Apuntes de Introducción A La Historia Del Arte
Apuntes de Introducción A La Historia Del Arte
Apuntes de Introducción A La Historia Del Arte
ÍNDICE
1.5. LA METODOLOGÍA
Aun así, existe un campo semántico y léxico de palabras que asocian con el arte, como
ya se ha dicho 8calidad, expresión, creatividad, imaginación, belleza, estilo, función…).
Estas palabras se refieren a lo que se denomina una EXPERIENCIA ESTÉTICA.
En la Edad Media, de forma similar, el arte y la artesanía comparten una sola definición.
“bellas artes” que llega hasta nuestros días. Son importantes en este proceso los tratados
de Alberti y la obra de Batteux, “Las bellas artes reducidas a un mismo principio”.
La Historia del arte estudia las manifestaciones artísticas a lo largo del tiempo, con una
perspectiva histórica. Tiene, por lo tanto, una perspectiva humana y social (el arte es
siempre una actividad humana y social), y en esto reside su dificultad para ser una
ciencia objetiva.
A pesar de que aspira al mayor rigor, los métodos que utiliza no son los de la ciencia
natural, e incorpora juicios de valor además de conocimientos propios.
Se complementa con la TEORÍA del arte y la CRÍTICA del arte.
Las obras de arte pueden ser muy útiles como fuentes históricas, pero hay una serie
de factores que tener en cuenta cuando se utilizan de esa forma.
Las imágenes y obras de arte no representan directamente un momento histórico,
sino la VISIÓN de un momento histórico, es decir, están influidas por su contexto.
Las características de una imagen dependen de la época, lugar, grupo social, autor... a
los que pertenecen. Por eso siempre deben de contextualizarse. Si se ignoran los
CÓDIGOS ARTÍSTICOS Y VISUALES empleados en las imágenes, se puede
cometer el error de interpretarlas como simples ilustraciones del pasado.
Asimismo, a la hora de utilizar imágenes como fuentes históricas puede ser muy útil
tratar de leer entre líneas, pero para ello hay que ser conscientes del riesgo de
SOBREINTERPRETAR.
1.5. LA METODOLOGÍA
Algunas de ellas:
• Biografías • Iconografía e iconografía
• Historicismo • Interpretaciones psicológicas
• Atribucionismo • Historia social y sociología del arte
• Método filológico • Semiótica
• Formalismo
Existe una fórmula resumida y sintética de resumir el análisis de una obra: F2C2. Es
decir, FORMA, FUNCIÓN, CONTENIDO, CONTECTO
ÍNDICE
1.1. LA FORMA
1.2. EL ESTILO
1.1. LA FORMA
‘Ojo inocente’
Al mismo tiempo que se mira, se trata de entender lo que se está viendo. El cerebro
construye significado a la vez que recibe información visual. La construcción del
cerebro siempre se basa en lo que ya ha visto.
Se perciben los detalles y el conjunto, de formas variables.
Es dentro de este segundo sentido que se incluyen conceptos como las categorías
formales (línea, volumen, espacio, luz...). Son aquellos elementos que construyen y
permiten comprender la forma.
1.2. EL ESTILO
Es fácil incurrir en el error de entender un estilo de forma muy rígida y fabricar una
definición de “normal” para dicho estilo, excluyendo obras “aberrantes” que tienen
particularidades o excepciones a la norma por sus características formales o cronología.
Esta disciplina no sólo fue compartida entre artistas, sino que es un tema que se ha
tratado en múltiples escritos, la mayoría de autores italianos.
ÍNDICE
1.1. EL SIGNIFICADO
1.1.1. ORIGINAL
1.1.2. AÑADIDOS
1.2. LA INTERPRETACIÓN
1.2.1. LA VALIDEZ
1.4. CONTEXTOS
1.1 EL SIGNIFICADO
La historia del arte se pregunta por el SIGNIFICADO de las obras. Para ello, es
importante entender que el significado del arte puede CAMBIAR A LO LARGO DEL
TIEMPO. El significado es INESTABLE, INDEFINIDO, y está sujeto a cambios,
malentendidos, lecturas incorrectas... Para los historiadores es interesante entender estos
cambios y esta información incompleta.
1.1.1. ORIGINAL
1.1.2. AÑADIDOS
Analizar el significado de una obra puede ser difícil por diversos factores:
En las artes pictóricas / plásticas, las obras tienen un TÍTULO que acota o matiza
su significado. Las artes funcionales como la arquitectura no son iguales. Un
edificio, al contrario que una pintura, no tiene una temática ni un título, pero sí
que puede tener un significado. Éste se expresa muchas veces a través de la
DECORACIÓN o los ELEMENTOS CONSTRUCTIVOS. Además, siempre
tiene una TIPOLOGÍA o FUNCIÓN, al contrario que otras artes.
1.2 LA INTERPRETACIÓN
En ocasiones, las interpretaciones posteriores pueden concordar entre sí, pero lo más
frecuente es que sean diferentes. Las grandes obras de arte, de hecho, suelen dar pie a
MUCHAS y DIVERSAS INTERPRETACIONES.
1.2.1. LA VALIDEZ
Por ejemplo, hay algunas lecturas PSICOANALÍTICAS que son peligrosas porque
se presentan como el significado de una obra cuando son una interpretación.
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Algunos teóricos del lenguaje han postulado que las obras de arte se pueden entender
como signos: compuestas por significado y significante
Otro teórico, Pairce, estableció tres categorías de signos: iconos, símbolos e índices. No
son mutuamente exclusivas. - Un símbolo es una representación perceptible de una
realidad mediante rasgos que se asocian con esta realidad por una convención social.
Símbolo puede ser sinónimo de metáfora, alegoría, emblema... Es todo recurso de
expresión dotado de un significado convencional.
1.4.CONTEXTOS
El significado que aporta la relación entre obra y espectador se puede ver fácilmente
en la arquitectura.
Aquí se puede hacer servir la mirada para ubicar a diferentes espectadores en
posiciones de privilegio o autoridad. Los principales ejemplos son avenidas, palacios
y planes urbanos.
ÍNDICE
1. ARQUITECTURA
1.3. URBANISMO
1.4. INTERIORISMO
ARQUITECTURA
2. ESCULTURA
2.3. MATERIALES
2.5.FUNCIONES
3. PINTURA
3.1. AL FRESCO
3.3. ÓLEO
4. DIBUJO
4.1.REPRODUCCIÓN DE IMÁGENES
4.1.1. GRABADO
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5. FOTOGRAFÍA
5.1.CARACTERÍSTICAS GENERALES
1. ARQUITECTURA
Este espacio puede organizarse de formas muy diversas: puede ser INDIVIDUAL O
COLECTIVO, puede tener una función LÚDICA O LABORAL, SIGNIFICATIVA O
FUNCIONAL.
1.3. URBANISMO
1.4. INTERIORISMO
• Jardinería y paisajismo
• Espacios liminales o transitorios (carreteras, autopistas, polígonos industriales...)
Arquitecturas no permanentes:
• Escenografías teatrales
• Decoraciones efímeras
• Panorámicas y perspectivas pintadas
• Proyectos o versiones de edificios finalmente abandonadas
• Arquitecturas visionarias
2. ESCULTURA
2.3. MATERIALES
A lo largo de la historia del arte, los más utilizados para la TALLA o SUSTRACCIÓN
han sido:
Por el contrario, los más frecuentes para la ADICIÓN o MODELADO han sido:
• Escayola
• Fango, arcilla. Cuando se cuece se denomina terracota
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• Cera
• Bronce, partiendo de modelos normalmente en otros materiales (madera, cera...) que
se convierten en moldes. Una de estas técnicas es la de la CERA PERDIDA.
• Hierro, bien fundido o por forja.
Algunas técnicas facilitan mucho la producción de copias, como puede ser la fosa (a
cera perdida o por otros métodos).
Otros permiten la copia exacta a través de procedimientos como la copia por puntos
(bien con plomada, bien con creuera)
En muchos casos, es necesario mirar las esculturas desde diferentes puntos de vista.
Muchas tienen una perspectiva principal y otras secundarias, mientras que otras no
priman ningún punto de vista en particular.
La interacción con la luz es relevante en este sentido. A veces las piezas están diseñadas
para formar parte de un programa arquitectónico o de un conjunto escultórico.
Esto se debe tener en cuenta en el traslado a los museos. Las condiciones de luz y
perspectiva de un espacio no original pueden alterar la visión de la pieza.
2.5. FUNCIONES
3. PINTURA
3.1. AL FRESCO
• Mezcla que al secarse forma una única capa con los pigmentos. La capa final de
aglutinantes consiste de arena fina, polvo de mármol y cal.
• En este caso, los aglutinantes pueden ser cola, yema de huevo, goma, plástico...
Son más densos y deben mezclarse con agua. Sirven para disolver los pigmentos.
• Utiliza como soporte: muro, metal, cartón, lienzo... Pero el principal es la
madera.
• Se prepara mediante la aplicación de capas intercaladas de cola y tela
• Seca rápidamente, por lo que tampoco es fácil hacer correcciones.
3.3. ÓLEO
4. DIBUJO
5. REPRODUCCIÓN DE IMÁGENES
5.1. GRABADO
El grabado surgió, más que como una disciplina artística o expresiva, como una
técnica práctica. Fue anterior a la invención de la imprenta, y revolucionó al igual
que esta la transmisión de imágenes, pues permitía la copia mecánica de imágenes.
6. FOTOGRAFÍA
En sus inicios, la fotografía no tenía una intención artística sino más bien técnica.
No había experimentación creativa, sino que se reproducían los modelos de la pintura.
De manera minoritaria, otros fotógrafos se empezaron a preocupar por desarrollar la
técnica fotográfica con intenciones estéticas y creativas.
Las posibilidades de la técnica son muy amplias. No. Obstante, lo que la consolidó
como medio creativo y fenómeno de masas a lo largo del s. XX fue su uso para la
creación de ficción, y su función fundamental como entretenimiento. Otras funciones
(educación, información...) han sido siempre secundarias.
Las imágenes en movimiento se pueden analizar con las mismas categorías que las
estáticas. Sin embargo, hay que tener en cuenta otros rasgos únicos del cine como el
MONTAJE, la técnica de acoplamiento de las imágenes para darles narrativa.
8. ARTES APLICADAS
• VIDRIERÍA
Las vidrieras se componen de:
- Bastidor de hierro
- Emplomado o red de plomo
- Vidrio tintado
• MOSAICO
Revestimiento mural o pavimento formado de teselas de diferente tamaño y color.
Es muy duradero.
• ESMALTADO
El esmalte es el revestimiento de pasta vidria sobre superficies metálicas.
- Champlevé: esmalte en concavidades
- Cloissoné: esmalte en pequeñas celdas.
• CERÁMICA
Los objetos de cerámica se moldean con arcilla que más tarde, una vez seca, se cuece.
Hay muchos procesos para poder pintarla. Puede ser autónoma o estar supeditada a la
arquitectura.
• ORFEBRERÍA
Es el trabajo artístico sobre metales, normalmente preciosos, como oro y plata.
Tiene una gran variedad de técnicas como:
- REPUJADO: golpeado de una lámina fina para conseguir un reverso en el lado
contrario
- FILIGRANA: consiste en la soldadura de hilos muy finos de metal.
La historia del arte es una disciplina humanística, pero trabaja sobre objetos. Es por eso
que es necesario conocer su historia material: técnica, condiciones de elaboración,
deteriorado, restauraciones... De lo contrario se pueden cometer errores respecto a la
datación, autoría, ubicación...
Estos estudios técnicos sobre el arte han ganado en los últimos años una nueva
importancia, y un carácter mucho más científico. Varias técnicas de análisis y
conservación brindan información valiosa sobre las cuestiones materiales. Algunas son
espectroscopia, radiografía y fotografía (del espectro no visible).
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ÍNDICE
1. LA TRANSMISIÓN DE MODELOS
3. CLASICISMO Y CLASICISMOS
3.1. ARQUITECTURA
4. RENACIMIENTO Y RENACIMIENTOS
5. NEOGÓTICO
1. LA TRANSMISIÓN DE MODELOS
interpretación. Un artista puede escoger subvertir los géneros y jugar con las
expectativas de los espectadores, haciendo más confusa la interpretación.
3. CLASICISMO Y CLASICISMOS
3.1. ARQUITECTURA
4. RENACIMIENTO Y RENACIMIENTOS
El renacimiento tiene mucho que ver con el mundo clásico y su influencia sobre las
artes plásticas.
Ciertos autores y artistas humanistas tenían la costumbre de comparar y contraponer
diferentes épocas históricas, con valor cualitativo: valoraban estéticamente unas y
repudiaban otras. Autores como Bocaccio, Petrarca y Piccolomini son ejemplos.
Mientras que en arquitectura y escultura el renacimiento trata de recuperar los
cánones antiguos, en pintura el fundamento era diferente: retornar el naturalismo.
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Asimismo, el Renacimiento no supone una copia directa del clasicismo, más bien una
traducción o reinterpretación.
El “RENACIMIENTO” es una época y movimiento artístico determinados, pero ha
habido muchos RENACIMIENTOS. Un renacimiento es una recuperación de
características de un período anterior, especialmente clásico.
5. NEOGÓTICO
• ACLARACIONES TERMINOLÓGICAS:
• El siglo XX no es la única época de ruptura en la historia del arte, es una entre
muchas. Aun así, tiene una serie de características específicas, pues es una ruptura
muy abrupta.
• “Arte de la ÉPOCA MODERNA” es el producido desde el s.XV al s.XVIII.
• “Arte MODERNO” es el producido entre 1880 y 1970.
• “Arte de ÉPOCA CONTEMPORÁNEA” es el producido del siglo XIX al XXI.
• “Arte CONTEMPORÁNEO” es el posterior a 1970, muchas veces hecho por
artistas vivos. También se denomina “ARTE ACTUAL”.
• “Arte del SIGLO XX” es una caracterización que ahora mismo es cómoda, ya
que es muy difícil categorizar el arte moderno y contemporáneo en estilos.
características, junto con el gusto por los manifiestos (las connotaciones militares
son intencionales).
Si sólo ponemos atención en las vanguardias olvidamos mucha gente que no tenía
como objetivo ninguna clase de ruptura.
Antes del siglo XX, las convenciones y géneros facilitaban la comprensión entre
creadores y público. El campo de acción estaba regulado, haciendo la
comunicación bastante sencilla. En el siglo XX, los artistas comienzan a inventar
sus propios códigos. Esto multiplica su libertad y capacidad de explorar, pero
también limita las posibilidades de comunicación con el público no especializado.
Estos nuevos códigos están relacionados con la evolución del arte objetual al arte
conceptual, que da total primacía a la idea subyacente en una obra sobre su forma.
Experimenta con nuevas formas de transmitir significado o sentimiento.
• El propio s.XX fue tan diferente de otros siglos anteriores que el cambio en el
arte es lógico
• El arte anterior al s.XX no es tampoco perfectamente uniforme
• Las raíces del s.XX son, en ocasiones, muy anteriores
• El arte contemporáneo e institucionalizado ha pasado a ser una cosa diferente del
arte “histórico” anterior, pero nos referimos a antes como arte.
• Deberá pasar el tiempo para diferenciar qué tiene valor de permanencia.
ÍNDICE
DEL ARTE
PRODUCTORES Y CLIENTES
Sólo puede indicarse que los arquitectos y orfebres tenían un reconocimiento algo
más especial, por la complejidad de su trabajo y los caros materiales y encargos
que realizaban.
Coexistían diferentes sistemas para organizar el trabajo de los artesanos:
TALLERES, GREMIOS, obras o FÁBRICAS y scriptoria y OBRADORES.
Los TALLERES eran centros de producción bajo la dirección de un maestro. Las
diferentes tareas asociadas a la producción eran realizadas por el maestro y sus
colaboradores. Algunas tareas básicas eran siempre realizadas por aprendices. La
mayoría de las obras eran producciones colectivas, que después se atribuían al
maestro individual.
Determinar las influencias estilísticas de los maestros sobre sus discípulos suele
ser una cuestión de la mayor importancia.
Los GREMIOS nacieron a principio del siglo XII, fueron incorporando diversas
funciones: organizar las devociones públicas a los santos de un oficio o la
asistencia benéfica a sus miembros; regular la formación de los artesanos y
controlar su organización laboral y el mercado.
El control de la producción y el mercado llevó a un corporativismo y
proteccionismo marcados, en la mayoría de casos, poniendo muchos
inconvenientes a la libre competencia. Por ejemplo, daban más facilidades a los
hijos de maestros que a los forasteros, etc.
MANIFESTO DE LA BAUHAUS.
La reconsideración de la separación entre arte y artesanía supuso una
reordenación de la enseñanza artística. El currículum de la Bauhaus fue el más
influyente a lo largo del siglo XX.
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Si pensamos que hay diferencias esenciales, que el arte de las mujeres incluye una
mirada propia, habría que preguntarse por las causas. Las respuestas son tanto
biologistas como culturalistas. Es más probable que sea una mezcla de ambas.
A final del siglo XVIII, en toda Europa había academias artísticas que compartían
algunos rasgos comunes:
Los marchantes y galerías no sólo venden obras, sino que promocionan a los
artistas que acogen, a veces sin que resulte rentable. Juegan un importante
papel en la difusión de la producción artística contemporánea, que no sólo
llega a compradores sino a cualquiera que pueda entrar en contacto con las
obras a través de exposiciones. Se denominan “mercado primario”.