01/02/22

TEMA 1
Música es la definición de palabra, melodía y ritmo (como la definió Platón en la Republica)

Para nosotros la música no tiene por qué tener palabras puede ser música instrumental, en la
que únicamente nos valemos de los instrumentos para componerla. Para un griego la música
no era eso, para estos sería indisoluble lo que nosotros hoy consideramos música, palabra y
danza. Para ellos la música debía tener esto.

Su origen viene de musique, el origen etimológico sería la técnica de las musas, venía de estas
la poesía, la música y la danza. La música estaba unida a la palabra. ¿Es la música un lenguaje o
no lo es? ¿En que sentido lo es y en cual no?

Una cosa es si necesita de la letra o no, y por otro lado independiente del texto o no, sí es un
lenguaje. ¿Qué quiere decir que es un lenguaje? Que quiere comunicar algo.
Independientemente de la idea griega de la música vinculada a la palabra, nosotros
seguiremos considerando que la música es un lenguaje que puede transmitirse puede
transmitir una ideología independiente del texto o no.

Un investigador, plantea que el vínculo entre la música y el lenguaje establece 4 tipologías:

1- El lenguaje en la música.

2- La música dentro del lenguaje.

3- El lenguaje acerca de la música.

4- La música como lenguaje (fundamental).

EL LENGUAJE EN LA MÚSICA

Aquí estamos haciendo referencia a la que tiene texto, una canción, una misa, cualquier tipo
de obra que además de instrumento requiere un cantante, una letra. Una de las cosas
importantes es cómo funciona ese lenguaje.

La música académica surge desde ciertos ámbitos de poder, había determinadas músicas, que
se pueden usar y otras no. Nuestra historia de la música occidental parte de la Edad Media,
viene de la iglesia, en el canto gregoriano se va a establecer un canon. El canto gregoriano
consiste en oración cantada, cuando se decide a los textos litúrgicos ponerles música no era
tanto porque querían hacer música, sino porque querían adornarlo, lo fundamental era el
texto.

Los primeros cantos eran cantos llanos, a una sola voz con textos litúrgicos. En la parte
hispana, el mozárabe, llega el papa Gregorio y decide que hay que convertir esto en algo para
todo el mundo, se va a establecer un canon. En este caso la relación con el lenguaje va a ser
esencial, la altura de las notas la incluían, pero no escribían el ritmo, estaba marcado por las
palabras no era necesario escribirlo, ellos lo marcaban.

Una silaba larga con una corta era un troqueo. Si era corta con larga era un llano. El texto era
lo que da el ritmo y la música estaba supeditada al texto.

Dentro de la iglesia ocurre algo que va a modificar a la música. Cuando surge la polifonía se le
da más importancia en el renacimiento, es más compleja son varia voces y cuesta mucho más
entender el texto, entra una primero, otra después… eso dificulta más la comprensión lo cual
demuestra que el texto sigue presente pero no es tan relevante.

Una de las grandes revoluciones de la historia de la música que viene del ámbito profano se
hace en el año 1600 es la ópera, esta surge porque hay un conjunto de intelectuales que
empiezan a interpretar la tragedia de Aristóteles y aquí dice que su interpretación se hacía con
un lenguaje ornado y entonces van a hacer la ópera, haciendo este lenguaje ornado, hacen
este recitar cantando, el recitativo. Muchas óperas van a tenerlo. Ahí criticará a los que hacen
polifonía. Se supone que cada modo produce un efecto de tristeza, otro de valor, los mezclan,
pero no sirve hay una gran disputa.

Esto sigue existiendo a lo largo de la historia, pero pensando unos que no tiene que estar
supeditada y otros que sí. En el siglo XVIII y XIX esta discusión va a ser muy importante porque
van a decir que la música instrumental tiene poder por sí misma es autónoma no depende del
texto ni de la escenografía.

¿Qué quería decir que la música era autónoma? que la música por sí misma tiene sentido,
tiene valor semántico, no necesita de la letra para hacer un discurso. El lenguaje en la música
es un sentido. La música cuando está subordinada no es muy buena, pero al ser autónoma se
sube escala.

LA MÚSICA DENTRO DEL LENGUAJE

En otro punto, puede ser un idioma y esto va a ser un tema que se va a plantear, hay unos
idiomas mejores que otros hay unos que son más musicales. Toda la parte relacionada con la
iglesia estaba primero en griego y luego en latín. En el caso de la ópera, las primeras son todas
italianas, después se extiende por Europa y el resto de América. Va a haber una discusión de
en qué idioma hay que hacerla. Esta, a mediados del siglo XVIII va a ser grande, se va a discutir
si se tiene que hacer en italiano o francés y en general cual es mejor, esto se conoció como la
querella de los bufones. Uno de los que estaba haciendo esto era Rousseau. Estaba a favor de
la italiana, la defendía y el italiano. pero también defendía la manera de musicalizar esto. El
italiano es mucho más musical lo que da como resultado que hagan mejores melodías y le den
menos peso a la armonía, ya que los franceses hacían unas óperas pesadas recargadas y
melodías sin gracia.

El problema actual en los años 80, era que no se podía hacer rock en español, porque no
sonaba bien el rock como nació en ingles sonaban mejor las canciones en este idioma.
También se presupone que hay idiomas que funcionan mejor para esto. Por otro lado, es
pensar que es la mejor manera de difundir una música. Cuando uno lee las discusiones
actuales son las mismas que antes.

Aquí hace referencia a la musicalidad que tiene un idioma. Hay idiomas que son tonales y
según el tono significa una cosa u otra.

Es más apto inglés para rock o no, o el italiano para hacer música o no.

EL LENGUAJE ACERCA DE LA MÚSICA

Esto se relaciona con escribir sobre cualquier elemento de música usar la terminología musical
correctamente.

LA MÚSICA COMO LENGUAJE

Esto se refiere a que la música sea capaz de transmitir un mensaje, que sea un discurso.

Hay autores que consideran que la música no es un lenguaje. Esto tiene que ver con la relación
entre significado y significante. Muchas veces esto está estrechamente vinculado, un niño
cuando pregunta cómo se llama esto pregunta en realidad que es esto, lo que es el lenguaje y
la cosa esta estrechamente vinculado esto se llama significado extensional. La pizarra, la
ventana, tenemos un significante que hace referencia a un objeto.

¿A que objeto remite la música? ¿Acaso remite a un objeto?

En lenguaje se llamaría un significado intencional. Estos no quieren decir nada concreto, no

hay un objeto detrás. No decimos que esto no es lenguaje (sin embargo, pero).

Por otro lado, también hay un elemento muy importante en este sentido y es que el lenguaje
no solo cuenta la realidad, sino que también la construye. ¿En qué sentido la construimos?

Cuando le ponemos un nombre a algo, la promesa crea una realidad, crea unas expectativas,
crea realidades.

Del mismo modo también la música lo hace, crea expectativas sobre algo. Si yo ahora empiezo
con muisca fúnebre empiezo a pensar que alguien se murió crea en mí una sensación
determinada.

QUE ELEMENTOS TIENE EL LENGUAJE

EMISOR Haría referencia al compositor y al interprete. Cuando se compone una

obra necesita cada vez ser reinterpretada, necesita un mediador, (artes
dinámicas, estáticas). No basta con componerla, sino que hay que
interpretarla, pero no solo una vez, para oírla hay que volver a
interpretarla. Si la obra se graba hay otra mediación, se hace en un estudio
de grabación y hay otra el ingeniero de sonido, el productor y el marketing.
RECEPTOR Hace referencia a la audiencia, al público. La recepción puede ser diferente,
es el destinatario final.

CANAL Sería la música en vivo, un CD. El canal también determina la manera en la

que lo percibimos. Los canales vivos, los grabados, hay diferentes formatos
dentro de lo grabado.

CÓDIGO Son los diferentes elementos gráficos que uso para eso que quiero. En el
caso de la música usamos la notación musical, el código no es
imprescindible. Este también tiene diferentes etapas y se escribe diferente
según la época.

MENSAJE Es una idea para lo cual necesitamos diferentes elementos acústicos.

CONTEXTO Esto es fundamental. En la música tenemos varios tipos de referentes,

histórico, social, ideológico, contexto de uso… ¿El canto gregoriano significa
(REFERENTE)
lo mismo cuando lo hacen los monjes en un monasterio, que cuando vamos
a un concierto? Pues esto no es así.

El contexto según el uso es completamente diferente. Cuando se hace en la

siega, la música nos puede ayudar al trabajo junto con el ritmo, pero en una
sala de concierto funciona diferente. Un himno también es para representar
algo. Si nosotros entendemos el sentido ideológico podemos comprender
mejor la música. En la edad media hay unos compases que se consideran
perfectos y otros imperfectos, binarios y ternarios. En la edad media sería el
perfecto el ternario. Es una razón simplemente ideológiceea.

OBRA

Treno es una obra griega de carácter funerario.

Conformado por 50 instrumentos, paso a ser treno por las víctimas de Hiroshima. Sin embargo,
inicialmente la obra no estaba dedicada a las víctimas era una simple composición pero un
asesor del compositor le dijo que le pusiera de título en honor a las víctimas de Hiroshima. Esto
causó que los críticos interpretaran un mensaje, un título influye mucho en nuestra
percepción. Cambia por completo el mensaje.

La música modifica un determinado lenguaje, como en el lenguaje audiovisual en las películas

de terror dependiendo del audio que se emplee.
 04/02/22

Por lo tanto, hemos visto 4 relaciones de la música con el lenguaje. La música académica
nacida por la iglesia donde lo fundamental era la letra, ahí la música nace como un mero
adorno de esta letra. Se van a empezar a plantea si la música tiene un sentido semántico.

La autonomía de la música tendrá más fuerza en el siglo XVIII.

Ahora vamos a trabajar más la idea de que la música es un lenguaje propio

independientemente de si tiene letra o no. La música tiene un valor semántico
independientemente de si tiene texto o no.

RETORICA MUSICAL
Dentro de esta veremos dos elementos básicos que son el plan retorico y las figuras retoricas
(musicales, no literarias).

Retórico quiere decir muy persuasivo, ornamentado, convincente…

La retórica nace en la Antigua Grecia hacia el siglo V a. C a raíz de unos tiranos de Siracusa, lo
que habían hecho ellos es quitarles las tierras a muchas personas para dárselas a sus militares.
Al final son derrocados y hay que sustituirlas, el problema estaba en que la documentación era
falsificada, lo que se hizo para devolverlas es argumentarlo muy bien, ser persuasivos y
entonces empieza a verse la importancia que tiene la palabra y el argumento. No solo en
cuanto a lo que quiero argumentar no basta con que sea cierto y la idea potente, ya no es
tanto lo que digo sino también como lo digo. La retórica sería esto, la dialéctica significa la
verdad y la retórica como lo transmito.

Como empieza a ser muy importante va a empezar a haber unos maestros que daban clases de
retórica y que enseñaban como llevar acabo esta persuasión, eran los sofistas. Lo que hacían
era enseñar a convencer y no les importaba si lo que decías era cierto o no, te enseñaban a
convencer independientemente de si era cierto o no. Gran parte de los diálogos de platón van
a ser una lucha contra esto va a ser un defensor de la dialéctica. Su alumno Aristóteles ya va a
ser diferente. Conveniencia propia platónica. Las otras dos aristotélicas.

Platón los va a criticar porque lo realmente importante es la verdad. Tiene unos diálogos a los
que el refuta. Toda la filosofía platónica va por esa vía. En términos generales el criticaba la
retórica. Va a hacer un libro que se llama la retórica en el cual la defiende, simplemente dirá lo
que es el arte de sacarle toda la persuasión posible a un discurso. Esto no es antagónico a la
dialecta sino que son complementarias, de que me sirve decir la verdad si no lo sé hacer bien.

Para hacer un buen discurso tengo que conocer muy bien como persuado, uno de los
elementos muy importantes va a ser la ornamentación. En los primeros dos libros explica otras
cosas y en el tercero explica los Topoi los lugares comunes que funcionaban a la hora de decir
algo. Una parte lo que sirve para convencer a viejo y joven. La retórica nos sirve para
convencernos. No solo la ética le sigue a la retórica. Nos va a funcionar como un elemento
persuasivo.

Es muy importante para ello saber el ritmo donde tengo que hacer la pausa, los gestos.
Entonces la retórica va a estar vinculada a la filosofía, a la ética, a la argumentación, pero lo
que va a pasar en la Edad Media es que van a surgir las universidades y van a organizar las
materias de estudio. Se dividían en:

Trívium: gramática, retórica y dialéctica.

Quadrivium: astronomía, música, aritmética y geometría.

Entonces se empieza a organizar de una manera el conocimiento y con unas determinadas

materias. En la Edad Media no fue pensado de esta manera, se empieza en la filosofía,
posteriormente en la literatura se van a establecer lo que se conocieron como las figuras
retóricas. Eso le daba fuerza al mensaje, se codificaba de lo que llamaban figuras retoricas,
pero no relacionaban la música con la retórica. Es el primero de hablar de música poética y de
aquí surgirá la idea de retórica musical. Si hay unas figuras retoricas en la lectura, ¿porque no
podemos establecer determinados clichés hacer un catálogo de como lo hacemos
musicalmente?

Por ejemplo, hay una figura retórica que se basa en repetir una palabra en otra frase. Entonces
musicalmente podría ser repetir la misma melodía en otra voz.

Por ejemplo, empieza la soprano y luego la dice el tenor se hacía para destacar
determinadas palabras. Así fueron poco a poco codificando, pero como esto se vinculó
a las pasiones del alma entonces esta retorica se pasó a conocer también como
doctrina de los afectos.

Tengo unos determinados clichés para prensar. Al principio cuando empieza la retórica musical
es siempre música vocal, pero que tenía letra hacia el año 1700 que ya se va a instalar la
tonalidad. Una vez que pasa esto, se empieza a decir que con la tonalidad ya no necesitamos la
letra entonces también va a haber retórica en lo instrumental.

En el barroco esto va a ganar una fuerza enorme. La característica esencial del barroco era el
dramatismo entonces era perfecto. En la época más importante para esto va a ser el barroco,
al igual que pensaba la melodía, ritmo pensaba también en figuras retóricas. Si no pensamos
en esto estamos perdiéndonos una parte importante de la construcción de la obra. Así se
estableció la retórica musical y las figuras retóricas.

El plan retorico son los diferentes casos o métodos que usamos para conseguir esa fuerza
persuasiva y tiene varias partes. https://hugoribeiro.com.br/biblioteca-digital/Buelow-Retorica_e_Musica_Grove.pdf

I. La inventio: crear el discurso es la primera parte de la creación que consiste en buscar

las ideas, plantear ideas… Son las ideas previas del discurso.

II. La elaborativo o dispositio: consiste en disponer esas ideas, darle forma, que sea
coherente y establecer una estructura.
Había varias partes en el dispositio: exordium, la narratio (introducción), proposito,
confutatio, confirmatio (desarrollo) peroratio(conclusión), en comparación con el trabajo
académico.

-El exordium es la primera parte cuando voy a presentar el discurso que voy a dar pasa del
silencio a la palabra. Era bastante habitual que se dividiese en dos partes:

• Una es la captatio benevolente en las obras de teatro era habitual llamar la atención a
través de esto, captar la benevolencia del púbico.

• La partitio era en muchas ocasiones decir que partes va a tener mi discurso. Es mucho
más fácil que el que te escucha te entienda. Nunca se hace largo aquello de lo que se
anuncia al final.

-La narratio (introdución): era donde se explicaban los elementos más importantes de los que
se iba a hablar, a veces no tenemos narratio.

-La propositio: es la idea principal sobre la que vamos a hablar. La idea o las ideas. Puede ser
cuando presento el tema cuando lo expongo. Cuando pongo el primer tema.

-La confutatio: van a relacionar unos con otros, es una confrontación. No voy a decir lo que
estoy defendiendo sino lo contrario. En realidad lo que hacemos es agarra lo del contrario para
terminar refutándolo. Pongo la postura contraria, la presento y después la puedo ridiculizar
pero la tengo que refutar y luego vuelvo a lo otro. Aquí ya sería la confirmatio.

-La peroratio: sería la conclusión.

III. La decoratio serían las ornamentaciones que se llamaban las figuras retóricas. Una vez
que tengo el esqueleto le damos forma. A tal punto va a se importante que mucha
gente se está en realidad refiriendo a esta parte, unas figuras retoricas que se
codificaron.

IV. La pronuntatio musicalmente sería el intérprete, en ese momento lo que más destaca
es el intérprete. El intérprete termina de hacer cosas, repite, pone adornos… Él tenía
que completar, adornar, este también estaba codificado según las épocas y según los
gustos. No lo haría de igual forma una persona del 1600 que del 1650.

La retórica musical

Vamos a ver como lo organiza un compositor y le da una estructura.

¿Qué es la forma sonata? Hay diferentes tipos de música que tienen esta misma forma. La
forma que vamos a ver ahora es la sonata, es una forma que tuvo mucho éxito porque es muy
narrativa se usa en la música instrumental, pero tiene un carácter narrativo. Tiene tres grandes
apartados que es la exposición, el desarrollo y la reexposición.
--Exposición: presentamos los temas en la obra. Sería la propositio antes de la exposición el
musico puede hacer una introducción o no. Va a presentar un primer TEMA A con unas
determinadas características un puente que nos lleva a otro lugar parte transitiva y un TEMA B
son bastante diferentes el A y el B entre sí. El tema A está en una tonalidad y el B en otra.

--Desarrollo: sería la confutatio. En el desarrollo agarran elementos del tema A puente B, los
va a representar modificados un pedazo cambia la modalidad.

--Reexposicion: sería la confirmatio. Es la exposición, pero en lugar de presentarse

desarrollada esta todo tal cual menos lo el TEMA B que estaría cambiado. El TEMA A estaría
igual que en la exposición.

--Conclusión: se correspondería con el peroratio.

Esto es una manera de organizar el discurso.

Todos los primeros movimientos de la sinfonía son con forma sonata. Se inventa en el
clasicismo.

PIEZA BEETHOVEN SYMPHONY N3 IN E FLAT EROICA ALLEGRO CON BRIO

Tema A un puente con dos motivos y tema B.

TA: quiere dejar clara su propositio por eso presenta el tema a el mismo tema con diferente
timbre diferentes instrumentos. priero la presneta con inst graves con la cuerda lo vuelve a
presentar ahora con lo vientos y despues mete el tema bien fuerte lo hace metiendo toda la
orquesta. engrandece el tema lo prepara.

MOTIVO UNO DEL PUENTE: mas suave lento

MOTIVO DOS DEL PUENTE: comienza a crecer se engrandece 117

TB: mas lento calmado, pequeñito d ereprente engarndece 139

DESARROLLO: tema a puente dividido motivo uno y dos y el tema b. 255

TA: calamdo modificado,

MOTIVO UNO: parecido

TA: en graves en otra tonalidad con progresion.

MOTIVO DOS Y TEMA A: los solapa

544 tema nuevo tema c mete en el desarrollo unnuevo tema se sale de la forma canonica.
continua el mismo tema c. mezcla a y c.

hace un tema nueveo se sale del canon en lugar de hacer el tema b pues se sale de lo
establecido y hace el c.
transicion delicada

8.4 REEXPOSICIÓN tras la trompa…

en todosls cambios d enota lso tee q hacer el propio trompista y e solian equivocar de ahi los
chistes de trompas. ya esta aqui el trompista metiendose antes de tiempo

tema A igual

motivo uno del puente

mtivo dos del puente

tema B

1023 concluión bastante larga

MAGNIFICAT DE BACH

Con la catabaissi va a repetir la misma melodia pero descendiente por temas de humildad.

08/02/22

TEMA 2: LOS ELEMENTOS DE LA MÚSICA

-Melodía (dirección y altura).

-Ritmo (figuras y compás).

-Armonía: concordancia de los sonidos.

A lo largo de la historia de la música hay diferentes períodos a la hora de manejar los sonidos,
dentro de la música académica hay una ruptura con la tonalidad en el siglo XX.

La tonalidad es una manera de organizar la música, pensando siempre en los acordes, hay un
centro en un sistema de tensión y distensión. Hay una parte cuando estamos relajados y otras
más tensas. Esto va a ocurrir a partir del siglo XVII. Antes del sistema tonal había modos,
existía un sistema que era la modalidad formada por modos, de hecho, la tonalidad va a coger
uno de estos modos y los va a poner como únicos. Es algo así como que en la modalidad no
necesariamente teníamos tan claro como llegar a la nota central, pero con la tonalidad sí.
Podemos ir campo a través, mientras que en la tonalidad no.

Toda la música renacentista e incluso del primer barroco. Más tarde de esto va a surgir la
tonalidad y después del siglo XX hay una ruptura y se dan varios procesos varias formas de
organizar la música. El siglo XX es un siglo con muchas corrientes, en este siglo hay una ruptura
en la que van a convivir diferentes corrientes. La música popular urbana suele ser música
tonal. La tonalidad sigue existiendo en todas nuestras músicas, tenemos un oído tonal. A
mayores de estos tres elementos tenemos la textura.
La textura vamos a verla hoy. Si nosotros no estamos hablando de música sino de textura
decimos que algo con textura puede ser liso, rugoso… En la música hay algo similar pero
también hay la textura, esta es un elemento que es el resultado de cómo se combinan estos
tres o otros diferentes elementos de la música, como el timbre, la cantidad de voces que hay y
como estas funcionan entre sí. En la música hay diferentes texturas.

Si hablamos de la relación entre las voces entonces puede haber varios tipos. En música
cuando hablamos de voces nos referimos a la voz de verdad, la habitual y se usa el termino voz
para referirnos a una melodía. No siempre que se usa el termino voz es un cantante puede ser
que sí pero también tiene otra afección cuando decimos varias voces es como decir también
varias melodías diferentes. La relación entre las voces lo primero que se nos ocurre
cuantitativamente sería la polifonía pueden ser varias voces o puede ser una y esto se llama
monodia. Hay dos grandes grupos, pero en realidad podemos hacer una división en cuatro.

Por un lado, tendríamos la monodia, la cual, es una obra de una sola voz, este puede ser el
género del canto gregoriano. Por otro lado, la polifonía quiere decir a varias voces, hay
diferentes tipos y lo que generalmente se le llama polifonía es uno de ellos. Uno recibe el
nombre de homofonía o textura homofónica (homorritmia más correcto). Esta puede ser el
mismo ritmo, aquí lo que ocurre es que son varias voces pero que no son independientes
porque van haciendo todas el mismo ritmo. Vamos a ver varios casos donde van a ir en bloque,
entonces va haciendo una melodía muy similar pero no la misma, como puede ser a una
distancia de tercera o de cuarta. Va haciendo el mismo ritmo y por lo tanto se va a escuchar
cómo en bloques. Después está la polifonía contrapuntística y la melodía acompañada esas
son las 4 texturas fundamentales. En realidad, las tres últimas implican varia voces, pero
generalmente es a la polifonía contrapuntista a la que se le llama polifonía a secas cuando se
habla de esto y se hace referencia a ella.

Vamos a analizar cada una de ellas.

Tenemos la monodia que se da cuando hay una sola voz.

SEIS METAMORFOSIS DE OVIDIO BRITTEN PAN. Esta pieza se basa en el libro de Ovidio y
escoge seis metamorfosis. La primera es una textura claramente monódica. Aquí hay un solo
instrumento para que haya una textura monódica. Pero, ¿tiene que ser un solo instrumento?
No claro que no pueden ser perfectamente varios cantantes, pero tiene que ser la misma
melodía, a la misma altura, con la misma distancia vocal.

IN PRINCIPIO OMNE ORDE VIRTUTUM HILDEGAR VON BINGEN. El coro de mujeres es varias,
pero cantan con la misma voz. Ambas texturas son las mismas, se mantienen texturas, pero en
este caso si se mantiene textura monódica a pesar de que hay una parte que es un coro
completo y una parte solista. No tiene que ver con el número de músicos.

Dentro de la textura monódica encontraremos dos tipos uno que es una melodía simple y otro
que es una melodía compuesta. Es monódica, pero con melodía compuesta

Una simple es aquella que no lleva implícita una armonía, que se conoce muy bien la armonía
está escuchando acordes, aquí no aquí va por grado conjunto va por una segunda la distancia
de una nota y la siguiente se llama intervalo. si yo voy de do a re como cuento do es una
segunda, mi fa tb es una segunda guardo conjunto. en las melodías simples son o por grados
conjuntos o intervalos pequeños, hay ocasiones en las que se hacen intervalos grandes.
Cuando ya viene la época tonal hay obras que se componen para un instrumento melódico
solo entonces no se puede hacer armonía sin embargo la manera en la que el autor lo
compone está pensado armónicamente.

En SUITE PARA CELO N 2 BACH PRIMERA SECCION ANALISIS. Lo primero que oímos, estamos
en re menor estamos en primer grado, es una melodía compuesta porque de manera implícita
lleva la armonía. Esto es una textura monódica solo que se suma armonía implícita
compuesta.

Dentro de lo que es la música académica monumental, había surgido una especie de adorno a
la liturgia. Lo que va a ocurrir es que va a llegar un punto en el que van a decir hasta cuándo
vamos a estar con este canto gregoriano y empiezan a surgir los primeros rasgos de polifonía.
Empiezan a hacer voces diferentes.

Al principio esto no se escribía, sino que haciendo el canto había el gracioso de turno que en
lugar de hacer la misma melodía hacía por ejemplo una quinta por encima. Empiezan a surgir
un tipo de obra que va a recibir el nombre de organum. Adaptamos la melodía del canto
gregoriano, haciendo o por arriba o por abajo, la distancia de quinta o cuarta. La misma
melodía, el mismo dibujo melódico, pero a distinta altura.

El primer vestigio escrito de polifonía está en el Códice Calixtino. Este es el primer vestigio
escrito de polifonía en el mundo occidental. Una de las características de la música occidental
es que la polifonía es el núcleo. En el códice decían que era muy importante porque es la
primera guía turística, la primera polifonía escrita. Entonces va a ser muy importante la escuela
compostelana pero también la escuela de París. La de notredame va a ser fundamental y va a
haber dos compositores que son de los primeros que hacen órgano.

Cómo surge esta polifonía. Van a hacerle otra voz. La voz del gregoriano va a ser la voz
principal y la voz a distancia de 5ª o 4ª va a ser en paralelo. Se va a seguir manteniendo una
voz en gregoriano y la otra voz no tiene por qué hacer lo mismo, si la principal sube la otra
podría bajar, esto es un hito porque daba lugar al acto de componer, surge la composición.
Cuando surgen estos órganos libres va a haber un acto de creación, voz principal y se van
superponiendo o bien más agudo o más graves diferentes voces que van a ser el duplum,
triplum… La voz principal va a pasar a la parte más grave, va a tener esa melodía gregoriana y
va a denominarse tenor. Todos tenían más o menos la misma tesitura. Cantaban sobre todo
hombres, pero las mujeres únicamente cantaban en los convenios.

De esta manera es como se da esta nueva textura que es la homorritmia es muy importante su
nacimiento de cómo surge la polifonía, pero se mantiene en el tiempo. JUAN DE LA ENCIAN
SEÑORA DE HERMOSURA.

Van en bloques mismo ritmo, pero diferentes notas ya no hacen la misma melodía, pero van
en bloque en eso se distinguen de la contrapuntista. Son varias voces como en el coro anterior,
pero en bloques con el mismo ritmo. No hay ninguna voz más importante que otra. Estas
texturas también fueron habituales, en los corales también usaban esta textura. El texto lo
hacen a varias voces, pero con una textura homofónica, homorritmia. Lo acabamos de ver en
un tema romántico. En el renacimiento la contrapuntista era fundamental pero no se deja de
hacer lo anterior, sino que van a convivir. CORALDE BACH Q ACH BLEIB BEI UNNS HERR JESU
CHRIST. Es una coral interpretada por un teclado, pero esto se hacía para ser acompañado por
un coro, van en bloque entonces es homofónica.

Pasamos ahora a la contrapuntística que va a tener su gran época de esplendor en el

renacimiento. Que quiere decir contrapunto, lo que quiere decir es punto contra punto,
entonces nota contra nota, va a haber varias voces, pero la manera de trabajarlas va a ser
diferente. Una obra a dos voces OCULUS NON VIDT, que voz es más importante si soprano o
alto. Una de las característica es que no hay jerarquía entre las voces, no hay una más
importante que otra esto también ocurría con la homofonía en eso no se diferencian.

Las dos son polifónicas, en ninguna de las dos hay jerarquía, la diferencia está en la
organización de los bloques, no van a la vez no van todas al mismo ritmo. Una característica
básica, es la imitación pero que no se hace a la vez entra la melodía y después la imita la
contralto, esto es muy fácil de oír. La soprano y la contralto están haciendo lo mismo, si oímos
una voz y la otra lo hace, pero más tarde es contrapuntista. Otra característica es que, en el
texto, como vemos el de arriba es soprano y abajo es contralto, pero a la vez son cosas
diferentes, lo que ocurre en el texto es que hay una repetición con retardo. Si oímos que una
voz dice vidic y la otra está en el óculos eso es polifonía contrapuntista, que va a ser una de las
grandes criticas que le van a hacer a la polifonía contrapuntista y por ello va a surgir después la
melodía acompañada.

Cuando lo oigamos lo que hay que distinguir es si es monodia o a varias voces y una vez esto
hay que ver cómo es esa diferencia si el ritmo es exactamente el mismo o casi, es homofónica;
pero si entra primero una voz y luego otra eso va a ser contrapuntista. En la música religiosa se
tiende a confundir cuando empieza la contrapuntista, es habitual que una de las voces está
haciendo en realidad una melodía que recuerda al canto gregoriano. La textura varía.

Cuando se estudia contrapunto renacentista se estudia como componía palestina. Desde un

ámbito civil también se empezó a plantear que se entendería perfectamente el texto, lo que
va a hacer la gente culta que se reunía en academias ellos no están pensando en música
religiosa deciden inventar un género nuevo pero también una textura nueva quería imitar
como se hacían las tragedias en la antigüedad, inventan la ópera. En la que había varias voces
el texto no se dirigía a la vez no nos sirve esta polifonía contrapuntista.

Vamos a inventar algo que se llamó la melodía acompañada, va a haber una melodía principal
si hay una jerarquía de voces. Hay una melodía un instrumento que lleva la melodía principal y
el resto acompaña, pero lo que hacen es acompañar desde el punto de vista armónico una
jerarquía. De hecho, para muchos van a considerar esto una merma. Finalmente es una
textura que prosperó y se terminan haciendo cosas muy interesantes con esta textura. Lo que
ocurre es que van a necesitar un acompañamiento que sostenga esa melodía. Para establecer
una diferencia entre ambas, si la contrapuntista la podemos graficar, diríamos que son voces
todas con la misma importancia pero que entran en momentos distintos. La acompañada sería
la principal y otras acompañándola, lo principal sería esto y la homofonía sería más bien toda a
la vez.

Cuando surja la acompañada va a surgir un acompañamiento que se va a llamar bajo continuo

no significaba un instrumento, es una manera de acompañar, que acompaña a la textura
acompañada y que consiste en sostener continuamente esta melodía, pero haciendo una
melodía, una especie de acorde. El bajo continuo no solo hacía un instrumento, podía ser un
órgano junto con un bajo, una clave y un chelo, el bajo continuo son los dos instrumentos.

Esta obra, AMARILLI MIA BELLA CACCINI, se compone cuando se inicia esta textura. El cantante
lleva la melodía y el instrumento el acompañamiento, la voz es contratenor. Tiene la tesitura
de una cantante, pero es un contratenor. Antiguamente estos se castraban para conservar esta
voz aguda, hay algunas naturales, pero para que no tuvieran la voz grave se hacía esto. El bajo
continuo que se correspondería con el acompañamiento no se escribe todo, se escribe una
sola línea en algunos casos a mayores de esto.

Hay ocasiones en las que se ponen los números encima, pero a veces se llama también bajo
cifrado, se puede resolver de maneras diferentes. El bajo continuo es algo típico del barroco,
pero generalmente cuando oigamos esta manera de hacer el bajo es barroca. No es 100% así
siempre, pero si la gran mayoría.

Hay diferentes maneras de acompañar algunas que no son clichés y otras que son fórmulas de
acompañamiento. Se establecen diferentes clichés, pero no quiere decir que cada vez que
hagamos un acompañamiento sean esos clichés. Si oímos un bajo de Alberti casi segura va a
ser clásico.

Vamos a oír otro tipo de acompañamiento usado desde el barroco que es el bajo ostinato. Una
obra de un compositor húngaro del siglo XX, este bajo es algo persistente que se repite lo que
se hace en este compás, es que se sigue repitiendo, si se repite tal cual es ostinato y si de
repente, pero por encima es un ostinato secuencial.

BELA BARTOK PLANO MICROCOSMOS VOLUMEN 2 40. Arriba se corresponde a la parte del
pianista. La mano derecha lleva la melodía y abajo izquierda la mano lleva el acompañamiento.
Un bajo ostinato, ¿podría ser una textura de melodía acompañada con una flauta? No porque
la flauta no es polifónica no puede hacer texturas que tengan que ver con esto tendría que ser
una obra para flauta y piano. Los polifónicos si que lo pueden hacer piano, arpa, guitarra,
laúd… el timbre la sonoridad de cada instrumento también nos puede dar pistas para saber la
textura.

Hay obras que juegan con diferentes texturas y se usan a veces como un elemento
contrastante, por ejemplo, en la música religiosa es habitual que un verso en polifonía y otro
monódico podemos tener una obra con varias texturas a lo largo de toda la obra.

EJERCICIO

1-betethoven séptima sinfonia segundo movimiento: contrapuntista (mal)

2-intrito puer natus est con tropos: monodia (bien)

3-lela dulce pontes: melodía acompañada (bien)

4-zadok the prieste hwv 258 haendel: homofonía (mal)

5-sledad bravo canto de ordeño: monodia (bien)

6-marcello concierto oboe segundo movimiento: acompañada (bien) es bastante común que
en los conciertos esta textura o sonatas con piano.

7-malamente rosalía: acompañada (bien)

11/02/22

En la clase anterior habíamos visto la textura. Este es uno de los elementos que tiene
diferentes tipos de textura. Para que algo sea música debe tener melodía, ritmo, armonía y
textura.

Tanto el ritmo como la melodía son una organización de sonidos, pero atienden a aspectos
distintos. La melodía tiene que ver con la altura de los sonidos y el ritmo tiene que ver con el
tiempo y la duración. Cuando se hace el canto gregoriano se escribía nada más la altura de las
notas, pero no se escribía el ritmo no estaba escrita la duración.

¿Como sabíamos por lo tanto la duración? Debido a la dependencia de la letra, el texto en latín
era el que definía cuando iba a ser una duración larga o una duración breve. No necesitaban
escribir lo ya sabido. Lo que va a ocurrir es que el canto gregoriano va a dar paso a la polifonía,
de la monodia a la polifonía, van a ser varias voces, cuando eran monorrítmicas no había
ningún problema lo que va a ocurrir aquí es que van a tener que escribirlo va a tener un peso.
Las primera polifonías del códice eran muy sencillas. Era lo que se llamaba un órgano paralelo
pero cuando se empieza a complicar la cosa en la antiguedad, en la ars nova no tenían que
estar haciendo el mismo giro melódico entonces van a necesitar escribirla.

¿Cómo se representa el ritmo en música? Lo representamos con lo qie llamábamos la figuras

de duración.
Semifusas= 64

Es un proceso histórico al que terminamos llegando alrededor del siglo XVI o XVII, antes no lo
tenesmo así. Vamos a representar la duración a través de estas figuras. En realidad, la negra
dura un pulso, pero esto depende del compás.

¿Qué es el compás? Tenemos una serie de ritmos que vamos a meter en un pulso que los
antiguos llamaban un ictus. Todos los pulsos son iguales en cuanto a duración, pero no en
cuanto a acentuación. El compás lo hace es indicar cada cuantos pulsos voy a acentuar. El
compás es cada cuantos pulsos viene una acentuación entonces de alguna manera organizo los
pulsos. Lo que pasó es que antes históricamente no existían los compases entonces cuando se
inventa es algo cuadriculado. Una obra suele estar en el mismo compás si está en 4/4 van a ser
cada 4 los pulsos, antes no eran así, era cada tres. Cada cuatro en una obra lo conseguimos con
el ars nova.

En los compases simples hay tres tipos, binarios acentuamos cada dos, en el ternario cada tres
y el cuaternario es cada cuatro. El número superior va a indicar cada cuantos pulsos voy a
acentuar, el inferior va a indicar cual es la figura que entra en cada pulso. Va a decir cuál de
estas figuras va a valer un tempo. Este número simboliza que figura va a entrar porque el gran
uno para nosotros es la redonda y media sería la blanca. Si por ejemplo hay un cuatro entra
una negra, aquí por lo tanto la negra durará uno y la blanca como es el doble dos, y la corchea
sería la mitad de la negra y así sucesivamente.

Por otro lado, tenemos los compases compuestos. La subdivisión en la simple era binaria todo
subdividido entre dos, originalmente este era el compás imperfecto. Sin embargo, también
puede organizarse el compás donde la subdivisión no era entre dos sino entre tres y es lo que
se va a marcar en el compás. Los compuestos son aquellos donde los números no indican el
tempo, sino que indican la subdivisión. En el compuesto ponemos un 6/8, este seis no hace
referencia al tempo sino a la subdivisión, este compás se divide en tres, es binario pero la
subdivisión no lo es, sino que es ternaria. Lo que indicamos aquí son cuantas subdivisiones. A
la vez lo de abajo no indica cuanto entra en cada tempo, sino en cada subdivisión tenemos dos
grandes tempos divididos cada uno en tres por esos son 6 y así en cada subdivisión entra la
corchea y en cada tempo entran tres corcheas. Por ejemplo, si tenemos un 9/8 el 9 indica la
subdivisión del tempo, serian tres subdivisiones y lo mismo lo de abajo indica que figura entra
en cada subdivisión. Esa es la diferencia entre un compás simple y un compuesto.

Casi todos se escriben con números, pero a veces el 4 por 4 encontramos un símbolo que es un
reminiscencia de como escribía antiguamente. Cuando se empiezan a escribir hacia el siglo XIV
los compases, había una subdivisión del tiempo unos se consideraban perfectos y otros
imperfectos. Para un hombre del siglo XIV el tres es perfecto por la trinidad con un círculo sin
principio ni fin, el otro la c es imperfecta un semicírculo porque es imperfecto. Aún por encima
la subdivisión es imperfecta si fuera perfecta si fuera un 12/8 seria con un punto en el medio,
pero esto ya lo veremos. De ahí viene la c que no es una ce de imperfección de los compases.

1. Lo que estamos escuchando a continuación es una marcha y las marchas se escriben

en 2/4 por el caso de las piernas, las marchas están hechas para marchar, delimita
 nuestros pasos. En general para bailar si los compases no están bien puestos no se
podría bailar.

El himno de España no tiene letra porque es una marcha y originalmente no era el

himno de España, era la marcha de los fusileros un tipo de marcha. Cuando Carlos III
quiere unificar el imperio hay una política de unificación, en esta política fuerte todos
los militares tienen que hacer los mismos toques. Se lo encarga a espinosa de los
monteros, entonces el hace el himno de los toques. Esta marcha tocada para que los
fusileros salieran caminando entonces las bandas tocan a un determinado toque y así
salían. Había un momento en el que salía el rey por lo que se fue convirtiendo de
manera oficiosa en el himno.

Una marcha está determinada por el compás, en general los bailes suelen tener una
misma estructura formal que es aa y bb y lo que los diferencia son los compases y el
ritmo concreto dentro de ese compas.

2. Los valses son ternarios. Un vals siempre es 3/4. Cuando surge el vals a finales del
XVIII va a ser toda una revolución sexual fue el primer baile entrelazado. Fue una doble
revolución por dos cosas una la razón sexual por estar pegados con tu pareja, pero
también que el resto de bailes eran coreografiados pero necesitabas a un maestro que
te enseñara los pasos y la coreografía. En los araros había una figura del bastonero que
los iba organizando, el vals era tan fácil que ya nos liberamos del maestro y el
bastonero.

Los compases muchas veces determinan el género, por ejemplo, en el vals lo determina
porque no puede haber uno en 2/4 o 4/4. Sin embargo, en una sinfonía podemos tener
diferentes compases.

Lo último que vamos a ver del ritmo es el tempo o carácter al inicio o final de cada obra.

Saber si es más lento o rápido está determinado por el tempo o carácter. Se coloca al inicio del
todo, se llama así porque, no solo indica la velocidad, sino que también da ciertos datos sobre
ese carácter, larggeto, adaggio, adandante, aleggro… Hasta el siglo XVIII no se inventó el
metrónomo que lo inventa Muffel hay compositores que indican ya la velocidad del
metrónomo. Esa indicación nos la da el tempo o el carácter.

El otro elemento sería la melodía.

Esta sería una organización de sonidos sucesivos, uno después de otro agradables, aunque
ahora ya no tienen por qué ser así. La melodía tiene que ver con los sonidos sucesivos y tiene
que ver con la altura. Si es más agudo o grave. ¿Cómo se representa esa altura?

Ya no a través de las propias figuras sino a través de otro invento, de la anotación que se llama
pentagrama. Por ejemplo esta redonda no sabemos dónde va a porque va a depender de que
clase, según la clave en que se escriba voy a poder saber que nota es esta. Si esta con una
clave es una nota y si esta con otra es otra.
Si ponemos la calve con la que leían las sopranos do en primera línea, es que esta línea será
do, entonces esta nota sería mí.

Esta es la clave de la soprano. La calve que usaban las cantantes contralto, era do en tercera
será la. Si es la calve de do sería en la cuarta una fa, y el bajo se escribía en fa sería un sí.

La clave nos da la clave de a que altura está la nota. La del sol aparece más tarde. Para las
voces se empleaban estas. ¿Porque tantas claves? Porque la clave da también la altura, no solo
de si es un do, un re, un mi sino la octava en la que está.

Un do en primera marca esta altura y laa soprano les iban a marcar las notas dentro del
pentagrama era más cómodo leer el do en primera.

Las contralto tiene el do en tercera porque era mucho más cómodo.

Para saber la altura tenemos el pentagrama y las claves y para saber la duración tenemos las
figuras y a partir de ahí escribimos toda la música.

La melodía tiene mucho que ver con el tema o temas de la obra que es lo que va a hacer que
la melodía sea un tema o no. En el de Beethoven para que una melodía sea considerada un
tema tiene que volver a parecer.

Un tema digamos que es en nuestro lenguaje hablado una frase completa o una oración y
muchos temas se dividen en semifrases. Es muy habitual que haya dos semifrases que una
responde o cierra a la otra, generalmente podemos dividir los temas en semifrases.

El tema se puede dividir en dos frases, antecedente consecuente, pregunta respuesta.

Tenemos un tema, es un tema periódico con antecedente y consecuente, lo sabemos porque
tenemos unos oídos tonales. Una mujer del siglo XIV no lo sabría pero nosotros hemos ido
educados desde el siglo XVII en un mundo tonal y la obra no podría terminar ahí.

La tonalidad la usaban primero los griegos, y después llega nuestro sistema que es la tonalidad
y que significa que hay una direccionalidad hacia la tónica, la nota o el acorde que sea, la
tónica nos da una dirección. Dentro de la tonalidad hay notas, acordes que son tensos y nos
piden ir hacia la tónica y hay otros más relajados que son la tónica, la tónica nos ayuda a
terminar algo.

Es como el sistema planetario, aquí el centro es la tónica hemos ido creando un sistema que
funciona muy bien, que es esta tonalidad de tensiones y distensiones. Lo que va a ocurrir es
que antes había un sistema que era el modal sin una direccionalidad clara y que en el fondo
tenía más escalas que las nuestras. Cuando estábamos en el sistema tonal hasta el
renacimiento se va a emplear las disonancias, hay unas relaciones entre notas que suenan
bien, consonantes y otros q no suenan bien disonantes. El uso de la disonancia se usó siempre
pero en el renacimiento solo se ponía pocas veces la disonancia, de una manera que no se oía
mucho, lo que hacia era suavizar, como lo hacían es que la metían en el tiempo débil del
compás.
Si estoy en un 4/4 no la voy a meter en el primer tiempo nunca lo meto en el débil y así lo
suavizo se oye menos.

Había una disonancia que era considerada la más terrible, era el tritono también conocido
como diablos sin música y se trataba de evitar esta disonancia o en todo caso se metía con
estas características. La tonalidad va a asumir este tritono y no solo asumirlo sino convertirlo
en el centro de su ser, esa tensión no se va a evitar porque va a ser algo fundamental de esta.
Porque esta es una relación de tensión relajación y esta tensión es muy importante. Entonces
esta tensión y distensión va a dar lugar a la tonalidad.

¿Como se da este cambio? Un mito es el crudamalini de montevergui?? porque iba a meter

una disonancia en un tiempo fuerte entonces va a crear una discusión lo acusan del nuevo
saber de la reglas más básica del contrapunto.

Cruda amarilli monteverdi: va a meter aquí una disonancia en concreto una séptima que suena
disonante y la va a meter en tiempo fuerte. Es una canción que dice que con tu nombre
amargamente enseñas. Mete una séptima en tiempo fuerte y viene un musico que se
apellidaba tussi y no le parece bien. Esto no tiene sentido. Yo meto una disonancia cierto que
no según las reglas sino según otras reglas por eso lo que yo hago se llama segunda práctica, si
el texto lo pide viene bien meter una disonancia.

Así se va a empezar a distinguir entre la primera practica y la segunda y llega el barroco. Se

desecha el sistema modal y tenemos el sistema tonal, asumimos unas escalas que son las
mayores y las menores lo que importa es organizarlas según las cadencias. Esto es algo
parecido a lo que en el lenguaje hablado marca la inflexión. Las cadencias son algo así como los
signos de puntuación, que sirven para separar o para determinar finales, no siempre es el
punto final puede ser el equivalente a un punto y seguido. Va separando las partes.

Cuando vimos la tercera sinfonía, en el momento de pasar a la reexposición era claro que va a
venir algo importante y lo notamos ya que Beethoven usa las cadencias de una determinada
manera, porque el carpentiano no puede terminar ahí, está tenso, tenemos un oído tonal…

Los diferentes acordes, unos son tensos y otros relajados. Dentro de la tensión hay jerarquías
unos más tensos y otros menos, cuando suena la dominante me va a llevar a necesitar que
finalmente venga la tónica y con la subdominante puedo ira a la tónica o puedo ir a la
dominante para después ir a la tónica. Esto da lugar a las cadencias hay unas cadencias más
conclusivas y otras más suspensivas, estas son la principales.

o La cadencia autentica es una muy muy conclusiva y usada: cadencia autentica es muy
conclusiva porque el final lo hace en una dominante que después va a la tónica.
Dominante tónica, termina con la cadencia autentica del final.

o Una cadencia plagal también es conclusiva pero un poco menos está formada por la
subdominante o sea dominante pero no tanto y la tónica.

Las suspensivas, ¿puedo terminar una oración con una coma? no, pero marca un inciso las
suspensivas no resuelven pero también marcan un punto.
 o Cadencia semicadencia un tipo de cadencia suspensiva.

o La cadencia rota también es suspensiva pero cierra más q la anterior. Hay una
dominante y el sexto grado es una tónica paralela, suena la tónica pero menos. Hay un
reposo, pero bueno más o menos. Con un silencio dramático.

No es muy conclusiva es suspensiva, de la armonía nos servimos para dentro de la música

tonal hacer un discurso organizado y en una determinada dirección.

16/02/22 interactiva

TEMA 3: LA NOTACIÓN MUSICAL

¿Es necesario escribir la música?

Es importante escribirla como la memorizamos. ¿Porque se llega a escribir la música?

En realidad, nosotros convivimos con una tradición oral. En la música tradicional la transmisión
se da de manera oral hubo una época de esplendor donde los músicos que iban a ver música a
determinadas horas la recogían y la escribirán. La oralidad siempre ha existido.

Por otro lado, en el tipo de música académica no siempre se escribió es cierto que hoy en día
la música académica forja su prestigio en la escritura no siempre se escribió, fue un proceso
bastante largo en la notación.

¿Qué elementos debería tener la partitura para escribirse la música? Melodía, el ritmo, la
armonía y la textura.

Va en este orden, porque este fue el proceso por el cual se fueron introduciendo en la
escritura musical de forma paulatina.

- La melodía tiene que ver con la sucesión de sonidos determinada, tenía que ver con la
altura de las notas si es más agudo o grave, habíamos visto lo de las claves para saber
que nota. También tiene que ver más de manera genérica con la dirección, esto quiere
decir que si de la nota en la que estoy sube de grave a aguda, baja o se mantiene.

- El ritmo tiene que ver con la duración y el tiempo. Se representa con las figuras. La
manera en la que organizábamos los pulsos cada cuanto tiempo lo acentuamos es lo
que conocemos como compás. Antes importaba más la melodía porque el ritmo ya
venía marcado por el texto.

Cuando con el códice calixtino surge la polifonía debemos hacer un inciso en la notación
musical.

La notación se inicia cuando no solo tengo que decir la altura sino también el ritmo, pero en
realidad empieza antes. Las primeras son de los griegos. Había una anotación que consistía en
por ejemplo las tragedias llevaban música, entonces esos textos se les ponía arriba unas letras
que venían a simbolizar que nota se estaba haciendo y después indicaban la duración si era
largo o corto.
La música después deja de escribirse hay una tradición oral durante bastante tiempo y hasta el
siglo VIII que van a aparecer de una manear rudimentaria, los primeros atisbos de la notación
que paulatinamente va a dar a lo que tenemos.

En la edad media, Monodia era la primera textura que tenemos, después surge la polifonía con
los tres aspectos. En la edad media los diferentes tipos de escritura que va a haber van a estar
relacionados con esto. Mientras solo está la monodia va a estar la notación adiestemática y la
diestemática en la monodia. Va a haber estas dos. Dentro de la notación tanto adiestemática
como diestemática la diferencia básica es que la diestemática tiene líneas y la adiestemática
no tiene.

La escritura musical que usamos ahora hasta iniciaos del XX era universal que es la que
solemos usar habitualmente en ese momento no según la zona de Europa había un tipo u otro.
Variaban los signos en el mundo como la sangal, la mozárabe que pertenecen al primer tipo
que hubo, la adiestemática. Primero tenemos la adiestemática y luego la diestemática, no eran
iguales si mismas características pero signos no iguales.

Hay unos símbolos que se conocen como neumas, la adiestemática se conoce también como
neumática y campo aberto.

LOS NEUMAS SIMPLES O DE UNO

NEUMA VIRGA PUNCTUM

Puede indicar dos cosas: un movimiento Puede indicar dos cosas: movimiento
ascendente o que se mantiene en el agudo. descendente o que se mantiene en el grave.

NEUMAS DE DOS

CLIVIS PODATUS
Movimiento agudo-grave (la primera también Movimiento grave-agudo (la primera también
puede mantenerse). puede mantenerse).

NEUMAS DE TRES

SCANDICUS CLIMACUS PORRECTUS TORCULUS

Indica tres notas Indica tres notas Indica tres notas: Tres notas: baja-
ascendentes (la descendentes (la sube-baja-sube (la sube-baja (la primera
primera puede primera puede primera puede puede mantenerse).
mantenerse). mantenerse). mantenerse).

Encontramos estas anotaciones encima de las palabras. El problema es que hacía referencia a
la melodía y dentro de estas tenía dos características. Tenemos la adiestemática por eso se
llama de campo aberto se indicaba la dirección, pero no la altura exacta esto va a venir con la
diestemática.

Si yo tomo un manuscrito de esta época con estos neumas de campo aberto, ¿yo puedo
transcribirla saber con ciencia cierta la música?, pues no. Y no es que no lo sepamos nosotros
ahora porque ya nos ha pasado el tiempo… tampoco las personas de la época lo podían saber
si se lo dábamos a alguien del siglo IX, solo podía cantar con esos neumas si ya conocía la obra
era un recurso nemotécnico.

Había una serie de cantos en la liturgia y la única manera de aprenderlo porque no había una
anotación precisa, era con una persona maestra. Iba un maestro aun convento masculino por
ejemplo y tenía que estar ahí 10 años enseñando cada uno de los canticos, el problema
también era que cuando vas por el 100 ya se olvidó del primero. Esta notación empieza a partir
de cuando el maestro iba dirigiendo, se dice que era el movimiento de las manos. Entonces
empiezan a anotar en estos libros estos neumas, como un recurso nemotécnico pero que
hasta ese momento atendían a uno de los criterios que atendía a la actitud. Servía como de
recurso de neuma, pero si nunca lo había cantado necesitaba un maestro. Esta es la primera
notación que se va a hacer dentro de la iglesia.

Después vamos a tener una diestemática que ya vemos en detalle que ahí si además de la
dirección va a atender a la altura porque cada vez más necesitamos saber.

Vamos a transcribir el gradual de Sangal.

17/02/22

Vamos a terminar la parte de notación hasta el final de la edad media.

Empezaba en Grecia y ahora vamos a ver esta momento y después vamos a la edad media.

La notación griega era un poco más avanzada que la primera que se da por que no solamente
hacía referencia a la melodía sino también al ritmo y dentro de la melodía decían que notas
eran, solo la direccionalidad, pero no la altura. Van a decir tanto elementos de la melodía y
dentro de ella de la altura como del ritmo. Del ritmo van a decir cuales son largas y cuales
breves, en el griego antiguo se dividían las silabas en largas y breves pues esto mismo lo van a
graficar musicalmente. Un signo para larga y otro para breve.

Entonces encontramos notación griega nos quedan pocos fragmentos en tierra, una en una
tumba está el verso con la música con la que se cantaba esto, o también por ejemplo las
tragedias. Hay algunos restos fragmentos no hay obras completas sino fragmentos que se
conservan de este tipo de notación.

EPITAFIO DE SEIKILOS. Texto griego y anotación por encima aquí daban más información.

Otro de los fragmentos conservados es un papiro de la tragedia Orestes y es la parte en la que

mata a su madre para vengara su padre y por esto las furias lo persiguen. Es un fragmento del
coro de esa parte de la tragedia. Está la mitad del verso del medio. Para el ritmo agarran el
texto griego con largas y breves.

Con este instrumento de viento se puede tocar polifonía a la vez. El del audio el ritmo es
bastante rápido hacen un pie pírrico que son sonidos breves.
Esta notación griega es la que después desaparece y empieza la época medieval.

La adiestemática y la diestemática (primer bloque).

La notación que se va a hacer en el ars anticua, modal y franconiana es la del ars anticua.
Después la del ars nova. (segundo bloque)

Estos son los grandes bloques.

Estos son los grandes hitos dentro de la edad media a la hora de hacer esta notación. En la
melodía tenemos dirección y altura y en el ritmo figura y compases. La adiestematica hacia
referencia a la dirección podeimaos asaber si subia o bajaba pero no cuando no conocíamos la
altura precisa de las notas. Era un recisro nemotécnico, pero no eleminaba qque un maestro
tuviera que irse a un convento a explicar y el recuerdo es distinto y se iban modificando estas
melodías.

Esto va a ser un gran problema en la iglesia que pretende cada vez controlar más el poder de
roma, y a la vez que se establece una liturgia para el mundo romano, se establece el canto
gregoriano. Se escoge en que cantos y se va a buscar transmitir estas melodías. Un maestro
empezó a pensar cómo podía enseñar la música de tal manear que el aprendizaje fuera más
rápido esto surge a partir de un principio pedagógico.

Va a llegar Guido Varezzo y va a pensar las melodías. No hay una altura especifica con los
neumas, el ritmo no le preocupaba porque lo daba la palabra pero la altura si para transmitir
bien esa música sin problemas de por medio. Estaría bien darle nombre a esas alturas para que
se pudieran recordar había un himno de san juan. Uno de los más fáciles de recordar y nos
aprendemos el himno de San Juan y esas alturas van a venir dadas por la primera sílaba.
Simplemente se aprendían esto y entonces podía dar escrito de alguna manera aquí por ahora
lo que se estaba estableciendo la altura de la nota pero como se llamaba porque antes no
tenía un nombre, se va a llamar a partir de esto solnización. A partir de aquí logró establecer
unas alturas de las notas.

Cambiaron el ut y el si porque su escala era de 6 notas se trabajaba con el hexacordo. Por eso
no estaba el si porque era una nota móvil. El si no va a aparecer como un nombre de nota
hasta el siglo XV con Bartolomé ramos de pareja un teórico musical español que nació en
Baeza y lo introduce en sus textos y de donde lo saca. Lo saca de las iniciales Sancte Iohannes.
El ut era muy incómodo para solfear rápido hasta el siglo XVII un compositor que se apellidaba
Donich vamos a cambiarle el nombre como él se llamaban así cogieron estas dos letras.

Lo que va a ocurrir es que aquí también se va a inventar una manera de unir. Y va a haber una
manera de dirigir en la que se indicaba la manera exacta de las notas, que se llamaba la mano
de Wido, ut, re, mi, fa, sol, la, si y señalaba a un dedo sabían que tenía que cantar el director
daba la altura de las notas. Ya sabría el coro en que nota canta. Iba marcando que notas se
hacían con lso dedos. Que va a ocurrir que ahora esto hay que escribirlo y ahí va a aparecer la
diestemática...

Como se yo cuando hago un neuma que esto es un ut y esto un mi en lugar de ut y re en una

virga. Vamos a hacer una línea que marque entonces, la primera esta es de color rojo. Es esta
línea roja que significaba fa y si hacia una así ya sabíamos que era una fa. La segunda guía fue
amarilla y era el do entonces ya era más fácil después van añadiendo líneas la tercera fue sol
hasta que llegan a las 5 hay obras de la edad media que tienen 6. Porqué empiezan con un fa y
un do porque estas notas y no otras.

Entre tecla y tecla en el piano hay un tono entero, pero entre mí y fa hay medio y si y do,
medio. Si tocas un mi te pide fa. Esta línea de fa, la fa sería el equivalente a las claves la
primera de fa luego do y luego sol y de ahí vienen nuestras claves de ahí va a venir
posteriormente. Cuando nosotros ya tenemos estas líneas esta es la notación diestemática
porque ya tengo una referencia mayor. No era necesario que indicaran que era fa. La clave de
fa con dos puntos y la de do c esto se va adornando. Para esto pasan siglos. Pero aún tenemos
marcado y de aquí tenemos las claves era mucho más precisa pero todavía queda un margen
esa es una notación diestemática y también cuadrada porque estos neumas podían ser
punteados como en Italia cuadrados como en Francia y estos son los que más funcionan. Es
diestemática y dentro de la diestemática que puede ser de diferentes tipos estos en concreto
son cuadrados.

LA NOTACIÓN CUADRADA
Los neumas se van a escribir, en este caso está en tetragrama y lo van a poner de esta manera,
esto es lo equivalente a la virga van a pasarse los neumas antiguos a hacerse con estos nuevos.
Aparecen nombres nuevos se va complicando, pero lo importante es que la diestemática va a
tener líneas y en este caso la cuadrada que es la que mejor funciona en Europa.

En el códice calixtino tenemos la notación lorena una notación también francesa. Con una
clave de fa la otra es una sola línea haciendo una especie de c. Esta es notación lorena usa
mismos neumas al principio, pero la cabeza no es tan cuadrada un poco más difícil leerla.

En esta pieza del códice es tetragrama pero es a tres voces una primera voz, otra segunda,
pero lo rojo se lo añadieron después entonces seguramente sea un añadido después, es
notación lorena porque se dice que se trajo de Francia por los caminos de Santiago.

Después por ejemplo esta notación se va a usar tanto para el principio de la polifonía como
para al monodia. Hay cinco líneas es un pentagrama en otros casos había tetragramas o incluso
hexagramas. Es una clave de do. Estaba marcado para hacer una c que casi no se ve. Esto es
monodia profana de martincodax ondas do mar de Vigo. Solo tiene una línea del cantante pero
el grupo que lo hace decidió meterle una flauta.

Lo que va a ocurrir con la polifonía el asunto se va a complicar y por consiguiente va a

necesitar que la escritura exorase otras cosas. Tenemos la dirección con los primeros neumas
la altura cuando se van creciendo o las líneas el nombre de las notas. Pero poco a poco va
acogiendo fuerza.

La polifonía va a comenzar con el órgano tenemos la línea que cantaba el canto gregoriano se
empezó a hacer la misma melodía a distancia de quinta o cuarta y eso se llamó organum
paralelo. La voz que hacía esto se llamaba vox principales y la otra vox organalis. Este es el
paralelo después van a venir otros cantantes y de repente aquí lo variaban un poquito hacían
otra cosa es el paralelo modificado y después ya dijeron vamos a liberarnos. Esta voz se hace
un órgano libre no tiene por qué hacer el mismo movimiento que hace la vox principales esta
podía estar también en el agudo. Poco a poco esto va cambiando y la principales será entre la
voces más graves y también va a ocurrir que tenga valores más largos notas más largas que la
organalis. De ahí viene el nombre de tenor porque sostenía la melodía del canto gregoriano si
después le ponía otra voz se va a llamar duplum y una tercera triplum y una cuarta
cuadruplum. Aquí no coincidiera porque en un coro no se mezclaban hombres con mujer
simplemente lo llamaban así duplum…y el tenor era el que tenía esto.

Cuando hacemos órgano libre que había mucha diferencia entre lo que hacía el tenor y el
duplum nos encontramos con un problema la altura de las notas no que había que encajar
ahora como conseguir que lleguemos juntos, escribiendo el ritmo a partir de que la polifonía se
va complicando se va a hacer esencial escribir el ritmo.

Aquí vamos a tener dos grandes apartados en realidad tres el ars anticua y su notación y
después el ars nova y al notación correspondiente y después va a llegar el ars sutilio. Y todo
esto va a tener que ver en cómo vamos a escribir el ritmo. Es decir, el ars anticua era una
polifonía más compleja, el ars nova mas compleja y en el sutilio era muy muy difícil cantarlo.
Precisamente por esa complejidad va a ser necesario escribir los ritmos al principio de una
manera menos exquisita y cada vez más exquisita y precisa.

Van a nacer las figuras musicales que vamos a tener cuatro con una base que venía del mundo
griego que era en cuanto al ritmo largas y breves el rigen de las figuras va a ser ese. La larga y
la breve que se van a llamar longa y breve. La longa la van a graficar de esta manera y la breve
va a ser esto ya a partir de aquí se van a establecer la otras dos. La máxima que va a ser la
longa también conocido como longa y la semibreve. En la edad antigua van a aparecer estas
cuatro figuras que son los antepasados de las que usamos hoy en día. Podía tener subdivisión
binaria o ternaria, entonces van a escribir así estas figuras.

Muy en el principio va a haber lo que se va a conocer como notación modal vinculada a los
modos rítmicos o pies rítmicos el troqueo, breve larga, yamba, dactila, anapesto, espondeo y
tribato. Esta manera de organizar el ritmo era muy simplista y va a pasar a las otras 4 figuras
esto durante todo el ars anticua hasta el III a. C

Si en alguna anotación vemos esto mínimo es ars anticua. De todas maneras, en el ars anticua
tenía ritmo, pero no una gran complejidad rítmica solían ser ritmos bastante simples. Por
ejemplo una obra a dos voces como sabemos lo solían marcar con el benedicamus. Que clave
tiene la voz superior, de do y la inferior, de fa. Entonces una voz era más aguda y otra más
grave esto podía ser la voz de un niño y esto podía ser un bajo ya se empieza a marcar esta
diferenciación. Esta nota sería la figura longa, luego una semibreve ya se marcaba el ritmo que
se iba a hacer. Ya estaba marcado. Esto es una longa y es un sí.

Finalmente llega el ars nova se llamaron a si mismos así uno de los grandes representantes es
Filip de Bitrie que escribió un libro que se llama así, esto dice que es muy delimitante porque
no daba juego a hacer más ritmos a ampliarlos, la división puede ser ternaria o binaria y se va a
jugar con esto no se van a llamar duplum, triplum, cuadruplum…

Estas van a ser entonces. Va a ser la mínima y la semínima con esto van a poder hacer ritmos
mucho más complejos porque tiene más figuras y porque van a poder jugar entre la
subdivisión ternaria y primaria.

Que es lo que van a necesitar ahora si tenemos ya las figuras, pues los compases.
Tenemos compás el tempo (pulso) y la prolación (que es la subdivisión de cada pulso).
Simbolizaban las dos partes el tempo y la subdivisión como era el tempo perfecto cuantos
tempos tiene que tener un compás para ser perfecto pues tres por la santidiam divinaidad. Los
simbolizaban con un círculo si yo veía esto significaba que tiene un tempo perfecto y si la
subdivisión también es perfecta le ponía esto un punto dentro. Esto es un tempo perfecto con
prolación perfecta 9/8. Si yo hiciera nada más el circulo no hay perfección en la subdivisión, es
imperfecta compas simple ¾. Si hacemos una c es porque es imperfecto es 2/4 tampoco tiene
un punto en el centro, que puede llevar un punto la c seria 6/8

El círculo cerrado de fuera sería perfecto hace referencia al tempo y el punto a la subdivisión.

Después va a llegar el ars subtilio mismo principio que el ars nova pero ritmos mucho más
complejos había que ser un músico de alto nivel porque la complejidad rítmica no va a ser tan
grave hasta el siglo XX.

BAUDE CORDIER BELLE BONNE SAGE CODICE CHANTILY, es una canción dE amor con tres
voces. Si era subdivisión binaria lo ponían en rojo pasaba a ternaria.

BAUDIE CORDIER CANON CODICE CHANTILLY. Lo hacían en circulo porque era un canon y
empezaba una voz luego iba otra haciendo lo mismo y regresaban a lo mismo y así
sucesivamente.

6/8Compas de dos tempos, pero cada tempos se subdivide en tres pues tres por dos seis.

23/02/22 interactiva

Notación musical del siglo XX

El siglo XX desde el punto de vista de la música fue un siglo sumamente rico en el que
existieron diferentes corrientes simultaneas. No había una unidad, sino que se dieron
diferentes escuelas algunas muy contrastantes.

Nosotros tenemos una notación que llamaremos tradicional de la música, que sería la notación
actual musical con pentagramas, claves, signos de compás, figuras… Este tipo de notación en
realidad se va a establecer en el barroco no va a tener modificaciones. En realidad si va a tener
algunos añadidos pero es básicamente la misma notación que surge a principios del XVII pero
que se establece a finales.

En el siglo XX va a haber dos grandes bloques. Una serie de compositores van a mantener la
notación tradicional igual con algún signo nuevo, y otros compositores a los que esto no les va
a servir y van a hacer algo que se conoce como nuevas grafías en música. Los que usaban la
notación tradicional, hay compositores que consideran una gran ruptura, que sin embargo a
pesar de que se considera que fue una revolución un gran cambio, van a seguir usando la
misma notación que ya venía del XVII. Pero va a haber unos compositores que van a decir oye
yo quiero hacer esta música, pero esto es como un corsé.

A diferencia de otras épocas esta notación que va a surgir en el XX no va a ser universal. Lo que
quiere decir es que es tan poco universal que ni siquiera tiene que ver con la geografía, sino
que incluso cada compositor en muchas ocasiones inventa su propia notación y muchas veces
un compositor no solo inventa una notación para su obra, sino que una para una obra y otra
para otra. Muchas notaciones necesitan una leyenda explicando que significa cada signo o un
texto introductorio.

Por ejemplo, el dodecafonismo, el serianismo, el neoclasicismo. Estos compositores siguieron

usando la tradicional. Otros de corrientes estéticas ,la música experimental y al aleatoria, van a
inventar nuevas grafías porque consideraban que la tradicional no les permitía anotar lo que
ellos querían realizar.

Por ejemplo algunas obras del siglo XX que van a mantener la notación tradicional:

- Stravinsky.

La consagración de la primavera, es notación tradicional. Lo raro es el compás que es un corsé

para él. En el fondo el compás se supone que generalmente duraba todo un movimiento, él lo
va cambiando, cuando el compás en el fondo era organizar de manera simétrica los acentos.
Sigue usando la notación tradicional pero ya se veía como de alguna manera estaba
encorsetado, (encorsetado quiere decir atado). Era muy importante el ritmo, digamos que este
es uno de los elementos rompedores, es la riqueza rítmica de sus obras por ello tiene que
poner tantos compases.

- Obra de Shenver.

Este tipo de compositores van a usar la misma grafía tradicional y en todo caso un símbolo
nuevo, pero es grafía tradicional.

Tenemos aquí una obra que podemos considerar a caballo entre lo tradicional y las nuevas
grafías. Esto es una obra para flauta que lo que llama la atención es que haya acordes ya que la
flauta es melódica, quiere decir que no puede tocar varias notas a la vez. La flauta lo es, pero
hay algunos recursos que sirven para esto entonces.

- Bartolozzi

Lo que hace es explicar aquí arriba como conseguir esto en la flauta. Señalando los agujeros de
la flauta y como colocar el labio, el pentagrama aquí es tradicional pero lo otro es una nueva
grafía.

Una música para campanas de Lloreng Barber quiere simbolizar determinados efectos que
quiere conseguir hay una línea no hay varias.

Vamos a oír una obra pensada para que la interprete el público. La música grafica con gráficos
es muy visual y entonces el público la interpreta. Aquí ya hay una ruptura con lo que era lo
tradicional. Dependiendo de la época, el tiempo y la altura se escriben de diferente manera se
parece estos símbolos a los primeros neumas casi más a eso que a lo que va a venir después.

Vamos a oír una obra de 1952 de John Cage, que se considera el padre de la música
experimental.

24/02/22

Como vimos anteriormente.

- Melodía: dirección, altura.

 - Ritmo: figuras, compás.
- Armonía.
- Textura.

Con la diestemática se empieza con las notas, para así conseguir la altura. Lo de los
pentagramas…la de sol se empieza a usar más a partir del renacimiento y más en el barroco se
asienta.

Ocurría algo también muy importante que tenía que ver con la altura de las notas. Esto lo
inventa un maestro Wido Darrezzo, el himno de san juan, que da nombre a las notas y es la
altura el nombre de las notas. Antes no se pensaba su nombre y este hombre le va a dar eses
nombres. Ut siglo XVII se llama do.

Notación cuadrada, es un tipo de la diestemática que surge en Francia y se extiende por toda
Europa.

Empezamos a escribir luego el ritmo, antes no se escribía porque lo marcaba la letra y la

textura que empleaba era la monódica. Cuando surge la polifonía tenemos que cuadrar dos
voces al cantar. El ritmo se va a volver necesario ser escrito y entonces tenemos la notación del
ars anticua. Lo que ocurría aquí es que inventan las figuras, en el ars anticua había 4 figuras y
estas venían de ahí, una longa, una breve y a mayores hacen una doble longa, y una
semibreve.

Tenían estas 4 figuras lo que va a venir ahora es el ars nova.

El ars nova tiene una gran complicación rítmica por esto entre otras cosas van ampliar las
figuras y van a inventar una nota que se llame la mínima y en el ars nova suctilio inventan la
semínima.

Si vemos una partitura con figuras de este tipo mínimo, es ars anticua y tenemos que mirar si
es ars anticua o ars nova. Tendríamos que fijarnos en el tipo de figuras sobre todo tenemos
que buscar la mínima sobre todo estas se emplean en el ars suctilio. En el ars nova al final y
sobre todo en el suctilio aparece el compás, tiempo perfecto, subdivisión perfecta es el 3. Si no
tiene un punto dentro es imperfecta entonces tres por 4.

Hemos llegado hasta la edad media y hoy vamos a ver a partir del renacimiento y es que aquí
se va a inventar la imprenta musical con Petruchi.

Debido a la imprenta va a ocurrir que las razones son dos el tipo de pluma y papel. También la
imprenta si tenemos una impresora que no tiene mucha tinta, se gasta mucha tinta. Una de las
características para diferenciar la de renacimiento es la notación blanca. Aquí tenemos las
figuras, la diferencia es que la máxima va a ser igual pero blanco, la longa blanca, la breve
blanca igual, la mínima igual en blanca pero la semiminima ya no va a tener este gancho
simplemente la ponen negra como una mínima, pero en negro.

Hay el mismo tipo de relaciones entre las figuras más largas y breves. Si vemos una partitura
que tiene este tipo de notas estamos en el renacimiento. A partir de aquí además de las claves
de fa y do se va a volver habitual la de sol, que no la inventan ellos, pero se va a volver común.
El soporte de líneas podía ser un pentagrama, un tetragrama y un hexagrama.
Una cosa muy importante es que se va a establecer la tesitura de las voces, que cuando
escribíamos la clave ya no teníamos que poner que era para una soprano, pero si lo íbamos a
saber.

Era una tesitura para la soprano muy cómoda porque todo le quedaba dentro del pentagrama,
por ello le ponían al final el do, porque era lo más grave que podían cantar y todo cogía dentro
de ahí para arriba.

La contralto era un do en tercera línea, porque una contralto puede llegar poco más por
debajo y arriba.

El tenor con voz más aguda que un bajo hombre, se escribe en do en cuarta este do, puede
llegar bastante más bajo que el do y un poco más arriba y después la clave de fa.

Que este do en realidad estarís arriba con una línea, todo le queda más cómodo para abajo
que llegaba.

Tres claves de do y fa. Al escribir las claves está indicando la tesitura del cantante o también de
los instrumentos.

La soprano la podían poner en clave de do en primera o en clave de sol. La del sol viene de la g
por eso tiene esta forma poco a poco se va modificando hasta que termina como lo que
conocemos.

Dos voces distintas para contralto.

Esto daba las tesituras de los cantantes.

En la obra impresa que se especificaban cantos.

Esto que vimos era un tipo de notación que sigue todo este proceso. Pero sobre todo a partir
del Renacimiento va a haber un auge de la música instrumental van a convivir dos grandes
tipos de notaciones la renacentista blanca y la tablatura.

Habían una notación propia para cada instrumento, no era universal sino que se hacía para ese
instrumento en concreto. Lo que ocurría es que la notación redonda hacía referencia a la
altura de las notas y lo podía leer cualquiera. La tablatura no hace referencia a la altura como
tal de las notas sino que hace referencia a lo que tiene que tocar.

Por ejemplo, en esta de una guitarra va poniendo que cuerdas se tenían que toar y lo de arriba
son las figuras, el ritmo. Hace referencia a la duración. Les iban dando el ritmo arriba y lo otro
hacía referencia a la guitarra y a los dedos que tiene que usar. Al ver la imagen ya se sabía que
dedos teníamos que poner en los trastes. También podía haber tablatura para un teclado, para
un laúd estos proliferaron como una forma de escritura musical muy empleada para la
notación musical.

Entonces lo que va a cambiar en la parte renacentista del tipo de figuras que se van a hacer y
también van a empezar a aparecer unos elementos que se van a establecer en el barroco de
armonía y textura.

El barroco es un gran inciso en la historia de la música y va a haber una serie de cambios en la

estructura musical, del estilo de los elementos y estos cambios van a hacer que sea necesario
va a ser un proceso paulatino de 1600 a 1650 del tardío al 1700 creo va a estar asentada la
notación que nosotros estudiamos.

En el barroco se va a inventar el género de la ópera va a ser un cambio substancial porque va a

cambiar la textura, cuando vimos algunas obras renacentistas obras con polifonía
contrapuntista eran todas las voces con la misma importancia una antes, otra después pero no
había una jerarquía la ópera va a nacer cuando esa textura se reemplaza al principio del
barroco quiere imitar a las tragedias griegas con al opera donde la polifonía se va a cambiar a
melodía acompañada y esto va a tener una serie de consecuencias. Surge la melodía
acompañada y lo demás es acompañamiento, para nosotros va a ser muy claro cuál es la
melodía principal.

Digamos que cuando veníamos de la contrapuntista podía haber muchas voces todas de la
misma relevancia sin embargo en la acompañada la melodía tiene más importancia y va a
haber una parte de relleno y una de soporte el bajo continuo que va a ser necesario sino sería
una melodía sola al tener este tipo de textura se va a volver muy importante también la
melodía y eso que lo acompaña que los soporta, es lo que se conoce como bajo continuo.

El bajo continuo es aquello que soporta a la melodía y está sonando continuamente pero no es
que haya un instrumento que se llame así, este lo puede hacer un calve un arpa una guitarra
entonces pueden decir estoy haciendo el continuo, lo más habitual es que el bajo continuo lo
hagan dos instrumentos uno armónico y un instrumento melódico grave, el chelo… Es muy
habitual que haya dos, uno armónico con uno melódico grave. No podemos con la flauta que
es melódico agudo. Es tan importante la parte de bajo continuo que hay algunos autores que
le llaman al época del bajo continuo

Esto va a dar como resultado a la composición idiomática. Tenesmo una partitura y esta la
puede hacer una voz o un instrumento no había una idiomaticidad, pero aquí va a empezar a
surgir lo que se conoce como composición idiomática que hay unos instrumentos que se van a
usar para hacer la melodía y se van a llamar instrumentos ornamentales y otros que van a
hacer el acompañamiento y son los fundamentales aquí tenemos un cuadro y justamente se
divide el cuadro unas secciones con instrumentos ornamentales y los fundamentales un clave
armónico y instrumentos melódicos como violas de gambas, o laúd. El hace esta distinción
típica de la época, instrumentos fundamentales para el bajo continuo y los ornamentales para
hacer al melodía.

Lo que va a pasar entonces es que estas características del barroco van a influir en al notación.
Esta notación se conoce como al notación moderna porque es la que se mantuvo se va
desarrollar a lo largo del XVII ya a principios del XVIII se va a asentar, es un proceso paulatino.
Va a seguir en el XVIII, XIX y XX. Hay compositores del siglo XX muy revolucionarios pero que
siguen empelando la tradicional.

Esta notación moderna también se conoce como notación redonda, que va a pasar que antes
eran en rectángulo o rombo, lo que va a ocurrir es que en las partituras se va a escribir la
textura en lugar de escribirlo separando la voz de contralto tenor o los instrumentos
polifónicos. En un solo pentagrama ponemos varias notas la textura homofónica la melodía
acompañada, pero en un mismo pentagrama o dos se escriben a la vez cuando veo esa
partitura ya veo la textura. Estaban puesta la parte de contralto y soprano una encima de otra.
Cuando empezamos a hacer esto el rombo no es muy práctico y poco a poco lo van a empezar
a redondear la mínima en lugar de hacerla en rombos se hace redonda y esta después se va a
complicar un poco más ya aparecen las figuras modernas.

Este es un ejemplo de una obra de Monte Verdi el inicio del barroco. Esto está a caballo entre
una cosa y otra pero ya es barroca porque está a caballo entre una y otra porque aparecen
este tipo de figuras las anteriores renacentistas con su forma pero redondeadas, aún
mantienen el mismo tipo de figuras no aparece aún una corchea, semicorchea.

*** cuadrada es la semicorchea antes de la redonda

Una obra de Bach del barroco tardío. Corchea fusa…

Lo que ocurre realmente es que se elimina la máxima y longa lo romboidal se redondea y la

semibreve da lugar a la redonda, de la mínima da lugar a la blanca y la semínima da lugar a la
negra. Pero aumento las figuras eliminamos las dos de arriba pero por abajo se aumentaron y
entonces después de la negra la mitad de la negra es esta que es la corchea, aumentamos la
mitad de la corchea que es la semicorchea, aumentamos otra más que es la mitad que es la
fusa y otra más que es la semifusa. Uno cuando ve la partitura primera de monte verdi esta
redondeada pero hay algo que choca porque aún estaba en el ámbito de solo blanca negra
redonda, no añade las corcheas…

La de Bach es exactamente lo mismo y se sigue aplicando.

Esta partitura a pesar de ser blanca y no es redonda esta impresa, aquí están en el proceso de
cambiar de la redonda a la nueva.

En esta otra obra de 1622 ya está establecida por completo hubo este proceso que fue poco a
poco, esto no puede ser renacentista porque esta ennegrecido estamos plenamente en
notación redonda.

Aquí ya vamos a tener una vez que iba avanza do el barroco los elementos que necesitamos
para escribir la música en notación tradicional. Se redondea las figuras y se aumentan se van a
añadir nuevas figuras. Otra cosa muy importante que tiene que ver aquí es que hasta el
momento se podía escribir el compás.

Esto de los compases se venia haciendo desde finales del ars nova al suctilio. Pero había una
cosa para nosotros que es que si yo tengo un compás de dos tiempo cuando pongo una negra
y luego pongo otra añadimos una barra de compas, cada dos negras porque ya tenesmo
establecida marcada la división de los compases hasta el barroco a veces nos encontrábamos
líneas, hasta el barco no se van a establecer estas líneas de compas, nuestro mundo rítmico se
volvió más simple.

Se va inventando el compás a finales del ars nova principios del suctilo pero no es hasta el
barroco que puedan estas dos líneas establecidas.

Empieza a aparecer esto tiene que ver con la textura, la partitura general. Si es para dos voces
para un calve se va a escribir junto y aquí ya me marca la textura hasta ese momento no se
escribía por un lado la soprano al contralto pero no estaba por encima de otra esto va a marcar
la textura. Otra cosa importante es que en el barroco pasamos de un sistema modal a un
sistema tonal. Que quiere decir que hay una nota que se llama tónica que es la que ejerce la
atracción, nosotros tenesmo un oído tonal nuestra cultura es tonal ese sistema va a surgir en
el barroco.

Que quiere decir por ejemplo una obra puede estar en do mayor, sol mayor, fa mayor o en sus
relativas mayores que quiere decir cuando está en sol mayor, es que el punto de atracción es
sol pero para que eso ocurriese en esa tonalidad en concreto el fa tiene que ser sostenido. En
el re mayor la tónica es en re pero para que este efecto se produzca el fa y el do tienen que ser
sostenidos. Lo que ocurre al principio de los principios si yo estaba en do mayor y necesitaba
un fa sostenido cada vez que aparecía un fa se lo ponía, ahora viene un fa pues le ponemos el
sostenido otra vez, va a llegar un punto en el que lo van a eliminar y lo van a poner en la línea
del fa sostenido al principio que tiene esto ya se sabe que todos los fas van a ser sostenidos,
esto se llama al armadura. Ya está afianzado en el barroco tardío que quiere decir la armadura
esta sección del inicio que me va a indicar las alteraciones.

Después algo que también habíamos visto importante el tempo que también llamábamos
carácter se ponía al inicio para saber si el uso es más rápido o lento van a aparecer aquí
alegro… y van a surgir también en el barroco hasta ese momento esto no se escribía. Al
principio pone el tempo lo habitual es ponerlo arriba y al principio, largo es bastante lento.
Con el tiempo en 1816 se va a inventar el metrónomo y se va a decir un largo significa que la
negra es un pulso de 40 o algo así.

El arco de encima quiere decir que las notas van como ligadas

Igual que vimos en el renacimiento un tipo de notación diferente para los instrumentos en el
barco también va a haber algo el bajo continuo también importante pero no se escribían todas
las notas que tenía que hacer el bajo continuo o bien no se escribía nada o bien se escribía esa
línea no se añadían el resto de las voces, pero se daban pistas y esto se conoce como bajo
cifrado.

Este bajo, pero esto es lo único que está escrito tocaba solamente acordes no esas notas me
podían escribir esto solo sin números, los que hacían el bajo continuo llenaban eso que no
estaba escrito los que hacían estos solían ser los mejore músicos tenías que saber hacer esto
que no estaba escrito y en ocasiones se hacía una sola línea, pero se le añadía una especie de
taquigrafía que indicaba que nota tenía que hacer. Esto sigue siendo bajo continuo, pero con
un bajo cifrado. Estos numeros que se ponen indican la tercera o la cuarta que se hay que
hacer, por ejemplo en clave de fa vemos 4 3 y tenía que hacer mi sol y la. Esto lo decidían en el
momento

Esto es un libro del 17 compendio musicale. Lo que tendría escrito sería lo que tiene que hacer
las notas a la vez, cuando estaba una al laf del otro esto no era simultaneo, sino que tenían
que hacerlo uno después de otro esto era lo que era el bajo cifrado no había una única manera
de hacerlo podía haber variaciones. Aquí la improvisación era fundamental porque esto se
improvisaba en el momento, pero se precisaban unos conocimientos amplios.

Dos posibles opciones un bajo continuo con menos notas y otro con más notas más resuelto
más complejo.
Según resolvieran de una manera u otra podían hacer una cosa u otra. El que hacia el bajo
continuo siempre eran los músicos más capaces.

Después esto va a desaparecer y se va a escribir esto todo, si vemos una partitura con estos
números arriba, estamos en el barroco no puede haber otra posibilidad.

A partir de aquí ya se estableció la notación musical tal y como la empleamos hoy en día lo que
va a ocurrir es que van a aparecer unos formatos nuevos y unos signos que se usan con mucho
más detalle.

A partir del clasicismo pero sobre todo del romanticismo cada vez el compositor va a dejar
menos lugar a que el intérprete haga su parte. Lo hago leggato o estacato o ligo dos eso no
siempre escribía y era entonces potestad del interprete, a partir del romanticismo no se tenía
que hacer la obra como yo quiero, hay mayor variedad de figuras misma notación pero con
mucha más información.

Finalmente vamos a tener diferentes formatos que tienen que ver con la textura. Se va a hacer
lo que en castellano se llama una partitura general esto de aquí es lo que toca la orquesta a la
vez no la parte de flauta por un lado ni la del clarinete por otro todo a la vez, además se
estableció un orden. Esto se llama partitura general o partitura a secas se puede hacer
referencia esto. Este formato en el que se muestra toda la textura.

Pero después el flautista se le da la partichela o parte porque si no tendría que pasar páginas
todo el rato porque aquí solamente tiene su parte de la flauta a la vez está haciendo otros las
otras cosas podemos tenerlo de forma general o de parte.

Hay otro formato que es un guión y estos se empleaba mucho en la música escénica, están la
general pero también el guion, el bajo para acompañar a la cantante y que pudieran ensayar
primero ensayaban ellos dos primero no estaban solo estos lo hacían para ensayar pero luego
había otros instrumentos.

En el siglo XX va a haber esta doble vertiente los que mantiene la grafía tradicional y los que
rompen con estas y establecen lo que se conoce como nuevas grafías dependiendo del
compositor podría ser una e incluso un mismo compositor puede hacer una notación para una
obra y otra porque esto no es universal hace referencia a que no hay algo que podamos leer
todos, la notación que viene del barroco la venimos usando.

En la música experimental lo que se quiere es que haya una diferencia entre lo que ellos idean
y después lo que el intérprete haga.

EJERCICIO

¿Decir de que época o que tipo de notación son cada una de ellas?

1- Nuevas grafías, siglo XX (mal).

2- Ars nova (mal).
3- Barroco (bien)
4- Renacimiento (bien).
5- Diestemático, notación lorena.
6- Notación moderna, romanticismo (si vemos mucha tinta).
 7- Edad media, ars anticua, no encontramos al mínima.
8- Ars suctiliu
9- Adiestematica no tiene figuras, solo indica direcciones no tiene ninguan línea.

02/03/22 interactiva

¿Como hacer una crítica musical?

Comentar las partes de la obra musical, de un concierto…

¿Tenemos que comentar todas las partes? No. Cuando uno hace una critica de una obra uno
escoge de que va a hablar.

La crítica se empieza a considerar que surge de una manera importante En el siglo XIX, pero en
el siglo XVIII ya encontramos alguna crítica.

En la opera Dido abandonada,

En la segunda simplemente enuncia lo que va a venir, pero incluso si fuera algo pasado eso no
es una crítica siempre tiene que tener un juicio. Hay un juicio de valor en una crítica. Tiene que
haber un juicio de valor por nuestra parte. Una crítica es algo que se publica en algún medio de
comunicación. Una de las cosas que tenemos que pensar cuando hacemos una crítica es a
quién va dirigido. No es lo mismo en un periódico sensacionalista, o una crítica en una revista
de rock, funcionan distinto los textos. Podemos entrar en mucho más detalle técnico si la
revista es específica para esto.

De alguna manera las críticas juegan entre lo subjetivo y lo objetivo ya hay que hablar con
propiedad. No porque sea subjetivo podemos decir cualquier cosa. Por ejemplo, en una ópera
el tenor dio un do de pecho magnifico, el do de pecho es algo objetivo y el magnífico es
subjetivo. Hay que hablar con propiedad y conocer el lenguaje musical. Si vamos y poner en
una orquesta una suite tenemos que saber que significa cada cosa como se emplean los
términos en música y aplicarlos bien. Tenemos que pensar previamente que estructura le
vamos a dar al texto que orden. Por ejemplo, me interesa más hablar sobre la obra o sobre la
interpretación… a lo mejor es un estreno mundial y es mejor hablar sobre la obra.

Una cosa que nos va a ayudar es antes de ir conocer el repertorio averiguar sobre los
intérpretes…

¿Como se aprende a escribir critica? Escribiéndola

Pero también se aprende mucho leyendo. ¿Como tenemos que leerlas? Tenemos que leerlas
como escritores, es decir, pensar como hizo para estructurar esto como usa los correctores
como cambia de planos… tenemos que desentrañar. Si tenemos un buen inicio enseguida
captamos al lector y es una manear de atrapar.

Otro punto importante básico en la escritura, cuando leemos textos que no están bien uno no
se da cuenta de que la escritura es música, escriben con la mano y no con el oído entonces no
funciona se dice todo lo que se quiere decir pero sin gracia y es esa falta de ritmo.

Vamos a ver un ejemplo que nos puede ayudar a saber hacer:

-Muchas veces se hace un título medio poético y después una explicación abajo. Podemos
poner un título claro o uno poético y después un subtítulo.

-Lo que bien después dice quiénes son los intérpretes director de orquesta… no me corta la
redacción porque igual si lo explicamos… es peor.

-Lo que hace en el primer párrafo maría cuenta, atrapa porque nos transporta empleo del
adjetivo. Algo que no podemos conocer, pero nos transporta a ese instante. Una el principio es
el ritmo funciona muy bien, lo consigue con primero sabemos que hay un antes y un después,
si a mí me interesa la ópera me tengo que enterar de esto lo primero que atrapa consigue el
ritmo no solo con frases cortas, pero también funcionan muy bien las frases cortas y lo que
hace para conseguirlo es aumentar el tamaño de las frases por ello funciona bien. Son tres
frases las que producen este ritmo funcionan muy bien en la redacción, si enumeramos tres
cosas suele tener muy buen ritmo porque hay principio medio y final.

Suele darle ritmo al texto. Esta estructura termina en la tercera frase y consigue un toque de
trompeta con suprema y llama la atención consigue meternos en el texto. Esto se escribe en
una revista de música clásica y conocen la representación de María Calas y lo primero que hace
es recurrir a referentes. Que recurramos a algún referente que puede ser un referente como el
que hace aquí primero el personaje que hace magdalena con la representación de María Calas
y después una representación de los 80. Por un lado, el referente el recuerdo y por otro a
pesar del recuerdo me parece maravillosa. Que otro referente Andrea nos recuerda como hoy
en día por ejemplo a la guerra de ucrania. Este primer párrafo funciona muy bien por eso, ya
hizo esto y ya funciona muy bien.

- Luego dice Jonas el tenor por ello no dice el apellido porque ya está arriba. Habla de como lo
hizo el tenor y luego habla de la música. Lo que hace en este otro es explicar el personaje
principal, el tenor como es su actuación y después habla de la orquesta.

-Quería establecer la aristocracia y el pueblo que se revela y como se hace musicalmente la

aristocracia es Francia y meten elementos francese desde el punto de vista musical y los
siervos son italianos.

Presenta la interpretación del tenor habla de la orquesta del vestuario y como habla bien de
este por ello le ponen brillo entre costuras. Hay que cerra el texto después.

Vamos a hacer una crítica de Jordi Saval. Lo que ocurres es que la música antigua es muy
purista estos se hacían así y así. Lo que se ha pasado ahora es relacionar la música renacentista
con al barroca. Este concierto la ruta de la esclavitud busca recorrer la ruta de los escribas y
van a usar música académica y en los conciertos van a meter también música de música
tradicional de manera que vincula esos dos mundos. Ellos empiezan con esta obra con esta
negrilla y como es la primera es la primera parte con una música religiosa y en el medio hay
una negrilla y al final termina.

EJERCICIO:

RUTAS QUE SE ENTRELAZAN

El pasado en el vivo presente

Atrayente. Dinamismo sorprendente. Un gran impacto cultural a través de la composición. La
obra nos hace atravesar dos mundos aparentemente diferentes pero que a través de la
interpretación podemos a llegar a conectar. Su voz nos traslada al momento exacto, que
gracias a los diferentes cambios de ritmo nos hacen vivir este duro momento.

03/03/22

LOS INSTRUMENTOS MUSICALES Y SU CLASIFICACIÓN

Una clasificación podría ser:

- Monódicos: flauta, clarinete, triangulo…

- Polifónicos: piano, xilófono, guitarra, violín, arpa…

Esto es una clasificación posible

El material sería otra clasificación:

Metal:

Madera:

Cuerda:

Se nos presentan problemas según el criterio que escojamos. Lo que ocurre es que el material
es un criterio hay otro criterio que es según como se produce el sonido, es decir, cuando la
cuerda vibra ahí se produce el sonido. Según este criterio ¿el piano cómo sería?

Otro criterio sería por producción de sonido

Percusión:

Aire:

Cuerda:

A lo largo de la historia de la música ha habido diferentes sistemas de clasificación y muchos

de ellos han convivido. Había uno que tenía que ver con la jerarquía. En la edad media los de
percusión eran más por encima, la música teórica estaba por encima de la práctica. Dentro de
la música teórica estudiaban las relaciones entre las notas a través de las proporciones eso
tenía un sentido matemático. Este tipo de proporciones también servían para explicar el
universo, las proporciones con un monocordio servían para explicar el universo.

Algo importante que las relaciones matemáticas sirven para explicar el mismo. La música
matemática tenía mucha importancia. Durante la edad media por esta razón van a tener
importancia esta jerarquía. También dentro de la iglesia y esto hasta el siglo XVII va a tener
mayor relevancia la voz, cuando se decía música se hacía referencia al cantante, mientras que
los instrumentos principales eran la voz humana y el órgano.

Lo que ocurrirá era que instrumentos como el violín y la viola… no estaban bien vistos lo
vinculan con el mundo profano a demás tenían una forma parecida al cuerpo humano.

Después también según el uso por ejemplo los instrumentos del viento. Hay una agrupación de
instrumentos muy grande como en las bandas que su origen es militar entonces este tipo de
música era considerada militar y determinados instrumentos estaban vinculados a lo militar las
trompetas los trombones, por lo general las bandas tienen clarinetes, oboes, el origen de las
bandas es militar, el origen viene de ahí. Había también ciertos vínculos donde se relacionaban
personajes, la trompeta con Jesucristo, cuando se llevaba el paso lo anunciaba una trompeta
según ciertos usos también se hicieron calcificaciones. En el barroco habíamos hablado que los
instrumentos según de lo que interpretaban de la música barroca, había instrumentos que
hacían sobre todo la melodía y había otros que hacían el bajo continuo. Los que hacían el
continuo, era un instrumento armónico un órgano una clave, una arpa y un instrumento
melódico que solía ser un bajo… Esos eran los fundamentales y después eran los ornamentales
que esos hacían la melodía el violín, el oboe, una flauta tiene mucho que ver con que son
monódicos pero también es un tipo de clasificación por tesituras que instrumentos son más
graves y más agudos la manera en la que se organizan en una orquesta tiene que ver con esto.
Los instrumentos en una orquesta no van de cualquier manera, hay dos formas de organizarse.

Una versión de violines, violas, chelos, contrabajos, primero viento madera y luego viento
metal.

Ha habido a lo largo de la historia muchos tipos de clasificación. Hoy vamos a ver dos que son
las más usadas.

La clasificación tradicional o clásica muy vinculada al mundo occidental

Otra clasificación llamada Sachs, 1914 que empieza a surgir cuando se empieza a hacer mucho
trabajo musicológico del trabajo de otras culturas no occidentales cuando empiezan a
estudiarlos se encuentran con que la clasificación tradicional no les servía.

Clasificación tradicional

- Instrumentos de cuerda
o Frotada: violín, violonchelo, contrabajo, rabec, instrumentos antiguos
medievales y renacentistas, dentro de los que son de orquesta, violín viola
violonchelo y contrabajo.
o Pulsada: guitarra, ukelele, viola laúd, arpa,
o Percutida: piano,
- Viento
o Soplo humano
▪ Madera
• Enbocadura: la flauta, la flauta travesera…
• Doble caña: sale del instrumento y tiene una caña contra otra
que vibra. oboe
• Caña simple: tiene un embocadura y a mayores una caña que
vibra. clarinete
▪ Metal: trompeta, trombón… saxofón
o Soplo mecánico: órgano, acorde
- Percusión
o Determinada: xilófono, maringa, timbal.
▪ Madera
▪ Membrana: tambor
 ▪ Metal
o Indeterminada:
- Eléctricos
o Añadido a una clasificación clásica.

La flauta travesera por motivo histórico por su material y su sonido se sigue considerando
como instrumento de madera se colca si al lado de estos en la orquesta iría con las flautas.

Afinación determinada instrumentos de percusión que pueden dar una altura concreta.

Indeterminada

Hay instrumentos de madera, las castañuelas, las maracas…

Finalmente, sobre todo a partir del último cuarto del siglo XIX conocer las culturas europeas y
estudiarlas. La antropología cuando empieza este proceso no se consideraba antropología sino
que iban a estudiar culturas que se consideraban exóticas, lo mismo pasa en el ámbito musical
hoy en día etnomusicología y antes no se llamaba así se llamaba musicología comparada con
Europa.

El grado de sofisticación dependía de cuan acercada o alejada están de la música europea.

Dentro de esta corriente que también tiene que ver con el rescate de la música tradicional va a
haber una corriente del estudio de los instrumentos. Hay una ciencia que se dedica a estudiar
los instrumentos esta se llama organología. Esto lo que estamos haciendo hoy. Esta que tiene
un gran bum se empieza a ver un gran afán del coleccionismo de los instrumentos estos
estarían y se encuentran con el problema de la clasificación y empiezan a haber diferentes
etnomusicólogos que hacen sus clasificaciones el que más ha prosperado es el de Sachs en
1914 quizás por ser cercano por ello prosperó, pero en grandes rasgos es bastante parecido a
este. El empieza clasificando

1- IDIOFONOS (DE PERCUSIÓN) eran autónomos no necesitaban aire para sonar un arco
que los frotara. 1.2.1. el 1 al tipo, El dos hace referencia al tipo de membrana y luego
el otro 1 como se golpea. No ponían la referencia completa sino simplemente un
número.
2- CORDÓFONOS: Los de cuerda
3- AERÓFANOS: son los de viento
4- ELECSTRICOS: se van a añadir más adelante

Aquí en realidad funciona bien el sistema de clasificación porque él va a hacer una gran
subdivisión de cada aparatado y esta la enumera. Por ejemplo, si algo es lo de arriba.

Vamos a oír música:

1- Piano. Debemos tener en cuenta la tesitura y también el color. En términos generales

el violín es más brillante y los otros más oscuros, sería una… Esto es música de cámara
es una obra para chelo y piano. La época no sería barroca habría que fijarse en el
acompañamiento del piano, la época del bajo continuo si fuese barroco el piano
tendría que hacer un bajo continuo que siempre hace un soporte sería melodía
acompañada pero ese acompañamiento tendría que ser un bajo continuo el bajo
continuo lo que va haciendo es acordes. No aparecería una melodía clara imitando al
 chelo. Empiezan a surgir clichés que nos dan a ver que es clasicismo. Este tipo de
acompañamiento no es un bajo continuo si oímos este acompañamiento. Este
acompañamiento va a surgir a partir del clasicismo si oímos esto no puede ser barroco.
Podría ser clásico o romántico al saber que no es barroco. Es algo menos equilibrado
hay un contraste mucho más grande es más probable que sea romántico que clásico.
Este contraste incita a pensar que es romántico. Por lo tanto, sería romántico.
Jacqueline du Pre-mendelssohn grandos saint saëNS

2- Hay una agrupación y un instrumento. La agrupación es una orquesta simbólica. Es una

agrupación orquestal que da paso a un instrumento solista. Es de viento, tiene un
registro bastante amplio no es de los más agudos. El solista es un clarinete lo que pasa
es que tiene un registro bastante amplio, los graves del clarinete no se parecen nada a
un fagot, el color. Un oboe y una flauta no pueden llegar tan grave, y un fagot tiene un
color diferente. Época clásica. La orquesta debería tener un bajo continuo para ser un
barroco. No es romántico porque los temas son muy cuadrados. Suelen ser temas de
ocho compases que tienen un primera semifrase de cuatro y una segunda semifrase de
cuatro.
3- Es de viento madera doble caña, la diferencia entre un oboe es más agudo y el fagot
más grave. La diferencia es el registro. Paganini caprice no 5.
4- Una voz y un instrumento de cuerda frotada es una viola da gamba el antepasado del
chelo. El silbador.
5- Dos instrumentos de viento, hay unas combinaciones estandarizadas. Uno es viento
metal trompetas, trombón, tuba y trompa un quinteto. Viento madera flauta oboe
fagot clarinete y trompa a pesar de ser de metal se mete dentro de este pero su
sonoridad más dulce. La trompa también está en viento metal. También puede haber
tríos de cañas oboe también de fagot. Esta sería un quinteto de viento madera. Six
bagatelles , carion. Gyorgy Ligeti.

09/03/22 interactiva

INSTRUMENTOS Y VOCES: IDENTIFICACIÓN AUDITIVA Y

VISUAL
La música transmite un determinado lenguaje o emoción.

Aún sin comprender como funcionan los mecanismos no nos impide disfrutar de la música.

1- Reconocimiento auditivo

La manera más fiel más segura de adquirir destreza es escucharlos. Vamos adquiriendo un
cierto habito de escuchar instrumentos musicales. Nuestro cerebro conseguirá esa asociación
más duradera.

Para esto es muy importante tener presente el concepto timbre y sonido.

El timbre es el conjunto de rasgos de un sonido que nos permite diferenciar de otros que tiene
igual frecuencia e intensidad, igual de grave o agudo o igual de fuerte o débil.

El timbre lo que nos permite diferenciar un sonido de otro.

El sonido es una sensación en el oído y cerebro debida a las sondas producidas por cuerpos o
entidades que vibran, los instrumentos tienen estos elementos. La propagación de las ondas se
produce a través del aire. Ejemplo al frotar una cuerda de un violín con un arco la cuerda vibra
esta produce una sonda transmitida a través del aire y llega al oído humano.

En el ámbito musical hay una diferenciación entre ruido y sonido. Que resulta o no agradable
al oído. Es una cuestión subjetiva. Porque lo que a mi me puede resultar agradable a otro
desagradable. También depende del contexto. Es una cuestión muy subjetiva.

Un determinado objeto con sus características produce un determinado timbre. Los

instrumentos con fisionomías parecidas suenan de forma análoga. Estos los agrupamos en
familias, la de cuerda, la de viento madera, la de viento-metal, la de percusión…

AUDIOS

CUERDA: Adaggio para cuerda de gustavo: violines violas, violonchelos y contrabajos

VIENTO: un quinteto de vientos, formado por una flauta travesera un oboe un clarinete un
fagot y una trompa. Vals de SHOTAKOVICH.

PERCUSIÓN: percusión corporal, bongos, una batería y un cencerro. Grupo odaiko,

TECLA: clave de cuerda pinzada. El clave habitualmente tiene dos teclados, no puede hacer
diferenciación entre densidad fuerte y débil. En el piano si presionamos con fuerza el sonido va
a tener intensidad fuerte. En el calve da igual como se presione siempre av a sonar igual,
cuando quería que sonara más intenso utilizaban dos teclados suenan más teclas y suenan
más.

VOZ: la voz humana no es toda igual unas más graves otras más agudas. Hay una clasificación
de voces que veremos. La clasificación son soprano, contralto, tenor y bajo.

AUDIO 1: castañuelas, violines, chelo, viola, guitarra. Fandanngo danza alegre, sensual, del
sur…

AUDIO 2: clarinete, cuerdas graves, piano, flauta travesera.

AUDIO 3: trombón, tubas, percusión acompañando, violines.

AUDIO 4: caja percusión,

2- RECONOCIMIENTO VISUAL

Los instrumentos se especifican en el margen izquierdo. La instrumentalización está en el

primer sistema.

Partichelas

La característica que nos permite diferenciar es el timbre para detectarlo es la escucha directa
también hay otros recursos como ver los instrumentos o consultar partituras y partichelas.

16/03/22 interactiva
 ORQUESTA
Concepto empleado para referirse a una agrupación musical. Entre filarmónica y sinfónica no
hay diferencia. Alude a un conjunto de instrumentos tanto de cuerda, como de viento, como
de percusión. Las de cuerda son los que más predominan, a diferencia de las bandas que los
que predominan son los de viento. La orchestra antiguamente designaba la zona circular de
estos teatros griegos. Concretamente designaba una zona circular en el escenario destinada
para cantos y bailes. En el período medieval la palabra orchestra continuaría con este
significado, pero ahora abraca todo el escenario para los lugares de estas representaciones.
Será en el siglo 17 cuando el termino designa a un conjunto de instérpretes musicales
definición que se mantiene hasta hoy.

Vamos a ver como suena la orquesta en todos y cada uno de sus periodos.

BARROCO
Barroco primera tipología hay un cierto consenso en asegurar que la orquesta nace en el siglo
XVII primera mitad del XVIII. Surge en este momento porque se producen una serie de
orquestas musicales, la instrumental adquiere más protagonismo en la edad media lo único
que hacía era acompañar a la voz. El cantante acompaña lo que cantaba con un instrumento
en el renacimiento tiene más protagonismo pero lo adquirirán plenamente en el barroco.

Estas primeras orquestas tenían entre 10 y 20 músicos que interpretaban. Estos músicos
empleaban cordófonos frotados, violines, violas y violonchelos, el contrabajo aparecerá más
tarde y luego instrumentos típicos del barroco la viola da gamba y de grachio. Grachio brazo y
gamba pierna. Antecesores del violín y violonchelo, va a haber una época donde coexistan.

Otros instrumentos propios de las orquestas barrocas eran la tiorba, un cordófono de cuerda
pulsada que puede hacer música de diversos tipos y hacia junto con el clave que no era un
piano y junto con la tiorba hacen en las orquestas barrocas el bajo continuo. Hacen esta línea
melódica que más bien es una base melódica. El bajo continuo es lo importante del barroco. Si
se lo quitamos no suena bien.

A mayores, las orquestas del barroco solían tener algunos instrumentos de viento había sobre
todo bajones parecidos al fagot y luego los oboes o bien las chirimías (surgiría el oboe de
estas), también flautas traveseras y las de pico el equivalente a las dulces. Coexisten las
traveseras con las de pico verticales las otras horizontales. Viento metal las trompas muy
importantes también sacabuches, antecesor del trombón y trombones. La percusión no se
emplea mucho. Lo que se emplea mucho en la barroca son los timbales. Esto es una formación
barroco-prototípica normalmente no suelen tener muchos instrumentos, el asunto era
variable. No siempre se podía contar con todos se tenía que componer para lo que se tenía
porque los mecenas eran los que pagaban las operas.

No hay director la figura de este surge muy a finales en el temprano y en el medio no existe
quien los coordina es el clavecinista en que hace el bajo continuo.

Vamos a escuchar: BACH BRANDENBURG CONCERTO NO 4 IN G MAJOR.

 CLASICISMO
Abarca la segunda mitad del XVIII inicios del XIX en esta época cuando se estandariza la
formación instrumental de la orquesta gracias a una agrupación de mamhim una orquesta muy
famosa dirigida por un compositor llamado stan es qjin los dirige.

Los instrumentos de viento van a adquirir mayor protagonismo, se consolida la figura del
director, ya deja de utilizarse el clave y también en las obras el bajo continuo por lo tanto este
es un rasgo muy definitorio de la orquesta desde mediados del XVIII la anterior con bajo
continuo y la posterior no la tiene.

Hay excepciones la técnica general es que este tiende a desaparecer. La orquesta clásica queda
así. Varios violines primeros, otros segundos, violas, violonchelos y contrabajos en la de
cuerda. En viento madera, fagots, clarinetes, oboes y flautas traveseras doblados. En viento
metal las trompas tienen un papel importante puede haber dos tres y cuatro y las trompetas
se introducen los timbales también se ponen con frecuencia.

Vamos a escuchar SINFONÍA NO 6 EN RE MAYOR

EN EL (POS)ROMANTICISMO
Siglo XIX la orquesta romántica aumenta en número y músicos, no tanto en tipo de
instrumentos, van a ser casi los mismos. La diferencia es lo otro va a haber más músicos
tocando estos instrumentos. 8 violines primeros pues ahora 15. Se incorporan instrumentos de
la familia de violines y flautas clarinete más bajo o que haya dos flautas y a veces un flautín
más agudo. Todo se va magnificando un papel importante también van a tener los metales
sobre todo trombones trompas y trompetas. El papel de tuba en la orquesta es muy similar al
que hacen los contrabajos.

Vamos a escuchar una orquesta del romanticismo suena todo como muy compacto, es difícil
escuchar uno individual va a haber muchos por lo tanto no se distingue además, esta es muy
sentimental.

Beethoven es difícil de clasificar porque sus composiciones empiezan muy a lo clásico pero
luego acaba en romántico muy a lo goya. BETHOVEN SYMPHONY NO 6 PASTORAL se
caracteriza por constar ya de una plantilla grande. SYMPHONIA 5 DE BETHOVEN LA DEL
DESTINO. Se llama así porque se considera que las primeras notas algunos críticos las
identificaron como la llamada del destino a la puerta de uno.

DESDE EL SIGLO XX
Esta época el siglo XX y XXI pero llevamos poco de este. Esta época se caracterizó por
mantener una estructura del pasado, pero introduciendo cambios pequeños y en otras
ocasiones se trata de experimentaciones muy grandes. Tenemos música desde lo romántico,
clásico como las bandas sonoras y luego música orquestal muy vanguardista muy
experimentalista que rompe con todo lo precedente.

Vamos a escuchar FERNANDO BUIDE FRAGMENTOS DEL SATIRICON DIA SLOBODENIOUK. Mas
vanguardista más avanzado pero siendo experimental.
EJERCICIOS
Decir si pertenecen a que tipología pertenecen.

1. No hay bajo continuo que normalmente está interpretado por 3 instrumentos, el calve
el órgano o la tiorba. Se trata de música del siglo XX ya que un tipo de música volvía al
pasado y otro era más vanguardista. Esta es un tipo de obra de estética mas
conservadora. Es la banda sonora de la lista de shnsq
2. No es Beethoven es Mozart. Sinfonía numero 40 es muy famosa. Clasicismo porque
tiene instrumentos de viento doblados a dos tiene los violines y un numero de
primeros y segundos 8 y 10 los chelos 4 contrabajos 2 los metales no destacan
demasiado y son obras muy equilibradas que usan la proporción el orden.
3. Hay un bajo continuo, interpretado por una tiorba y un órgano. Es barroca.
Predominan los instrumentos de cuerda hay violines, pero no son 20.
4. Romanticismo interpretado por varios violines instrumentos juntos bastante
consonante. Es una obra de barmhs la danza húngara.
5. Barroco es vivaldi es uno de los conciertos de verano, aquí quiere representar una
tormenta. El clave es el bajo continuo.
6. Clasicismo Haydn es el compositor clásico por excelencia.
7. Siglo XX vanguardista más progresista.

Como conclusión la orquesta consiste en una agrupación musical que ha ido evolucionando no
se empelara para referirse a un conjunto musical hasta entrado el 19. El número de
integrantes aumentó.

17/03/22

orquesta sinfonica: en el renacimeinto habia gruops instrumentales pero no era

orquesta como tal.. en el s.xvii tb surge la opera, con la opera aprecen grupos
instruemntales q acompañan a lo scantantes q en origen no estaban en el foso, sino q
estaban detras, pero esto molestaba por eso se cambio su ubicacion. el orfeo d
emonteverde fue la opera primera mas representativa, no es la primera conservada,
pero es la opera en la q un musico profesional hace algo interesante y apartir de ahi la
opera evoluciona y gana fama. en esta opera es importante para la constitucion d ela
orquets asinfonica pq monteverdi escrib e para q instrumentos esta hecha, por lo q
hay una agrupacio establecid a ydetermianda. es a la francesam, las violas de a gamba,
acauches, tiorba… estas operas tenian una parte instrumental muy importante, la
obertura, q en origen era mpara q los espectadores fueran llegando. va a haber una
obertura peor no le llamaban asi , le llamaban tocata, donde tocaban el instrumentno,
parte no cantada. importanci a ala orquets ay por esi va a especificar para q in
trumentos esta hecha,. y esto s ehizo a partir de esta obra, y la spartes no son
intercambiables.

estabelece la tocata, parte qno lleva ninguna voz y le da mucha relevancia aesto, y la
otra parte importante es tambienes q va a usar la musica q hace esta orquesta para
amalgamar la obra, retornero e sun aparte instrumental q s ehace entre una seccion y
otra yq se repite. monteverdi repite .

obertura tiene fanfarria q e suna parte intrumental hecha con partes de metal, se
interpretaba marcialmente cuando entraaba una perosna importante (como
meceenas), y por eso monteverdi mete una fanfarria. dps de la obertura entrea un
personaje alegorico. fanfarria s ehace al principio en este caso la fanfarria se uso una
corneta, sacabuches (ante pasados del trombon) y trompetas y tambor. aqui la
fanfarria se toca alkdirector en el video.

dps melodia de retornero. ahor aprimera escena con perosna alegrocio acompañado d
emsuica, ahora el retornero q se repite (elemento q unifica).

otro punto d einflexion es el concertogrsso, q vdivide el grupo instrumental en solistas

o concertino, y otro grupos de intrumentos q hacian el ripieno, tuti o grosso. habia tres
o cuatro instrumentos (lo normal violin 1 violin 2 y violochelo)y otro sinstrumentos q
concertaban a se llamaabn el grosso, y amayores el bajo ocntinuo de la clave.

elbarroco se divide en barroco temprano medio y tardio, monteverdi es del barroco

temprano, en el barroco tardio hay un asentamiento de la orquetsa con un tipo de
repertorio.

conceirto grosso de 1712 de corelli para el dia d enavdidad, op 68.: violines 2 y chelo
hacen el concertino, la tiorba el bajo ocntinuo y los de atars son el grosso.

q hace el grsooso cpn respecto a lo sconcertinos (soli)?

textura polifonica contrapunrtistica, pq el soli hace el tema y el grososso repite este

tema mas tarde. el bajo continuo tiene tiorba(instrumento de cuerda pulsada). la
textur ane el renacimeinto se usaba uchio ocntrapuntistica, pero generalmente para
voces, si oimos una obra donde le dan impotrnacia al contrapunto enlo instrumental,
lo mas probable es q se abarroca, y seguramenete barroca tardio, pq el temprano
lucha contra la idea de contarpunto.

el ultimo movimiento del video es una pastorale (pastores, referenci a aelemnto

campesytre o navidad), pastores vana aadorar al niño, emlodia y ritmo suave, TAN tan
TAN tan TAN. , ahora la melodia lo hacen el soli, no el repieno. en la primer aparte la
soli hacie a melodia y el repieno en contrapinto. aqui el repieno hace notas largas y el
soli la melodia., se quiere recordar a l pastoral.

orquesta d ecuerda, no todaas las barrocas eran de cuerda, habia obra spara orquest
en el barroco q tb tenian vientos

ej:pasion san mateo de bach, obertura doble coro: los viento shacen una melolida y
dps las cuerdas le consteasn repietiendo la melodia, es musica contrapuntistica, esta
caracteristica no es muy comun ya en e l clasicismo, no hay una escritura diferenciada
para la cuerda y para los vientos. para los vientos la sobras d ebach son dificile spq no
esta pensado para gente q tiene q respirar. lamanera ne laq estrabajada la cuerda y
los vientos nos e diferencia, aunq tienen timbre igual, esto va a cambiar dps en el
clasicismo, q no va a ser toda la obra de igual melodia.

al ser contrapunisitico nos hace saber q e s barroco tardio, tb se diferencia el bajo

continuo. los arco sson arco sbarrocos en los violines (violin 1 y violin 2), las cerdas
tienen una inclinacion leve para arriba, en el clasicismo cambia y la cerda es mas bien
para abajo, flauta travesera q era d emadera. tb hay oboe q tiene una caeta doble, q
no tiene llaves, solo huecos, dps hay una serie d e cambios.

dps del barroico llega el clasicismo: q va a ser la gran epoca de orquetsa sinfonica en
donde se establecen caracteristicas determinadas: dos grandes focos historicamnete
del desarrollo de la orquetsa, en mannheim y viena. mannheim va a tener una
orquesta d ebastante nivel enn la cual s eestablece un tipo de instrumentación
estandarizado .

orquest asinfonica e suna agrupacion grande que SIEMPRE tiene instrumentos de

cuerda, si no hay es una banda sinofnica, puede prescindir la orquesta sinfofnica d elo
sinstrumentos d e viento. hay cuartetos de cuerda q son camaras

orquesta sinfonica / banda sinfonica (instrumentos de viento, aunq hay alguna sbandas
a las q s eles añade chelos) /musica de camara o salon (agrupaciones pequeñas o un
solo instrumento como el piano).

en mannhaim hay un proiceso en la q s eestandariza, orquets asinfonica d elato nivel

donde s eetsablece formato de agrupacion y tb empezaron a hacer lo q se conocio
como la sinfonia, ungenero musical q surge en el clasicismo yq dps s eva ausar alo
largo del tiempo, esta proposicion de orquetsa va a atener en la cuerda 5 filas, las
voces o instrumentos q estan en estas 5 filas violines, chelo, viola, violonchelo, los bjos
se iran metiendo, violad egamba ira desapareciendo e ira dando paso al violonchelo,
busvando tonalidad mas grande, en estancias ma sgrandes q requieren sonoridad
mayor, y tb estaran los contrabajos. habra violine sprimeros q hacend etermianda
melodia, y otro ssegundos violines qhacen una melodia distinta.

se estandarizo ademas ocmo lo mas comun dos oboes y dos trompas, sonoridad tipica
d elaorquesta d emannheim, y s eetandarizan recursos de dinamicas (forte piano,
mezzopiano, mezzoforte), dentro d ela sdinamicas hay algo q s ellama crecendo o un
diminuendo, el uso d eestos crecendo y diminuendo s evolvio muy habityal en la masa
orquetsal.

s emepezan a componer tb sinfonias q es un genero cuyo primer movimiento tiene

forma sonata, genero en varios movimientos o partes q entre parte y parte hay
silencio. sonata vimos la tercera d ebeethoven. establecieron este genero q va a ser
basico en el desarrolllo d el aorquesta sinfoncia. hay qgente q dice q la orquesta
sinfoncia e sle instrumento dle genero sinfonico. y las sinfonias podians er d edos
tipos. italiana o sinfonia clasica /alemana.

la sinfonia italiana tenia tre smovimientos (uno rapido (como con ej allegro o presto),
otro lento (andante o addario) y otro rapido).

la sinfonia alemana o clasica er aesto msimo pero con el añadido d eun baile q estaba
de emoda (rapido, lento, minuet con el trio y otra vez rapido), el minuet era una danza
francesa d emoda, y lso compistores la meten en la sinfonia, al estilizan, en ¾, q no se
usaba ya para bailar, sino para escuchar.

el otro centro compositivo va a serr viena, por un grupo d etres compsitiores del
clasicismo q cultivaron la sinfonia, q eran haydn (establecio formato muy
estandarizado, compusoi 104)) mozart (escribio 41) y beethoven.

estos compositores estandarizna la compsoicon d esinfonias, y amplian la composicion

de mannheim d eorquest asinfonica, añaden mas musicos, puede haber mas trompas,
violas.., y beethoven incluye trombones, q nunca s ehabia usado en la orquesta
sinfonica.

en la sinfonia el primer movimiento era sonata (exposicion (tema A (tonalida

dprincipal, como por ej do mayor) puente y tema B(estaba en tonalidad dominante,
quinto grado, es decir en sol mayor))-desarrollo-reexposicion)

el contarstte d etema A y B hace q se djee de usar le contrapunto, y tb van a aliminar el

bajo continuo, q resumia esa harmonia, pero en la sonata como la harmonia esta
clarisima ps se dje a de usar en el clasicismso.

allegato, estacatto…

haydn: uno d elos grandes comopositores, vimos la 63, y ahra vamos aver la sinfonia
82, el inicio. no tiene bajo ocntinuom (clasicismo) y la manera d etratar los
instrumentos no se repite una misma melldia ne contestacion, unos instrumentos
hacen una cosa y los vienots hacen otra, no tiene q ser toda la obra asi, peor es
habitual q cad auno d ela secciones (cuerda vinetmadera y vientometal) tenga sus
propias caaracteristicas d ela msuica q hace.

el pan PAN pan PAN pan PAN es el sforzzando (sf), y si escuchamos eso barroco no es.

la melodia ahora lo hace el viento, en concreto la flauta. separaciones marcadas d las

melodias son mcuho mas faciles d epercibir q en el barrcoco, se notacuando acaab
algo y empieza otra cosa. noconfundir con pastorale.

luego s ehace tb algo parecido al contrapunto, peor no lo es, es como pergeunta

respuesta, converasacion (en el contrapunto no s eacaba el tema y ya empieza leotro,
aqui hay una marcada separacion d epor medio).
tiene 4 movimientos, por lo tanto es una sinfonia clasica alemana (rapido lento minuet
(esencia del baile, propio del clasicismo) y rapido).

beethoven cambiaar el minuet por un scersso, q es mucho mas rapido y no reocrdara

aa un baile, esta mucho mas estilizado.

sinfonia n.25 d emozart: respuesta-pregunta, muy tipico del clasicismo. sinfonia dentro
del sturm und drang , en donde hay movimientos q recuerdan al romanticismo. tiene
cosas del clasicismo como el PAN panpan pan PAN pan pan pan. nacimeinto del genero
d ela sinfonia.

cd llega el romanticismo:se ecambian los instrumentos, se amplian, introducen el

trombon, tuba, saxo… cada vez ma sinstrumentos de percusion, la orquesta se hara
cada vez mas garnde, ampliando instrumentos de viento, y no habra 2 oboes 2 flautas,
sino q seran 3 y normalmente 4. llaorquesta sinfonica crece. al haber un mayor
numero d einstrumentos d eviento, hay una consecuenci anecesaria, q sera ampliar tb
las cuerdas (aun manteniendo filas (violines primeros, segundos, violas, chelos y
contrabajos), pero en vez de ser 6 violines primeros s eponen como 10 violines
primeros, no se crece en filas, sino en numero d e integrantes, y los vientos crecen en
numero d eintrsumentos.

otro punto importnate dentro d ela compsoicion se mejora la ocnstrucion de

isntrumentos de viento, q favroece su aumento d einstroduccion, en el oboe por ej se
introducen llaves,q facilita la practica y mejora. en los metales segun la balbula q s ele
psuiera podia tocar unas tonalidades o no, esto no permitia qmodulaban, esto cambia
añadiendole pistones, como pasa en la trompa q ahora podra tocar la sotnalidades de
forma unida sin cambiar nada.

tb hya una mejora ne el arco, q no va atener la incliancion hacia abajo del clasicismo,
sino q s eñlaade tornillo, q se aprieta y se pueden tensar las cerdas, haciendo q el
sonido s eproyecte muchi mas, esto ayudara a q en tetaros grande sla orqusta se oiga
cada vez mas, un instrumento sbarroco proyexcta mucho menos le sonido q uno
romantico.

en las orquetsas el geenro sinfonia se vava ir expandiendo, y s eva rompeindopoc

apoco la forma ( alo mejor habia tema A y C peroi no B)y vana etsar menos
encasilladas, y surgiran nuebos genero ssinfonicos como el poema sinfonico. se rigen
por las estructuras caracteristicas del clasicismo, basandose en lo q s evenia haciendo
por uatoires ma sortodoxos. hay otros q son mas rompedores y se alejan d ela
sestructuras.

sinfonia fantastica de berlioz: cambio en laocncepcion sinfonica, autor???? berlioz,

sehace mucho ma sgrande la orquetsa, como 400 musicos. la sinfonia fantastica
representa un cambio pq es la primer aobra sinfonica programatica, esto quiere decir,
msuica q no tiene letra, e sinstruental, pero sí tiene una historia, sinala algo, puede ser
tanto para orquestas acomo música de canto. no hay texto contado, sí unahistoria. pq
s ehace esto?el autor berlioz quedo fascinado por la actriz d eofelia d ehamlet d
eshakespeare, y apartir d eentonces le escribe cartas durante 4 años, ella no le
responde, y entonces para drenar la angustia decide componer unaobra q narre su
historia, y establece la msuica programatica. la sinfonia fantastica tiene 5 movimeintos
(se sal ed ela estructursa de 3 o 4), y en la entrada le da ala gente un libreto
contandole la histioria.

el primer movimiento contaba historia d eun artista enamorado q intentaba

envenearse con opio y no lo ocnsigue, y constantemente recuerda a la actriz, él lo
ismboliza como idea fija, e suan melodia q cada vez q aparece simboliz a ala actriz,
Barner lo empleara y lo llamara leimotiv.

ell segundo movimiento e sun baile y cuenta qira un baile y aparecera otra vez el
teama de angustia.

en el tercero va alk campo y cree q la conseguirá pero cada cosa q ve le recuerda ala
actriz, y vueklve aaparecer el tema.

el cuarto movimiento es desedperado y como no le hace caso la mata y se oye la

guillotina, y sigue recordando a la actriz y s eoye otra vez el tema.

el quinto movmiento s enarra reunion d ebrujas (aquelarre) q ira a su funeral y s

evenga de la actriz convirtiendola en bruja por no hacerle caso, no ser abonito, pero
sigue recordando a la actriz y s eoye el tema.

el autor finlalmnete va a roma y como la actriz no le hace caso se busca una novia,
pero lo deja por otro. y entonces el sueña q mata a ella y su familia., peor decide no
matarlos y hace una obra en base a eso.

la actriz va a ver la obra d eobra fantastica yy se casa con el autor.

ademas d emusica programatica se conoce como forma ciclica. las obras con varios
movimeintos lo habitual es q cada movimiento tenga sus propios temas y q no s
evulevan a repetir, en cambi o la form aciclica repite el tema en todos lo smovimientos

23/03/22 interactiva

LA BANDA
A esta se le puede añadir voz. La diferencia con una orquesta es que no hay
instrumentos de cuerda, en las bandas puede haber una pequeña excepción las que
incorporan violonchelos.
Están configuradas con viento y percusión, en viento tanto madera como metal. Una
banda es una agrupación musical formada por instrumentos de viento y percusión. 15
o 20 clarinetes divididos en principales, primeros, segundos, terceros clarinete bajo y
requinto. El requinto al igual que principio y primeros tiene un papel preponderante.

Tenemos luego flautas primera y segunda y a veces flautín el intérprete de flautín a

veces es el mismo que el de flauta. Luego tendríamos oboes primeros y segundos y
cuerno inglés. Es como un oboe, pero más largo. Luego 6 saxos de promedio y son
primeros y segundos tenor y barítono. Dos fagots primero y segundo. 4 trompetas en
primera y segunda a veces tercera pero no lo más habitual. Dos fliscornos. En muchas
bandas este instrumento desaparece. Dos a cuatro trompas primera y segunda
depende de la banda. Trombones primero y segundo y dos tubas tuba uno y dos.

Con respecto a la percusión también depende mucho. Hay obras complejas que
necesitan tres o cuatro timbales, un xilófono una mimba.

A excepción de las sinfónicas que tiene violonchelo.

Vamos a hablar de las bandas de música como fenómeno popular.

Que diferencia a una música de una banda popular, de una profesional. Las bandas
profesionales suelen requerir a intérpretes que tiene la formación completa y que se
dedican a ello suelen tener además un contrato vigente tener derechos laborales y
trabajan en formaciones estables que son bandas profesionales.

Los músicos de las bandas populares no siempre son profesionales no tienen porque
dedicarse a ello como su profesión principal, tienen otro oficio o son personas que se
están formando. Esta gente que va a tocar no tiene habitualmente un contrato vigente
sino que es una cosa lúdica voluntaria porque es su hobbie.

Hoy en día los limites se han desdibujado que prácticamente parecen profesionales.

En la península ibérica estas constituyeron un importante fenómeno desde el siglo XIX.

A mediados del XIX surgieron importantes como en Galicia Valencia y el norte de
Portugal, donde se cree que están las mejores. La materia tiene un origen popular y
algunas lograron convertirse en municipales donde el ayuntamiento las pone como
parte de sus servicio para que puedan subsistir y crecer.

Estos primeros señores procedían de un estrato más bien bajo. Realizaban conciertos
en fiestas locales en ferias los beneficios económicos que obtenían se daban a ellos
mismos para cobrar y a la beneficencia. Eran centros donde se había formado muchos
músicos.

Es un poco un ambiente diferente al de aquí en Galicia la música del salón que era más
aristocrática y burguesa eran normalmente pequeños burguese y aristócratas. Las
clases populares ejercían más en bandas de música.
Entre las más populares de Galicia tenemos merza en el año 1828, Rivadavia 1840, la
de tui 1841 y la de Celanova del 1850. Que hayan nacido en estos años no quiere decir
que hayan mantenido una actividad ininterrumpida.

A lo largo del siglo 20 la situación de las bandas aumentara más incorporaciones, los
músicos que las conformaban eran de procedencia diversa, aunque eran de
procedencia humilde, pero lo compatibilizaban con otras actividades.

El auge de las fiestas produjo una notable demanda de las bandas que acabaron
realizando giras casi durante todo el verano y les permitía obtener beneficios.

Durante la segunda mitad del siglo XX el acto de las bandas incluirá también a América.
Fue muy potenciada en ciudades como al habana. Algunas de las bandas desaparecen
por la emigración lo que solían hacer era desempeñar otras actividades.

Desde la de 1980 se produce hasta el 2005 esplendor bandístico, surgen más y se

incorpora la mujer, más formaciones. Aumentan con instrumentos como la flauta, el
oboe… Estaba más normalizado y más igualitario con las mujeres.

Esto que se dio especialmente en los 80 vino apoyada por la creación del estatuto de
autonomía un momento en que Galicia adquiere un mayor protagonismo mayor
conciencia de sí misma. Las bandas se ven reforzadas en este ambiente porque eran
símbolos. En este tiempo dejaron de hacer actividades en la calle y se decantarán en
actividades de concierto una vez hecho este recorrido.

Hablaremos de esta clase, estamos viendo los prototipos luego puede haber mezclas y
variaciones.

LOS TIPOS DE ACTUACIONES

PASACALLES

Cuando van tocando por la calle, también se les llama laboradas se les suele dar
primera hora de la mañana. La comisión de fiestas contrata la banda y antes de la misa
a las nueve de la mañana ocho y media esta por el medio de la ciudad.

Banda de Almazán.

PROCESIONES Y MISAS CANTADAS

Son actos religiosos en caso de las fiestas patronales se celebran por la mañana tocan
mientras se camina como en las pasacalles solo que el ritmo de paso es más lento y el
ritmo de música es más solemne y fúnebre.

Procesión de Zamora.

Las misas cantadas eran algo que hacían algunas bandas, pero hoy en día estaban en
desuso. Antiguamente gran parte de la música solían ser cantadas y esto tiene que ver
con una cuestión estética propia del cristianismo y se consideraba que cantando se
llegaba mejor a dios. Esto se mantuvo a lo largo de ls siglos y bueno esas parte de la
misa en latín las cantaban ellos. Las bandas ofrecían cantar la misa, utilizaban una
adaptación o composiciones hechas por autor llamado perosi, ahora ellos que cantan
divididos en voces agudas o graves aún hay algunos que tocan hoy en día esto ya no se
sigue haciendo, las procesiones sí.

CONCIERTOS

Hoy más hacen las bandas en inicios no tanto en el siglo XIX. Hay bandas que han
crecido tanto populares que se dedican exclusivamente a ver conciertos. Es banda
popular no tenía contrato, aunque si que hay profesionales de 80 o 90 músicos, la de
Lalín. Les compensa más hacer los conciertos no hay muchas comisiones de fiesta que
se quieran permitir pagar una banda de tantos integrantes.

Las bandas hacen música en directo al igual que las orquestas no suelen estar
amplificadas con lo cual los escuchamos tal cual suenan. No hay nada que iguale a
como se escucha una música en directo.

Suelen tener una estructura prefijada, comienza con paso doble alguna anotación
después de una cazuela solo para instrumentalizar, de alguna opera a una opereta,
alguna obra de una banda para grandes dimensiones y finalmente otro paso doble.

Banda de Lalín.

En las adaptaciones de zarzuelas adaptaban la música teatral para banda era por la
parte instrumental de la zarzuela para la banda. Banda de Coruña profesional.

Otro tipo de obras que se interpretaron fueron las compuestas para bandas de música
especialmente en los últimos años y las bandas más grandes las han interpretado.

Otras compuestas para determinados certámenes que se han interpretado y tocado

mucho después.

El ultimo de los conciertos el concierto terminaría con otro paso doble. La banda de
meaño potente de la zona de Pontevedra.

VERBENAS

Hoy en día ya no se hacen, han sido reemplazadas por las orquestas de verbena que
tiene más importancia en este sector había una mezcal de orquesta y banda. Son
orquestas de verbena.

Conclusión

Agrupaciones de viento y percusión. Integran a población de diversas edades y

procedencias. Han evolucionado ,muchísimo este tipo de formaciones .

24/03/22
 MUSICA DE CÁMARA
Vamos a hablar de la música de cámara y de una serie de conceptos de la terminología
importantes.

¿Qué es la música de cámara? ¿Porque se llama así?

Porque no tenía estructura era una orquesta reducida de pocos elementos entre 5 y 7
instrumentistas un par de cantantes y en este sentido adquiere el derecho a llamarse
grupo de cámara.

En la época de la edad media renacimiento tardío y barroco la camera era la habitación

era para hacer música de cámara, más tarde en el XVIII y XIX los burgueses tenían sus
cámaras y un pequeño grupo, se reunían seis siete personas la gente es invitada por
los señores de la casa un noble normalmente y que tiene que tener medios para tener
a un grupo a su servicio. La música da cámara era la que se hacia por lo tanto en estas
habitaciones. Que componente tiene esta cámara la intimidad, no haya gente
desconocida, son todos invitados se servían bebidas la música se hacía en intimidad.

El espacio es pequeño. En la actualidad un cuarteto se puede hacer en un auditorio, en

aquella época tenían unas tarimas y allí se confrontaban entre ellos hay un dialogo una
relacione entre los músicos que se miran uno frente a otro. La formación más usual
dentro de la música de cámara es violín, violonchelo, el violín también con clavecín.

No hay director en la música de cámara los músicos adoptan una posición enfrentada
para verse y quien esta dialogando música muy de diálogo y los números de
instrumento varían, desde dos que es la formación más que pequeña un violín con
clavecín dos violines, una voz con piano pero puede haber dieciséis personas que no
pase no es una orquesta.

La música de cámara son personas conversando, la gente está dialogando dándose

entradas ataques. Son personas conversando hacer música con una relación
conversacional.

Es importante en los modernos auditorios hay una sala de cámara aunque cuando
viene un cuarteto un pianista se da la sala grande sin embargo lo ideal es que en los
auditorios haya una sala pequeña que tenga ventajas es reducida y la acústica es ideal,
al reducción del espacio dedicado a pequeñas.

El auge de la música de cámara en los primeros tiempos del renacimiento

prácticamente era todo cantado polifonías cantadas pero poco a poco estas reuniones
en los palacios y más tarde la alta burguesía que hace sus cámaras se caracteriza por la
aparición de instrumentos que van a ser determinantes para este espacio camerístico
pero ejemplo el violín que era un instrumento del renacimiento con las violas de brazo
se usaban como complemento empieza a tener un valor solístico y de gran referencia
por ejemplo en la música italiana los grandes vivaldis… escriben para este instrumento
música de cámara tríos, violín dos y una viola, dos violines y un clavecín pueden ser
sonatas para tocar con clavecín solo el violín va a ser un instrumento fundamental
desde mediados del 17 principios del 18 con autores maravillosos como bethoven que
van a escribir para esto.

El violín no solo flatar en casi ninguna de las formaciones de cámara se convierte en un

elemento sustancial.

Otro elemento también fundamental en el final del barroco y principios del clasicismo
es el piano forte que derivaba del piano actual que será un elemento fundamental no
solo da lugar a formaciones de cámara el trio con piano violín viola piano el cuarteto
de cuerda el piano solo acompañado de violín viola trompa. Se va a convertir también
en un elemento sustancial.

Agrupaciones de cámara:

Las más habituales=

La formación mínima no se considera música de cámara cuando es un único

instrumento por ejemplo una sonata de violín solo normalmente se empieza con los
dúos, de piano de cuerda con piano y violín, dueto vocal dos coces cantando, dueto
voz más piano. El dúo es la formación más sencilla y elemental.

El siguiente es el trio tenemos trio de cuerdas la más habitual en el mundo italiano con
cantidad de cuerda la música italiana. Violín viola chelo o dos violines y un chelo o
viola, o cuerdas con violín, o clarinete trompa piano. Piano violín y voz. Clavecín viola y
canto.

El siguiente es el cuarteto que sería cualquier agrupación mas elemental y sustancioso

es el cuarteto de cuerda violín violín viola y violonchelo, piano violín viola chelo, no
tiene muchos. Puede haber clarinete, violín, viola, chelo.

Quinteto de viento, trompa, flauta… con instrumentos de cuerda y piano muy

habituales.

Sextetos octetos, septiminos, septetos.

Muchas de las composición tienen mucho juego de diálogo entradas silencios salidas
por ello la música de cámara es un elemgt9o enormemente de relación entre los
músicos.

Hay otro concepto ten el mundo hispano que se conoce como música de salón que
tiene algún elemento relacionado con la de cámara, el salón no es la cámara es más el
espacio de la burguesía en el 18 y 19 van a dar juego a esta estructura que es el salón
puede ser un café no tiene una sala concreta.
Se escuchaban reproducciones de ópera sonatas de autores celebres, empiezan a
cantarse en Galicia en el 19 canciones con letra en gallego toda la galleguidad va a
nacer un poco en esos núcleos de música de salón donde se reproducen piezas de
artistas con voz y piano o con un pequeño grupo de cámara o compositores. El termino
de música de dalaon tiene dos significados.

En el 19 es la que se interpreta en esos espacios de salón sociedades privadas el casino

tenía su salón, o también las sociedades recreativas o los cafés que tenían su salón. Y
tenemos el primer concepto música de espacio salón

Hay otro concepto también que se dice música de salón un pianista de salón tiene un
concepto de que las piuezas que toca son de dificulyads intermedia frente al piano
virtuoso. Música d ebrabura de enorme dificultad los grande musicaos del 18 y 19. La
msuca de salón coo característica de dificultad, de difultud media.

Tenemos el epsacio y el tipo de representación es mas sencillo mas virtuoso.

La música de cámara pro estapas teientambein unas distinciones. En el barroco se

empiezan a crear a final del 17 18 se empeixana acrear en alemnajia en francaie ne
inglaterar se empiezan a craer salones de tipo burgués se recrea el aristocratico. El
grupo burgués necesita socailizarse reunirse loq eu hacai la aristocracia. Como en el
barco s eva a empezara ampliar el tipo de publico como se va a llenar la burguesía. Se
necesita obvaimenmte para al musiac dinero, relaciones… en el barroc empiezan a
aestablecer ya una simiitud se empieza a aascender al aarsitocracia de la burguesía y
se vana a igualar las tornas.

Caules son los géneros mas habitules de esta cámara barroca. Mas la sonata
indudablemente sonatas para cuerad para violín para piano para instruemnto d etecla
tiene unsigjnifica es canzoan personal, no e spara canatar es canzoan personal por lo
tanto aunque ene el 18 y 19 se generaear uan foam musical epsecifdiac de la sonata no
es ahoar el caso teien que ver con uan música de teipo isntruemhat puede ser solista a
trio un pequeño grupo d ecamar èro cnazoan personal. Como elemento genérico. La
aparición de esta es sin una distinción de estructura al principio puede ser uan canción
de danza tripartita… pero poco a poco la sonata ya desde Bach heandel se va a ir
estruvturando. Tomasn formas de las piezas de danza aba bda estrucyuras un poco de
la danza y en los compositores de sonatas hace composicioen socn estructuras
toamadas o bien de la danza bien de la propia voz. Un elemmto muy interesante la
suite que son oizas de danza pegadas unas a otras al sonata delo abrroco atrdio va
acoger un cpo la estruvtura d ela suite elementos de danza pegadso coge pasoso
estructura toamada de la suite.

Tenemos un autor domenico escarlati un compositor italiano hijo d ealexandro que

viene a espña con varaba de Braganza que casa con Fernando sexto uno d elso grandes
compositores que trae etsa será domenico escarlat uno de la forma sonata. Lo que va
ahaciendo en las sonatas el teclisat es introducir oranmemtso variaciones para crear
un discurso complicado. Son de bravura estas sonatas. Se oían en el palacio y su
pequeño grupo d ecamara hacaian habiatualemenet música de cámara. Esta sonata
esta en re mayor. Es de gran dificultad y esto hay que pensar que escarlati tein ,ucho
que ver con el futiro del clasicismo vienes. Esta escucha un poco lo que será el futuro
del clasicismo.la presencia de escarlatai ejn la península es fundamental. Muchos
compositores el padre de Antonio soler es discípulo de el. Com mucha improvisación
ornamentación.

La música d ecamatra en el romanticismo habría que hablar d e,so nuevos espacio s de

los nuevso salones. Tofdas las ciudades desde la desamoryiacion del siglo 19 la iglesia
pierde al susutancai musical se descomponen las orquestas va aa haber un trasvase de
musico que actuaban en al catedral violinista gente de instruemntos de viento se vana
pasar al mundo civil ue el romanticmso va a tener abiertas permenenentemente. La
genet iab a escuchar al music a estos cafes en ellso solai haber formaciones de camar
de gente de la catedral eu hacai su pequeño grupo de cámara. Otro que e¡hay en el
circulo d elas artes de lugo, tocan piezs propias craecdas por ellos y emuy imporaynte
el uso de la lengua como composuicion camerística. Cogen los textos de autores y
hacen música de dsalonq ue se canat en gallego que es un eleemto funadmenetal para
tdodo el nacionalismo del 19 y el 120. El renacimeinto gallego teien que ver con estas
formacioen sy vana ser funademnetales para el elemento idetitario coges música
tradicional los transcribes para al voz y el piano se crean en el dieconueve se crean
sociedades coo el casino era un elemento privado. El invierno se hacai largo iaban a
corearse con otros amuigso escuchar al grupod e cámara. Hay elemento según la
socaiologia el dinero los hay de mayor y de menor nivel hay tambeinlas casas
partivulares.

Es unelemto ytamebien la mujer como organizadora interpreta y compositora. La

hermana de Mozart unelleto excepcionañ, ser aen el siglo 19 cuando la mujere se
incorpora al salón toca el pianoe stuependamenete. Es habitual en la alata burguesía
que las chicas aprendieran a canatr a tocar algún instruemnto la profesión de la
pianista instructora profesosra .. va asre un elemnto muy importante. En los salones
con genet conocida era habitual ue uan chica cantara… esto e simportante porque
afianles del 19 ya ahay compostoras de diferenets fuste. Tocan ya profesionalemnete
pro en España ocurría uan cosa cuando era joven se admitía que toacra en publico
pero cuando se cadsaba solo podía sar clades. Uya en el diecinueve en el movimiento d
elas painaistas isntruemntista ya va asre algo importante. No estaba bien visto en la
alta burguesía.

Este elemehto d ela mujere nela enseñanz< va aser muy improtanet porqie entra ene
el hogar de otras mujeres y va a crear uan afaccion enorme esto comporta el
moimeinto de instruemntos. Vamos a vivir en el 19 que es la venta y compra de pianos
las teindas venden partituras y pianos y al clase burguesa comparn y los venden.
Dentro d elso salones del 19 podemos distinguir los públicos el mas democrático y
abieruo es el café y no pensemso en ruido y barrullo la gente que iban ene la hiar que
se tocaba esa sección se escaucaha atentamente. Se convertíaen uan slaon publico. Se
publicitana atraves de los cafes.

Salones semipúblicos en el 19 las sociedaes recreativas y los casinos. Loq ue maraca el

acceso es el dinero tenenes que enetrar e estas sociedaees semipublixas son uan
erecomendacion de alguien. El elemento d ela representación d elas relaciones
sociales algo importante. En estsos salones teneian un componente importante para
la cultura. Elementos concursoso… estas sociedades teien un componente de acción
cultural enorme.los músicos d esantiago proceden en su mayoría d ela catedral y avna
adquiriendo su trabajo en estas sociedades. Lo impritante la creacuon de las
compsoicione sen lengua gallega. Es precismwneet ene estos slaones cunaod se
compondrán estas canciones romanzas del futuro nacionalismo del siglo 20. La música
no tiene un componente fijo de definición. El cantar en gallego ene melodías…

Los asalones privados finalmente. Eran en realidad las casas las herencias de las casas
nobilianroias, la alata burguesía hacendo espejo de la musiac de al antiaga calse alta.
La burguesía en galaicai empieza atoamr la costumbre de reunir ala gente en salones
privados. Musicso permanentes reproducen los conciertos un día a la semana, los
miercoeles hacais un cuento saloniego y los músicos interpretaban uan hora hora y
media… arreglos de música calsica de zarzuelas… son exclusivos. Se cocia todo los
negocios, las relaciones sociales, noviazgos, relacione smatrimoniales. En estos salnes
se empieza a cocer el espíritu identitario gallego. Concepción arenal tenia un salón
exquisito muy conocido porque ahí se hacai numerosos negocios, estso eran
estrictamenet privados.

Uno de los slaones mas referencaido fue el de Emilia pardo Bazán.

Estso tiene adeams un componente social muy importante ne Madrid los centros
gallegos también teien su pequeño salón es un componente fundamental salones para
recibir ,usicos gallegos coros, canciones que se tarducen a poetisas ya poetas gallegos
y que son funademntale spara comprender el elemento identitario.

Dentro d elso espacios hemos visto los publico ssemipublicos los privados. Hay
uanelemneti ne galicai también en coruña d emanera particular y es que son las
tiendas de música. En corula la famosa de canuto berea es un perosnaje nacido a
comienzos del 19 que funda uan cadena de teindas no solo la coruñesa donde se
vendia de todo fundamentalemnete instruemntos pianos violines, lo que tu quieras un
piano alemán y no solo eso sino que editaban música compraban ediciones de todo el
mundo arreglos de tdoo tipo aparq ‘pequeñso grupo de cámara este era un genio no
solo era un comerciante natural sino que se rodeo de uan serie de amigos. Vende
cantidad de pianos en Vigo Pontevedra en lugo tenia un salón importante de música se
mantuvo durante muchos años con un estardo de 10 12 personas máximo para tocar
con sillas donde la genet iaba aetsrudair escuchar y aprender la improtancai de este
nos olo es garnd e sino que también fue empresario pasaban las compañías de opera
pro su empresa y e en su salón iabn cantantes qye actuaban de manera privada para
hacer la privacidad. Comprendio todo el aparato logístico de la música de salón, por
ahí paso el hijo, andres gaos y otro smuchos que pasaron por la enseñanza de
vendedor y de editor eran un gran profesor un pianista de muscah calidad en als
teindas hubo uan sucursal de este. En todos lados alguien se haca con el derecho d
etener al teinda y explotarla. Tenemos por lo atnto al imprtancai que teien esa teinda.
La craecion de ambiente.

Sobre todo lo que es importante la educación pianistaica va a lelvara aun element

muy importante de docencia de las chicas bien. Ser buena pianista era una maravilal o
tocar el violín canatar…

Hay ua profesora que fue durante muchos años Eugenia posterberguer es uan de la
sprimeras compositoras femeninas que hace camcioen se gallego con textos de
poetas. El tena identitario d egalicai al utilixacionde elementos folclóricos en gente
como ella.

Le ponen texto a canciones uqe van aser muy divulgadas se lalam el rexurdimento de
pascual vega juan montes tiene mucho que vaer con este ambiente con este
enriquecimeinto d elas clases la mayoría de ellso fueron compositores. Están hechas
para ser tiacads por pocos alumnos.

Vamsoa escuchar de osterberguer uan pieza para ver un modelo de esto. Vamos a
escuchar ausencia de Eugenia. Teien una ire de muiñeira. Esta es sussana lorenzp uan
soprano de arn calidad.

Vaso a escuchar un canto de berce de barcian de la galiz. Tiene unas composiciones

que vana ser vitales para el desarrollo de la cultra epsacialmenete canciones en gallego
y en castellano canciones viejas y nuevas en Galicia. Un camto de berce.

El problema que tenemos es que escucahmos nombres que será desconocidos genete
que tuvo mucha persencai ene l 19 y primeros 20 en la música editada y sin embarago
hoy en día están prácticamente desaparecidos.

Cual es ele repertorio de la música de salón del 1 y primeros 20. El eje fundamental
solistico con violín y voz co piano es la esemcai del romanticismo alemán. Estas
cancione son mas de salón europeas de tipo románticas vana tener importancia otra
vez el uso de la lenguaga gallega como elemento de transmisión. En el 19 en la
segunda mitad shuman en acompañamiento se convierte en un el,emto sustancial
para dar ideas. El repertorio de salón fundamentalmente tenemos la voz y el piano
como elemento fundamental. Los maestrso se senataban con susu alumanos en la
literatura para cuatro amnso funademntal.
Que mas elementso tenemos de muica del repertorio d eslaon la música de baile. En
las sociedades d erecreo en los salones privados el piano era fundamental lo tica napar
que la gente baile siempre cerarba uan función bien con un paino o piano y música de
cámara este eer aun elemento sustancia. Cuando se produzac el elemhto igratorio
rumabs que se vana ir mezclando en esta música de salón.

Hacían reduccione slso pianistas y nso encontramos mucha música editada

precisamente de los autres grandes italainos de rosini de verdi de cuchini se hacen
arreglos para paiano conocuais ya las piezas porque ya las habías escuchado. Era
también reproducida arreglada para piano. Sin duda el elemeto fundamental es la voz
con paino es uan elemento funademental ene el 19 ene l clasicismo tuvo jucha
improtancai el instruemnto d¡solista con paino aapartir de aquí las cancioen
saqduieren un significado poderosos como tarnsmision de estética de ideas.

Empiezana eter elementos muy importantes.

Como se explica que un periodo donde se ensalzo al música para instrumento adquire
atnto exitoi? Poqrue deja de ser uan mera voz acomaplada y pasa ase ruan transmisión
de ideas. La música vocal se va a convertir muy importante.

Vamos a escuchar des human uan datacion romántica. El piano es curiosa la evolución.
Pero shubert se mantiene een uan liaea divulgativa impresionante. Pero shuman la
parte pianística es mucaho ams potente los cambios armónicos. Que hasta los 45 añso
no había escrito apenas para voz y poiano estamos en un momego en el que aprecen
autores. Le dan un sentido romántico al texto no solo es reproducir e imitar aires de
galicai sino también darles un contenido que te diga algo. La música para voz y piano
esta ne essa liane aroamntica de decir algo mas que uan simple melodía. Dentro del
componente alemán tendrá ua importancia la mujer de shuman no solo como
compositora de infinitso textos para voz y piano. El salón a leman tiene representantes
fantásticos. Esta siendo reivindicada. E están reivindicando cosas quehabía
desaparecido.

Vamos a escuchar un fragmento de shuman.

El éxito d estas obras es doble o triple de algún modo. En primer lugar por la relativa
facilidad que estas piezas tiene lo que ni quiere decir que no lsa tocaran sin dificultad,
el instrumentista havai susu varaintes susu insterpretacione será una muisca atractiva
de por si. Se toca basayante bien era una música de salón ela cuando ticaba no ticaba
tan palno sin que harai susu improvisaciones.

El exitoq ue tuvierin estas piezas editadas fue enorme y guarad relación con el tema
docente, inmediatamente todo el mundo los quería tocar. Uno se aporoximaba se
hacai querer esta música pro eso el gran éxito de esta obar de shuma y shopen como
el piano se acaba convirtiendo en un elemnto fundamental y total.
Como en piezas relativamente sencailals se meten ene l susutrato del roamnticismo y
en el mometo en que se canaten en idioma original acaban teniendo unsignificado
mucho mas profundo que el mero desenvolvimeinto d euan música agradable.
Adquiren un significado profundo y que va a tener uan vitualidad enorme en todo el
movimiento.

La música debe transmitir también elementos tomados del ámbito popular es el

momento a finales del 19 donde se hacen los garndescancioneros que acabaran
influyeno en esta muisca de salón que pasa de ser perfectamente romántica a ser ams
nacionlaista.

Vamos a escuchar, u a piea de un compositor de la época de canuto berea y consu hijo

es andres gaos tiene un desarrollo como solista execpcional hasta los 45 años y luego
residirá en buenos aires y allí va a hacer uan escuela e impartir clases. Es un gran
violinista nso deja uanos elementos de slaon muy destacados que son ya del tema
nacionalista va a tomar de la emigarcion gallega cuando se presetan a los concurosos
es bueno que lleven eelembtos referencailes a Galicia. A parte de gran violiista era
también muy buen vilinista esta grabación es de 1917 es de epeoca y toca los aires
gallegos de el mismo.

Gran parte del éxito de la música de salón est tamenin en el movimiento d ela
es¡nseñanza.

Interactivas
30/03/22 interactiva

La Suite, concepto, Barroco XVII y primera mitad del XVIII, género instrumental tipoco del
momento. Propio de Francia y Alemania. Conformada or u concjunto de danzas de inspración
popular o cortesana, tomadas de lo que ya existía en los pueblso y palalciao aristocráticos y
lsoadapatan a amúsica culta. Las danzas de las que constaban las danzas: allemanda, courante,
zarabanda y la gigne . Antecedías de ottra pieza que actuaba de preludio. Tenian todas las
misma tonalidad, le daba cierta unidad auditiva. Estaban dispietsas en dos secciones de forma
binaria. Se hiciero unas para ser baialdas y otras no. Antes se diferenciaba además entre baile
y danza, la danza era de ámbito aristocrático como el Minuette era de origen aristocratico
francés de clase alta, y lso bailes eran aquellos de carcáter popular, la zarabanda era baile en
origen. Partes de la suite, diferenciación en compás y coreografía, lo que nos hará
diferenciarlas los compases el ritmo que tiene cada una. Comenzamos por la Allemande, es
una danza de origen Alemán a finales de edad media o principios del Renacimiento. Pimer
compás incompleto, Aracus, antes lento luego dinamismo cuando se introdució en la suite. Es
un compás de 4 por 4. Compás indicador e compás es un tipod e fracción. Tiene un significado,
lo que equivale al denoinador indica el tipo de figura musical que carcteriza el compás, y el
numerador ( la arte suoerior) indica la cantidad de esas figuras que caben en cada compás.
Simbolismo numérico: el cuatro equivale a la negra, cabrían 4 negras en ese compás. Esto va a
ser lo que nos va a permitir diferenciar auditivamente cada danza. Primer pulso aabajo, el
segundo ixquierda, tercero derecha y cuarto arriba. La danza da juegos de brazos, movimiento
va acmabaidno a más vivo, más explendido ejemplos de danzas de la suite: - para bailar - para
escuchar en los siglos XVII y XVI se diferenciaba entre danza y baile: la danza era de ambito
aristocratico (como el minuet frances) y el baile era de caracter popular (como la zarabanda)
La Allemande Courante y la Gigue eran danzas, la zarabanda era baile Partes de ka Suite:
Allemande: Danza de origen aleman, que surge a finales de la edad media o comienzos del
renacimiento, comienza en anactruz, no esta completo, el movimiento o velocidad de la
alemana era quito pero luego tenia ams dinamismo, primero existia la elmanda como danza y
luego se le da una velocidad mayor es un compas de 4 por 4. hay que saber que hay un
simbolsimo hiemrico donde un compas de 4 entran negras, en los compases de 3 por 2, el 2
significa blanca, por lo que entran 3 blancas. con 6x8, significa corchea, el indicador de compas
indica que hay 6 corcheas la figuracion del allemande es un 4x4. compuesto por 4 negras se
marca el primer pulso abajp, el 2do a la izqda, el 3ro a la derecha y el cuarto arriba “danzas de
la suite barroque La allemande suite barroque” conforma avanza la suite estas danzas dejan de
ser para bailar y pasan a ser para escuchar. allemanda de bach para suite de violoncello
interpretado por Mag?? gran cellista actual yo-yo-ma (...) Suite (SHAZAM) en este caso la obra
tiene calderones: simbolo que se coloca encima del compas que indica aque tiene que pararse
en es anota, de mod que el ritmo es libre. hay un compas que es libre pq varia segun el
melodismo no es una allemande tipica, es allemande en el nombre pero musicalmente puede
ser otra cosa, es libre por estar plagada de calderones courante: Danza de origen frances, es de
compas ternario, o bien comparte 6x4 o compas de 3x2. el 6x4 indica que entran 6 negras en
un compas. y el 3x2 que entren 3 blancas en un compas si dividimos las 3 blancas en el inferior,
indica que hay 2 negras 3 blancas duran lo mismo que 6 notas negras se golpea mas el primer
pulso, esto es lo que caracteriza a la courant hay una courant que se bauila, y otra que se
escucha, como mismo pasa con la allemande coreograficamente lo que la diferencia es que en
la allemande se usaban las manos y entrelazamiento de brazos, en la courant lo que hacen es
el flexionamiento de rodillas allemande: 1…2…3…4 courante: 1(reforzado)…2…3 *casi toda la
musica que escuchamos esta en compas 4x4* cougarte no para bailar: bach-orchestal suite nº1
in C major BMV 1066 usan un oboe de madera. el que es de color oscuro es por seer de
mandera de branadillo como los clarinetes zarabanda: se dice que tiene origen en america del
sur o centra, en reguiones de minarquia hispanica, se traer a la españa peninsular y de ahi se
extiende a Europa españa en los XVII y XVIII tenia grandes propiedades en el atlantico este tipo
de musica popuilar se caracteriza por el ritmo extremadamente rico. la zaraabnda pòpular
comina dos compases: 6x8 y 3x4 y la estilizada 3x2 la zarabanda popular combina los dos
cpmpases en la misma pieza em vez de tener 1…2…3…4 tiene 1…2…3…1…2…1…2…3 esto tiene
que ver con la cultura de los indigenas, la poblacion europea, y los provenientes de africa,
dando lugar a un gruo de musicas de bailes interesantes zarabanda de gaspar (...)??? tuiene
elementos muy vivos y sensuales, por lo que en españa peninsular estaba prohibida bailarla
por considerla obscena hay aunucios donde prohibian a la poblacion bailar zarabandas esta
referencia de andar de zarabanda se indicaba para referise a que se hacia lo que no se debia
hacer se siguio tovando y bailando pq no se atendian a las prohibiciones zarabanda estlizada:
va perdiendo su acarter ritmico, se vuelve lenta, con una mezcla de un 3x2 acentuando el
segundo pulso 1…2(acentuado)...3 zarabanda de handel in D minor HWV 437 (La Folia) la folia
es una melodia concreta que se asocia a españa, loq ue ocurre es que no era de españa, era de
portugal, venia de la zona norte de este las foliadas gallegas estana sociadas a las portuguesas
gigue: origem briyanico, se caracteriza por cmpas de 6x8 y coreograficamente lo que la define
es el movimiento de pie “gigue pour una femme” giga para escuchar: “orchestal suite No.3 in D
Major BWV 1068 V. Gigue Bach” 1. courate: 3x2 2. allemande: 4x4 3. gigue: 4. zarabanda:
Diferenciacion del compas

31/03/22
Vamos a ver varias clases que tienen que ver con la forma musical.

La forma musical se construye que obra pensando. En eun asinfonia ya se que el

primer movimiento va a tener una forma sonata. La forma es la manera en que las
obras se estructuran musicalmente y los copositores piensan generalmente en esto.
Que forma va a tener cuando hablamos de forma cuando los músicos la analizan al
suelen establecer con letras. Puede ser uan forma lif ABA, es decir el compositor hace
uan primera secciona qu e lalama a material temetaico, luego al parte b y la parte a
uan forma tripartita que la encontramos en el lif.

Vamos a fer diferente formad ,uscales. Que es ele género, estes están relacionadso el
generop y al forma pero no son lo mismo.

Volviendo a la sinfonía esta es un genero. Si hay uan estruvtura de la sinfonía. La

sinfonía va a tener primer movimiento rápido que tiene forma sonata. Va a tener un
segundo tiempo lento que dependiendo de la obrea puede tener diferentes formas y
estructuras. Va a tener un tercer tiempo que tiene uan forma de minuet. Después un 4
teimpo rápido que puede tener puede ser forma orndon sonata o forma con
variaciones hay difrenetes opciones. Esteo es el generoe ets aformado pro diferentes
moviemientso y cada uano tendrá uan forma. El primero esta muy bien establecido el
tercero también y el segundo y el ciuarto dpeenden del compsoutor puede tener otras
formas. Esta relacionado.

Se usa muchas veces el mismo nobre para el genereo y para al forma.

La forma sonat tuvo mucho éxito ene l lclaicismo y se usa en los primeros de sinfonía,
‘rimeros de sosnata, y primeris de conciertos.

Lo que ocurre es que hay veces que hay formas como al sonata o bien nso referimos a
la forma sonata o bien al genero. Si no los acalramos no sabemos.

Acabasmo e ver el genero sinfonía.

Comoe s el genero sonata pueden ser de tres o 4 moveminetos. Ene l casod e4 puede
ser la misma estruvtura serioa lo mismo porque la sinfonía no es otra cosa que uan
sonata orquestal. La sinfonai es al sonata orquestal y siu la estruvtura que estamos
veindo es la misma como distinguimos uan sinfonía de una sonta? La sonata es música
de cámara esa es la diferencia pero estructuralmenete es lo mismo.

Vamos a ver difrenets oarmas musicales las mas relevantes que muchas vecs también
están vinculadas con el genero.
Vamos a ver la suite: un genero pero tambeun veremos que alguanos usan este
nombre para designar uan deyterminada forma hoy lo vamos a estudiar como genero.

Podría tocar la orquetsa una suite o no? Si,

Un solista también podría.

El genero suite no teien esta distinción hay suites orquestales y als hay para música de
cámara no hay esta separacaion que vismo para la sonata.

¿Si tenemos un cantante y una pianista?

La suite es uangenero isntruemntal no lleva voz. Las características también de los

instrumentos o la ‘resencai d evoz o la auxencai nos ayuad a asaber donde estmoas.
Son muy importantes ene el barco determinadso generso instruemnt5ales stenemso la
suite el concierto y al sonata barroca. Los géneros mas empleados después hay mas.
Esos son los mas revlevantes.

El origen histórico d ela suite. Cuando hablamsod ele origen de la música académica
decaimsoq ue surge d ela iglesia… paraleelmaenre aesto en ela época mediavela y
después en la remacentismta los ministriles que inter`retaban música profana no
reliegiosa dentro de esta música era muy importante la música para bailar. En este
cado los ministriles eran los que hacían este tipo d emusica hacían música para bailar
para que bailarae el campesiandso también empezarona ahacer dentro em¡oco
música de baile para los aristócratas y los

Se vana a ir popularizando cada vez mas. Estas danzas quye hacain los campesinos se
vana a ir convirtiendo en danzas cortesanas. Esta separación enter la muisca de cotret
academiuco y la que no lo era uan va abtermianr influyéndose en otra. Los cortes
academic9d van a empezar a hacer msuiac d edsanza. Se reinian los grupsi d
enministriles que no posina tocar en cauresma para tovcar en donde se tuvieran que
reinir y así se intercambiaban estilos.

Van a empexar también a componer una misa y después hace uan suite ya no son
muiscos que no habaln un solo idioma son bilingües. Las danzas se dividían en dos
grandes grupos unas eran las danas bajas y otras las danzas altas. Esto hace referencia
a lo de bajo tenia que ver con el paso eran muy a ras del suelo y als altas pegaban
saltos, las bajas masa cerca del suelo y als latas dando saltos. Tenían que ver también
las danzas bajas que eran lentas y las altas rápidas.

Como los cortesanso cada vez empiezan a bailar esta msuiac se va a empezara editar,
había difrenetes bailes. Lo que van a hacer es a editarlo como los editaban, eran
colecciones del mismo bailes editaban juntas uan serei de gavotas en otro uanserei de
minuets. Lo que ocurre es que yo voy y me contartan para trabajar en una casa
aristog¡crática, lo que empiezan a hacer los isnterpretes es aranr y organizar el baile.
De este cojo la gavota tres, de este un minuet dos y yo como interprete eran quien
organizaba la serei que se iba a hacer. Esto poco a poco se iba haciendo mas y mas
hasta recibir el nombre d esuite que es e¡serei pero no lomcomponian los muiscos sino
que ran los interpretes que hacain la selección de estas danzas.

Van adecidir se va a ir estandarizand uan lenta uan rápida una lenta uan rápida.
Cuando terminava con al danza alta estabaj cansaddos y metían uan lenta. Esto es uan
decisión prefprkmativa e interpretativa que podterioremente va a terminar por
decidirse yo ya voy a inscribir una danza tras otra.

La suite cuando nace va a tener mas importancia en Francia. En francai al opere va a

tener después de expandirse `ro Europa va atener mucha importancia pero no había
uan globalización lo que va a ocurrir es que había nbasatante diferencia entre la
msuica de los países había difrenecia entre lo que se hacai en Italia y en Francia. La
opre afrancesa se diferneciaban de la italiana en mucahds coass le daban en italia
mucha improtancai a al melodía obars cantables los francese no les imprtaba mucho. A
los italianos no le simporaa ytnaotoq ue el argumento fuera coherente como que fiese
defácil recordación pero uan tercera difreencai es qu e en las operas francessas el baile
el ballet era constitutiav de ssats en al soperas italianas no era algo esencial. El ballet
en las francesas el ballet era fundamental.

Luli era el nova mas del momento loq eu ocurri es que se represnetaban estas operas
uy en el medio iban teniendo partes bailadas como estas eran un gran acontecimeinto
es que esas partes bailadas se extarian de la opera y s einter`retaban solas. Eran partes
bailadas sin canto y se inetrpretaban en la casa de determinado aristócrata e incluso se
podían llega a editar y eso daa origen a al suite. Lo que erea en el ef’ondo era un
popurrí de bailes lo cual resuktaba un pco problemático poruqe no había unidad.

Se consigue mediante dos procedimientos. Uno era poner las danzas en euna mu¡isma
tonalidad. Uansegunda cosa era poner uan primera parte introductoria que no fiese
necesariamente uan dnaza y que hiceira como d epresentacion de los de depseus.
Como comenzaba uan opera con la obertura y depseus los bailes. Posteriormente
cuando se va a hacer unas uite orquestal teien uan parte 1ue es la obertura. En el
cxasioq de que no se para opequesta es lo mismo. Esto era habitual ue lo tuveiran no
imprescinduible pero no era bastante habitual. Los músicos tomaban esatas oberturas
y después las danzas. Mezclas las danzas. Que es en el fondo lo que hace uan persona
que poen musiac en un pub. Lo unina de uan determinada manera.

Vmaos a oír uan de estas obertura de lully . teniand ua etsructyuar uan parte lenta uan
m’arte inetrmedia mas rápida que eran un fuga textuar contarpuntistica de polifonía
horizontal y después la parte lenta. En ela música franxdea era muy habitual el puntillo
ue va ser muy importante em la suite poqrei se va extender pro Europa.

(hay un mi y se indica qu hay que hacer un re no s epone pero se indica) Es un

polifonía. La paret rápida solía ser uan fouga esta textuar contrapuntista.
(el bajo continuo es uan línea armónica que no dej ade sonar en ningún momento y
que sire como base d ela armonía, es un instruemnto polifonico de tecla que puede
hacer varais cosas a la vez uan guitarra un arapa… y un instruemto melodico el calve y
uan vioal da gamba por ejemolo. En la escrutura ese bajo continuo se escribe sin mas y
otras se escribe lo que se llama el cifrado en este caso siq ue esta escrito el cifrado. El
que toca el clave le dan esta taquigrafai y le ponen numero es¡nciam que es el cifrado,
mo teien escrito el bajo cifrado)

Se va a establecer una serie eso pro un lado va tener nadante éxito se va epandir
aotra partes de Europa a itlai no mucho. Pero si va a tener mucha imprtancai en
Alemania y muchos compositores alemanes van a hecr suites. Cafda zoan tenia susu
pecualidaddes estilísticas. Serán dos corrientes muy importantes y a la vez
diferneciasdas entre si en el barroco sva ser muy importante en Italia se va a hacer
algiq ue se conociócomo los gustso rei¡unidos. Que hacain los an¡lemanes estsao
cogain elementos propios del barroco francés y elementso propios del barroco
italiano.

Entonces en las suites se va a dar esto de lagauna manera es uan unioion europea esta
relación en als suites entre las difrenetes zonas de Europa. Poco a poco el genero suite
va a hacer ay un estándar que baile va primero y cual des0ue poco apoco lelgan a esta
estanfarizacion. Podía tener un preludio era común pero indispensable. Luego la
allemande, alemán origen, courante que el origen era francés, zarabanda hispano
america, se dice que del reinado de nueva España, ocupaba mexco la mitad de estados
unifad y buena parte de ,so que es nueva america. Se cree las argumetacione smas
fuertes es que fue en nueva España. En todo caso era uan danza hispana que tuvo
mucha importancia causo mucho furror y que se considerba miy lasciva, era
orignalmenet uan danza cantada que tenia textos que se consdideraban lascivso y al
manera de bailarse también se consideraba . Felipe 2 en 1583 la va a prohibir. Va a
tener mucho éxito en francai y después en Alemania. Va a ser tan estilizado
fundamental mente pro llully la letra se quito y se arregla el pron¡belma de la lascivo
textualq se cambio completamente y paso a aser un baiel lento,. La Giga.

era uan serei de danzas dostintas tanrto pro el tipo de danza como pro al procedencia.
Este es elestándar pero no siempers e hacai el estándar caundo ya esta establecido no
siempre. Como s e alterba de dos manersa una era haceindolo pero incluyéndolo aquí
otro tipo de baile eso era uan mer y la otra era no haciéndole ni caso ordenabamos las
danzas como si no hubiese ningún estándar.

Lo que estamos hablando ahora la clase de ayer y hoy es de la suite barroca. En el siglo
19 vamso a encontarr algunas obras ue se les da el nombre de suite pero que no son
esto. Hay quien lsa disyingue llamando suite antigau y suite moderna. Es un genero
barroco que es cierto que en el siglo 20 como va a a haber uan corriente neoclásica
que recuerda elementsi de diferente eopca hay autores que escriben suites al estilo
barco a la antigua.

Entonces la suite es un genro o una forma? Es un genro. Pero igual que hablamos que
hay uan unidad que utilizan para als diefernets danxas ajhay outafq ue viendada por la
forma es decir pro la estructuar d ecad una de estas. Y esa forma cual es? Una primera
parte que se repiete y uan segunda que se repite esta se va a llamre forma danza y
forma suite. Las danzas van a tener esta estructura AABB. No hay uan gran difernecai
enstre la a y la b son muy parecidas en lo que se distinguen es en la tonalidad. Es
banatante difícil. No es como en ña sonata que el tema a y b son muy difrenetes esta
es la forma que van tener todas y cada uan de las danzas que vamos a encontarr en las
suites.

BACH CELLO SUITE ALLEMANDE N3 – La única deiferencai entre a y b es la tonalidad el

tema es lo mismo. Una esta mas grave y la otra más aguda.

Las primeras suites que se hacen que componen compositores academicso se vana
hacer para bailar. No esta pensada para bailar. Como la empiezana elabora tanto va
afuncionar c0mo primer numero de las suites.

SARABANDA DE LA SUITE PARA CLAVE EN RE MENOR HÄNDEL

Esta si que se bailaba un baile coreografiado que se hacía muy lento.

EXAMEN

---4 primeras decir formato

autor

titulo y

época. Medieval romanticista, barroca, siglo XX. Clásica. Renacimeinto

Formato si es vocal/coral, para orquesta sinfónica, música de cámara o si es para

banda.

Las obras que hemos visto en clase las que entren están en el campus.

---Una quinta de ua obar que tenmso que decir el formato y la época.

PRUEBA
1ª obra: orquesta sinfónica se oye uan agrupación grande si oímos violines e suna
orquesta sinfónica sin duda. Sinfonía numero 3 de beethoben.

2ª obra: música de cámara, amarilin mia bella, barroco.

3ª obra: coral, música religiosa hay varias melodías confundir el canto gregoriano con
la polifonía contrapuntística del renacimeinto las dos son religiosas, uan voz entra
después haciendo otra cosa. Es renacimento o magnum misterium, thomas.

4ª obra: banda, Soutullo la leyenda del beso, siglo XX.

06/04/22 interactivas

EL CONCERTO GROSSO

A dinales del 17 s ecera este esta constaba d eunpequeño hrupo d esolistas ñalamdo
concertino y otro grupo d emusicaos mas grande llamado groso tuti o ripieno el
conecrtino era formado pro dos vielines y el chelo y ripieno violas bajos y violonchelos
a todos elelos se le añade el bajo continuo qie nos iempre se solía escribir en la
partituras.

Estso tenían un cochertale que signig¡fica cincordar de ahí el normbre de concierto los
primerso conciertos grosos y sonatas a trio son semejantes ya que son los
antecedentes del conscietryo groso. Concertino hace sonat trio y el ripieno refierza.
Las sonatas en el concieryo grsos promocionaban los concieryo groso naceiron en
roma.

Los editores en auella época en lugar de prublicarlso los concerti grsosis completos los
publicanban con etsa parte que seri auana sonat trio.

EJERCICIO

Tenemos que fijarnos ne el cocertino preimero y luego miarra el groso para sabre que
instrumentso sdel concertinno se inspira cada uno del groso

Lo que suena simiultaneamenete s lo que veso verticakemente entre los compases.

El violín 1 del grosso se isnpira en el concertino

El violín 2 del grsso imita al segundo del concertino

En la viola es clve de do en tercera. La viola en este siempre esta un poco ocmo el

instrunento intermedio entre unas cosas y otras. Algunas imitara a los violines del
concertino y otras a los chelso del concertino.

Un acorde suena no suena disonante suena bien. Primera inversión y segunda

inversión. Las piezas suelen acabara en estado fundamental.

Esarrollo histórico del concerto groso durante el barroco.

Ajendro estrabela esta considerado como el primer compositor del concero grsoso el
primero que dividio a dos grupos instrumentales. Realemnete el primeroq eu utiizo el
nombre de concerto grosos fue Giovanni loreno gregori. Reakemnete el gran
compositor de concerto Grossi es arcalngelo corelli. Vivaldi, Haendel y Bach
compusieron concerto Grossi inpsirandose en este.

20/04/22

21/04/22

05/05/22

LA ÓPERA

Se representan en salas grandes. (leaderes des houber)

La opera es con uan orquesta tiene que tener especialmente canto y hay otro
elemento fundamental de la opera, las operas generalmente tiene un aregumento uan
historia porque es un teatro.

La opera es necesariamente música escénica. Es uan representación escénica musical

si no hay uan trama una historia o una represnytacion historiac no es opera tiene
todos los elemhstos del taetro, tein música, los actores y tein que ser cantrado.

No todo lo cantando es opera hay obras ue son para coro y orquesta q nos olo son.
Teien que tener uan representación y generalenhet varios personajes teien que ser
esceneica es un genero escenico. Una obra va tener varios actos.

Dentro de este generoq ue es la opera que parte suele tener.

Obertura: no 100 % la teien pero si la vemos.

Arias:

Recitativos: este elemento lo van a tener todo el rato ya dema smuy present6e.

Otros que suelen estar son coros y ballet o danza (no necesariamente)

grandes géneros que encontramos dentro d ela opera. A la hora de estructuraralo

puede dividirse en actos ya mola vez en escenas. En al segunda mitad del 18 se crae un
referencia un escritor metastasio iba a crear un estilo paraca acerlas mas barato que va
consisitir que enlas escenas en ñlugar de cambiar de lugar para ahorar metastasio
inevnto algo que era que el cambio d eescena se daba por la estntada y salida de los
petrsonajes. Estab haciendo por eejmplo un duo me iba y ahia cabaiaba la escena y
entraba otro epsronje y ahí se empieza a hablor de arias de personje, canat un arai el
protagonista que se llama aria d eentrada canto y aria y después me voy eso era un
arai de salida. Esto es algo q se hizo en Italia por metastasio.

Estas son las grandes partes.

Que tipo de operas existen.

Opera seria:

Opera bufa: se lalma así pq era el argumento cómico.

Despue hay otros tipso de msuica escénica digamso vinculados a la opera que con
propiedad no son operas. La zarzuela por ejemplo es música escénica y se diferencia
de esta en que la xarzuela al ser unntema hispano al sere esto evidentemente usan
musicas que proviene del folclore así notamso uan diferencia con uan opera peor la
diferencia no es tanto esta la difrenecai basiac es que en al opera se canat de principio
a fiun mientras ue hay otros géneros de música escénica en la que hay partes habladas
entonces la zarzuela teien parte habladas y als otras partes son cadntadas comos i
fuera una opera esta es uan difernecai fundamental. En el s 18 lo que había en Madrid
por ejemplo uno era el peral q ahia hacain opera… el del príncipe.

A parte d ela zarzuela en Alemania se hace lo mismo también hablado el singpiel es

musiac escénica en las que unas parets son habladas y otras cantadas la mauor parte
es cantad siempre. La faluat magiac pero ejemplo con propiedda es un singspiel de
mabera un poco laxa generalmente decimos la opera la faluta… si queremos habkar
con propiedda serai esto. En francai pro ejemplo era la opera cómica francesa que
también tenia su propio teatro susu partes habaldas y susu partes cantadas. Etsas son
las grandes tipologíuas de música escénica.

Como nace la opera en el principio del barroco la camerata florentina la vcamerat

barbi van asre un gripo de intelectialies algunos m8scaos y se reunían y discutían sobre
esto entonces se empeu<zan apaltear dos cosas pro un ligar van en contra de la msuica
que se hacai hasta el momento que era la renacentista palestrina… estso compositores
hacain música en que textura en polifonía contrapuntista estso van a argumentar que
esa manera d ehacer jsuyiac iba en detrimento d ela composición del texto. Como
entraba uan antes y otra después el texto no se entiende y ellos vana a defender la
comperncsion del texto y decai q ue como cada melodía empieza y termina en una
nota teien un mdoo difrenete y carácter digrente. Había detreminadso modos que
craeban un estado de animo detreminado. Entonces ellos vana defernderq ue etsa
manear de hacer jsuica no e sla adecauda poriqe le texto pasaría a uan segundo lugar y
no se lograba entender beine. Entonces vana a ghecr uan textura la melodía
acompñlada es muy importante este momemhto no solo proqt¡ue se inventa un
genero como al opera sino qp se empieza ahacer esta textuar en la época que va traer
estas consecuencia va a lelvara aque nazca la tonalidad. Esto por un lado y por otro
estso vana mirara ala antiguaedad geiega y van decir comos e hacain las tragedias que
ocurría que ellos tenían los textos de las tragedias pero eso no queier decir que
sugiearn comos enhacin las tragedias tenemos una película y lo que nso llega es el gus
hay muchas partes quennso perdemso tenían los textso
Van adefender que la msuca no estab solo presente en el coro sino a lo largo de toda la
tragedia y vamsos ahacer targedias griegas comos e hacin en la actualidad siempre
sigyiendo su interpretación. Loq ue van a hacer es que van a coger la poetaica de
Aristóteles uno d elso libros esenciales de la antigüedad este es el primer tomo d el
poetaica de Aristóteles la primera aret trat sobre la tragedia y la segunda sobre la
comedia. Solo conservamso al parte de la tragedia.

En esta targedia ellso leen aquí la definición detragedai que daba aristolteles es así la
tragedia la imitación d eiuan accione levada y perfec6ta en exetnsion con un lenguaje…

Ellos lo que interpretan lo que quiere decir arsitoles que va ser importante por esto es
que una parte es completamente cantada que sabían que era la paret cantada de los
corso y otra paret no era propiamente habalda no era ornada y era uan aparte que s
ehacai d euan manear intermedia entre el canto y el lenguaje hablado lo que es
inetrmedio entre el canto y el habla. Van a empezar a componer operas que como
también queriasn imitar las targedias griegas de temas mitológicos va aset básico el
recitativo y el coro. La primera que se conserva es de 1600 de Jacobo se lkam euridiche
por el mito de Orfeo. Estas `romeras operas eran muy aburridas poqre era recitativo
tras otro tras otro.

(recitativo entre el lenguaje cantado y ornado).

Seguramenet el invento d ela opera no hubiese pasado a la historia si etsa gente

hubiese seguido haciendo opera. La mayoría de los que formban al acmara no eran
profesionales va allegar un musico profesionsla montevrdi que va a hacer opera sabai
componer perfectamente en la vieja paractica pero se empieza a interesar pro la opera
y va a hacer su Orfeo que es del 18607 y que de alguna manear hace que el genero
cobre vivacidad e improtancai y que poco a poco los compositoers erieos hagan opera.

Oprimero no se ba a reducir ala apertura de melodía acompañada la ava ampliar pero

tambei va ampliar textuars. Va a empezara aintriducir pasajes instrumentales al
principio o también para intermedios instrumentales va a aparecer al primera arai y
después introduce corso danzas y le da una viveza dramática un valor dramaticoq eu
no tenían hasta el momento las operas.

Vamos a oír algunas audiciones del Orfeo d emonteverdi hasta el momento la opera no
era publica solo se hacia en casa de genet que contrataban a determijadso musicaos
para hacer estas represnetcaione si yo no era invitada yo no podía entrar y evr al
opera.

Vamos aver la primera aria da capo en las partituras se escribe D.C. es desde la cabeza
cuando ves eetse simboloe s que si teiens una partitura teien que volver al principio. El
copista se evitava tener que copiar uan parte que ya estaba .
El aria da capo es al que tuvo mas éxito d etodas hay otraos tipso que consiitia en lo
siguiente había uan sección a uan b y depsue sel cantante tenia que cantar otra vez la a
pero adornándola loq eu quiere decir que los adorno que el ponai el cantante era de su
inevncion va afuncionar bei pq para los copistas era mas fácil pero sobre tdod los
cantantes se podían lucir y ahia aprovechaban el da capo para lucirse. Después hay el
aria estrófica que es simplemente se repite la misma música la estrofa es difrenet el
texto AAA. Hay el aria de dos pates que simpelemnet AB no va da capò.. hay un aria al
signo que repite en lugar desde la cabeza se ha puetso un signo que s erepite aui pero
no completo. Esta es al calsifiaccion d elas arias degunda la estructura. Hay
segundificultad de colatuar y de bravatuar mas coimplixada.

Monteverddi en esta primera opera hace loq eu se ha considerado ene la historia de la

musiac la rpimera arai da capo con propiedad no lo es si que hace esta estructuar qpeo
el a no se adorna si feusemos estrcutois no seria un arai da capo. Los muy puristas
dirían que no lo es poqreu cuando hace a no es muy diferente.

Otro elemensto de loq eu hace montevrdi es el uso de la música instrumental como

lago constitutivo e l lo usa también d emanera estructural. Como un elemnto que sirev
para unir difrenetes secciones. Lo poen otra vez para unir las diferentes partes.

Hay una tercera parte aun es para ver como el no le va a huir ala textura
contrapusntista el se aleja de loq eu habían plateado hasta el momento hubiese sido
un experimento mas se ni hubiese llegado a monteverdi.

Entonces lo que va aocurrir a partir de aquí cuando empeuza a tener vuelo le meten
parets intruemntale sya no va ser recitativo y coro va a aprecer el arai y el ballet o
como aquí la danza que no teien porque estar pero ene l caso d ela ope francesa va
aser importante. Va a avanzar el siglo 17 vana aparecer tres stipos de arias y arioto
intermedi0 netre recitativo y aria.. Va haber dos tipso de recitativo el seco y el
acompaño el seco era en el que l cantante estaba compalado pro el bajo continuo
entonces si oímos un recuitativo y suen atambien un clave uan viola da gamba es seco,
nosllega con oír un violina para saber si es seco o COMPAÑDO EL SECO SOLO TIENE
QUE ser el continuo el acompañado es algo mas que el continui puede ser un violina
ma so la orquesta. Si oigo que no solo esta el continuo sino un isntruemnto mas que lo
hace este es recitativo acompañado. Los recitativsoq ue se hacain en este momento
eran secos peor va a leggar un compositor que es Alexandro escarlati y va aintroducir
ciertos elementso en la opera que se van atomar después enter ellos introduce esta
difrencai rectativso secos y acompñadso esto le daba mayor riqueza nso olso había
contraeste enter ceitaivo y aria sino atmebiene neter slo rpopiosn recitativos. Los
recitatvos se usacban para tener mayor velocidad garmatica op gdramatica? el aria se
usaba para parar en algún sentimiento o reflexión (ataque de celos, erfelxiona canat
un aria).

Este alesandro le va adar todavía mas contraste.

El estilo conchitato d emonteverddi se poen a veces hay un rpobelma de expresivadad
en als obareq eu se gacai sigue habiendo un rpobelna de eritmo entonces dice hay
varios tipos de ritmo uno es el mole y otro es eomque es mas raoido y el va a jugar con
estso tipos de cambiso de tempo. En este recitativo lo que el da expetrsividad drmatiac
es que algunas parets son ams rápidas y otras mas lentas loqva aintroducir nen s q y
Florinda.

Este contreaxte ritmico también le da excpresividad drtamtico no solo la alternancai de

recitativos y arias o los tipos d erecitativos.

Emp’eizan a atener los comositores clicehs el drecitativo para avanzar enal historia el
aria para expresar emcion, y cuando se divide el seco menso emotivo y caundo hay
uan apret m,asa dramática lo habitual es el acmoppañado vana tener cliche sqye vana
a empear a gustar a sloc ompsoitores de la época.

Poxco a poco es un gerenrai que va ir aoyras aprte s de Europa un lugar importante en

el siglo 17 va ser la opera en francai fuindamentalemnete con luli entonces que va a
ocurrir los francese van a conocer la opera italian digamos que teien un éxito relativo
porque por un lado vana uerer hacer es emismo henro en francai rooqye por otrao no
les gustabanlas caracreristicas en las italiansa eran contratenores que para maneternre
uan tesituar aguad hacían este tipo de voz a los franceses eeso no les cgustaba por ello
no los meten que para ellos otra cosa es que las operqas uitalians eran sin sentido la
unifadd narrativa no se repsetaba ellso creían en ella que tiubiese conincidencai loq eu
etsabna contando.

En Italia lesgusatab mas euq feuran efectivas y que els gustaba que los cantantes se
luceiran que rain que les cataran el personaje la soprano pero yo quiero aquí unarai d
edalida entonces le le componía de etsa maear efectista. Los francese en contra vana
ahecr uan opar donde la unidad narrativa fuese importante un elemebto es que en el
mundo francés el ballet era muy impritante en als operas se va a hacer con farnces
para este siglo 27 las mas importantes eran al italiana y al francese tb se havai en otros
lados pero estso eran slo dos estilos.

Vamos a escuchar uan opera francesa de luli llamada atys. Típica opera fracesas uan
coas fubdamental es que todas teie ballet.

Algo importante en la historia d ela opera en 1637 cero se hace la primera opera
publica en Venecia deciden que no quieren depender tanto d ellos empersarsio
mecesnas o quein tenga el poder se presenta la publica en un teatro y posdisnas entrar
pagando uan entrada a partir de ahí va atener consecunecais y avan atener que
agrafadr al publico culto y no ulto primero empiezan metidnedo personajes jocososo
melodías masa faciels d erecordar hay un cambios usutancail en la italiana.

Tenemos esta opar la de antes francesa ue es como el referente va a ocurrir algo a

mitad del 18 y es que va a ir uan compañía de opra a parís y ava repsrentar al serva
padrona de pergoleci es una de las operas bufas tipocas estos e considera un modelo
pergoleci haba hceho esta para intercalar enter un acto y otro pero tuvo muchoi éxito
y aquí se empezó a hacer sola esta opera se va representar en parís en el 72 y va acraer
uan disputa idealogoca si debe ser iutalian o francesa. Eran farncese peleandodse en si
si lo mejor eranlo francés o italiano.

Vamos a oír el inicio de est qopera de pergoleci. Uan d elas cosas ue difrencaiab a al
francesa d ela italaina es que esta le daba mucha importancia a al melodía todo iba
dirigido a que esta melodía se entendiese bien mientras eu la francesa el daba
imprytancai a al atrmonai etsa erab mucho mas densa.

Los acordes son muchi menso densoso no s escriben todas las notas solo algunas de
manear que la melodua sobresaliera cuando vana parsi un grupo de intelectuales y
musicaos entre los que estab rouseauempiezan adecir que se dverai hacer msuiac
como en Italia seguarmenet pro sespeto poqteu rousea, jay una gran disputa que se
conoce como la querella de los bufones y rouseau va aplantear que son se puede
hacer msuiac en gfrnaces que no hay jusiac farnces ay si la hay pero para ellso y
empieza la disputa de si hay idiamos musicales o no no era solamente esto era
también al manear en la que se trabajaba la musiac todo vaya dirigido a resalatr esta
melodía.

En al opera italiana tenia muchao mas peso esto que en la francesa los que defendían
la paret d ela francés defendían que estso hacen ma,os argumentos.

Denhecho rouseau dice que gracias a esta disputa se evito uan revolución en francai
como etsabn tan metidos en esto no discutían de política. Estas dos tipologías d
eopera la italiana y al francesa que se vana confrontar poco a poco se va a ir diuyendo
poqreu de alguna manear la italiana que se va aconvertir en universal toamn también
de lo francés al imprtancai del argumento.

Entonces av a llegar christopehr glub que va a establecer slo aparmetrso apars lo

operas prteriores que dice que lo que de verdad imprtan es la expresividad drmatiac y
lo que se dediac a ello. Yo no tuev ninguna afán yo lo meto dsi me sirev para lo
dramático no cedi ante ningún cantante no iba aa hacer parte svirtuosisimas ns q. es
el primero d euan serei de compsoitores que se va centarr mas en esto s eva diluir un
pco la difrenecia entera ala italian y la francesa.

Vams0 a oír algunas partes d ela flauta mágica de Mozart. La compone jsuto cuando
esta a punto de morir. Es un sigspiel pq eten partes habladas esta en alieman y para
muchos es como un rito inicioatico a la masonerai por ello hay ciertso elemshtso
vicnuladso al nuemro tres numerso sagrado para al msaneria y después entiende que
mas adealnte que hay un ritmo inicial que la obertura tuviera lelacioj con lo que veien
después. Resalta el tres esta simbología d ela msonería. Tiene bastante simbología
enter la luz y la noche. Hay un personaje el cómico que es papaguen aque es el
pajarero que le cuida los pajarso als reina de la noche es unpersonje popular.

Mozart aquí hace algo que va a sere usdo mucho después ue es vincular un perosnje a
uan melodía concreta de esta manera que cuando olles esto ya sabes que va a venir.
Bagner lo va allamar leimotiv va aser un elemnto basuco que funciona muy bien.

esto criticabn la maera de componer de oipera y hacen este tipo de música.

Una de las canciones que hace papagueno que es un arai estrófica. La flauta mágica.

Vamos a oír el aria de la reian de la noche. Este es un ser maligno no es un personaje

cómico es un arai de bravura.

Posteriormente va asder muy importante para slo cambiso en ela mebra de hacer
opera en al segunds mitad del 19 un compositor Rossini muy importantes en al
correindte de ns q y después va a venir bagner habalba de la opera de arte ttalq ue
consideraba que todo tenia que estar unido de hecho bagner hacai todo llega a hacer
estas operas mucho mas largas y representa un cambio bastante dsignificativo en la
historaind ela opera otro elemento que vana a usar los compositore s ala ohora de
hacer operas esta relacionado con los tipso d eboces había dpeerteminados cliches
según el eprosonaje que feuse se usaba uan voz u otra.

Soprano – mezzosoprano-contralto (femeninas). Si hay uan rpotagonsita que es joven

soprano si es la madre mezzosoprano o a veces también se hace con genetd ela misma
edad protagnsiat soprano y amiga mezzosiprano se euga según el compositor.

Contratenor- Tenor-Barítono-Bajo Aquí también ocurre lo mismo tenor joven si

aparece el pafre abritono o bajo hombre sabio bajo.

Los tipso de tesituar que se emplean en las operas también determina el tipo d
epesronaje también es un cliche

Depsue sde esto estarain las voces blancas d elso niño stesitura aguada pero muy corta
que no teien todavía vibratos no teins un cambio de color un cambio muy potente.