VANGUARDIA

IVOR SÁNCHEZ CASTILLO 2ºD

 INNOVACIONES MUSICALES
HASTA 1950
A principios del siglo xx se producen enormes cambios sociales y
tecnológicos, y el arte no es ajeno a ellos. Existe la convicción
entre los artistas de que no hay principios clásicos ni verdades
inmutables, sino progreso histórico. Los músicos rompen con la
tradición y se lanzan a la búsqueda. Ese movimiento recibe el
nombre de Modernismo. Algunas de las principales innovaciones
musicales que se produjeron en la primera mitad de siglo fueron:
-La expansión o abandono de la tonalidad, proceso llevado a cabo
por Arnold Schoenberg y sus discípulos.
-Emancipación del ritmo de la métrica del compás e introducción
de métricas irregulares. Uno de los primeros en llevarla a cabo fue
Igor Stravinsky.
-La incorporación de sonidos novedosos o ruidos en la
composición musical, en particular por los futuristas y Edgar
Varèse.
 POSROMANTICISMO

Se desarrolló en Alemania, siguiendo la herencia musical del

Romanticismo alemán, en particular de Richard Wagner. Suele
emplear una orquesta de grandes dimensiones y se componen
numerosas obras de larga duración. Destacan Richard Strauss y
Gustav Mahler.

RICHARD WAGNER

Fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista,

dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo.
Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas
musicales» por el propio compositor) en las que, a diferencia de
otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía.

El principal legado artístico de Wagner son sus obras operísticas

tales como: Las hadas, la prohibición de amar, Rienzi, El
holandés errante, Tannhäuser y El anillo del nibelungo.

RICHARD STRAUSS

Fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya

larga trayectoria abarca desde el romanticismo tardío hasta la
primera mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus
óperas, poemas sinfónicos y Lieder.

Las primeras obras de Strauss muestran influencias del estilo de

los grandes músicos clásico-románticos, especialmente Robert
Schumann, Felix Mendelssohn y Johannes Brahms, manteniendo
en esto la fidelidad a las enseñanzas de su padre.
Se destacan obras como: Salomé, Electra y La mujer sin sombra
 GUSTAV MAHLER

En la primera década del siglo xx, Gustav Mahler fue uno de los
más importantes directores de orquesta y de ópera de su
momento. Después de graduarse en el Conservatorio de Viena en
1878, fue sucesivamente director de varias orquestas cada vez
más importantes en diversos teatros de ópera europeos.
De entre su obra, cabe señalar sus nueve sinfonías terminadas y
varios ciclos de canciones o lieder. Sus principales colecciones de
canciones son: Lieder eines fahrenden Gesellen ; el ciclo Des
Knaben Wunderhorn, basado en una recopilación de cantos
populares alemanes; Kindertotenlieder y las canciones
Rückert-Lieder, basándose en ambos casos en los textos del poeta
alemán Friedrich Rückert; también, la renovadora síntesis de
sinfonía-ciclo de canciones Das Lied von der Erde, con letra de
poemas traducidos del chino al alemán.
 FUTURISMO
Surgido en Italia, incorpora el ruido, hasta entonces despreciado
en el arte musical, como materia prima para las composiciones.
Considera que la música progresa acorde con los progresos
tecnológicos y sus sonidos: los ruidos de la industria, los
ferrocarriles, las maquinarias, etc. Destacan Luigi Russolo,
Edgard Varèse y George Antheil.

LUIGI RUSSOLO
Fue un pintor futurista, compositor italiano, y autor del manifiesto
El arte de los ruidos.
Luigi Russolo nació en Portogruaro, una pequeña villa al norte de
Venecia el 30 de abril de 1885. Su familia se muda después a
Milán, pero él se queda con una tía en Portogruaro hasta terminar
secundaria.
Sus principales obras son: Serenata per intonarumori e strumenti
1920, Il risveglio di una città 1913, Gorgogliatore, Ronzatore,
Ululatore y Crepitatore.

EDGAR VARÈSE

La música de Varèse se caracteriza por enfatizar tanto timbre

como ritmo, y en ella se acuñó el término de "sonido organizado"
para hacer referencia a su propia estética musical.​Su concepción
de la música refleja una visión del "sonido como materia viva" y
del "espacio musical abierto en lugar de limitado".​Varèse
concebía los elementos de su música en términos de "sonido de
masas", comparando la organización de los mismos con el
fenómeno de cristalización.
 En 1923, después de repudiar todas las obras compuestas durante
su período juvenil, el compositor dio a conocer Américas
(1920-1921), Ofrendas (Offrandes, 1921), para voz, e Hyperprism
(1922-1923), para dos amplios conjuntos de instrumentos de
viento y de percusión.
Entre sus obras posteriores, las más notables son Integrales
(1924), Arcana (1927) y Ionisation (1933​)

GEORGE ANTHEIL

Fue un pianista y compositor estadounidense. Fue co-inventor

junto a Hedy Lamarr de la primera versión del espectro
ensanchado que permitiría las comunicaciones inalámbricas de
larga distancia.
Hijo de William y Wilhelmine Antheil, propietarios de una
pequeña tienda de calzado, empieza a estudiar composición a los
16 años con Constantin von Sternberg, un alumno de Liszt, y
luego con Ernest Bloch, antes de que su falta de recursos le
obligue a buscar en 1921, un mecenas en Filadelfia. Ya bajo la
protección de la esposa de Edward Bok, que en 1924 había
fundado el Curtis Institute of Music, Antheil prepara una gira por
Europa como pianista y compositor.
Sus obras más importantes son: Ballet Mecánico y Sinfonía nº 3
"Americana".

NEOCLASICISMO
Surge como reacción a la experimentación sonora. Busca la
sencillez y la variedad de estilos y formas de la historia de la
música. Se basa en la tonalidad, aunque explora armonías más
modernas. Se pretende que la música llegue a un público más
numeroso. A este estilo pertenecen Paul Hindemith y Carl Orff.

PAUL HINDEMITH

Fue un compositor, violinista y musicólogo alemán. Hindemith

está considerado como uno de los compositores más influyentes
de la primera mitad del siglo XX; su aportación creadora abarca
desde el expresionismo hasta el neoclasicismo, y su enorme
catálogo comprende todos los géneros musicales. Ajeno y
 contrario al espíritu del romanticismo y el culto a la genialidad,
Hindemith reivindica la artesanía y la práctica musical: “Es mejor
hacer música que escucharla”
Sus obras más famosas fueron Cardillac (1926), Noticias del día
(1930), Concierto para Orquesta (1925), Concierto Filarmónico
(1932), Kammermusik (música de cámara) y Konzertmusik
(música concertante).

CARL ORFF

Carl Orff nació en Múnich el 10 de julio de 1895. Su familia era

originaria de Baviera y estaba vinculada al ejército alemán.
Orff comenzó a tocar el piano a la edad de cinco años y también
tomó lecciones de órgano y chelo. Sin embargo, se mostró más
interesado en la composición que en el estudio orientado a la
interpretación instrumental.
Se destacan obras como: Zaratustra, Op. 14, Gisei, das Opfer y
Carmina Burana, este último, siendo una colección de cantos
goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito
encontrado en Benediktbeuern en el siglo XIX, escritos por
monjes y juglares.
 EXPRESIONISMO
Nace en Alemania en la década de los veinte. El expresionismo
busca mostrar la psicología humana de una manera vívida y
violenta, a veces grotesca. Para ello se sirve de melodías
imprevisibles y erráticas, disonancias y nuevas combinaciones
tímbricas. Destaca Arnold Schönberg y sus discípulos Alban
Berg y Anton Von Webern, la llamada Segunda Escuela de Viena.

ARNOLD SCHÖNBERG

Fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen

judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1934, adoptó el
nombre de Arnold Schoenberg, y así es como suele aparecer en
las publicaciones en idioma inglés y en todo el mundo.
Es reconocido como uno de los primeros compositores en
adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la
creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce
notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de
la segunda mitad del s. XX. Además, fue el líder de la
denominada Segunda Escuela de Viena.
Algunas de sus obras son (el sexteto de cuerda La noche
transfigurada, el ciclo de canciones Gurre Lieder, el poema
 sinfónico Pelleas y Melisande y la composición coral Paz en la
Tierra).Primera Sinfonía de Cámara para 15 instrumentos (1906)
y su Segunda Sinfonía de Cámara para 19 instrumentos.

ALBAN BERG

Fue alumno de Arnold Schoenberg y perteneció a la Segunda

Escuela de Viena. Incursionó como ellos en la atonalidad y luego
en el dodecafonismo, escribiendo obras vinculadas a la estética
expresionista, pero su música tiene además una sonoridad que
evoca la tonalidad, con reminiscencias del romanticismo, y una
inclinación marcadamente dramática. Sus tres obras más
conocidas son el Concierto para violín y las óperas Wozzeck y
Lulú.

ANTON VON WEBERN

 Fue miembro de la llamada Segunda Escuela de Viena. Como
estudiante y brillante seguidor de Arnold Schoenberg, es uno de
los más conocidos exponentes del dodecafonismo; además, sus
innovaciones referentes a la organización sistemática de altura,
ritmo y dinámica fueron decisivas para el estilo musical conocido
más tarde como serialismo.
Algunas de las obras más importantes de Anton Webern son:

– Passacaglia, Op.1; Cuarteto de cuerda, Op.9; Cinco piezas,

Op.10; Sinfonía, Op.21; Variaciones para piano, Op.27 y Cuatro
canciones para voces e instrumentos, Op.13
LAS VANGUARDIAS MUSICALES
DESDE 1950
La tendencia a la innovación artística sigue vigente en la segunda
mitad del siglo xx. Algunas características de la música culta de
este período son:
- La incorporación de nuevos timbres: se experimenta
musicalmente con objetos cotidianos o se emplean instrumentos
convencionales de una forma no usual, como golpear la caja de
resonancia o tocar solo la boquilla de un instrumento de viento.
También se crean nuevos timbres con ayuda de sintetizadores.
-En algunos estilos, la desaparición de la melodía principal y la
importancia de la textura.
-Algunos compositores crean grafías musicales para representar
nuevos universos sonoros de ruidos y sonidos que no pueden
representar claramente con la notación convencional.
-Se desarrolla la atonalidad, el dodecafonismo, el serialismo,
etc. El resultado son melodías difíciles de recordar.
 -En el aspecto rítmico, la irregularidad de combinaciones
métricas provoca la desaparición del pulso constante.Estas
innovaciones provocan, en general, la incomprensión del público,
que da la espalda a tantas novedades y experimentos.

Simultáneamente, se produce el redescubrimiento y

divulgación de los grandes compositores de la historia de la
música y se retoman formas musicales de los períodos anteriores
(ópera, concierto, sinfonía, etc.). En la década de los sesenta
surge una reacción radical contra la música de concierto
tradicional. A partir de los ochenta, la música culta es
menos agresiva y muchos compositores vuelven a utilizar un
lenguaje más tonal con la intención de recuperar la aceptación del
público.Como en la primera mitad de siglo, no existe la unidad
estilística que caracterizó a otras épocas de la cultura occidental.
Además, algunos compositores experimentan con diferentes
estilos a lo largo de su carrera, incluso dentro de una misma obra.
Algunos de los estilos más importantes son:

SERIALISMO INTEGRAL
Es una técnica compositiva que utiliza series, grupos de notas sin
repeticiones que se emplean en un determinado orden. Los
compositores aplican los principios del dodecafonismo a los
sonidos y a la sucesión de alturas, duraciones y dinámicas. Las
series se repiten durante el transcurso de la obra. Destacan Pierre
Boulez, Karlheinz Stockhausen y Luigi Nono.
 PIERRE BOULEZ

Inició sus estudios de matemáticas en el Instituto Politécnico de

Lyon, antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de
Olivier Messiaen en el Conservatorio de París. También estudió
contrapunto con André Vaurabourg, esposa del compositor suizo
Arthur Honegger, y la técnica dodecafónica con René Leibowitz.
Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial
post-weberniano influido por Olivier Messiaen.
Aparte de su labor como compositor, Boulez fue un reconocido
director de orquesta, especializado en obras de autores de la
primera mitad del siglo XX como Maurice Ravel, Claude
Debussy, Arnold Schoenberg, Ígor Stravinski, Béla Bartók, Anton
Webern y Edgar Varèse.
Sus obras más importantes son: Le marteau sans maître (1955),
Ionisation (1933), Rothko Chapel (1971), Six Melodies (1950),
L’escalier du Diable (1985-2001), Black Angels (1971) y De
Staat (1972-1976)

KARLHEINZ STOCKHAUSEN
 De 1947 a 1951 estudió piano y pedagogía musical en el
Conservatorio Superior de Colonia (la prestigiosa «Hochschule
für Musik Köln»). También estudió musicología, filosofía y
lengua germánica en la Universidad de Colonia. Completó sus
estudios de armonía y contrapunto con el compositor Hermann
Schroeder.
En 1950 se interesó por la composición y fue admitido a final del
año en la clase del compositor suizo Frank Martin, que empezaba
un contrato de 7 años como profesor en Colonia. Simultaneó sus
estudios con varios trabajos, de obrero en una fábrica, de guardia
en un aparcamiento y de vigilante de viviendas de las tropas de
ocupación.
En 1951 se matriculó en los cursos de verano de Darmstadt,
centro difusor del serialismo y de corrientes vanguardistas afines.
Sus obras más importantes son: Gruppen (1956); Kontakte
(1960); Afinación (1968); Licht, « Die sieben Tage der Woche »
(1977) y El canto de los adolescentes (1956)

LUIGI NONO
 Nono conoció a Gian Francesco Malipiero en 1941 y comenzó a
seguir sus cursos de composición en el Conservatorio de Venecia.
En dicho conservatorio se familiarizó con el serialismo
dodecafónico, especialmente de la manera como fue elaborado
por Anton Webern.
Al tiempo, comenzó estudios de Derecho en la universidad de
Padua.
Sus obras más importantes son: Il canto sospeso, Epitafio para
Federico García Lorca e Incontri.

MÚSICA CONCRETA
Consiste en la grabación de materiales sonoros (el canto de un
pájaro, un ruido, un instrumento, etc.), que posteriormente se
manipulan electrónicamente para crear nuevos paisajes sonoros.
En un concierto de música concreta desaparece la figura del
intérprete, ya que es el propio compositor quien presenta su
trabajo. Destacan Pierre Schaeffer, Pierre Henry y Edgard
Varèse.

PIERRE SCHAEFFER
 Schaeffer nació en Nancy. Estudió en la École Polytechnique y
después de un periodo como ingeniero de telecomunicaciones en
Estrasburgo desde 1934, encontró un trabajo en 1936 en la Office
de Radiodiffusion Télévision Française (ORTF) en París. Fue allí
donde empezó a experimentar con sonidos grabados,
convenciendo a los directivos de la emisora que le dejaran usar su
equipo. Intentó tocar los sonidos al revés, ralentizándolos,
acelerándolos y yuxtaponiéndolos con otros sonidos, técnicas
todas ellas que por entonces eran virtualmente desconocidas.
Sus obras más importantes son: Cinq etudes de bruits, Etude aux
Chemins de Fer, 1st Panorama De Musique Concrete,
Etudes Instrumentales: b) Flute Mexicaine, Concert de bruit: No.
2, Étude aux chemis de fer "Imposée", Concert de bruit: No. 2,
Étude aux chemis de fer "Imposée", The French Avant-Garde In
The 20th Century

PIERRE HENRY
Nunca fue a la escuela; sus padres contrataban educadores que lo
visitaban en su casa. Luego comenzó sus estudios en el
Conservatorio de París, donde estudió piano y percusión con Félix
Passeronne, composición con Nadia Boulanger y armonía con el
maestro francés Olivier Messiaen.
Sus obras más importantes son: 1950 Sinfonía para un hombre,
1952 Astrologie ou le miroir de la vie, 1967 Messe pour le temps
présent, 1968 Apocalypse de Jean y 1997 Psyche Rock.

MÚSICA ELECTRÓNICA
Se emplean aparatos electrónicos (osciladores, generadores de
ruido, sintetizadores u ordenadores) para la creación de sonidos y
composiciones. También se combinan con instrumentos
acústicos (música electroacústica). Algunos compositores
importantes son Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel y
Luciano Berio.

MAURICIO KAGEL
Fue un compositor, director de orquesta y escenógrafo argentino.
Discípulo de Alberto Ginastera y Juan Carlos Paz, integró la
Agrupación Nueva Música y en la década de 1960 fue parte de la
Segunda generación de compositores de Darmstadt en donde se
consagró a nivel internacional.​Residente en Colonia desde 1957,
Kagel es autor de composiciones para orquesta, voz, piano y
orquesta de cámara, de numerosas obras escénicas, de diecisiete
películas y once piezas radiofónicas.
Sus obras más importantes son: Variaciones, para cuarteto mixto
(1952), Cinco cantos del Génesis, para soprano y piano (1954),
Cuatro piezas para piano (1954), Transición I, obra electrónica
con cuatro altavoces (1958), basada en la oposición de “capas
fijas a capas variables”; Transición II, para piano, percusión y
magnetófono (1959) y Mare Nostrum (1975).

LUCIANO BERIO
 Nació en Oneglia(hoy día llamado Borgo d'Oneglia, un pequeño
pueblo a 3 km al norte de la ciudad de Imperia). Recibió sus
primeras clases de piano de su padre y su abuelo que eran
organistas. Berio estudió en el Conservatorio de Milán con Giulio
Cesare Paribeni y Giorgio Federico Ghedini.
Sus obras más importantes son: Folksongs, Laborintus II, Voci:
Folcksongs II, Points on a curve to find y Sinfonía.

MÚSICA ALEATORIA
Los compositores utilizan el azar como medio de creación e
interpretación. Emplean formas abiertas en las que el
intérprete puede escoger el orden de los sucesos; por
ejemplo, no determinan la altura de los sonidos o su
duración. Para comunicar sus intenciones, muchos
compositores crean nuevos sistemas de notación con grafismos
inventados por ellos, cuyo significado se explica al principio de la
partitura. Destacan Bruno Maderna, Pierre Boulez y John Cage.
 BRUNO MADERNA

Fue un compositor y director de orquesta italiano y una de las

grandes figuras de la música de su país en el siglo XX. Con sus
composiciones, su enseñanza y desde la dirección de orquesta
contribuyó a difundir las obras maestras de la vanguardia europea.
Junto con Luciano Berio, fundó el Studio di Fonologia Musicale
de la RAI en 1955.
Sus obras más importantes son: Musica su due dimensione
(1952), Nocturno(1955), Concierto para piano (1959), La ópera
radiofónica Don Perlimplín (1962), Concierto para piano (1959) y
La acción teatral Hiperión (1964).
JOHN CAGE

Hijo de John Milton Cage, un inventor, y Lucretia Harvey, una

periodista de Los Angeles Times. Se cree que una de las razones
por las que a John Cage le gustaba experimentar con el sonido fue
por influencia de ver a su padre siempre creando nuevos inventos.
Su primer acercamiento a la música fue en gran parte gracias a su
tía Phoebe Harvey quien le enseñó a tocar el piano.
Sus obras más importantes son: Piano preparado (1938-1940),
4’33” (1952) y Radio Music (1956).

MINIMALISMO
Se basa en la repetición de materiales sonoros sencillos. Los
compositores emplean motivos melódicos que se repiten y
varían con pequeños cambios melódicos o rítmicos. La armonía
suele ser consonante y estática, con muy pocos acordes distintos.
Así lo encontramos en las obras de Philip Glass y Steve Reich,
entre otros.
 PHILIP GLASS

A los 15 años comenzó un curso acelerado en la Universidad de

Chicago donde estudió matemáticas y filosofía. A los 19 años
obtuvo su diploma y entró a la Juilliard School de Nueva York
donde tuvo como profesor a Darius Milhaud y empezó a tocar
casi exclusivamente el piano.
Sus obras más importantes son: 600 Lines (1967), How Now para
ensemble (también para piano, 1968), Music in Fifths (1969),
Music in Similar Motion (1969) y Music with Changing Parts
(1970, grabado en 1973).

STEVE REICH

Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición

musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus
primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase
repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y
 nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la
retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el
alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante
influencia en la música contemporánea estadounidense, aunque
luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica
para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con
el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como
Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three
Tales.

LAS VANGUARDIAS MUSICALES

EN ESPAÑA
Después de la guerra civil, España vivió en un aislamiento que
afectó a todos los órdenes de la vida y también a la cultura y la
música, sometida a la censura y a las directrices estéticas del
franquismo. Muchos compositores se exiliaron, como Manuel de
Falla, Jaume Pahissa o Roberto Gerhard, el único español
discípulo directo de Schöenberg.
 A partir de los cincuenta se producen en España cambios
económicos, sociales y culturales que facilitarán una considerable
evolución de las artes. Además, se rompe el aislamiento y
empieza un intercambio de ideas con el exterior.
Con la llamada Generación del 51, la música española recupera el
tiempo perdido y conecta con la vanguardia musical mundial.
Algunos de los miembros más importantes son Josep Maria
Mestres Quadreny, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo y Ramón
Barce
Los compositores de la Generación del 51 abrieron y facilitaron el
camino (y en ocasiones formaron) a los compositores de la
siguiente generación, como Tomás Marco, José Luis Turina y
Alfredo Aracil, entre otros.
El Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música cuenta
con el Centro Nacional de Difusión Musical para fomentar la
música contemporánea española y difundir otros repertorios no
habituales de la música clásica y la tradición popular culta.
El Premio Jóvenes Compositores Fundación SGAE-CNDM, que
se otorga cada año, tiene como objetivo estimular la creación de
la música contemporánea entre los jóvenes compositores y dar a
conocer nuevos lenguajes, tendencias y modos de expresión
musical.

MANUEL DE FALLA
Fue un compositor español del nacionalismo musical, uno de los
más importantes de la primera mitad del siglo xx, junto a Isaac
Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina y Joaquín Rodrigo, y
uno de los compositores españoles más importantes de todos los
tiempos.
Sus mayores obras fueron: óperas como La vida Breve; ballets
como El amor brujo y El sombrero de tres picos; retablos como
Maese Pedro; y conciertos como Noches en los jardines de
España o el Concierto para clave y siete instrumentos.

JOSEP MARÍA MESTRES QUADRENY

Estudió ciencias químicas en la Universidad de Barcelona, solfeo
y piano con Leonor Sigg y Rosa María Kucharski, y luego amplió
sus estudios en composición musical con Cristòfor Taltabull
(1950-56).
Su música se distingue por un espíritu de renovación permanente
del lenguaje y por la incorporación de nuevas técnicas, tanto en la
propia composición como en el uso de instrumentos o sonidos.
Sus obras más importantes son: Sonata per a piano.(1957),
Epitafios (Texto: J. R. Jiménez), para orquesta con mezzosoprano
solista (1958), Tres Cançons de Bressol, mezzosoprano y
piano(1959) y El Ganxo (Opera. Libreto: J. Brossa), ópera en un
acto y cuatro escenas (1959)

CRISTÓBAL HALFFTER

Nació en Madrid en una familia musical (sus tíos Rodolfo y

Ernesto también fueron notables compositores). En 1936,
huyendo de la Guerra Civil Española, su familia se trasladó a la
Alemania nazi, donde hizo sus estudios elementales en Baviera.
Una vez finalizada la Guerra Civil en 1939 la familia regresó a
Madrid donde Cristóbal Halftter estudió composición con
Conrado del Campo en el Real Conservatorio Superior de Música
de Madrid, graduándose en 1951. Fuera del conservatorio estudió
con Alexandre Tansman y André Jolivet.
 Sus principales obras son: Antífona Pascual (1952), Concierto
para piano y orquesta (1953), Tres piezas para cuarteto de cuerda
(1955), Misa ducal (1956),Dos movimientos para timbal y
orquesta de cuerda (1956) y Introducción, fuga y final para piano
(1957).

TOMÁS MARCO

Estudió violín y composición, simultaneando esta actividad con

estudios en Derecho. Amplió estudios musicales en Francia y
Alemania, donde recibió clases de Pierre Boulez, György Ligeti,
Karlheinz Stockhausen, Bruno Maderna y Theodor Adorno, entre
otros.

Es autor de diversos libros y artículos sobre música

contemporánea española y Premio Nacional de Música de
España.

También siguió algunos cursos de Psicología, Sociología y Artes

Escénicas. En 1967 fue ayudante de Stockhausen.
Fue profesor de Nuevas Técnicas del Conservatorio de Madrid y
profesor de Historia de la Música de la Universidad Nacional de
Educación a Distancia. Ha publicado varios libros y dictado
cursos en instituciones y universidades de Europa y América. Ha
ejercido la crítica musical en varios medios.
 Sus principales obras son: Concierto para violín (1972), Misa
básica, para violín y dos coros (1978), Concierto austral, para
oboe y orquesta (1981), Ceremonia barroca, para conjunto
instrumental (1991), Tarots, 22 piezas para guitarra (1993),
Bèrben Edizioni Musicali. Ancona, Italia)Primer espejo de Falla,
para violín y piano (1995), Florestas y jardines, para clarinete,
bajo y marimba (1997), El Caballero de la Triste Figura, Ópera de
cámara (2005), ​Concierto de Al-hambra, para dos pianos y
orquesta (2002) y Policías y ladrones, zarzuela (2018).