LENGUA

CASTELLANA

Y LITERATURA

TEATRO Y ENSAYO

3ª EVALUACIÓN. 2º BACHILLERATO

Curso 2022- 2023

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ÍNDICE

TEATRO ANTERIOR A 1939 (TENDENCIAS AUTORES Y OBRAS

PRINCIPALES) (TEMA 10) ………………………………………………………. 3

• VALLE- INCLÁN

• F. GARCÍA LORCA

• ALEJANDRO CASONA

TEATRO POSTERIOR A 1939 (TENDENCIAS AUTORES Y OBRAS

PRINCIPALES)
TEMA11……………………………………………………………………………… 11

• BUERO VALLEJO

• JUAN MAYORGA

EL ENSAYO HASTA 1939. ORTEGA Y GASSET (TEMA 12). ………………17

EL ENSAYO DESPUÉS 1939. MARÍA ZAMBRANO (TEMA 13). ……………20

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 TEATRO ANTERIOR A 1939. TENDENCIAS, AUTORES,
OBRAS

Durante el primer tercio del siglo XX dos grandes tendencias luchan por consolidarse en
los escenarios españoles: por un lado, el teatro que responde a los gustos del público
burgués que asiste a las representaciones, continuador de las formas tradicionales del
siglo XIX (teatro comercial), y, por otro, el teatro que pretendía innovar explorando
nuevas fórmulas dramáticas desde el punto de vista técnico como ideológico (teatro
innovador), al margen de los intereses económicos de los empresarios teatrales.

1. Teatro comercial
Los géneros que gozan del favor del público y que triunfan en las salas
comerciales son, principalmente, tres: el teatro poético, el teatro cómico y la
comedia burguesa.

1.A. La comedia burguesa:

La figura más representativa es Jacinto Benavente (1866-1954) que dominó el

panorama de los primeros años del siglo XX. Tras el fracaso de algunas de sus obras
en las que hace una crítica a las costumbres de la época, Jacinto Benavente opta por
hacer obras en las cuales plantea problemas poco conflictivos adaptándose a los gustos
del público. Su obra incluye comedias burguesas como Los intereses creados, que
encierra veladamente una crítica a los ideales burgueses, y dramas rurales como La
malquerida. En 1922 se le concedió a Benavente el Premio Nobel de Literatura.

1.B. El teatro cómico:

En aquellos años también alcanzaron gran éxito los sainetes y las comedias
costumbristas. Cultivaron este teatro los hermanos Quintero que en sus sainetes
llevaron a escena una Andalucía superficial, tópica y falsa. Destacó también Pedro
Muñoz Seca, creador del «astracán», comedia descabellada, repleta de chistes, en la
que el único objetivo es arrancar la carcajada, destaca su obra La venganza de D.
Mendo.

Por encima de todos, destaca Carlos Arniches, autor de sainetes de ambiente

madrileño en los que creó un lenguaje castizo que el pueblo de Madrid acabó por imitar.
A partir de 1916 cultivó lo que llamó «tragedia grotesca», modalidad teatral que mezcla
lo cómico y lo patético, lo risible y lo conmovedor. Destaca en esta faceta La señorita
de Trévelez, sobre una sangrante broma de unos señoritos a una mujer madura y
soltera de una ciudad provinciana.

1.C El teatro poético:

El teatro poético está escrito en verso, influido por el Modernismo y con las mismas
características ornamentales de este movimiento tendrá́ importancia en este periodo.
Este tipo de teatro se refugia en nuestro pasado histórico con la intención de ensalzar
las gestas de personajes heroicos de la España medieval e imperial. Se trata de un

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teatro de evasión, superficial por la falta de compromiso con la política del momento.
Destacan: Eduardo Marquina con En Flandes se ha puesto el sol y Francisco
Villaespesa con María de Padilla.

2. El teatro innovador
Al mismo tiempo, y al margen de las salas comerciales, surgen voces no conformes con
la vulgaridad que, según ellos, aquejaba a la escena española. Exploran nuevas formas
de expresión dramática en consonancia con las tendencias que se abren camino en
Europa.

2.A. El teatro de la Generación del 98.

Destacan Unamuno y Azorín y por encima de todos, Valle Inclán.

Unamuno es autor de unos dramas esquemáticos en los que se reduce la intriga a la

mínima expresión. Los diálogos son más propios de ensayos por su densidad. Sus
personajes dan rienda suelta a sus inquietudes. Se trata de un teatro de ideas más que
de acción. Sus obras más significativas fueron Fedra y El hermano Juan.

Azorín aboga por un teatro que incorpora el mundo interior y lo maravilloso. Destaca su
obra Lo invisible, que trata el tema de la muerte.

Pero será Valle-Inclán quien destaque por su gran producción dramática, por la
originalidad de sus obras, por sus temas y estética diferente, por la riqueza y
expresividad de su lenguaje. De especial importancia será́ el ciclo mítico con las
Comedias Bárbaras en las que aparecen personajes movidos por instintos
tremendamente fuertes en un clima de supersticiones. Este ciclo culmina con la obra
Divinas palabras, en la que Valle trata los temas de la avaricia y la lujuria. Será con el
esperpento con el que alcanzará su plenitud, un género propio basado en la deformación
de personajes y valores, con el que denuncia diversos aspectos de la sociedad. Los
personajes son grotescos, semejantes a marionetas. Las obras esperpénticas son la
trilogía Martes de Carnaval y Luces de Bohemia, considerada su obra maestra.

2.B. El teatro novecentista

Durante el novecentismo destacaron dos autores que se apartaron del teatro comercial:

Jacinto Grau se dedicó exclusivamente al teatro, un teatro distinto, denso, ambicioso.

Su obra más lograda, El señor de Pigmalión 1921. Ramón Gómez de la Serna

2.C El teatro de la Generación del 27

Destacados miembros de esta generación, como Pedro Salinas, Rafael Alberti (con
su obra El hombre deshabitado) y Miguel Hernández (con su obra Quien te ha visto y
quien te ve) contribuyen decisivamente a la renovación de la escena española gracias
a un triple empeño: el acercamiento de la actividad teatral a las clases populares, la
exploración de nuevas técnicas y la depuración del teatro poético que triunfaba en las
salas.

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Sin embargo, es Federico García Lorca quien alcanza en esta época niveles
inigualables de calidad artística. Entendía el teatro como espectáculo total, cuidaba
sumamente todos los aspectos (texto, música, escenografía...), escrito en un lenguaje
muy cuidado con recursos propios de la poesía y estilo experimental pues se alimentaba
de múltiples tendencias y estilos. La temática solía rondar en torno al destino trágico de
las personas y se desarrollaba con un lenguaje cargado de connotaciones, símbolos y
metáforas con los que se ahondaba en este tema. Aunque el autor fue evolucionando y
escribiendo numerosas obras teatrales, su etapa de plenitud corresponde con la
creación de varias piezas en las que mezcla lo popular con la tragedia clásica y en las
que ocupan un puesto central mujeres marginadas de la España rural. Sobresalen
Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba.

De esta labor innovadora participaron también autores como Alejandro Casona (La
dama del alba) y Max Aub (San Juan).

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 OBRA DRAMÁTICA DE VALLE- INCLÁN
Ramón María del Valle Inclán (1866-1936) es una de las figuras más importantes del
teatro en España. Propuso una total renovación de la escena española en todos sus
aspectos. Nacido en Galicia, inició su carrera en Derecho, la abandona por su carrera
literaria. Colaboró habitualmente con la prensa. Se opuso a la dictadura de Primo de
Rivera, lo que le llevó a estar preso.

Su obra dramática se suele dividir en distintas etapas:

a) Ciclo modernista

Está constituido por Cenizas (1899), El Marqués de Bradomín (1906), Cuento de

abril (1910) y Voces de gesta (1911). Estas obras iniciales están basadas en un
esteticismo decadente al margen de la realidad. Su estilo es muy refinado.

b) El ciclo mítico

En ellas se presenta un mundo anclado en una Galicia intemporal y dominado por la

violencia y las pasiones humanas. Se dibuja una sociedad arcaica, ancestral y
legendaria. En esta época destacan las obras: la trilogía titulada Las comedias
Bárbaras, formada por títulos como Cara de Plata, Águila de Blasón y Romance de
Lobos.
Hay que destacar también la obra titulada Divinas Palabras. Es una tragicomedia rural:
su protagonista es un enano hidrocéfalo que es llevado por ferias por sus allegados para
sacar dinero.

c) El ciclo de la farsa

Se trata de piezas cómicas influenciadas por las formas teatrales del guiñol. Destacan:
Farsa infantil de la cabeza del dragón (1909), La marquesa Rosalinda (1912), Farsa
italiana de la enamorada del rey (1920) y Farsa y licencia de la reina castiza (1920).
Las obras de este ciclo se basan en un continuo contraste entre los sentimental y lo
grotesco. La caricatura esperpéntica que aparece en estas piezas anuncia la nueva
mirada que Valle-Inclán va a dirigir sobre la España contemporánea.

d) El ciclo esperpéntico

Las obras de esta etapa suponen la máxima aportación de su obra dramática. El

esperpento, definido en Luces de Bohemia, constituye una estética que se refiere a
una visión particular del mundo, resultado de una posición crítica. La realidad es
destruida de forma sistemática, transformando por completo su imagen aparente y
revelándola tal y como es. El esperpento funciona como un instrumento de
desenmascaramiento. Se aprecian las influencias estéticas de las “pinturas
negras” de Goya. Se emplean recursos como la caricaturización, la degradación
o la animalización de personajes humanos. Se presentan los retratos de
situaciones sórdidas o macabras.

Valle-Inclán denominó así a Luces de bohemia (1920), Los cuernos de don Friolera
(1921), Las galas del difunto (1926) y La hija del capitán (1927). Estos tres último
fueron publicados juntos por su autor en 1930 con el título de Martes de Carnaval.

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En Luces de bohemia recrea una época caracterizada por el desastre y por la falta de
soluciones. En ella explica el autor su teoría sobre el esperpento, se cuenta el deambular
por las calles de Madrid de Max Estrella, escritor bohemio, junto a su amigo don Latino
a lo largo de una sola noche. Su itinerario les hace presenciar la descomposición de un
mundo regido por la estupidez. Este viaje simbólico a los infiernos que recuerda al de
Dante en la Divina Comedia. Es considerada su obra maestra.

En Los cuernos de Don Friolera el autor critica el concepto del honor hispánico y
arremete contra las instituciones.

e) Etapa final

La última fase del teatro valleinclanesco está formada por cuatro obras breves: Ligazón
(1926) y Sacrilegio (1927), que el autor denominó “autos para siluetas”. Y La rosa de
papel y La cabeza del Bautista (ambas de 1924), que Valle denominó “melodramas
para marionetas”.

Valle- Inclán, además, escribió unas piezas breves que abordan algunos de los temas
fundamentales de su obra, se trata de cinco piezas tituladas Retablo de la avaricia, la
lujuria y la muerte.

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 OBRA DRAMÁTICA DE F. GARCÍA LORCA

Nació en Fuente Vaqueros (Granada) 1898. Después de cursar estudios Granada, se

trasladó a Madrid y residió en la Residencia de Estudiantes donde conoció a otros
escritores y artistas de la Generación del 27. Apasionado defensor del teatro, fundó La
Barraca (compañía con la que recorrió los pueblos de España representando sus obras).
Regresó a Granada en 1936, donde fue detenido y asesinado.

Su obra dramática junto a la de Valle- Inclán constituye uno de los mayores intentos de
renovación de la escena española del primer tercio del siglo XX. Defendió la importancia
social del teatro.

En su producción dramática se pueden distinguir varias etapas:

1ª Etapa modernista.

Su incursión en el teatro fue con dos obras con clara influencia modernista: El maleficio
de la mariposa, cuyo estreno fue un fracaso y Mariana Pineda (1927) un drama
histórico centrado en la figura de la heroína liberal, condenada a muerte por bordar la
bandera liberal.

2º Etapa de las farsas.

Cultivadas por Lorca en los años veinte, se nutren de un mismo tema: el conflicto entre
mujer joven y marido viejo casados en matrimonio de conveniencia. En las farsas no
muestra lo ridículo en forma tan extrema como Valle-Inclán, sino que prefiere reflejar la
dimensión trágica. Dos son farsas para personas (La zapatera prodigiosa y Amor de
don Perlimplín con Belisa en su jardín) y dos son para guiñol, fruto de su admiración
por el teatro de títeres (Tragicomedia de don Cristóbal y la señá Rosita y Retablillo
de don Cristóbal).

3ª Las «comedias imposibles».

Las calificó así el propio Lorca por no ser apropiadas para el panorama teatral de
aquellos años. Ocuparon al autor entre 1929 y 1931 y están marcadas poderosamente
por la influencia surrealista: personajes espectrales, expresión libre y alucinante,
experimentación formal. Así que pasen cinco años muestra la obsesión por la infancia
perdida y aborda los temas del amor y de la muerte de forma alucinante. El público
desarrolla el tema del amor homosexual y el problema del teatro convencional que debe
ser sustituido por uno más auténtico. Para ello hace una incursión en el subconsciente
del público.

4º Obras de plenitud

Después de los experimentos vanguardistas, Lorca decide explorar nuevos caminos en

busca de una voz teatral propia y encuentra la clave en la unión de lo popular y la
tragedia clásica. Sus obras se llenarán de fuerza y lirismo que le darán el éxito de forma
rotunda.
En este nuevo teatro, la mujer ocupa un lugar central al tratarse de criaturas marginales,
igual que los gitanos, los niños o los negros, que representan la inocencia y la pasión.

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Pertenecen a esta etapa dos tragedias, dos dramas y una comedia inacabada:

- Bodas de sangre (1933) es el primero de los llamados “dramas rurales”. Está

basado en un hecho real: una novia, enamorada de otro hombre, decide huir el
mismo día de su boda, rompiendo así las ataduras sociales y morales. Lo
peculiar de esta obra es la mezcla de la prosa con el verso.

- Yerma (1934) es el drama de una mujer cuyo instinto maternal insatisfecho le

impide sentirse realizada. Es una obra cargada de simbolismo (el nombre de
Yerma significa tierra que no da frutos). Su preocupación por no tener hijos se
convierte en obsesión, e que le lleva a asesinar al marido (que no quería darle
descendencia) y con ello la esperanza de ser madre.

- Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores (1935). En esta obra, Lorca
recrea una situación muy común de la burguesía urbana: la de las solteronas de
provincias, como Rosita, que se marchita como las flores en una espera inútil del
amor.

- La casa de Bernarda Alba (1936). Es la obra que la crítica señala como cumbre
del teatro lorquiano. Su trama es sencilla, pero las pasiones de las que habla
tienen un gran calado. Tras la muerte de su segundo marido, Bernarda Alba
impone a sus cinco hijas un riguroso luto durante años. En este ambiente de luto
y represión, surgen conflictos y pasiones hasta convertirse en un ambiente
asfixiante. La aparición de Pepe el Romano, amante de Adela, y su compromiso
matrimonial con Angustias, la hermana mayor es el detonante de la tragedia.

En definitiva, podemos decir que el teatro de Lorca es un teatro poético, no por

estar escrito en verso, sino porque hace uso de recursos propios de la poesía,
además, es un teatro experimental que se alimenta de muchas tendencias y
estilos. Es un teatro que resulta difícil de imitar, consigue como nadie expresar
las grandes pasiones humanas.

Según el propio Lorca: “el teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace
humana. Y el hacerse humana, grita llora y se desespera”.

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 EL TEATRO DE ALEJANDRO CASONA
Alejandro Casona es el pseudónimo de Alejandro Rodríguez Fernández (Asturias, 1934-
Madrid, 1965). Al ser proclamada la II República, le fue encargada la dirección de una
compañía ambulante formada por estudiantes que pretendía acercar el teatro al pueblo,
llamada Teatro del Pueblo. Cuando se inició la Guerra Civil, Casona se exilió a México,
posteriormente se instalará en Buenos Aires donde cosechó grandes éxitos. Tras
veinticinco años de exilio, volvió a España y estrenó con gran éxito varias de sus obras.

Producción dramática

Estilo: se caracteriza por la perfección formal y por el uso de un léxico cuidado con
matices didácticos y sentimentales, así como la combinación de elementos
sobrenaturales y el costumbrismo.
En sus primeras obras, Casona plantea un conflicto entre la realidad y la fantasía:
considera que la fantasía es un ámbito bello al que no se debe renunciar, pero solo es
en la realidad donde se consigue vivir plenamente.
Entre sus personajes es frecuente encontrar personajes alegóricos como el Diablo o la
Muerte.

Casona fue un triunfador de la escena. Lo hizo en la República, en el exilio y en el

franquismo. Elaboró un teatro que valía para cualquier situación. Esa es su grandeza y
su miseria. Pese a partir de planteamientos políticos de izquierdas sus textos nunca
tuvieron una posición ideológica clara.
Obras
Su primera obra fue La sirena varada (1934) con la que consiguió un gran éxito antes
de la Guerra Civil, le dieron el premio Lope de Vega por ella. Durante esta época también
estrenó Nuestra Natacha, una obra combativa publicada en 1936.

Ya fuera de España, escribió sus mejores obras. Destacan:

La barca sin pescador. Esta obra estrenada en 1945 presenta la historia de un hombre
que pacta con el diablo para salir de la bancarrota, a cambio de la muerte de un
desconocido, un pescador escandinavo. El protagonista acaba viviendo en el lugar
donde murió la víctima. Es acosado por el diablo que le recuerda su culpabilidad. Al
final, su conciencia quedará redimida gracias al amor.

La dama del alba: obra estrenada en 1944 es intensamente poética. La Muerte es su

protagonista, personificada por una misteriosa Peregrina cuya identidad solo conoce el
abuelo de la familia asturiana. La Muerte ejercerá una influencia beneficiosa para que
vuelva la alegría a la familia. Esta obra está cargada de elementos fantásticos que
recuerdan a su juventud en Asturias.
Otras obras de sus obras también muy importantes son Prohibido suicidarse en
primavera (1937) o Los árboles mueren de pie (1949).

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 EL TEATRO DESDE 1939 HASTA LA ACTUALIDAD
TENDENCIAS, AUTORES Y OBRAS SIGNIFICATIVAS
TEMA 11

Al terminar la Guerra Civil, el teatro español había perdido a los autores más
innovadores: Valle- Inclán y Lorca; otros dramaturgos están en el exilio: Max Aub y
Casona. En España, a diferencia del resto de Europa, se va a representar un teatro
convencional de escaso interés artístico que buscaba divertir al público. Por otra parte,
la censura de la época impide poner en escena obras que atentan contra los valores
morales y sociales establecidos.

Evolución del teatro:

Teatro del exilio: Alejandro Casona (La dama del alba) y Max Aub fueron los autores
más importantes del teatro fuera de España debido al exilio que sufrieron.

Década de los cuarenta:

Seguirá teniendo mucho éxito la comedia burguesa continuadora de la comedia
benaventina. Joaquín Calvo-Sotelo, Luca de Tena y Benavente escribirán obras
sencillas con personajes de clase media, sentimentalismo, intriga y final feliz.

Surgirá también el teatro de humor de Jardiel Poncela con Eloísa está debajo de un
almendro y de Miguel Mihura con Tres sombreros de copa, que tratarán de romper
las formas tradicionales del humor al innovar con un teatro basado en el absurdo.

Década de los cincuenta:

En esta década siguen llenando los teatros las obras y autores de la década anterior,
sin embargo, empieza a aparecer un tipo de teatro de corte social de carácter crítico que
debe sortear los problemas de la censura.

Sobresale en este periodo Buero Vallejo. Sus obras están marcadas por temas
humanos (soledad, libertad, hipocresía…) desde un punto de vista existencial o social.
Pudo burlar la censura atenuando la crítica o recurriendo al simbolismo. Su obra más
importante de esta década es Historia de una escalera, en la que refleja la vida de la
clase media trabajadora falta de esperanzas y oportunidades.

También hubo un teatro soterrado, que chocó con la censura del momento hasta el
punto de no poder representarse. Con Escuadra hacia la muerte de Alfonso Sastre se
hace mucho más explícita la crítica y la protesta al elegir como protagonistas a un grupo
de soldados que se rebelan ante su tiránico cabo y terminan por asesinarlo. Los temas
de sus obras tratan de los problemas de obreros y gente humilde, mostrándonos así las
desigualdades sociales.

Década de los sesenta

Durante esta década sigue teniendo vigencia el teatro comercial y burgués como en las
décadas anteriores. Destaca en esta línea la obra de Alfonso Paso.

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Aparece un teatro influido por el surrealismo y el teatro del absurdo. Se trata de un teatro
experimental cuyos principales representantes son Fernando Arrabal y Francisco
Nieva. Arrabal fundó el Movimiento Pánico, con su teatro busca escandalizar y provocar
al espectador por medio de la violencia, el sexo o la locura. Destaca su obra Pic- Nic

Continuará teniendo mucho éxito Buero Vallejo, quien perfeccionará sus trabajos con
elementos escénicos como decorado, luz, con un diálogo denso y hondo y eligiendo el
género de las tragedias con un enfoque social. Todo esto provocará un efecto de
catarsis en los espectadores para conmover y producir reacciones. Se puede apreciar
muy bien en obras como El Tragaluz o Un soñador para un pueblo.

El teatro a partir de 1975

La llegada de la democracia supuso una transformación radical de las estructuras

teatrales. La diversidad de tendencias, la convivencia en los escenarios de sucesivas
generaciones de actores, directores y dramaturgos dificultan la tarea de su clasificación.

Surgen los grupos de teatro independiente, cuya actividad se desarrolla al margen de

los circuitos culturales establecidos. Los grupos más destacados fueron: Els Joglars,
Los Goliardos con grandes innovaciones escénicas: empleo de improvisación
expresión corporal, danza, música…, enfoques críticos no solo dedicados a lo político y
social, traslado del escenario al patio de butacas o a otros recintos exteriores y buscando
la participación del espectador.

Aparecerán autores como Antonio Gala, con Anillos para una dama. José Luis Alonso
de Santos, con La estanquera de Vallecas y Bajarse al moro, donde se aprecian
aspectos negativos de la nueva sociedad como la droga o la delincuencia. Fernando
Fernán Gómez estrena Las bicicletas son para el verano, también muy realista José
Luis Sanchis Sinisterra, tiene gran éxito con ¡Ay, Carmela!, en la que se reflexiona sobre
aspectos del propio teatro. Ana Diosdado con obras de tesis.

El teatro en el siglo XXI

En los últimos años, la crisis del teatro se ha hecho más evidente, tal vez debido a la
fuerte competencia de otras artes y entretenimientos (televisión, cine, espectáculos
deportivos, internet, mundo virtual) o a la forma de vida actual.

Aparece un grupo de dramaturgos nacidos en los años sesenta cuyas obras de madurez
se escriben en el siglo XXI. Aunque un sector de la crítica ha acuñado para ellos la
denominación de Generación Bradomín, se trata de un grupo heterogéneo.
La línea que predomina en las últimas décadas es la realista, con un toque de denuncia
social. Entre otros muchos destacan Paloma Pedrero (Besos de lobo) y Juan Mayorga.

Mayorga es uno de los dramaturgos contemporáneos españoles con más repercusión

internacional. Escribe un teatro de palabra cuyo tema central es la reflexión sobre las
distintas formas de abuso y violencia ejercida por otros. Entre todas sus obras destacan:
El jardín quemado o Reikiavik que recrean los grandes dramas de la historia del siglo
XX, o El chico de la última fila que habla de la fascinación por la vida de los otros.

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 LA OBRA DRAMÁTICA DE BUERO VALLEJO

Antonio Buero Vallejo (Guadalajara 1916- Madrid 2000) durante la guerra apoyó al
bando republicano, y al término de esta fue detenido y condenado a muerte, pena que
le conmutaron por treinta años de cárcel, finalmente consiguió la libertad. Recibió en
1949 el premio Lope de Vega por su obra Historia de una escalera, lo que le permitió
estrenar la obra y convertirse en uno de los dramaturgos más importantes de la época.
Recibió el Premio Cervantes en 1986.

Obra dramática
Características: Su teatro trata de adentrarse en algunos de los aspectos de la
naturaleza humana como la soledad, la libertad, la falta de comunicación. Los problemas
humanos adquieren una dimensión moral. Su teatro tiene una clara intención de crítica
social, ya que elige personajes concretos e individuales que representan la problemática
de todo un grupo.
Una de las características más destacadas en su obra es la utilización en algunas piezas
del uso de recursos que buscan introducir al espectador en la obra, hacerlo partícipe por
medio de lo que los críticos han llamado “efectos de inmersión”, en su obra El
tragaluz se escucha el sonido de un tren que refleja las preocupaciones de los
personajes.
Utiliza el tema histórico en muchas de sus obras, lo que le permite mostrar y denunciar
los problemas sociales y políticos de la España contemporánea de manera simbólica,
con intención de evitar a la censura.

Etapas

Su obra se ha dividido en varias etapas:

1º Etapa existencial. Durante los años cuarenta y cincuenta. Destacan,

fundamentalmente las siguientes obras:

• Historia de una escalera (1949), rompe con la línea del teatro burgués
que se representaba en esa época. A través de la vida de varias familias
que comparten el mismo bloque de vecinos, nos muestra la falta de
esperanza y de oportunidades de la clase media de la época.
• En la ardiente oscuridad (1950). Se trata de una obra mucho más
simbólica, con elementos fantásticos y de misterio. En ella, el
protagonista, ciego de nacimiento, ingresa en una institución para ciegos,
a los que contagia su tristeza y pesimismo por no poder ver.
• La tejedora de sueños (1952). Recrea las aventuras de Penélope, la
esposa de Ulises que se dedica a tejer y a destejer mientras su marido
no regresa, para evitar el acoso de los pretendientes.

2º Etapa social (hasta 1970). En esta etapa reflexiona sobre asuntos existenciales y
sociales utilizando en muchas ocasiones el pasado histórico, se sirve del pasado para
reflexionar sobre el presente, lo que le permite burlar la censura y llegar al público.

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 • Con el estreno en 1958 de Un soñador para un pueblo se abre una
nueva etapa. Representa el fracaso de las reformas de Esquilache,
ministro de Carlos III, enfrentado a la ignorancia popular.
• El concierto de San Ovidio: un grupo de ciegos simboliza a los
oprimidos en los momentos previos a la Revolución francesa.
• El tragaluz (1967) aunque no trata el tema histórico, tiene un enfoque
social de gran relevancia. Se muestran en esta obra, las consecuencias
de la guerra civil en una familia, tanto desde el punto de vista existencial,
como social y colectivo.

3ºetapa experimental

En esta época se observa un acercamiento al experimentalismo de la época. Sigue con

el tratamiento social, pero más político, sobre todo al final de la dictadura. Las obras
más importantes de esta época son:

• La fundación (1974). En ella muestra a un grupo de presos políticos

condenados a muerte, uno de los cuales sufre un trastorno que le hace
creer que están en el centro de investigación en lugar de una celda
oscura. El autor reflexiona sobre la libertad y la lucha para conseguirla.
• También de esta época son obras como La detonación o Lázaro en el
laberinto.
• Su última obra es Misión al pueblo desierto (1999) donde vuelve al
tema de la Guerra civil.

14
 LA OBRA DRAMÁTICA DE JUAN MAYORGA

Juan Mayorga, (Madrid, 1965) es uno de los dramaturgos contemporáneos más

representativos e importantes de la escena teatral española. Ha escrito más de una
treintena de textos entre su teatro de tesis, comedias, obras poéticas y piezas breves,
además de realizar numerosas versiones de autores clásicos. Sus obras se han
estrenado en más de treinta países y han sido traducidas a más de veinte idiomas.

En 2011 funda la compañía La Loca de la Casa, con la que en 2012 puso en escena su
obra La lengua en pedazos; en 2015, Reikiavik, y en 2016, El cartógrafo. El chico de la
última fila ha sido llevado a la gran pantalla en 2012 de la mano de Francois Ozon con
el título de En la casa (Dans la maison).

En la actualidad es director de la Cátedra de Artes Escénicas de la Universidad Carlos

III de Madrid. Ha sido reconocido, entre otros, con los premios Nacional de Teatro,
Valle-Inclán, Ceres, Nacional de Literatura Dramática y con el Premio MAX a mejor
autor en tres ocasiones y dos a mejor adaptación. Ha sido nombrado también
Académico de la RAE, donde leyó el discurso «Silencio», que ha sido convertido en
obra teatral. En el año 2022 fue galardonado con el Premio Princesa de Asturias.

Estilo

• Su teatro se caracteriza por proponer una reflexión crítica, de sólida raíz

intelectual y
filosófica. Su obra es profunda, comprometida. Aborda temas contemporáneos:
el abuso de los niños en Hamelin o la reflexión sobre la educación en El chico
de la última fila, pero también utiliza temas históricos.
• Invita a la reflexión y al pensamiento.
• Hay un elemento representativo en su obra, es la importancia de la palabra. De
lo que dice y de lo que no se dice: del silencio.
• Su teatro se caracteriza por ser un teatro sobrio, despojado de todo adorno, es
“un teatro pobre”. Se reduce a tres elementos esenciales: el texto, el actor, la
imaginación del público.

Temas habituales:

• La familia, el amor, el deseo, la fantasía, el poder, la violencia, la dominación.

• Gran parte de su producción parte de hechos reales o históricos.
• También es habitual lo que el autor ha llamado «la necesidad de representar
vidas ajenas».
• Concibe el teatro como un espacio de lucha y de crítica.
• Gran parte de sus obras tienen un contexto histórico real, en especial la II Guerra
Mundial.
• Fuertemente influenciado por Walter Benjamin, autor alemán de principios de
siglo XX que defendía el pacifismo.
• Dos temas recorren su obra de forma obsesiva: la manipulación de la verdad en
la Historia y la convivencia de la cultura y la barbarie.

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 • Aborda temas muy actuales como el abuso de niños (Hamelin o la reflexión sobre
la educación.

OBRA DRAMÁTICA

a) Obras basadas en hechos reales: Copito de nieve, La lengua en Pedazos (sobre

Sta. Teresa de Jesús como personaje histórico, pero con trama ficticia).

b) Textos históricos: El traductor de Blummemberg, Himmelweg, Reikiavik (sobre

la partida de ajedrez llevada a cabo en esta capital entre un estadounidense y un ruso,
que es el paradigma de la guerra fría de la época). El cartógrafo (2016, situada en la
Varsovia actual donde una niña encuentra un mapa del antiguo gueto.

c) temas políticos: Siete hombres buenos, Hamelin, La paz perpetua.

d) temas sociales: Animales nocturnos, El chico de la última fila, Los yugoslavos.

e) obras dramáticas de ensoñación: Más ceniza, El gordo y El flaco.

16
EL ENSAYO DESDE PRINCIPIO DE SIGLO HASTA 1939
TEMA 12

El ensayo se caracteriza por ser un texto en prosa de extensión variable y de carácter

reflexivo. Ocupa un lugar importante en la literatura española hasta 1936, pues sirve de
cauce a las inquietudes sociales, políticas, artísticas y filosóficas de los nuevos
escritores. Muchos de ellos trabajan en periódicos y opinan sobre los problemas de la
sociedad. El ensayo se convertirá en un medio de expresión de los distintos movimientos
y grupos literarios en un periodo político y social muy convulso.

Generación del 98

Los escritores de fin de siglo se ven inmersos en una crisis general: un sistema político
basado en el caciquismo y en la alternancia de partidos, una crisis de valores y “el
desastre del 98”.
Estos escritores van a utilizar el ensayo para tratar de solucionar estos problemas y
exponer sus soluciones. Los autores de esta generación tratarán dos temas esenciales:
el problema de España y el sentido de la vida.

El gran ensayista del grupo será Unamuno, que vuelva en sus obras sus inquietudes
sobre el futuro de España y sus crisis personales de tipo religioso. Sus obras
fundamentales son: En torno al casticismo, La agonía del cristianismo y Del sentido
trágico de la vida.

También destaca Azorín que refleja en sus ensayos su preocupación por el paso del
tiempo, el paisaje y los clásicos. Sus obras más importantes son: La ruta de Don
Quijote y La voluntad (a medio camino entre la novela y el ensayo).

Pío Baroja y Machado también publican ensayos. Del primero destacan sus memorias
y del segundo, su obra Juan de Mairena, una biografía apócrifa, donde expone sus
ideas.

Novecentismo o Generación del 14

Con los novecentistas, el ensayo llega a la madurez intelectual. Los miembros de este
grupo consideran que el intelectual debe adoptar una postura comprometida con la
sociedad, el ensayo será el vehículo para difundir sus ideas.

Se trata de un grupo elitista, vinculado a la alta burguesía, cuyos miembros tuvieron una
gran actividad pública. Consideran que el cambio de la sociedad española no puede
limitarse a los escritos, sino que debe realizarse desde el poder.
Algunas de las ideas transmitidas en sus ensayos son: la europeización (se proponen
modernizar intelectualmente el país), el intelectualismo (rechazan el sentimentalismo,
buscan todo lo racional).

Los ensayistas más importantes de esta época son: Eugenio D’Ors, destaca su obra
Tres horas en el museo del Prado o Tres ensayos sobre la vida sexual.
Gregorio Marañón, médico y uno de los ensayistas más importantes, sus obras más
importantes son Tres ensayos sobre la vida sexual o Don Juan.

17
Si hay una figura esa es la de José Ortega y Gasset. La preocupación por España
constituye uno de los temas fundamentales de sus ensayos. Defiende la necesidad de
europeizar y modernizar el país. Propone como la dirección de una élite intelectual que
marque el rumbo hacia la modernidad. De este tema, destaca su obra La rebelión de
las masas o Meditaciones del Quijote.
También escribió muchos ensayos sobre el tema del arte. Defiende en ellos un arte
deshumanizado, que evite lo anecdótico y lo sentimental, un arte que debe buscar la
belleza. Sobre este tema, destaca su ensayo La deshumanización del arte.

Generación del 27

El ensayismo de carácter literario adquiere gran relevancia en la Generación

de 1927, ya que casi todos los integrantes de este grupo colaboraron en diferentes
revistas: Adquieren gran importancia estas revistas que sirven de vehículo del
pensamiento de muchos autores de la época: Revista de Occidente: fundada por Ortega
y Gasset, con marcado carácter europeísta, Cruz y Raya y La Gaceta Literaria.

Entre sus figuras más relevantes dentro de este género literario sobresalen:
Gerardo Diego, Luis Cernuda, Pedro Salinas, Jorge Guillen y Dámaso Alonso. La
producción ensayística de estos autores llega a la madurez tras la posguerra.

Sin embargo, durante los años 30 los acontecimientos políticos se suceden y las
ideologías cambian. Muchos escritores que habían militado en las filas del
Novecentismo y habían apoyado la “deshumanización del arte” proclamada por
Ortega empiezan a comprometerse políticamente y pretenden implicar a los
intelectuales en la acción revolucionaria. Una publicación de claro compromiso
político es Octubre (1933-34) creada por Rafael Alberti y María Teresa León.

18
 ORTEGA Y GASSET

José Ortega y Gasset (1883- 1955) fue la figura más influyente de la cultura y del
pensamiento de las primeras décadas del siglo XX. Escritor y filósofo cursó estudios en
Deusto y Madrid. Fundó la Revista de Occidente, cuya editorial con el mismo nombre
fue el vehículo por el que entrarían las principales ideas filosóficas europeas. Al empezar
la guerra civil, se exilió. Contó con un buen número de discípulos atraídos por si estilo y
por sus ideas culturales y humanistas.

Su obra

Sus ensayos se pueden clasificar en tres grandes grupos según el tema que tratan:

• Los ensayos filosóficos

Para él, la razón y la vida son inseparables. Considera que la vida solo puede
entenderse desde las circunstancias del yo “yo soy yo y mis circunstancias”
Las obras más destacadas son: El espectador, conjunto de ocho volúmenes que tratan
de distintos temas vinculados a las experiencias del autor, Meditaciones del Quijote
(1914) obra en la que define el ensayo como “la ciencia, menos la prueba explícita”. Su
intención es mover a la reflexión sobre temas importantes referidos a España.

• Los ensayos estéticos (referidos al tema del arte).

En ellos defiende un arte deshumanizado: un arte que evite lo anecdótico y lo

sentimental. El autor debe de buscar belleza y goce estético. Considera que la cultura
es imprescindible para el ser humano, sin ella no hay vida verdadera.
Piensa que el arte debe ser minoritario, ya que, al no tener sentimentalismo, nunca
puede ser popular.
Las obras más importantes de este grupo son: La deshumanización del arte e Ideas
sobre la novela.

• Los ensayos que tratan el tema de España (sociales y

políticos).

Ortega defiende la necesidad de europeizar y modernizar el país. Considera que España

padece el mal del particularismo y que la fragmentación del país ha contribuido al atraso
nacional.
Propone, como modelo de progreso, la dirección de una élite intelectual, una minoría
selecta que marque el rumbo hacia la modernidad. En sus ensayos advierte del peligro
que supone la masa, fenómeno creciente en la sociedad contemporánea, frente a la
élite que ha de llevarlos al progreso.
Los títulos más destacados en los que trata estos temas son: La España invertebrada:
critica el particularismo, pero más aún que la sociedad española esté invertebrada:
distintas clases sociales no actúan movidas por un espíritu de colaboración, sino por sus
intereses particulares.

La rebelión de las masas: es su obra más controvertida y también la más conocida.

Continua con el tema desarrollado en su obra anterior, mientras que antes amplias
capas de la sociedad se sometían a las élites políticas, ahora es la masa la que quiere

19
gobernar. A medida que la masa continúa adquiriendo poder e influencia, la Europa
civilizada vuelve a caer en la barbarie. La solución a este problema es la instauración
de una democracia liberal en la que las mayorías (la masa) cedan el poder a las minorías
más preparadas.

EL ENSAYO DESDE 1939 HASTA LA ACTUALIDAD

Tema 13

El ensayo que se desarrolló en España a partir de la Guerra Civil se vio afectado

por los mismos condicionantes que la poesía, el teatro y la novela. Muchos intelectuales,
opuestos al régimen, se vieron obligados a vivir el exilio, el resto se vio condicionado
por la férrea dictadura.

Durante la década de los 40, algunos escritores afines al régimen, escribieron ensayos
para difundir las ideas de la dictadura. Destacó la obra de Dionisio Ridruejo y José María
Pemán. Otros, contrarios al régimen, se conforman con escribir sobre asuntos que no
supongan una crítica directa al poder.

En la década de los cincuenta, algunos autores que apoyaban a Franco empezaron

a mostrar su desengaño. Otros muchos que se opusieron al régimen tuvieron que
exiliarse.
En las décadas de los sesenta y setenta, coincidiendo con la decadencia del régimen
franquista, los ensayos se multiplican. Algunas editoriales, como Anagrama o Tusquets
contribuyeron a la difusión del pensamiento extranjero.

Con la muerte de Franco en 1975, se inicia un proceso político conocido con el nombre
de la transición. La libertad de expresión influyó decisivamente en la evolución. del
ensayo: desaparece la censura, regresan los pensadores y críticos exiliados y van
publicando sus obras en España, se legalizan los partidos políticos. Los temas e
ideologías de los ensayos de estos años fueron variados, pero destacó la abundancia
del ensayo de carácter político y doctrinal. Este se ocupó́ , por una parte, de la

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divulgación de teorías políticas, en especial del marxismo, del progresismo católico y
del pensamiento contemporáneo; por otra parte, analizó la historia intelectual de
España, el exilio, la emigración, la historia del socialismo y la sociedad del momento.

A partir de los años 80 y hasta la actualidad, como consecuencia de la estabilidad

democrática, en España se ha reducido la importancia de los ensayos de carácter
ideológico, y, entre las múltiples manifestaciones del género, prevalecen las reflexiones
éticas y estéticas, además de la exposición de cuestiones de la realidad inmediata, la
influencia de las nuevas tecnologías en la sociedad, el cine, la literatura y el arte
modernos.

Como características generales del ensayo en los últimos años, deben mencionarse la
libertad formal y un tono moderado, en ocasiones irónico y escéptico, aunque hay
producciones de índole personal. Es también destacable la defensa firme de valores
sociales o visiones del mundo, y el empleo de un estilo accesible al lector, rico en
recursos expresivos.

Desde los ochenta, se observa una progresiva aproximación del ensayo a la literatura,
por una parte, y al periodismo, por otro, debido en gran parte a su aparición en la prensa
en su forma de artículo de opinión.

Conscientes de que se dirigen a un público muy amplio, los articulistas tratan temas
muy heterogéneos y a menudo más actuales y menos transcendentes que los que
habían caracterizado al ensayo en otras épocas.

Además, el uso de internet y, sobre todo, la escritura en los blogs da un nuevo impulso
a un ensayo de nuevo tipo, breve, fugaz, cercano a la columna, pero más dinámico y
también más disperso por la amplitud de temas que toca.

Los autores más significativos fueron:

María Zambrano: en la obra de esta filósofa es importante su reflexión sobre la relación

entre la historia y el lenguaje. Colaboró con publicaciones como Revista de occidente,
durante su exilio también escribió en revistas extranjeras. Sus obras más destacadas
son: Filosofía y poesía y La agonía de Europa, entre otras muchas.

Julián Marías: discípulo de Ortega y Gasset, escribió tratados de filosofía y numerosos

artículos. Destaca su obra El intelectual y su mundo

Fernando Savater: trata sobre temas sociales, políticos y temas de actualidad. Destaca
Ética para Amador.

Mención aparte merecen los autores (generalmente escritores de éxito) que cultivan
la escritura ensayística a través de artículos y columnas, en publicaciones periódicas.
Son tantos los nombres que la lista sería interminable, citaremos únicamente a Juan
José Millás, Javier Marías, Almudena Grandes, Rosa Montero.

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 MARÍA ZAMBRANO

María Zambrano (Málaga, 1904 – Madrid, 1991) fue una

filósofa y escritora próxima a la Generación del 27. En Madrid
fue alumna de tres grandes filósofos de la Generación del 98
y del 14, José Ortega y Gasset, Xavier Zubiri y Manuel
Bartolomé Cossío, y muchos la consideran su heredera
intelectual. Durante la II República, sus convicciones políticas
la aproximaron al PSOE, e incluso le ofrecieron un puesto de
diputada, pero ella lo rechazó. María Zambrano prefería
seguir asociada a otras iniciativas: la preparación de su tesis
doctoral, dar clases de Metafísica en la universidad, participar
en las Misiones Pedagógicas…

Sin embargo, la Guerra Civil la obligó a exiliarse. Entre 1939 y 1984 vivió en Francia,
EEUU, Cuba, México, Italia, Suiza… y finalmente volvió a España para recoger el
Premio Príncipe de Asturias (1981) y el Premio Cervantes (1988). Su vuelta se convirtió
en un símbolo de la Transición democrática.

CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA

La obra de María Zambrano es fundamentalmente ensayística, aunque también escribió

algunas obras próximas al género teatral (La tumba de Antígona), diarios y poesías.

En sus ensayos filosóficos, la autora elabora un análisis de la sociedad española y

europea del siglo XX, y propone una nueva filosofía a la que denomina razón poética.
Aunque resumir esta teoría es complicado, podemos decir que Zambrano propone un
nuevo método para analizar y entender el mundo. El ser humano no alcanzará el
conocimiento completo solo por medio de la razón y el aprendizaje basado en lo
observable. Para conseguirlo también es necesario dar cabida a lo irracional, al
sentimiento y a la religiosidad. Según la autora, el ser humano solo puede alcanzar esto
por medio del arte, en cuanto que permite analizar y hablar de la realidad basándose en
la subjetividad y la emoción.

Por ello, su obra, aunque es de tipo filosófico, acude a menudo a recursos literarios:
lenguaje subjetivo (especialmente, el propio de la poesía), figuras retóricas, personajes
(especialmente mitológicos), simbología…

OBRAS MÁS IMPORTANTES

Horizonte del liberalismo (1930). Primera obra publicada de la autora. Zambrano

reflexiona sobre la Europa de los años 20, fijándose en el horror de la I Guerra Mundial,
en el auge de las dictaduras y las ideologías radicales y, en general, en la violencia
presente en todas las sociedades del mundo. Las causas de esta situación son, para
ella el individualismo y el olvido de los valores democráticos de la Grecia clásica. Si no
se recuperan esos principios primigenios, y si no se defiende el diálogo, la empatía y la
solidaridad, sucederá un desastre. María Zambrano propone aquí por primera vez su
reivindicación del amor, del sentimiento y de la misericordia como la vía para garantizar
la mejora social.

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La agonía de Europa (1940-1944). Formada por cuatro textos breves, La agonía de
Europa es uno de los primeros libros escritos por Zambrano en el exilio. La autora se
lamenta de que aquello que ella auguraba en 1930 se haya hecho realidad, y que el
continente europeo sea un lugar donde solo hay odio. Plantea que la Historia de Europa
se puede resumir en tres conceptos: muerte, angustia y tiempo.

El hombre y lo divino (1955). Es considerada por muchos como su obra filosófica más
importante. En esta obra articula con mayor contundencia su teoría sobre la razón
poética.

La tumba de Antígona (México, 1967). Escrita en forma de monólogo teatral, esta obra
refleja la teoría de la autora sobre el sentir del exiliado. Se identifica con Antígona, el
personaje de Sófocles que luchaba contra una ley injusta, y con su desamparo, su
clamar en el desierto sin encontrar respuesta.

Delirio y destino. Los veinte años de una española (escrito en los años 50, publicado
en 1989). Libro autobiográfico en el que María Zambrano recapitula unos años de su
vida: entre 1929 hasta 1931, momento de proclamación de la II República. Al mismo
tiempo, la autora habla sobre los primeros momentos del exilio, y abre un espacio para
que su voz sea la de todos los españoles, intelectuales o no, que tuvieron que marchar
sin despedirse y sin saber cuándo volverían. Zambrano se muestra ligeramente
esperanzada, y cree en el renacer de una España donde no haya dictadura.

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