos sought to condemn the contemporary system of production and commercialization of art by problematizing the ontological essence of photography. Other contributors to "Lámpara de mil bujías" include Andrea Cuarterolo, María Fernanda Domínguez, Esther Gabara, Juanita Solano, Jorge Latorre y Ana Balda, Ileana Cepero, Laura González Flores, Natalia Fortuny, and Montserrat Rojas.

Since the end of the last century, the historiography of photography in Latin America began a period of rapid transformation due to two factors that stimulated the development of this field in the region: the accelerated evolution of photographic archives and the entry of photography as an object of study in universities. These changes gave rise to a methodological reflection that brought historians closer to the world of images, confronting them with unique challenges and possibilities in relation to other types of sources. The need to develop a specific vocabulary and methodology for the analysis of these images and to focus the study of photography as part of a chain that involves several agents was postulated. An understanding of the historical dimension of photography was proposed, not only as an artistic expression but fundamentally as the history of a means of recording, communication and expression with diverse purposes. The use of images as primary sources was encouraged, r...

The Hispanic Society of America, Diario de Archer Milton Huntington (HSA: Diario de Huntington), 1889. Si bien, informalmente, se los denomina el diario de Huntington, los documentos que han sobrevivido no son un verdadero diario. Al final de su vida, Huntington logró en gran medida su propósito de destruir la 9 «he comprado un libro de G. Borrow, se titula Los Zincali y trata de los gitanos de España. Es el libro más interesante que he encontrado aquí. España debe de ser mucho más interesante que Liverpool» 5 . Pronto aquel interés se convertiría en una pasión general por la cultura hispánica.

Esta entrevista al fotógrafo chileno Marcelo Montealegre ofrece un testimonio sobre las transformaciones de su trabajo fotográfico en Nueva York y sus colaboraciones con el cineasta Jaime Barrios.  Montealegre comenta sobre la participación latina y latinoamericana en las encrucijadas estético-políticas del underground neoyorquino a fines de la década del sesenta y los cambios de su trabajo y el de Jaime Barrios durante la dictadura militar, cuando ambos participaron activamente en el movimiento de solidaridad y trabajaron con los refugiados chilenos en Nueva York.

This paper intends to focus on a key moment in Latin-American photography historiography: the 1980s. In 1984 the National Foundation of Arts – Funarte, governmental institution, created INFoto, the National Institute of Photography. It was created with the intention of mapping and organising Brazilian photographic profession and production, and it is one of the origins of the national photography historical narrative. Such intention is considered here in association with the country’s political moment, and cannot be dissociated of a similar movement that was taking place in several other Latin American countries. This movement is related to the Colóquios Latino Americanos de Fotografia, held between 1978 and 1984. A desire to organise the photographer’s work considering the realities of the continent is made explicit in the published round tables of the 1981 II Colóquio. The desire to identify a photographic production, and therefore a history of photography, specific to Latin America as opposed to a foreign one was also made explicit. Photographers engaged in public institutions promoted such mapping, which were also a revaluation and a ressignification. These people and institutions from several Latin American countries kept contact promoting initiatives with converging aims relating to organisation and professional training, conservation, publishing, exhibitions, etc. The historic narrative, which started to be composed based on the history of photography in Brazil, was built within its borders as well as part of a Latin American transnational movement.

Es el texto curatorial de la exposición de relato visual 'Volver a casa: crónica visual del huracán María en Las Indieras de la fotoperiodista y gestora cultural Yadira Hernández Picó. El texto reflexiona sobre el tratamiento sutil a dicho género, que combina crónica con fotografía, que ofrece Hernández Picó, al punto de que casi se vuelve una crónica audiovisual, multi-sensorial o envolvente.

This is the curatorial text of the visual storytelling exhibition 'Volver a casa: crónica visual del huracán María en Las Indieras' by photojournalist and cultural administrator Yadira Hernández-Picó. The texto reflects over the subtle treatment that Hernández-Picó imparts on said genre, that combines photography with literary sketch ["crónica"], to the point that it almost becomes audiovisual, multi-sensory or quite simply enveloping.

Este ensayo toma dos obras – Fundido a blanco, de Oscar Muñoz y La experiencia dramática, de Sergio Chejfec­– como un laboratorio para reflexionar sobre las transformaciones que sufre la categoría de ficción en el arte y la literatura contemporáneos. Basándome en ciertas formulaciones teóricas de Joan Fontcuberta, Jacques Rancière, Georges Didi-Huberman y del propio Sergio Chejfec sobre la relación entre la ficción y el documento, sugiero que en las obras de Muñoz y de Chejfec se despliega un modo singular de construcción ficcional subjetiva diferente al de la ficción clásica –basada en una lógica representativa– que puede ser entendido como simulación o como síntoma, y que se vincula con una lógica propia de lo digital. Si bien en estas obras se reflexiona sobre el ejercicio autobiográfico, en ellas se propone que la imagen y la palabra se despeguen de una temporalidad biográfica y cronológica para dar lugar a un recuerdo que sobrevive como un resto material, sensorial y afectivo. De este modo, se cancela la posibilidad de leer o mirar las obras en sus aspectos puramente testimoniales; o más bien se devela la trampa ficcional que allí se esconde. La urdimbre de la ficción, entonces, ya no se basa en una verosimilitud sino en la invención de un indicio o en la simulación de un documento.

This article analyses the work of Colombian photographer Fernell Franco through a comparative study with the work of Mexican cinematographer Gabriel Figueroa. Through the vast production and dissemination of the melodramatic genre, Mexican cinema became a paradigmatic referent for some artists working in the context of a radical urban transformation in the cities of Colombia during the second half of the twentieth century. Indeed, Franco’s work developed simultaneously with his close relationship to and immense fascination with popular Mexican cinema. This article utilises the notion of melodrama as a ‘fictional system’ that permeated the work of Franco, drawing upon Mexican movies’ mise-en-scène, dramatic lighting and the close relationship between two Mexican melodrama subgenres: the vecindad (tenement) and the prostitute’s story. The article proposes two ways of understanding Franco’s images. On the one hand, they speak about the conditions of displacement in Colombia and, on the other, they characterise what has been termed the ‘tropical gothic’. Lastly, the article discusses the importance of postproduction techniques and materiality in Franco’s work, focusing specifically on the Interiors series. https://www.tandfonline.com/doi/abs/10.1080/03087298.2020.1809950?journalCode=thph20

Photography, a medium characterized by its alleged transparency and objectivity, became the principal symbolic device to capture and conceal identities since its invention in 1839, and portraiture, therefore, played perhaps the biggest role in the configuration of the medium. In Latin America, the invention of photography, and its early arrival to the continent in December of that same year, coincided with post-independence political processes and discourses. As opposed to the European experience, where national consolidation and an established visual imaginary existed prior to the invention of photography, in Latin America the medium developed during the processes of nation building in the postcolonial period and, in many cases, before the consolidation of Fine Art Academies. Therefore, the photographic image played a crucial role in the definition of identities, which were different from and specific to each geographical area. Any attempt to homogenize, or rather to trace, a distinctive character of what Latin American photography was, would only fail to describe the complexity of the production. What will be done here, instead, is present a critical analysis of three case studies, which delineate some of the strategies utilized in the artistic and commercial work of studio photographers from different regions through the ideas of progress, modernity, and race. This essay will look into the ways in which portrait photography fostered the construction of particular identities through the work of Benjamín de la Calle and the studio Fotografía Rodríguez (Horacio Marino and Melitón Rodríguez) in Colombia; Martin Chambi (1891–1973) in Peru; and Romualdo García (1852–1930) in Mexico.