Universidad de Concepción

Facultad de Humanidades y Arte

Departamento de Artes Plásticas

“ANÁLISIS Y SÍNTESIS COMPRENSIVA

DE TEXTOS”

La historia del arte

(E.H. Gombrich)

Historia social de la literatura y el arte

(Arnold Hauser)

Florencia Antonia Megias Lara

Michael Rojas Pérez

Camila Monsalves Vallejos

Pedagogía en Artes Visuales

Historia del arte II
Docente: Héctor Navarro
Septiembre 2022
Índice

Introducción 3
Historia del arte (E.H. Gombrich) 4
11. Cortesanos y burgueses (El siglo XIV) 4
12. La conquista de la realidad (Primera mitad del siglo XV) 9
13. Tradición e innovación I (Segunda mitad del siglo XV en Italia) 18
14. Tradición e innovación II (El siglo XV en el norte) 26
15. La consecución de la armonía(Toscana y roma, primera mitad del siglo XVI) 32
16. Luz y Color (Venecia y la Italia septentrional, primera mitad del siglo XVI) 35
Conclusión 39

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Introducción

En el siguiente trabajo, se realizará un estudio análisis - comprensión de las transformaciones

más relevantes de los lenguajes artísticos, artistas destacados, el impacto en la sociedad, etc.
Además de exponer diferentes obras pictóricas, arquitectónicas y escultóricas desde el siglo
XIV hasta el siglo XVI.

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Historia del arte (E.H. Gombrich)

11. Cortesanos y burgueses (El siglo XIV)

En el siglo XIV podemos empezar a visualizar de a poco el cambio del periodo Gótico hacia
los inicios del Renacimiento. Las catedrales ya no son el único o principal foco artístico,
también se construían otro tipo de edificaciones como universidades, casas gremiales,
palacios, etc… por otro lado en las catedrales podemos evidenciar una exhibición de las
habilidades de ornamentación y tracería en las fachadas de las catedrales góticas,
pertenecientes al periodo del gótico flamígero, por ejemplo, la fachada oeste de la catedral de
Exter, h. (1350-1400). En cuanto a las obras escultóricas estas son pequeñas hechas de metal
o marfil, se destinaban para el culto privado y tenían la finalidad de transmitir amor y
ternura, como podemos evidenciar en la estatuilla de La virgen y Cristo niño, h.
(1324-1339).

En la pintura, los artistas del siglo XIV pintaron del natural y desarrollaron el arte del retrato,
tenían una gran admiración por lo bello y buscaban representar el mundo real. A través de la
búsqueda de este tipo de representaciones se comenzaron a realizar estudios de la naturaleza,
a través de apuntes y esbozos de plantas y animales. La calidad de los artistas se empezaba
poco a poco a medir por su habilidad de reproducir la naturaleza, sim embargo no conforme
con esto también afloró un interés en el estudio del cuerpo humano dando el paso al
Renacimiento y marcando el fin de la Edad media.

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Obras

Catedral de Exeter

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Catedral de Tours

Ambas obras arquitectónicas son importantes, ya que son un buen ejemplo del desarrollo
de las habilidades de ornamentación y tracería en las fachadas de las catedrales del
periodo gótico flamenco.

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La Virgen con el Niño (Jean d'Evreux)

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Madona de la torre de los Frisones

Ambas obras escultóricas presentan una ondulación que tiende a la forma de una “S” muy
característica de las representaciones escultóricas de este periodo.

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12. La conquista de la realidad (Primera mitad del siglo XV)

Nos encontramos en los inicios de lo que será uno de los periodos más importantes para la
historia del arte, el Renacimiento. Podemos encontrar los primeros antecedentes de este
periodo en Italia con Giotto donde se comparaban las “buenas” obras con el arte clásico
Grecorromano. Esto marcaría el inicio de un renacimiento relacionado con la recuperación
de la grandeza de Roma.

En lo arquitectura se refiere, inició la creación de un nuevo estilo arquitectónico con

elementos clásicos en Florencia con Filippo Brunelleschi. Él, además, fue el creador de los
medios matemáticos de representación de la perspectiva. Su obra más conocida es la cúpula
de la catedral de Florencia, a través de la medición y análisis de la arquitectura clásica pudo
crear una nueva manera de construir, basado puramente en medios matemáticos.

En la pintura, Masacio, alentado por esta nueva implementación de las ciencias matemáticas
en el arte creó el uso técnico de la perspectiva pictórica.

Dentro del arte escultórico resalta la figura de Donatello, impregna la escultura con vida y
movimiento, reemplazando la antigua delicadeza y refinamiento por una nueva observación
del natural y silueta precisa y sólida.

El conocimiento de este renacer clásico fue exclusivo de Italia en sus inicios, pero luego este
se fue extendiendo a diversos rincones de Europa.

El interés por una representación fidedigna y detallada de la realidad inspiró a los artistas de
Flandes, creándose así la pintura flamenca (conocida también por el nombre de gótico
flamenco o primitivos flamencos), siendo su mayor representante el pintor Jan Van Eyck.
Quien, además de ser el creador de los óleos, resalta por su maestría en la observación de la
naturaleza y conocimiento de los detalles, hay una gran representación de flores, joyas y
edificios, pero por lo que más resalta son sus retratos, siendo el más famoso de ellos “El
matrimonio Arnolfini” donde podemos maravillarnos analizando con precisión los detalles
que contiene cada rincón del cuadro. En la pintura flamenca puede evidenciarse fácilmente la
transición desde el Gótico hasta lo que ya todos reconocemos como Renacimiento.

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Obras

Cúpula de la catedral de Florencia (Filippo Brunelleschi)

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Hospital de los Inocentes (Ospedale degli Innocenti) (Filippo Brunelleschi)

Las dos obras arquitectónicas que se muestran en las imágenes anteriores demuestran el
conocimiento matemático aplicado a la arquitectura, que sentaron las bases de la arquitectura
renacentista y la representación de la perspectiva mediante medios matemáticos,
característica del Renacimiento.

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David (Donatello)

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Gattamelata (Donatello)

Podemos apreciar en las dos esculturas una silueta precisa y sólida, un gran conocimiento de
la figura humana representada con la vida y movimiento particular que evidencian las obras
de Donatello y caracteriza al Renacimiento.

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El matrimonio de Arnolfini (Jan Van Eyck)

14
Virgen del canónigo Van der Paele (Jan Van Eyck)

En ambas obras se evidencia el excesivo tratamiento de los detalles, característica principal

del pintor Jan Van Eyck y de la pintura Flamenca.

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Díptico de Wilton

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Apuntes de un mono (Antonio Pisanello)

En ambas obras se puede visualizar un estudio de la naturaleza, tal análisis caracterizó este
periodo y sentó las bases de los futuros estudios de figura humana que se desarrollarían
dentro del Renacimiento. En la primera obra, en la esquina inferior derecha, podemos ver
cómo se han pintado diferentes tipos de flores, evidenciando un estudio de la flora. En la
segunda obra podemos ver diferentes dibujos de un mono, siendo estos apuntes la evidencia
concreta del estudio de la fauna.

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13. Tradición e innovación I (Segunda mitad del siglo XV en
Italia)

La segunda mitad del siglo XV trajo consigo grandes descubrimientos de artistas italianos
que provocaron una gran agitación en toda Europa, aventurándose a experimentar y mezclar
lo viejo con lo nuevo, pues ese espíritu de aventura que sostuvo el arte del siglo XV señala la
verdadera ruptura con la Edad Media.

Tal es el caso de Leon Battista Alberti (1404-1472) quién se aventuró a combinar formas de
edificios, columnas y cornisas romanas en la Iglesia de S. Andrea (ilustración 162),
proyectando en su fachada un verdadero arco del triunfo, en cambio en el palacio Runcellai
(ilustración 163) tuvo un gran reto, pues debía de aplicar el mismo programa arquitectónico
romano a una casa habitable corriente.

“Quien, en lugar de construir columnas o semicolumnas, cubrió la casa con una red de
pilastras y entablamentos que sugieren un orden clásico, sin variar la estructura del edificio”
(pág. 186). Sin embargo, Alberti no fue el único que comenzó a mezclar tradiciones góticas
y formas modernas, el cual terminó convirtiéndose en una característica de muchos maestros
de mediados del siglo XV.

Como uno de los grandes maestros florentinos, fue el escultor Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
entregando grandes aportaciones escultóricos, manteniéndose fiel a algunas ideas del arte
gótico, sin rechazar el empleo de los nuevos descubrimientos de su siglo, tal como El
bautismo de Cristo (ilustración 164) con una distribución de escena muy parecida a la obra
escultórica Pila Bautismal (ilustración 118) de Reiner Van Huy (1107-1118).

“Ghiberti procura mantenerse contenido y lúcido. No nos proporciona una idea del espacio
real (…) Prefiere ofrecernos tan solo una alusión a la profundidad, dejando que las figuras
principales se destaquen claramente contra un fondo neutro” (Pág. 188).

Pero en este siglo no solo se encontraban artistas escultóricos y arquitectónicos

experimentando y mezclando, pues podemos hallar una gran variedad de artistas pictóricos

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que comenzaban a tomarse muy en serio el tema de la perspectiva y el escorzo, tal es el caso
Paolo Uccello (1397-1475) y Andrea Mantegna (1431-1506).

Para Uccello, la perspectiva era algo muy impresionante, tanto así que pasó muchos días
dibujando objetos escorzados. En la siguiente obra llamada La batalla de San Romano
(ilustración 166) podemos identificar tal arrobamiento, pues se tomó mucho trabajo para
reproducir las diversas piezas de armadura esparcidas por el suelo en correcto escorzo.

Por su parte Mantegna, empleaba el arte de la perspectiva con una gran vehemencia, creando
un escenario sobre en el que las figuras parecen estar y moverse como seres sólidos y
tangibles (pág. 193). Tal demostración es posible visualizar en la obra pictórica Santiago
camino de su ejecución (ilustración 169) reconstruyendo la escena tal como debiera de ser
en aquel tiempo, con el arco del triunfo romano, los soldados de la escolta aparecen vestidos
y armados como legionarios de Roma, el cual ocasiona que respiremos todo espíritu del arte
romano.

“El arte no progresa en el sentido que progresa la ciencia, cada descubrimiento es una nueva
dificultad en alguna otra cosa” (Pág. 195). Es así cómo se genera un nuevo desafío para los
artistas, que habían creído que tras el descubrimiento de la perspectiva resolverían todas las
dificultades, pero se comenzó a adoptar el concepto de hacer del cuadro un espejo de la
realidad, dificultando la distribución de las figuras.

Entre los artistas que se esmeraron en resolver el problema, estaría el pintor Sandro Botticelli
(1446-1510) con su obra El nacimiento de Venus (ilustración 172). Tal obra nos adentra en
los clásicos mitos griegos, con la belleza de Venus emergiendo del mar, formando un
esquema perfectamente armónico. De esta manera llegamos al fin de la época del medievo,
en el que los maestros florentinos dan paso a una función del arte de una belleza y
ostentación de lujo, y que “durante el periodo que denominamos Renacimiento italiano fue
pasando poco a poco al primer plano” (Pág. 199).

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Obras

Leon Battista Alberti, Iglesia de S. Andrea (ilustración 162)

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Leon Battista Alberti, Palacio Rucellai (ilustración 163)

22
Lorenzo Ghiberti, El bautismo de Cristo (ilustración 164)

23
Paolo Ucello, La batalla de San Romano (ilustración 166)

24
Andrea Mantegna, Santiago camino de su ejecución (ilustración 169)

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Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus (ilustración 172)

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14. Tradición e innovación II (El siglo XV en el norte)

Habiendo visto todos los cambios que trajo consigo el Siglo XV en Italia, el norte (países
nórdicos) no se queda atrás, sin embargo, existe una diferencia entre ambos lugares, pues el
norte se expresó mucho más en la arquitectura gótica. Un claro ejemplo de lo dicho
anteriormente sería el Palacio de Justicia de Ruán (ilustración 174) construcción que fue
parte de la última fase del gótico francés o gótico flamígero, además contaría con una gran
variedad de decoraciones y riquezas. De igual manera en Inglaterra se logró observar esta
tendencia de la última fase del estilo gótico, en el que se utilizaban líneas rectas en su mayor
parte. Esto es visible en la capilla del King’s College (ilustración 175) el cual tiene una
forma mucho más sencilla que la de los interiores góticos primitivos (carece de pilares o
arcos pronunciados), pero que resalta la gran cantidad de detalles en la forma de la bóveda.

En cuanto al desarrollo de la pintura, se podía seguir afirmando que los maestros nórdicos
eran todavía artistas medievales, pues seguían fiel a la tradición gótica, su práctica del arte
continuó siendo cosa de uso y costumbre más que de ciencia, sin embargo, esto no significa
que no tuvieran los mismos problemas que los maestros florentinos, pues eran muy
similares. En este sentido, “Jan van Eyck había enseñado a los suyos a convertir el cuadro en
un espejo de la naturaleza” (Pág. 203), y que posteriormente los artistas emplearon su
descubrimiento en los temas tradicionales, como sería el pintor Stefan Lochner (1410-1451)
en el cuadro de la Virgen y Cristo niño en una rosaleda (ilustración 176) el cual denota
conocimiento de las técnicas de Van Eyck.

A su vez, Rogier van der Weyden (1400-1464) nos muestra un fiel reflejo de Van Eyck en la
obra pictórica El descendimiento de la cruz (ilustración 179), que abarcaría una muestra del
estudio de la realidad, con un fondo neutro. Una escena muy parecida fue la que realizó el
escultor Veit Stoss, esta vez en el Altar de la iglesia de Nuestra Señora (ilustración 182),
en él se muestra un claro diseño de la vida y muerte de la virgen, rodeada de los doce
apóstoles, además de ubicarse en la parte superior Jesús (esta escultura sería la única que se
encontraría en el capítulo 14).

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Obras

Palacio de Justicia de Ruán, (ilustración 174)

28
Capilla del King’s College (ilustración 175)

29
Stefan Lochner, La Virgen y Cristo niño en una rosaleda (ilustración 176)

30
Rogier van der Weyden, El descendimiento de la cruz (ilustración 179)

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Veit Stoss, Altar de la iglesia de Nuestra Señora (ilustración 182)

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15. La consecución de la armonía(Toscana y roma, primera mitad del siglo XVI)

El inicio del siglo XVI es el período más famoso del arte italiano, durante este los artistas se
dedicaron a estudiar las leyes de la perspectiva y la construcción del cuerpo humano.

Tempietto, capilla de S. Pietro in Montorio, Donato Bramante

(ilustración 187)

Creada en reemplazo de la basílica de San Pedro con la intención de desafiar las antiguas
tradiciones respecto a la arquitectura de iglesias que se conocían hasta ese entonces.

Monumento a Bartolommeo Colleoni, Andrea del Verrocchio,

33
 ( ilustración 188)

Tumba de Julio II, Miguel Angel Buonarroti

La última Cena, Leonardo Da Vinci Mona Lisa , Leonardo Da Vinci

34
(ilustración 192) (ilustración 193)

El esclavo moribundo, Miguel Angel Buonarroti

Lo que destaca a esta escultura es el efecto de movimiento que Miguel Ángel logró
conseguir en ella ,a pesar de encontrarse totalmente quieta ante los ojos del espectador.

35
(ilustración 201)

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16. Luz y Color (Venecia y la Italia septentrional, primera mitad del siglo XVI)

La ciudad de Venecia, en comparación a otras ciudades italianas, tardó más en aceptar el

estilo del Renacimiento, pero cuando lo adoptó este adquirió un esplendor y una vivacidad
que evocan tal vez más íntimamente que ninguna otra arquitectura de la edad moderna la
magnificencia de las grandes ciudades mercantiles del período helenístico, Alejandría o
Antioquía.

Biblioteca de San Marcos, Jacopo Sansovino

(ilustración 207)

El edificio caracteriza la razón por la cual se hizo famoso el arte veneciano en el

Cinquecento.

Madona con Santos, Giovanni Bellini

(ilustración 208)

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Este cuadro se caracteriza por su gran riqueza en colores, lo que era muy distinto a la visión
que los pintores venecianos tenían, ya que no consideraban el color como un elemento
esencial en el cuadro.

La tempestad, Giorgione

(ilustración 209)

Esta pintura significó un paso hacia adelante en un nuevo dominio de la invención de la

perspectiva.

Neptuno, Jacopo Sansovino

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El Apostol Santiago, Jacopo Sansovino

Palacio Corner della Ca’ Granda, Jacopo Sansovino

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Historia social de la literatura y el arte (A. Hauser)

El Concepto de Renacimiento

El Renacimiento dio origen a nuevos rasgos científicos, médicos e integrales del

naturalismo, la conciencia y la coherencia con que los datos empíricos eran registrados y
analizados logró que se superaran los conceptos que se tenían anteriormente, sin embargo,
este también fue duro y práctico, objetivo y anti-romántico, aspectos que no lo diferencian
mucho de baja la Edad Media.

El Renacimiento aparece como una forma histórica particular en la que el espíritu italiano
individualiza con respecto al fondo de la unidad cultural europea. El Quattrocento es quien
anticipa los principios estilísticos del renacimiento pleno y es la inmanencia de lo clásico en
lo preclásico la que distingue las creaciones de los primeros tiempos del Renacimiento
italiano, frente al arte que se conocía de la Edad Media y el Arte Contemporáneo del Norte
de Europa.

Una obra de arte del Renacimiento da siempre la impresión de ser enteriza; existe un rasgo
de continuidad en todo el conjunto, y la representación parece fundamentalmente simple y
homogénea.Este arte no detiene al espectador ante ningún detalle, si no que le obliga a
abarcar simultáneamente todas sus partes. La evidencia de la descripción artísticamente
realista se basa mucho más en la íntima lógica de la presentación y en la armonía de todos
los elementos de la obra que en la armonía de los elementos con la realidad exterior.

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Conclusión

A través del siguiente trabajo se analizó y estudió la gran obra que nos entrega Gombrich a
nuestra disposición, la historia del arte, el cual nos hace emerger en el mundo de las artes
pictóricas, escultóricas y arquitectónicas, con diversos artistas y épocas que nos enriquecen
con todos los cambios y dinamismo, pues si de algo es seguro es que el arte no progresa,
solo cambia, ya que no caduca.

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