French Romanticism

Sous la monarchie de Juillet, les orateurs politiques sont aussi des « orateurs personnels ». L'expression est de Delphine de Girardin1. Ils parlent à l'auditoire de toute leur âme mise à nu. Rien à voir avec aujourd'hui, où l'éloquence politique, certes héritière de cette intrusion du privé dans l'espace public si féconde à l'époque romantique, offre seulement une vision dégradée de ce qu'un Guizot, un Lamartine ou encore un Louis Blanc étaient capables de faire. Mais vous ne devez pas imaginer que tous les orateurs romantiques parlaient comme Malraux (on a dans l'oreille quelque chose de très ampoulé, n'est-ce pas ?) ou, s'ils le faisaient, vous ne vous en seriez pas le moins du monde rendu compte parce qu'étant homme ou femme de 1830, vous aussi, vous auriez eu le sentiment que les orateurs personnels vous parlaient directement au coeur, et avec le coeur, seulement. 2L'éloquence dont il sera ici question concerne, de plus, un type particulier d'hommes politiques. Elle concerne les orateurs parlementaires rentrés au bercail, dans leur circonscription ou dans leur arrondissement. Elle concerne les orateurs qui soufflent enfin, les orateurs qui peuvent, en toute quiétude, parler à des gens qui les aiment et qu'ils aiment en retour pour cette raison même. Et donc, il n'y a point de lyrisme parlementaire à percevoir dans leurs discours, mais il y a à entendre un idéal lyrique transporté à « un balcon de campagne »-l'expression est de Lamartine-ou encore, un idéal oratoire amoureux de la politique vécu à l'image d'un banquet idéal pendant le siècle. Aujourd'hui on en connaît seulement la méchante caricature qu'en faisait Flaubert dans sa Correspondance au sujet de la campagne pour la Réforme électorale pendant l'année 1847. La campagne mène directement aux journées de Février 18482. Avec Lamartine-dont nous faisons ici le représentant de tous ces orateurs sensibles et romantiques qui, fourbus par la dernière session parlementaire, rentrent au berceau de leur engagement originel, au berceau de leurs plus intimes convictions-il ne s'agit pas même de banquets mais seulement de bonnes petites et paisibles assemblées de province au sein desquelles le « tintement sensible de la voix de l'homme intime, du poète, s'entend en lieu et place d'une voix rationalisante et raisonneuse qui serait émise au moyen d'une bouche intéressée et cynique3 ». À Mâcon, l'orateur romantique abandonne l'éloquence parlementaire. Il parle même contre elle pour se faire entendre de ceux qui aiment la belle éloquence et ...

DUPART, Dominique. Éloquence sensible, éloquence à la Jean-Jacques : un idéal lyrique transporté sur un balcon de campagne ou les Discours familiers de Lamartine In : Les Formes du politique [en ligne]. Strasbourg : Presses universitaires de Strasbourg, 2010 (généré le 16 octobre 2020). Disponible sur Internet : <http://books.openedition.org/pus/2562>. ISBN : 9791034404964. DOI : https://doi.org/10.4000/books.pus.2562.

The work of French writer and essayist Maurice Blanchot (1907-2003) is without doubt among the most challenging the twentieth century has to offer. Contemporary debate in literature, philosophy, and politics has yet to fully acknowledge its discreet but enduring impact. Arising from a conference that took place in Oxford in 2009, this book sets itself a simple, if daunting, task: that of measuring the impact and responding to the challenge of Blanchot’s work by addressing its engagement with the Romantic legacy, in particular (but not only) that of the Jena Romantics. Drawing upon a wide range of philosophers and poets associated directly or indirectly with German Romanticism (Kant, Fichte, Goethe, Jean Paul, Novalis, the Schlegels, Hölderlin), the authors of this volume explore how Blanchot’s fictional, critical, and fragmentary texts rewrite and rethink the Romantic demand in relation to questions of criticism and reflexivity, irony and subjectivity, narrative and genre, the sublime and the neutre, the Work and the fragment, quotation and translation. Reading Blanchot with or against key twentieth-century thinkers (Benjamin, Foucault, de Man), they also examine Romantic and post-Romantic notions of history, imagination, literary theory, melancholy, affect, love, revolution, community, and other central themes that Blanchot’s writings deploy across the century. This book contains contributions in both English and French.

The critical and fictional oeuvre of Théophile Gautier offers one of the most nuanced accounts of the idiosyncratic character of French Romanticism. In this paper, I explore Gautier's layered description of the artist's interiority during the Romantic period. In his necrology of the Orientalist painter Prosper Marilhat, Gautier continues his interest in a concept learned from Goethe: the "microcosm." He portrays Marilhat's microcosm through the interweaving of two images of interiors decorated with paintings - one, the expected image of the artist's studio, and two, the less expected image of a dilapidated Rococo interior painted in fresco by nineteenth-century artists and writers.

François-René de Chateaubriand is generally considered one of the most
influential authors in early French Romanticism1. The very term 'Romanticism' defies simple definition, yet scholars have generally accepted that one of its central precepts is a protest against the simple sterile reason of the enlightenment 2 , put more poetically, writers of Romanticism fought for 'the liberation of man from intellectual chains'3. The overall thesis of this short paper is that the notion that what one might now call 'dissociative disorder' was a central theme of his two novellas.

LIBERTY LEADING THE PEOPLE: ALLEGORY, LITERATURE AND
REALITY
Abstract
Liberty Leading the People of French Romantic artist Eugéne Delacroix (1798-1863)
presents allegory and reality together. It is also related to literature. In this study, the figures
in the painting were examined one by one to try to find links with allegory, reality and
literature. This painting shows the day of the July Revolution of 1830, when the most violent
conflict took place in Paris around the Hotel de Ville. However all the sources referring to
this painting indicate that this image is an allegory. The reason for that is the figure of
Liberty leading with the flag of France. In this figure, the goddess of Liberty of the 1789
revolution, the powerful female image of Barbieri's poem La Curée and the revolutionary
Anne-Charlotte are all together. Although different identities -like the artist himself or
Etienne Arago,a writer and politician-, were suggested for the figure with a top hat
representing the bourgeois class in the painting, this figure allegorizes working class, not
the bourgeois class hiding in fear during the conflicts, as in Barbieri's poem. Also, the figure
of the street child in the painting represents the children who have really participated in the
1830 revolution and even became a source of inspiration for literary work. Victor Hugo
(1802-1885) immortalized him in the novel of Les Miserables in the name of Gavroche.
Key Words: Delacroix, Liberty Leading the People, allegory, Barbieri, La Curée, Libertas,
Feronia, pileus, Victor Hugo, Alexandre Dumas

In order to tease out the poetics of Haitian revolutionary politics
and vice versa in the first two decades or so of Haitian independence,
I turn to two of the country’s first epic poets, Dumesle and the author
of a pseudonymously published poem titled L’Haïtiade. In so doing, I
hope to underscore the contributions of these less well-known writers
and their works not solely to Haitian poetics as such, but also to Haitian intellectual history. Turning to Dumesle’s Voyage and L’Haïtiade,
in particular, allows us to trace how a poetics of Romanticism, or the
notion that the poet is a “visionary, capable of piercing the mystery
of the world and explaining it through symbol and allegory,” became
wedded to a politics of historical analyses in nineteenth-century Haiti.

Cet article, paru dans la revue Le Texte et l’idée #30-2016, explore le rapport qu’entretiennent les romantiques aux reliques des défunts aimés, et aux lieux qu’ils ont habités. Il analyse la transformation des cultures funéraires au XIXe siècle et la façon dont cela se reflète en littérature, la représentation des corps dans le rêve, et la naissance d’un fétichisme des lieux et des choses. Il propose également une typologie des lieux hantés.

Principaux auteurs et artistes cités : Théophile Gautier, Caspar David Friedrich, Heinrich von Kleist, Erich Wolfgang Korngold, Wilhelm Jensens, Sheridan Le Fanu, Guy de Maupassant, Gérard de Nerval, Novalis, Edgar Allan Poe, Georges Rodenbach, Arthur Schnitzler, Bram Stoker, Villiers de l’Isle Adam, Oscar Wilde.

Establishing the beginning – the Romantics’ rhetorical games (Schlegel, Wordsworth, Mochnacki and others).
This article presents selected rhetorical strategies used by Romantic literary critics to stress their ideological and aesthetic identity. Their essence was the establishment of a new beginning in the history of literature, set at the start of the Romantic movement. To do this the Romantics emphasised the novelty of their own artistic propositions, viewed their work as a new stage in the development of literature, indicated the crisis in which European culture had found itself, redefined the scope of acceptable literary tradition, accentuated their distance from their predecessors, created a situation of continual debate with representatives of other aesthetical views, and showed the historical circumstances attending the Romantic movement, which were radically different from what had applied hitherto. They employed strategies of this kind not only at the start of the Romantic movement, but also throughout its endurance. In my article I refer to the meta-literary statements made by Friedrich Schlegel, William Wordsworth, William Hazlitt, Victor Hugo, Maurycy Mochnacki, Adam Mickiewicz, Seweryn Goszczyński, Juliusz Słowacki, and Cyprian Norwid.

This paper explores Walter Benjamin’s relationship with French Surrealism from sources rarely studied or practically unknown until now. First, I will set out the direct link between the theses on “profane illumination” and the “organization of pessimism” in Der Sürrealismus. Die letzte Momentaufnahme der europäischen Intelligenz, and various texts by Pierre Naville, one of the most active figures in the Surrealist movement between 1925 and 1929. Second, I will consider Benjamin’s commentaries in Pariser Passagen <I> and convolute “S” of the Passagen-Werk about Surrealist writings and Martin Heidegger’s Sein und Zeit, flagging up the implications of this confrontation for Benjamin’s ideas of secularization of mysticism and messianism. Lastly, I will seek to refine the meaning of Benjamin’s “anthropological materialism” and its relevance to those sections of the Passagenarbeit that are dedicated to the evolution of social movements since the French Revolution.

Le séjour que le jeune Lamartine effectua en 1811-1812 s'inscrit à première vue dans la continuation des « pratiques d'éducation » de la noblesse européenne : un voyage de formation, indépendant des circonstances politiques (la domination française en Italie). Il joue un rôle très important dans son œuvre, pour avoir inspiré un texte de fiction tel que "Graziella" et avoir alimenté les Mémoires de jeunesse, parus de façon posthume. L'article se propose de réfléchir sur la transformation de cette expérience de jeunesse au fil du temps et des projets et problématiques d'écriture de Lamartine.
Le texte est paru dans Sylvain Venayre et Sarga Moussa (sous la dir.), Le voyage et la mémoire au XIXe siècle, Grâne, Créaphis, 2010.

Avec le romantisme apparaît une conception nouvelle de l'individu dont la singularité, et non plus l'universalité, est valorisée. L'impact de cet individualisme romantique se fait sentir non seulement au niveau thématique, mais également dans la structure même des genres littéraires. Dans l'étude comparée d'un choix de romans français des lumières et du romantisme, l'auteur montre qu'une esthétique du vrai et du singulier s'oppose désormais à celle de la vraisemblance soumise aux valeurs morales de la communauté englobante. Les œuvres de Balzac, Stendhal, Hugo, Mme de Staël, Sade ou Diderot servent notamment de champs d'investigation privilégié. Enfin, cette transformation des représentations littéraires est mise en relation avec la modification des représentations sociales de l'individu, cristallisée notamment par la Révolution française.

1820. Les Méditations. Le Lac. Qui connaît encore la suite ? Et pourtant. Lamartine n’a pas seulement inventé le lyrisme romantique, il a aussi actualisé sa doctrine poétique dans le domaine le plus éloigné en apparence de ses vallons et coteaux ombragés : dans la politique parlementaire. De 1834 à 1848, puis pratiquement jusqu’à sa mort, il s’est forgé un destin de polygraphe hors pair. Il est devenu simultanément et successivement orateur de la Chambre, historien, journaliste, romancier. Avec pour seule mission d’inventer sur la terre une de ses Républiques imaginaires qui peuplent les manifestes politiques et poétiques dès 1830. Il est le père de la démocratie moderne et nous rappelle à son insu que la politique des gouvernements doit et devra toujours des comptes à la poésie. A-t-il réussi à joindre avec panache et splendeur le poème et la tribune en Février 1848 ? A-t-il au contraire manqué le tournant du désenchantement, dépassé par ses cadets, Flaubert et Baudelaire ? Sans doute, le poète moderne n’a-t-il pas que des succès à son actif. Lyrique par intermittence – successful aurait dit Stendhal –, mais aussi vilipendé, moqué et finalement déchu simultanément de la lyre et du pouvoir, Lamartine est le poète démocratique par excellence. Il dota d’une souveraineté révolutionnaire l’opinion publique, la rumeur, les bruits de la rue, les voix du peuple en les consacrant au moyen d’une éloquence démocratique, en inventant un lyrisme de masse : au même titre que ses muses glorieuses et anciennes, en prenant le risque d’y perdre la poésie.
Pour citer ce livre :
Edition Honoré Champion
Collection ROMANTISME MODERNITE
Format 15,5 X 23,5 CM
No dans la collection 0133
Nombre de volume 1
Nombre de pages 438
Type de reliure BROCHÉ
Date de publication 23/05/2019
Lieu d'édition PARIS
ISBN 9782745352873
EAN13 9782745352873

This article presents a comparative study on two levels. The theoretical one is inspired by the concept of " entangled histories " that operates on a supranational level for making cross-cultural tural parallels. The second level presents a case study of the reception of the French novel "Les janissaires" by Alphonse Royer in five languages – Greek, Romanian, Bulgarian, Karamanli, and Armenian, which took place in the Ottoman context from the 1840s to the 1870s. The goal of the
study is to illustrate how under the same political reign the cultural transfer enabled a circulation of notions and an appropriation of new civilizational practices between different communities that later incorporated those notions in their nationalist discourses.

A late nineteenth-century renaissance in French organ building partitioned organist, organ, and audience while expanding the instrument’s size and adding "swell" boxes shuttering pipes from public view. In theater, concert, and church organs, the organist is hidden behind the console or is seated in an adjoining chamber, under the floor, or high in a loft. Cary Howie’s book, "Claustrophilia" (2007), examines how hermetic cloisters might be understood as erotic spaces in medieval literature and practice. In this paper, I argue that the enclosure of the organ, along with its promise of campy power, made it attractive to gay men in the 20th century, inscribing it as an extension of the closet. According to Cameron Carpenter, "most American organists are gay or at least […] questioning," while Virgil Fox complained that organists have historically been "hiding behind the woodwork." Popular French literary depictions of the organ, notably Leroux’s "Le Fantôme de l’Opéra" (1910) and Verne’s "Vingt mille lieues sous les mers" (1870), portray it as an expressive mode of repressed, reclusive villains. Rops’s etching, "L’Organiste du Diable" (1886), shows a nude woman playing an organ bedecked with penises propped against each other in a homoerotic configuration, while the film adaptation of Jean-Claude Forest’s "Barberella" (1964), introduces the "Excessive Machine," an organ-like musical orgasmatron that houses victims in its bellows, dousing them with lethal sexual energy. These texts and images indicate toward a French-influenced rendering of the organ in the 20th century that registered it as an enclosure for queer mechanisms and episodes.

Il apparaît à travers l'article que l’ambition romantique d’une création qui poursuive l’œuvre de la nature peut se réfléchir à même les productions des poètes, en s’appuyant non plus sur l’élaboration théorique mais sur certaines figures qui structurent la forme poétique. Au départ de la littérature nervalienne – et, plus précisément, du chapitre sur « Les conteurs » dans le Voyage en Orient – l’auteur montre que l’alchimie peut incarner telle figure : non comme clef herméneutique réduisant l’œuvre à ses symbolisations ésotériques, mais comme une idée de la création dont s’empare le poète pour construire sa forme littéraire et où se réfléchissent à la fois l’origine et la destination de l’art, la création et la puissance poétiques. Innervant en filigranes l’écriture de Nerval, le modèle alchimique prend en charge trois aspects essentiels de la conception romantique des formes. Le rôle de l’artiste se donne à penser dans l’œuvre comme celui de l’alchimiste : il s’agit pour lui de contribuer à la régénération quasiment organique d’une époque désenchantée en ranimant par son art un feu originel qui s’affaiblit. Se calquant sur les différentes opérations du laboratoire, c’est sur un semblable schéma de composition et de transmutations des éléments premiers de la nature, par le passage d’une mélancolie (l’œuvre au noir) à la sublimation (au sens chimique et philosophique), que la poésie réfléchit son propre devenir. Enfin, le travail spéculatif que nécessite la langue alchimique permet d’éclairer la façon dont le langage poétique transforme à son tour qui en fait l’expérience – auteur ou lecteur – en reconfigurant précisément les données de son propre rapport au réel.

На правах рукописи ЩЕРБАКОВА Наталья Вадимовна СЦЕНИЧЕСКИЙ ОБРАЗ-МАСКА В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ ФРАНЦИИ XIX ВЕКА. ОТ ОБРАЗОВ ТЕАТРА К ТЕАТРАЛЬНОСТИ ОБРАЗОВ Специальность 17.00.04-изобразительное и декоративно-прикладное искусство и архитектура
Abstract of the PhD thesis devoted to the problem of "the mask", as a visual trope in the XIX cent. French fine arts - culture, theatre, painting and graphics

Qu’appelle-t-on « poétiser » à l’âge romantique ? Telle est la question que cet essai philosophique sur Gérard de Nerval adopte comme fil conducteur pour interroger la puissance de l’art et le sens de la création au sein d’une modernité désenchantée. Tendue entre sublime et mélancolie, ruines et chimères, l’écriture nervalienne réfléchit son propre geste poétique en même temps qu’elle reconfigure nos représentations de l’existence. En philosophant « avec » la littérature, cet essai entend faire droit à la singularité d’une pensée qui se tisse à même les formes, les tours et les détours des œuvres de Nerval.

Abstract in English: : Inspired by recent studies of Alberto Mario Banti and other Italian cultural historians, this essay explores the emergence of a new vision of love, of marriage, and of the relationship between romantic love, patriotism, and virtue in the writings of Ugo Foscolo, and more specifically in his novel Ultime lettere di Jacopo Ortis. The essay first considers the rise of this new vision in Rousseau and in Alfieri, whose theater, in contrast with most current critical opinion, deals with married love and family no less than with freedom and tyranny. The discussion then turns to the contrast between happy and unhappy families, those which are united and those which are divided, in Foscolo’s early novel; it is here argued that the private life of the hero, his delusions and sorrows in love, mirror the fate of the Italian nation. Foscolo’s novel founded the Risorgimento’s ethos and pathos for more than one generation of patriots. But at the same time it moves beyond a purely ideological and militant conception of literature to warn strongly against nationalism and violence.

Abstract in italiano: Ispirandosi agli studi recenti di Alberto Mario Banti e di altri storici culturali italiani, il presente saggio studia l’emergenza di una nuova concezione dell’amore, del matrimonio e del nodo amore-patria-virtù nell’opera di Foscolo e in particolare nelle Ultime lettere di Jacopo Ortis. Dopo avere brevemente mostrato la nascita di questa nuova visione in Rousseau e, per l’Italia, in Alfieri, nel cui teatro il problema dell’amore coniugale e della famiglia è non meno importante di quello della tirannide, il saggio si concentra sul contrasto fra famiglie unite e felici, e famiglie lacerate e infelici nel romanzo giovanile di Foscolo, contrasto in cui si riflettono le sventure e le speranze d’Italia. La vicenda privata del protagonista, le sue pene e le sue illusioni amorose, diventano così emblema del destino di un’intera nazione. Col suo romanzo, Foscolo fonda l’ethos e il pathos del Risorgimento per varie generazioni di patrioti, ma nello stesso tempo, sollevandosi al di sopra di una letteratura puramente ideologica e militante, lancia il più drammatico ammonimento contro la violenza e il nazionalismo.

I: A Problematic Concept Attempts to define Romanticism characteristically begin by conceding the difficulty, even impossibility, of the task. The entry on the subject in an encyclopedia of German literary history summarizes the challenge: "The Romantic movement must be understood as a unity, but it is in itself so polymorphous and contradictory that both a definition and an historical presentation are extraordinarily difficult." 1 Rather than proposing a normative definition, as if that were possible, this chapter will take the resistance to definition and its historical roots as keys to understanding Romanticism as distinctly European and modern. Accordingly, the focus here will be less on the art produced during the early decades of the nineteenth century, when Romanticism began to be theorized as a contemporary concern, than on discursive selfunderstanding in that unsettled period in which, as the poet William Wordsworth acknowledged, "a shock had then been given / To old opinions; and the minds of all men / Had felt it." 2 Inaugurating modern scholarship on the subject in 1870, Rudolf Haym argued that "to investigate the essence of Romanticism from a purely historical position [in rein historischer Haltung]" had become possible because it lay over half a century in the past-by Haym's account, in the circle of the Schlegel brothers (August Wilhelm and Friedrich), Ludwig Tieck, and F. W. J. Schelling in the university town of Jena. 3 Many others, however, have questioned whether there ever was such a thing as Romanticism. Indeed, from its earliest articulations the concept of Romanticism has been haunted by a sense of its lack of correspondence to empirical reality. Thus the Russian poet Pyotr Andreyevich Vyazemsky complained in 1824, "Romanticism [Romantizm] is like a phantom. Many people believe in it; there is a conviction that it exists, but where are its distinctive features, how can it be defined, how can one put one's fingers on it?" 4 The perceived elusiveness of Romanticism itself is due largely to the diversity of the intellectual and artistic phenomena-in literature, music, the visual arts, philosophy, even science-to which the term has been applied, across most European nations. In some, like Germany and France, the identification of Romantic "schools"

On pardonnera à l'auteur de cet article ses affirmations téméraires qui seront nuancées dans les publications suivantes. Le texte de cet article en a été envoyé aux éditeurs en 2001, le livre a été publié en 2005 et il a été réédité en 2015.

Riccardo Raimondo, « Aurélia fable mystique », Romantisme n° 171 (1/2016), pp. 118-128. //

[FR] Michel de Certeau a cherché à décrire une véritable topique visant à identifier et à contextualiser le genre de la fable mystique à travers l’histoire. Il en trace les contours pendant deux siècles, les XVIe et XVIIe. On se demandera sous quelle forme la mystique est encore présente dans la littérature moderne et contemporaine : la lecture d’Aurélia de Gérard de Nerval en tant que fable mystique aura pour objectif de mettre à l’épreuve cette question. Cette démarche entend constituer une première étape vers une théorisation plus large de la fable mystique dans la prose moderne et contemporaine. //

[ENG] Michel de Certeau tried to describe a topology identifying and contextualising the genre of the mystic fable throughout history. He has delineated its contours over two centuries, the 16th and the 17th. This paper focuses on the continued presence of the mystical in modern and contemporary literature : a reading of Gérard de Nerval’s Aurélia as a fable of mysticism serves to explore this issue. It may constitute a first stage in a larger theorisation of the mystic fable in modern and contemporary prose.

Louis-Albert Bourgault-Ducoudray (1840–1910), composer, folklorist, and long-time professor of music history at the Paris Conservatoire, dedicated intense energies to the propagation of ancient Greek modes as a modern resource for French composition. Instigated by his 1875 folk-song collection mission in Greece and Anatolia, Bourgault-Ducoudray’s attraction to Greek modes was bolstered by ideological commitments to Aryanism (nourished by his relationship and correspondence with philologist Émile Burnouf), and further reinforced by his observation of “Greek modes” in Russian and Breton folk song.

This article examines how Bourgault-Ducoudray translated his quasi-philological analyses into an artistic agenda through techniques of transcription, arrangement, and composition. Beginning with a close reading of his important collection, Trente mélodies populaires de Grèce et d’Orient (1876), a continuity is established between his transcriptive and compositional practices, with particular attention paid to Bourgault-Ducoudray’s performances of authenticity through calibrated scientific and artistic rhetoric. I then turn to the reception of Bourgault-Ducoudray’s collection by two composers—Alfred Bruneau and Camille Saint-Saëns—who rearranged his Greek songs in different contexts. Treating the songs with remarkable plasticity, they appropriated Bourgault-Ducoudray’s authority to enhance representations of “oriental” and “ancient” worlds, negotiating a balance between scholarly research and artistic integrity. The article concludes by returning to Bourgault-Ducoudray’s work in the 1880s—a period during which the musical and ideological ambitions of his song arrangements were magnified to an operatic scale—culminating in a rereading of his Thamara (1891) in light of his ethnic nationalism.

В книге на большом массиве текстов немецких, английских и французских романтиков (писем, дневников, черновых фрагментов, не предназначавшихся для печати) реконструируется духовный быт европейского романтизма, повседневная работа романтического воображения, нацеленного на превращение широкого круга реалий в символы и образы. Отдельно рассмотрены две символические сферы романтического духовного быта – любовь (с ее ключевыми образами женщины, мужчины, андрогина, ангела) и музыка (главные понятия которой – звук, тон, аккорд, гармония – интерпретируются романтиками как универсальные символы).

The book reconstructs an everyday mental life of European Romantics on the base of German, English and French Romantic texts (letters, diaries, draft fragments etc.). It is shown how the daily activity of romantic imagination transforms real things and processes into symbols and images. Two symbolic spheres of romantic everyday mental life are considered in details: that of love with its basic images of woman, man, androgyne, angel, and that of music with its main categories of sound, tone, accord, harmony reinterpreted by romantics as the universal symbols.

Quintessentially transnational and transdisciplinary in its origins, Romanticism, Isaiah Berlin notes, is a recent movement to transform Western consciousness most radically, a transformation that, we would like to show, has continued to reverberate not merely in the West but in the East after the heyday of the movement, roughly from the 1800s to 1850s, from Frühromantik to the American Renaissance. In the second half of the nineteenth century, many figures carried the torch of Romanticism and helped to keep the fire burning to date. Three figures, we suggest, stand out and have exerted the greatest influence, respectively, in sustaining the social, aesthetic, and philosophical forces of Romanticism: John Ruskin, Charles Baudelaire, and Friedrich Nietzsche.

Résumé

Cet article tente de développer une approche philosophique de l’œuvre littéraire qui éviterait tout surplomb pour penser « avec » la littérature. Quelques prémisses méthodologiques dirigent une telle entreprise vers la rencontre d'une œuvre singulière, le roman Aurélia de Gérard de Nerval, et d'un concept de la tradition esthétique, le sublime. L'enjeu de cette mise en relation est triple : il s'agit d'abord de montrer qu’une analyse de l’œuvre à travers le prisme du sublime révèle l'existence d'un questionnement métaphysique en jeu dans le récit, nourrissant une autre lecture d’Aurélia. Ensuite, c’est le concept du sublime lui-même qui se trouve transformé dans son essence par une certaine incarnation dans l'écriture nervalienne. La dernière partie a pour objectif de faire apparaître en quoi cet enrichissement réciproque de l’œuvre et du concept aboutit à une réflexion sur la performativité du régime littéraire du langage, rendant compte philosophiquement, mais grâce à la littérature, d'une puissance de sens propre à celle-ci.

Abstract

This paper aims to develop a philosophical approach to the literary work which thinks “with” the work. A methodological introduction shapes the meeting between Gérard de Nerval’s Aurélia and the concept of the sublime. The challenges are many: we must first show that an analysis of the novel through the lens of the concept of sublime reveals the existence of a metaphysical reflexion in the narrative and gives rise to another way of reading Aurélia. Then the concept itself is transformed by its embodiment in Nerval’s writing. The last part aims to show how the reciprocal enrichment of the work and the concept leads to a reflexion on the performativity of the literary mode of language, showing philosophically, but through the literature, the power of the work’s meaning.