Armonia Musical

La armonía del flamenco está basada en progresiones y procesos cadenciales definidos, que a lo largo de toda su historia se han ido desarrollando, entremezclando con componentes musicales más relacionados con otros tipos de música. La aportación de Ramón Montoya ha sido muy significativa en la música flamenca, junto con la de los guitarristas que le sucedieron, hasta llegar a Paco de Lucía, la gran celebridad revolucionaria de la guitarra flamenca, el principal protagonista de este trabajo. Nuevas tensiones en los acordes, progresiones, patrones melódicos,…todo ello unido a la nueva concepción de grupo flamenco. No obstante, la cepa armónica de la música flamenca sigue vigente, y la cadencia andaluza junto a los giros y modulaciones clásicas, siguen manteniendo el esqueleto armónico de las distintas falsetas, a pesar de la continua búsqueda de nuevas sonoridades que realizan los guitarristas flamencos contemporáneos, siguiendo el rumbo que en su día emprendió el maestro Paco de Lucía.

El presente artículo hace una revisión del uso acordes para el acompañamiento armónico de melodías. Una breve revisión histórica y teórica permite cuestionar el uso de conceptos ampliamente establecidos como el de «cifrado americano». Desde el punto de visto abordado en este trabajo, este uso consiste primeramente en la nominación absoluta de los acordes que permite su escritura simbólica.
Fe de erratas: página 63, último párrafo, dice: "leads heet", debe decir: "lead sheet".

PREVIEW
Autores: Svetlana Skriagina, Andrés Pineda Bedoya

Año: 2019

La finalidad pedagógica y didáctica de este libro consiste en abordar las formas musicales tonales a partir de un recorrido analítico de estructuras que tiene en cuenta desde el elemento más pequeño (motivo-frase) hasta la totalidad de los elementos constitutivos que configuran y representan las formas: periodo-bipartita-tripartita. El abordaje de las formas simples o de pequeñas dimensiones representa un interesante ensayo didáctico en el que se realiza, por un lado, el reforzamiento de los conocimientos aprendidos en armonía y, por otro, la aplicación de los conceptos aprehendidos para encontrar en el análisis musical la interrelación de todos los elementos sintácticos y estructurales. Este material es resultado del trabajo académico de sus autores y como consecuencia de una práctica docente en las clases de Análisis Musical para la formación de profesionales en música.

A partir de: FREITAS, Sérgio Paulo Ribeiro de. Que acorde ponho aqui?  Harmonia, práticas teóricas e o estudo de planos tonais em música popular. Tese (Doutorado em Música). Instituto de Artes, Universidade Estadual de Campinas, 2010. p. 434-449.

RESUMO: O argumento técnico pode contribuir para a apreciação crítica e para a manipulação poética de uma figura de harmonia? Ponderando sobre tal questão de fundo, interferente também em processos formais de ensino e aprendizagem da Música Popular, aborda-se aqui um argumento funcional que pode regular a singular alocação da tétrade meio-diminuta sobre uma nota extra diatônica em tom maior: a quarta nota elevada um semitom. Nota-se que, em determinados contextos e em franco âmbito tonal, tal alocação alcançou valor de refuncionalização análogo ao de um neologismo, já que tal tétrade, vigente em outras situações harmônicas, pôde então ser equiparada aos acordes diatônicos de função Subdominante em tonalidade maior. Para ilustrar absorções e transformações desta refuncionalização ao longo do século XX, comentam-se aparições desta figura, dita #IVm7(b5), em “Night and Day” de Cole Porter e “Influência do Jazz” de Carlos Lyra. Adiante, numa espécie de neologização do neologismo, este #IVm7(b5) mostra-se equiparado aos acordes reconhecidos como “II7” e “VIm6”. Para ilustrar esta nova situação, relembra-se o caso da anagramática equiparação destas três harmonias de Subdominante em versos da canção “Águas de Março” de Tom Jobim. Com uma metodologia híbrida que concilia revisão bibliográfica e pesquisa de repertório, no correr do texto caminha-se para a conclusão de que, um argumento técnico alcança maior validade e vigência se, contextualizado, agregar conotações que, mesmo não formalmente expressas, manifestem compatibilidade com concepções musicais prevalentes. Concepções musicais que, por seu turno, se mostrem sintonizadas com aspirações sociais e culturais mais amplas e gerais defendidas por determinados grupos e visões de mundo.

Can the technical argument help the critical appreciation and poetical handling of a harmony figure? Pondering this substantive issue, which also interfere in formal Popular Music teaching and learning processes, we herein approach a functional argument able to regulate the singular allocation of the half-diminished tetrad over an extra diatonic note in major key: the fourth note one half step higher. It is noticed that in certain contexts and in a frank tonal scope such allocation reached re-functionalization value similar to that of neologism, since such tetrad – also present in other harmonic situations – could be compared to diatonic chords of subdominant function in major key. The use of the #IVm7(b5) figure in the Cole Porter’s “Night and Day” and the “Influência do Jazz” by Carlos Lyra is discussed in order to illustrate absorptions and changes in this re-functionalization throughout the XX century. Later on, as a way to neologize the neologism itself, this #IVm7(b5) appears equivalent to recognized chords such as “II7” and “VIm6”. In order to illustrate it, one may remember the case of the anagrammatic equivalence of these three harmonies of Subdominant in verses of the song “Águas de Março” by Tom Jobim. By using a hybrid methodology, which links bibliographic review and repertoire research, the text leads to the conclusion that a technical argument reaches higher validity if, once contextualized, adds overtones, even when not formally expressed, compatible with prevalent musical conceptions. Musical conceptions which – in their turn – are tuned with broader and general social and cultural wills from certain groups and world views.
Keywords: Tonal Harmony; Half-diminished chord; Theory and Critics of Popular Music

El navarro Hilarión Eslava fue extraordinariamente influyente como pedagogo musical. Su célebre tratado de armonía (iniciación a la composición) fue el texto de referencia en la materia durante la segunda mitad del siglo XIX en España. En este artículo describiremos y analizaremos este tratado estudiando sus aportaciones, para luego centrarnos en su recepción histórica y la influencia que alcanzó sobre teóricos posteriores.

Se trata de un trabajo didáctico donde los temas teóricos se ilustran con partituras de obras fundamentales europeas y latinoamericanas. Contiene un voluminoso apéndice de ejercicios para las destrezas musicales que cubren los temas teóricos tratados. Estos ejercicios – en su gran mayoría – están igualmente representados por obras de los grandes compositores.
Este libro es el primero de una trilogía didáctica dedicada al eje principal de la formación de todo músico: 1. La teoría musical; 2. La armonía y; 3. Las formas musicales. Todos ellos fundamentados en el análisis de históricas composiciones musicales. Con el presente título se completa la disponibilidad de todo el ciclo en formato digital.

Con este trabajo, se pretende aportar modestamente un material didáctico dedicado a la comprensión del lenguaje armónico y modal de obras compuestas en el siglo XX. Esta comprensión es fundamental para el análisis requerido en el desempeño, tanto de las actividades interpretativas (instrumentistas, cantantes, directores), como de las actividades creativas y críticas (compositores y musicólogos).
Fueron numerosas las innovaciones que se experimentaron en la música con el cambio del siglo XIX al siglo XX. La armonía, en tanto que principio organizativo de la simultaneidad sonora, después del año 1900 fue dejando de tener la primacía que tuvo durante los siglos XVII al XIX, al ganar terreno otros elementos como la métrica, la rítmica o la tímbrica.
El trabajo tiene su fundamento teórico en el tratado de Hindemith, Unterweisung im Tonsatz (Instrucción a la composición), escrito en tres tomos (1937, 1939 y 1970. Este último, póstumo). En dicho tratado, el autor decide crear mecanismos que busquen acabar con el caos y proporcionarle nuevamente a la creación una base teórica sólida, producto de una crisis en la enseñanza musical. Seguidamente, los principios teóricos y metodológicos hindemithianos son aplicados en la observación de una obra de la compositora venezolana Modesta Bor. En esta observación analítica, a manera de práctica didáctica, se ejemplifican los conceptos de los sistemas musicales aquí tratados.

Palabras claves: Paul Hindemith, Modesta Bor, siglo XX, armonía, modos, Manchas sonoras, Planos de luz.

Saavedra, Rafael, “Paul Hindemith y Modesta Bor: la extensión de la tonalidad en la armonía del siglo XX”, Una educación universitaria de calidad, Universidad de Los Andes (Venezuela) – Vicerrectorado Académico, Mérida, 2015, p. 273-309. ISBN: 978-980-11-1817-6

Tratado sobre los principios fundamentales del sistema musical mayor – menor, funcional. Este sistema funcional parte de los grados de estabilidad e inestabilidad agrupados en la Tónica, Dominante y Subdominante. El trabajo inicia todo proceso explicativo desde los casos musicales en las composiciones de los siglos XVIII y XIX europeos, así como XIX y XX latinoamericanos. El libro incluye la partitura de la obra o fragmento de la misma para los respectivos análisis. El prólogo fue escrito por una de las referencias más importantes en el desarrollo musicológico latinoamericano: Francisco Curt Lange.

La música flamenca se encuentra en un momento importante de difusión, renovación y desarrollo. De ser una música de origen tradicional y transmisión oral, como en su momento lo fue el Blues, está pasando a ser fuente de nuevas creaciones, inspiraciones y fusiones con otros estilos populares. De las primeras experiencias de Paco de Lucía con John McLaughlin o Al Di Meola, los acercamientos de Chick Corea a la música española, se ha pasado a las fusiones con todo tipo de estilos (el pop latino de Ketama, el flamenco-jazz de Chano Domínguez, el piano clásico-flamenco de David Peña Dorantes, incluso el chill-out flamenco…).

El conocimiento a través del análisis de los diferentes aspectos técnicos de este estilo musical posibilita en gran medida su acercamiento a músicos con otro tipo de formación musical y el desarrollar una pedagogía válida aplicable a su enseñanza dentro del ámbito de las músicas populares modernas.

De estos aspectos, uno de los más interesantes es el del conocimiento de la armonía flamenca. En esta conferencia se exponen los materiales armónicos principales empleados en los diferentes estilos flamencos: modalidad, tonalidad, escalas, acordes que surgen de estas escalas, cadencias, disposiciones acordales que imitan la guitarra flamenca,  dominantes secundarias, sustituciones de acordes, posibles cifrados, etc.



PALABRAS CLAVE:

flamenco, palos, cantes, falsetas, modo frigio, modo lidio, escala mixolidia b13, escala de tonos (hexatonal), cadencia andaluza, cadencia de tarantas, cadencia de tangos, cadencia de seguiriyas, acordes por quintas, acorde de sexta francesa, Isaac Albéniz, Manuel de Falla, Joaquín Turina, Chano Domínguez.

En este documento yo como compositor guío al lector por mi propio proceso de fusionar la música clásica de tradición europea de los siglos XVII a XIX, con el Jazz que surgió a inicios del siglo XX en Estados Unidos. Este trabajo está limitado a la música tonal, y está dirigido a cualquier persona que desee una vista a un proceso de fusión entre estos dos géneros.

Este texto representa el primer capítulo del libro Arquitectura de la Música, el cual puede ser leído y descargado como archivo PDF. Dicho libro ya ha tenido dos ediciones reseñadas con detalles que se exponen en esta página de academia.edu:

1era edición (2013)

https://www.academia.edu/35395508/Saavedra_Rafael_Arquitectura_de_la_M%C3%BAsica_M%C3%A9rida_Venezuela_Ediciones_Actual_2013_208_p._ISBN_978-980-11-1624-0_Disponible_en_Amaz0n_

2da edición (2017)

https://www.academia.edu/35395604/Saavedra_Rafael_Arquitectura_de_la_M%C3%BAsica_2da_edici%C3%B3n_Saarbr%C3%BCcken_Alemania_Editorial_Acad%C3%A9mica_Espa%C3%B1ola_2017_188_p._ISBN_978-620-2-24203-5._Informaci%C3%B3n_https_www.morebooks.de_store_es_book_arquitectura-de-la-m_C3_BAsica_isbn_978-620-2-24203-5

Entre los temas desarrollados en el tratado, se destacan:

• Los elementos tangibles musicales (temáticos, armónicos, modales, estructurales)
• El período y sus elementos constitutivos como base fundamental del discurso musical
• El principio binario (era del bajo continuo y a partir de la segunda mitad del siglo XVIII)
• El principio ternario (forma ternaria simple y forma ternaria compleja)
• Las variaciones (el basso ostinato, el tema con variaciones ornamentales, las variaciones libres)
• El principio del ritornello (era del bajo continuo y el rondó instrumental de cinco partes)
• La sonata como estructura y la sonata como género instrumental (el ciclo sonata, la sinfonía, el concierto)

La transcripción del presente documento fue realizada por el Prof. Guillermo González

(Note: Musical fonts have been lost in the academia online version, better download the PDF version o read it in http://www.lamadeguido.com/fundamentos/eindex.htm)

The phenomenon of harmonics shapes the mechanisms of musical apprehensions. In particular, the third harmonic (the fifth), the perfect consonance, is responsible for creating the "laws" that govern our perception of harmonic tensions.
Harmonics create the palette of available sounds and intervals, and the second harmonic (the octave) is the cause that all intervals between notes can be reduced (apart from unison) to six: m2 (M7), M2 (m7), m3 (M6), M3 (m6), P4 (P5) and tritone. Of these intervals there are two very close to the perfect fifth consonance (half-tone difference), are the "quasi-fifth" intervals of M3 and tritone, which discharge their tension if one of their two notes is directed toward the note (or fundamental) that would "resolve the tuning of the fifth". These are the resolutions we call htonal and Phrygian, very important interrelationship between chords for the establishment of harmonic and tonal tensions and relaxions.
If we take these two intervals together, so that we match the resolution notes (which are separated by a tritone), we obtain the 7M3 structure, formed by an M3 and a tritone (for example CEBb), structure that reinforces and increases the resolutive tendency towards these two notes (F and B for CEBb).
This structure (7M3 = M3 + tritone) together with the tendency of tones to resolve a lower fifth (due to the harmonics structure) is what generates tonality (the notes that form the 7M3 structure are known as dominant, leading-tone and subdominant of the tone in which they want to discharge their tension).
These principles (we might also call them musical forces) are therefore very simple and elementary (in fact everything could be reduced simply to the tendency to tune the interval of fifth and to rest in the lower fifth), but, as in nature, combinations of elemental principles (or forces) can give very complex perceptual structures.
We may summarise the harmonic tension of most chords with one or two functional fundamentals (deduced from the harmonics structure) and, regardless of tonality, we can know the degrees of resolution or tension between chords by means of these fundamentals.

Dentro de las herramientas de expresión utilizadas en la música nos encontramos con el microtonalismo, el cual se comenzó a emplear en la música occidental, durante el S.XX. No obstante los compositores que optaron por hacer uso de este recurso, tenían un enfoque musical, que nada tenía que ver con la música popular. Es por ello que el propósito de esta investigación, es demostrar la utilización de los intervalos microtonales como una herramienta al servicio de la expresividad del músico dentro de un plano armónico, ya que su uso dentro de lo melódico es más común pero pasa mayormente desapercibido para el oyente sin conocimientos sobre música, esto ocurre más que nada por lo poco conocido, lo poco utilizado y la forma en que se aplica dentro de la cultura occidental, más concretamente en la música popular. Esta investigación se propone ampliar el conocimiento que se tiene acerca de las divisiones microtonales, aportando así a su difusión, y esperando que este trabajo ayude a construir un nuevo enfoque sobre el microtonalismo dentro de la música popular, y toda la gama de posibilidades que podría traer dentro de su perspectiva teórica. Para ello se va a utilizar una metodología experimental, por lo que se dejara registro de la experimentación realizada. Además también se aplicara una metodología autoetnográfica, de esta manera al realizar las diversas experimentaciones, se podrá también integrar la experiencia al realizar esta investigación.

Resumen: En este artículo estudiaremos algunos aspectos del modelo pedagógico conocido como «armonía escolástica», que ha predominado en la enseñanza de la armonía en España durante mucho tiempo. Éste se basa en la realización de ejercicios escritos sujetos a un complejo sistema de reglas (supuestamente absolutas y atemporales, pero en la práctica procedentes tanto de diversos estilos históricos como de convenciones pedagógicas) y en los que se presta una especial atención al movimiento individual de las voces, dejando a menudo en segundo plano otras cuestiones puramente armónicas-sobre todo, la sintaxis armónica-.
Para ello, consideraremos algunos de los más significativos tratados de armonía modernos, examinando las diferentes posturas que han adoptado en cuanto a su relación con el contrapunto, y analizaremos el uso de estos términos aplicados a dos tradiciones esenciales en la larga historia de la teoría de la composición musical; previamente, trataremos de aclarar el concepto de sintaxis armónica y su papel básico en la enseñanza de la disciplina. A continuación, abordaremos el asunto del distanciamiento entre la teoría y la práctica, especialmente en el caso de la armonía escolástica, y finalizaremos con un apartado de conclusiones que contiene una propuesta pedagógica brevemente esbozada.

El  doble número 5-6 de Perspectiva Interdisciplinaria de Música (PIM), concluye una actividad editorial iniciada en 2007 y concluida en 2012. Aquí se ofrecen las secciones Perspectiva, Horizonte y Bosquejo, así como las destinadas a la difusión de temas musicales -Encuentro, Observatorio y Mirada- con textos de Carlos Villanueva, Juan Sebastián Lach o Manuel Arroyo, entre otros.

Considerando que o termo tonicalização (encontra-se também tonicização) é frequente em textos de teoria, harmonia e análise musical, a presente dissertação levanta a seguintes questões centrais: O que é tonicalização? Como essa noção é definida e tipificada por diferentes autores? Notando que o termo também ressoa em outros campos dos estudos musicais, a pesquisa procura enfrentar tais questões partindo da hipótese de que é possível delinear um panorama acerca do surgimento, transformação e disseminação dessa noção. Inicialmente, dado que o termo tonicalização (Tonikalisierung) foi formalmente proposto por Heinrich Schenker (1868-1935) no Tratado de Harmonia (Harmonielehre) que publicou em 1906, o texto traz uma síntese de discursos que nos informam sobre as primeiras fases da vida do teórico e também sobre a edição, estrutura e concepção geral desse livro. Em seguida, apresenta-se uma revisão da dualidade inversão (Inversion) versus desenvolvimento (Entwicklung), temática que perpassa o Tratado de Harmonia e influi na formulação do conceito de processos de tonicalização (Tonikalisierungsprozess). Enfocando a trajetória da noção através de uma amostragem bibliográfica representativa, a próxima etapa examina textos diversos, oriundos de cenas musicais distintas, procurando articular entendimentos, desdobramentos e entraves técnicos e valorativos que, referenciados ou não em Schenker, ajudam a conformar a noção na contemporaneidade. Por fim, propõe-se uma leitura comentada da conceituação tipológica formulada por Schenker nos §136 a §145 de seu Tratado de Harmonia. Com isso, o trabalho reúne conhecimentos acerca de uma abstração que se consolidou como uma forma contemporânea de pensar e descrever determinados processos harmônicos que atravessam a história tonal como grandezas que, a um só tempo, dizem respeito aos âmbitos poético, analítico, estético e especulativo. Procurando contribuir para a ampla apreciação crítica de um termo consideravelmente comum, o conjunto de informações e considerações aqui apresentadas pretende oferecer uma visão atual acerca dessa temática e, com isso, servir de subsídio para a docência, a pesquisa e demais atividades profissionais que demandem conhecimentos, habilidades e competências nesse domínio da tonalidade harmônica.

Resumo: Trata-se aqui de harmonias que, em modo maior, geram sucessões por tons descendentes, tal como ocorre quando tocamos: Dó maior, Si♭ maior e Lá♭ maior. Como interpretar a funcionalidade dessa harmonia? Qual a incidência, a vigência e os limites dessas sucessões? Quais conotações e temáticas se associam a esse deslizar de acordes? Procurando articular questões assim, comentam-se casos da música popular produzida no Brasil (bossa nova, MPB e choro), do internacional repertório estadunidense (Tin Pan Alley e Jazz), e da música europeia do século XIX (Schubert, Chopin, Liszt, Berlioz, Bizet e Fauré). Tais casos são prontamente percebidos como oriundos de épocas e lugares desiguais e, mesmo assim, permitem algum paralelo, posto que empregam tais sucessões de maneira consideravelmente semelhante. Observa-se por fim que a atenção aos recursos harmônicos pode contribuir nas reflexões acerca de trânsitos e resistências sócio culturais e assim, estimular o debate acerca da noção de famílias de canções.

Palavras-chave: Harmonia; plano tonal; teoria e crítica da música popular; famílias de canções.

Title: Sliding in the Song? The case of major harmonies through descending tones

Abstract: The current study addresses harmonies (played in major mode) that generate successions through descending tones as in: C major, Bb major and Ab major. How can one interpret the functionality of such harmony? What are the incidence, duration and limits of these successions? What are the connotations and themes associated with these sliding chords? The current study addresses cases such as the popular music produced in Brazil (Bossa Nova, MPB and Choro), the international American repertoire (Tin Pan Alley and Jazz) and the nineteenth-century European music (Schubert, Chopin, Liszt, Berlioz, Bizet and Fauré) to answer these questions. The herein addressed cases derive from distinct times and places; however, they enable a parallel, since they apply such successions in a considerably similar manner. The attention given to harmonic resources may help better understanding socio-cultural transits and resistances; consequently, it boosts the debate about concepts such as tune-families.

Keywords: Harmony; tonal plane; downstep modulation, theory and criticism of popular music, tune-families.

Resumen

Tratado didáctico sobre análisis de formas musicales dirigido a docentes y estudiantes de educación media y superior. Este trabajo sirve asimismo como texto de consulta en general. La presente edición está destinada al mundo castellanohablante ya que publicaciones sobre esta materia en dicho idioma son realmente escasas. En el libro se aborda el tema evolutivo de las formas y géneros, para luego entrar en materia de análisis de las composiciones. Si bien es cierto, que el libro se centra en la música europea de los siglos XVIII y XIX también es cierto que en él existen numerosos casos tomados del repertorio latinoamericano.

Abstract

Educational manual on analysis of musical forms addressed to teaching staff and students at medium and superior level. This workbook can also be used as reference text for consultations. The current edition targets Spanish-speakers as publications on this matter are limited in this language. The textbook addresses the evolutionary theme of forms and genders, and focuses then on analysis of musical compositions. While the book highlights the European music of the eighteenth and nineteenth centuries it also addresses many cases of the Latin American repertoire.

Harmonias de mediante (digamos, o acorde ou área tonal de Mi maior na tonalidade de Dó maior) são escolhas formais que agregam valor nas disputas que se operam nos domínios da música popular? Para pensar a questão são apresentados breves comentários analíticos que sinalizam que, estimadas como singulares e inovadoras, tais harmonias se destacam no plano tonal de choros e canções produzidas no Brasil ao longo do século XX. Relativizando as funções da mediante, e suas capacidades de sugestionar e ser sugestionada por outros elementos da composição e seu entorno, são citadas obras de personagens canônicos, tais como Anacleto de Medeiros, Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Nelson Cavaquinho, Copinha, Canhoto da Paraíba, Custódio Mesquita, Vadico, Noel Rosa, Ary Barroso, Ismael Neto, Antônio Maria, Johnny Alf, César Camargo Mariano, Tom Jobim e Chico Buarque. Percebendo que entre obras e personagens, em perspectiva transnacional e transepocal, ressoa uma espécie de longa conversa, destaca-se como mote a canção Vitoriosa de Ivan Lins e Vitor Martins, pois nesta canção emprega-se a região de mediante justamente para ambientar o verso “Quero toda essa vontade de passar dos seus limites, e ir além, e ir além”. Palavras-chave: Mediante (acorde ou região). Harmonia Tonal. Teoria e crítica da música popular. Música popular no Brasil. Abstract: Are mediant harmonies (say, the chord or tonal area of E major in the C major key) formal choices that add value to the ongoing disputes in the field of popular music? In order to contemplate this issue, we present brief analytical commentaries that indicate that these singular and innovative harmonies stand out in the tonal plane of choro music and songs produced in Brazil throughout the 20th century. To relativize the function of mediants and their capacity to influence and be influenced by other compositional elements and surroundings, the current study cites the works of canonical musicians such as Anacleto de Medeiros, Pixinguinha, Jacob do Bandolim, Nelson Cavaquinho, Copinha, Custódio Mesquita, Vadico, Noel Rosa, Ary Barroso, Ismael Neto, Antônio Maria, Johnny Alf, César Camargo Mariano, Tom Jobim and Chico Buarque. By acknowledging the existence of a long conversation between works and characters within a transnational and trans-epochal perspective, we consider the piece Vitoriosa by Ivan Lins and Vitor Martins as a motto, since it employs the mediant region precisely to set up the verse “Quero toda essa vontade de passar dos seus limites, e ir além, e ir além” (“I want all this desire to go beyond your limits, and to go beyond, and to go beyond”). Keywords: Mediants (chord or region); tonal harmony; theory and critique of popular music; popular music in Brazil.

FREITAS, Sérgio Paulo Ribeiro de. Passar dos limites? Harmonias de mediante e repertório popular no Brasil. OPUS (BELO HORIZONTE. ONLINE), v. 23, p. 104-146, 2017 (DOI 10.20504/opus2017a2300)

Uma leitura  deste texto (imagens e áudios) encontra-se aqui: http://www.4shared.com/file/REE5j43Rce/1_contagem_regressiva_ANPPOM.html e http://www.4shared.com/file/mx1YWrMfba/2_contagem_regressiva_ANPPOM.html

Resumo: Countdown é uma versada composição de John Coltrane que traz uma solução harmônica que, entremeando o ciclo de terças maiores ao giro cadencial dois cinco, tornou-se um tópico obrigatório da Jazz Theory conhecido como: Countdown formula. Correlacionando informações e discursos acerca deste caso, apresentam-se considerações sobre o influxo de idealizações de fundo romântico – tais como as noções mitificadas pelo senso comum de autoria, genialidade, revolucionarismo, etc. – na produção e valoração de determinado repertório popular.

Palavras-chave: Ciclos de terças. Harmonia tonal. Teoria e crítica da música popular

Countdown: Coltrane solutions to Major Thirds Cycle problems at the turn of the year 1950/1960

Abstract: Countdown is a versed composition by John Coltrane that brings a harmonious solution that, by interspersing the major thirds cycle with the Two Five cadence, has become a mandatory topic in Jazz Theory, the so-called: Countdown formula. By correlating information and discourses on this case, the current study reflects on the romantic background idealizations influx – such as the mystified notions of authorship, genius, revolutionarism, etc. – in the production and valuation of certain popular repertoire.

Keywords: Cycles of thirds. Tonal harmony. Theory and criticism of popular music

Resumen:
En los últimos siglos, la armonía ha desempeñado un papel esencial en la comprensión de la música, hasta el punto de que su estudio se ha convertido en la disciplina fundamental de la teoría musical. A partir del pionero Traité de l'harmonie de Rameau publicado en 1722, han predominado diversas teorías para explicar la armonía, centradas especialmente en el estudio de las progresiones o sucesiones de acordes.
Tras una primera aclaración sobre la terminología empleado, en este artículo estudiaremos dedicamos un apartado a cada una de las siguientes teorías: la teoría de las progresiones fundamentales (Sechter, Bruckner, Schönberg), la teoría de los grados (Vogler, G. Weber, Riemann), la teoría funcional (Riemann), y finalmente la teoría de Schenker.
Dada la carencia de una tradición investigadora en castellano sobre este campo, hemos tenido que elegir los términos que nos han parecido más adecuados, procedentes de nuestra traducción de vocablos en otras lenguas.

A modulação não é em si mesmo um tipo particular ou específico de harmonia. [...] quase qualquer forma de harmonia na tonalidade pode ser usada para os propósitos da modulação. Modulação é uma mudança de tom através troca do centro tonal. (Por exemplo, uma modulação de C para Db é uma questão de dirigir os materiais musicais de tal maneira que C deixa de soar como uma tônica e passa a soar como sensível).

Introducción El presente artículo tiene carácter formativo y presenta algunos apuntes sobre el cifrado armónico más extendido y practicado en el jazz y la música moderna, el cifrado anglosajón también denominado como americano o inglés. Pretende exponer dicho sistema gráfico para representar los acordes y demostrar su utilidad, sus aplicaciones y sus ventajas respecto al resto de cifrados. Somos conscientes de que el tema que abordamos en este trabajo ha sido motivo de análisis y estudio que ha derivado en multitud de publicaciones, no obstante, éstas siempre han estado dirigidas al perfeccionamiento de músicos profesionales, han sido englobadas dentro de los tratados especializados y los métodos de improvisación del jazz o han estado enfocadas hacia el análisis crítico o la musicología histórica. Es por este motivo que optamos por un enfoque distinto del tema que destaca por su simplicidad y su estilo siempre descriptivo, directo y eminentemente práctico. Sus contenidos fueron expuestos y desarrollados en la docencia impartida en la asignatura Lenguaje Musical de la antigua diplomatura de Maestro especialista en Educación Musical de la Universitat Jaume I de Castelló (España) durante el curso académico 2009-10. Dichos contenidos se englobaban dentro del diseño curricular de la asignatura y concretamente en el tema Nociones básicas de armonía. Constituían conceptos básicos de la formación inicial y didáctica específica del futuro maestro y representaban una simplificación, síntesis y aproximación hacia el empleo de este recurso en la praxis musical, en el terreno compositivo, en la improvisación y en la didáctica de la música en la educación musical.

Resumo: A partir do estudo de Janna Saslaw e dialogando com outros comentaristas, o artigo propõe uma revisão da noção de ambiguidade no domínio da tonalidade harmônica. Para tanto, em perspectiva transepocal, são referenciados entendimentos de teóricos europeus (tais como Rameau, Rousseau, Kirnberger Vogler, Weber, Sechter, Richter, Hauptmann, Riemann, Schenker, Schoenberg) e de autores da jazz theory (Greene, Groove e Dobbins). Notando que a noção ressoa em outras áreas (estética, filosofia, literatura, poesia, retórica etc.), conclui-se que, entre o apogeu e o declínio, a tese dos múltiplos significados fomentou fantasias criativas e teóricas que afetam nossas interpretações crítico-valorativas da música tonal. Palavras-chave: Teoria e análise musical; Harmonia tonal; Múltiplos significados; Acordes diminutos; Acorde de 6ª aumentada || Abstract: Based on the study by Janna Saslaw and on debates with other commentators, the aim of the current article is to revisit the concept of ambiguity in the harmonic tonality scope by adopting a transepochal perspective based on European theorists such as Rameau, Rousseau, Kirnberger, Vogler, Weber, Sechter, Richter, Hauptmann, Riemann, Schenker and Schoenberg, as well as on jazz theory authors such as Greene, Groove and Dobbins. By taking into consideration that the investigated concept echoes on other fields such as Aesthetics, Philosophy, Literature, Poetry, Rhetoric, among others, it is possible concluding that the theory of multiple meanings - from its apogee to its decline - has fostered theoretical and artistic fantasies that affected the critical-evaluative interpretation of the tonal repertoire.

http://www.scielo.br/scielo.php?script=sci_abstract&pid=S0020-38742014000200015&lng=pt&nrm=iso&tlng=en
Considerando que as implicações históricas dos materiais musicais interferem na apreciação e crítica acerca daquilo que compõe uma canção, aborda-se aqui o versado conjunto de notas musicais conhecido por vários termos, dentre os quais o de acorde napolitano. Assumindo que os acordes não são grandezas puras, comentam-se aspectos do tratamento técnico tradicionalmente dispensado ao napolitano e como esta alcunha porta vestígios de querelas importantes para a modernidade ocidental. Destaca-se que em sua longa e internacional trajetória, que recua aos tempos pré-barrocos, esta harmonia se viu convencionalmente reservada para a expressão do lamento e da dor, e como esse tipo de associatividade premeditada se fez também eficiente em canções produzidas no Brasil, entre 1937 a 1985, por personagens como Noel Rosa, Custódio Mesquita, Tom Jobim, Vinícius de Moraes e Chico Buarque

Whereas the historical implications of musical materials interfere with the appreciation and criticism about what composes a song, the versed set of musical notes known by various terms was approached here, among them the Neapolitan chord. Assuming that the chords are not pure magnitude, we comment aspects of the technical treatment traditionally given to the Neapolitan chord and how this nickname brings traces of quarrels that are important to the western modernity. It is noteworthy that in its long and international path, which dates back to the pre-baroque, this harmony was conventionally reserved for the expression of regret and pain, and how this kind of premeditated associability also became effective on songs produced in Brazil between 1937-1985, by artists such as Noel Rosa, Custódio Mesquita, Tom Jobim, Vinicius de Moraes and Chico Buarque.

Caetano Veloso e sua canção O quereres são revisitados neste estudo sob o prisma da rebeldia, experimentada aqui como lente musicológica. Pressupondo a necessidade de adequação entre critérios de análise e objetos analisados, são investigadas relações entre discursos de transgressão e escolhas musicais. Argumenta-se que aspectos contextuais tais como a história de vida do cancionista, sua dicção e seu projeto para essa canção em especial, reverberam em diferentes camadas de O quereres, sendo percebidas, inclusive, na maneira como são concebidas suas progressões harmônicas. Com isso, implicações da distinção entre progressões e sucessões são debatidas, e a interpretação de harmonias pelo viés modal é problematizada, sinalizando, por fim, que a canção requer uma escuta densa e atenta às suas disforias. Palabras clave: teoría y crítica de la música popular, Caetano Veloso, O quereres, rebelión Rebellions and Dysphorias in the Song O quereres by Caetano Veloso

Resumen

Tratado didáctico sobre análisis de formas musicales dirigido a docentes y estudiantes de educación media y superior. Este trabajo sirve asimismo como texto de consulta en general. La presente edición está destinada al mundo castellanohablante ya que publicaciones sobre esta materia en dicho idioma son realmente escasas. En el libro se aborda el tema evolutivo de las formas y géneros, para luego entrar en materia de análisis de las composiciones. Si bien es cierto, que el libro se centra en la música europea de los siglos XVIII y XIX también es cierto que en él existen numerosos casos tomados del repertorio latinoamericano.

Abstract

Educational manual on analysis of musical forms addressed to teaching staff and students at medium and superior level. This workbook can also be used as reference text for consultations. The current edition targets Spanish-speakers as publications on this matter are limited in this language. The textbook addresses the evolutionary theme of forms and genders, and focuses then on analysis of musical compositions. While the book highlights the European music of the eighteenth and nineteenth centuries it also addresses many cases of the Latin American repertoire.

In the treatise De aequalitate (1459), Nicholas of Cusa includes a musical enigma by which he compares elements of musical theory with concepts from his own anthropology. In effect, it refers to terms such as harmony, diapason, concordance, delectation; and relates them to the soul, the intellect, the memory, and the will. The use of technical vocabulary of musical theory revises the enigma of a depth that recovers a detailed study and therefore is fundamental to refer to the meaning of these terms. It is known the importance of Boethius' musical theory throughout the Middle Ages and until the Renaissance. Nicholas of Cusa, who had knowledge of music, must have known the De institutione musica, canonical text. Therefore, the treatment of the mentioned technical notions made by Boethius in this treatise is enlightening for an accurate reading of the Cusan passage. In light of this reading, the musical enigma exhibits all its explanatory potential and shows more solidly its connection with the rest of the treatise.

Breve trattato redatto con l’intento di offrire una sintesi chiara degli argomenti fondamentali che riguardano la conoscenza ed il concatenamento degli accordi, seguendo i concetti cardine dello studio dell’armonia tonale-funzionale e ponendo l’accento sul concetto di “relazione”. La presente sintesi, contenendo anche alcuni fondamenti di ritmica e di analisi, può essere utile come supporto alle lezioni di Teoria e Tecnica dell’Armonia nei Conservatori e Istituti Musicali (COTP/01), ma può essere anche impiegata come introduzione nei corsi di fondamenti di composizione, direzione d’orchestra e musica applicata alle immagini.
Con una breve prefazione del M° Angelo Bruzzese.

Al realizar un análisis armónico de una pieza musical se recurre al uso de determinados signos gráficos que representan una relación de sonidos en un contexto armónico. Pero ¿qué se comunica exactamente cuando se eligen dichos signos? El presente trabajo pretende poner de manifiesto cómo tres enfoques teóricos diferentes permiten diferentes acercamientos a una misma obra. Para ello, se presenta un análisis del Coral BWV 253 de Bach desde la teoría de grados, la teoría funcional y la nominación absoluta de acordes.