Carlos Guastavino

A fines de la década de 1930, el compositor argentino Carlos Guastavino (1912-2000) abandonaba su ciudad natal, Santa Fe, para radicarse en la Capital Federal. Se insertaba así en el ámbito cultural de la bullente Buenos Aires, atravesado ya por el masivo proceso inmigratorio anterior que ahora se renovaba con nuevos exiliados y migrantes ligados a la intelectualidad, procedentes de distintas regiones europeas (Mansilla 2011, 57-92). Una creciente industria editorial ponía al alcance la literatura sobresaliente de entonces. La empatía del músico con los poemas de Gabriela Mistral (1889-1957) fue inmediata y fructificó en más de una docena de obras vocales producidas en un breve periodo (Mansilla 2011, 135-148). Algunas (entre otras, Encantamiento, Piececitos) han trascendido las barreras temporales y geográficas insertándose en el repertorio canónico de la canción de cámara latinoamericana del siglo XX.

Estudio de la circulación y recepción de la producción musical del compositor argentino Carlos Guastavino (1912-2000), nacido en la ciudad capital de la provincia de Santa Fe.
El trabajo tiene como base la tesis doctoral que la autora defendió en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, en 2007.

Desde su memorable aparición en las primeras líneas del Martín Fierro de José Hernández, la idea de la pena extraordinaria se encuentra fuertemente entramada en el imaginario argentino. Aquí me pongo a cantar Al compás de la vihuela Que el hombre que lo desvela Una pena estrordinaria Como la ave solitaria Con el cantar se consuela. 2

Conferencia de divulgación pronunciada en el CEPIA de la Universidad Nacional de Cuyo, difunde investigación referida a Carlos Guastavino, en lo que hace a su música de raíz folclórica, producida en el marco del llamado boom folclórico que tuvo lugar en Argentina, hacia la década de 1960. Disponible en http://aamusicologia.com.ar/boletines/bol_67.pdf

Se estudian cuestiones de circulación y recepción artística en torno a la canción El forastero, de Guastavino y Yupanqui, creada en 1963 y con una primera partitura que se dio a conocer ese mismo año dentro de la colección denominada Canción Estampa. Difundida masivamente a partir del registro fonográfico que hizo la soprano Ginamaría Hidalgo a comienzos de la década del 70, la obra existió como canción de cámara y, sobre todo, como canción argentina de raíz folclórica. Se indagan algunos procesos de censura y autocensura ocurridos en torno a la pieza durante los años 70 y 80 y se propone que la inserción de una improvisación vocal pentatónica en reemplazo de la última parte del texto puede haber sido un modo de autocensura a causa de su contenido político y social. Por los contextos, actores intervinientes, temática e inclusión de los autores en listas negras confeccionadas por el gobierno militar de fines de la década de 1970, se considera imprescindible la consideración de aspectos ideológicos a la hora de abordar la historia de la recepción de esta canción.

The study of journalistic discourse referring to the orchestral production of the Argentine composer Carlos Guastavino permits an understanding of the diffi cult, fractured, controversial reception of that music. Published in Buenos Aires during the 1940s and 1950s, critics that appeared in periodicals and specialized reviews show an art music criticism conformed mainly by enthusiastic composers of the avant- garde, that was adverse and just in the opposite of Guastavino. This article postulates the existence of a rupture in the reception history of the composer’s music that infl uenced the rest of his ouvre, which conduced to the stylistic bifurcation between the Guastavino’s art and popular music that is characteristic of the 1960s. That rupture, which proceeded of the avant- garde, was paradoxically based in perspectives dealing with 19th musical aesthetic and thought.

Se estudian dos intervenciones claves de la Organización de los Estados Americanos en la legitimación artística del compositor argentino Carlos Guastavino (1912-2000). La primera tuvo lugar en 1955, al incluirlo en el primer fascículo de la serie Composers of the Americas, por el impulso divulgativo de la División Música de la Unión Panamericana, a cargo de Guillermo Espinosa. La segunda fue el homenaje realizado en Washington en 1987 por el CIDEM (Consejo Interamericano de Música), en cuya Secretaría General se encontraba Efraín Paesky. Siguiendo algunas categorías acuñadas por Pierre Bourdieu, se postula que, con algo más de treinta años entre sí, estas iniciativas trazan un derrotero en el reconocimiento público del compositor que va de una primera instancia de legitimación artística a una instancia de consagración.

Combinando distintas metodologías, entre las que colaboran las prácticas que propone la historia  oral, se estudia la relación entre las pianistas gemelas Isabel y Amelia Cavallini y el compositor Carlos Guastavino. El capítulo se centra puntualmente en el momento de fines de la década de 1940 cuando ´las niñas´, pianistas jóvenes de gran éxito en Buenos Aires, asumen el estreno de Tres Romances, en el Teatro Odeón, obra para dos pianos del compositor santafesino. Se ofrecen aspectos poco conocidos de un Guastavino joven que estaba entonces en los comienzos de su carrera internacional. Las hermanas Cavallini, entrevistadas por la autora, colaboran con su memoria y un cuantioso corpus documental de su archivo, que sirven de base para este aporte, hecho desde la micro-historia. En Silvina Luz Mansilla (comp.) Cinco estudios en torno a Carlos Guastavino. Homenaje en su Centenario. ISBN: 978-987-657-957-5. (Santa Fe: Universidad Nacional del Litoral, 2015).

Este breve ensayo trae a la luz algunos momentos de las biografías musicales de Esperanza Lothringer y Carlos Guastavino que se entrecruzan en el panorama de la historia del piano en Argentina. Inscripto en una línea de investigación que se desarrolla actualmente en la cátedra Historia de la Música Argentina del Departamento de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Nacional de las Artes intenta, en sintonía con una hipótesis mayor, enfocar procesos de recepción y legitimación artística que tuvieron lugar en el periodo fundacional del Conservatorio Nacional de Música, desde 1924 hasta aproximadamente 1955. Dado que esta institución educativa constituyó un espacio de formación superior con una innegablemente protagónica acción pedagógica, importa destacar cómo la relación maestra-alumno en este caso, ejemplifica dichos procesos, a pesar de haber prescindido del ámbito institucional. Para ello, nuestro estudio detecta dedicatorias, intenciones evocativas, memorias y opiniones recogidas de la prensa periódica que permiten, desde una historia socio-cultural de la música, completar investigaciones anteriores y contribuir a desentrañar complejas redes interpersonales en torno a la historia de la enseñanza del piano en nuestro país.

Applying topic theory to the study of rhetorics of identity in Latin-American art music, the author examines the topos of the huella, a dance and song that came to signify the “distance and loneliness” of the Argentinean Pampas. The article traces the “genealogy” of this topos in the 19th and 20th centuries connecting it to a broader cultural trope in literature and the visual arts, and to the ideology of cultural nationalism in Argentina.

Reseña publicada en el Nº 12, de la revista 4´33´´. Revista Online de Investigación Musical (DAMUS-UNA, 2014), pp. 137-140. En ocasión del centenario del nacimiento de Carlos Guastavino y con el apoyo del Instituto Nacional de Musicología ´Carlos Vega´ y de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, Silvina Luz Mansilla y Vera Wolkowicz presentan la edición crítica y el estudio preliminar de cuarenta y cuatro partituras de este compositor no publicadas hasta el momento, con el afán de impulsar su puesta en valor.

As a part of the international seminar "Trans-Atlantic voices. European vocal traditions and their trans-Atlantic exchanges", the audition "Voces de ida y vuelta" will provide a repertoire of vocal music based on texts by Lorenzo da Ponte, Jorge Luis Borges, Rafael Alberti, and other authors.


A round-table discussion on this repertoire will take place after the audition. Following their performance, the pianist Juan Antonio Álvarez Parejo and the mezzo-soprano Lucía Díaz Marroquín will take part in the discussion, along with the specialists José Ignacio Díez Fernández (Catedrático de Literatura; Universidad Complutense de Madrid), Leonardo Funes (Catedrático de Literatura; Universidad de Buenos Aires) and Mario Villoria (INAEM).

En el panorama global de la creación musical argentina del siglo XX, Carlos Guastavino fue un compositor cuyo caso resulta inusual, atípico y por demás atrayente como objeto de estudio. Personalidad artística sin precedentes, unió a su temperamento ermitaño, poco sociable y humilde, una música tonal, de características accesibles que, por fuera de las tendencias de vanguardia de su época, alcanzó tan amplia difusión que, podría decirse, en algunos casos llegó a “popularizarse”. Autor de obras vocales e instrumentales y de repertorio para instrumentos solistas, Guastavino fue uno de los pocos músicos argentinos cuyos aportes trascendieron las fronteras de su país. Esta investigación muestra cómo, gracias a las interrelaciones entre compositor, intérpretes y oyentes, su obra alcanzó una magnitud tal que supera la dicotomía u oposición entre las categorías de “culto” y “popular” o de lo “anacrónico” y lo “moderno”.
http://repositorio.filo.uba.ar/handle/filodigital/9993

The article, which functions as an introduction of the dossier of the same name, argues that both mainstream (European) and vernacular topics play equally important roles in the construction of meaning in Latin American art music. It also suggests the existence of Latin American "topics of Europe", i.e., musical configurations that--to Latin Americans--may signify "Europe". Offers a brief critique of the use of "musical nationalism" as a historiographical category when applied to the Latin American case. It suggests that studying the use, function and
semantic status of European musical topics and the strategies of their adoption, adaptation and re-signification in Latin American art music is as relevant to our understanding of this music as the use of vernacular topics and the establishment of local topical universes.

This article examines the interplay of European and Argentine vernacular topics in two works by Carlos Guastavino: ‘Un domingo de mañana’ (A Sunday Morning), a three-part fugue from his Diez preludios for piano (1952) that combines the learned style with the topic of the children’s song, and the fourth movement—‘Fuga y final’—of his Sonata for piano in C sharp minor (1946), whose subject uses the topic of a South American folk dance and song called cueca. The learned style is not only present through the fugal procedure, but also by the use of a specific subtopic, briefly presented here, that connects these works to the Baroque organ tradition and its nineteenth-century reception in piano music.
Against the essentialist view that privileges the identification of the so-called “folk idioms” in the study of Latin American art music, the article aims to emphasise the fact that European topics are as important
as vernacular ones in the construction of the musical rhetoric of Argentine identity.