Escenas musicales

Resumen: Este trabajo es una exploración del fenómeno musical criollo a partir del concepto de escena musical, inicialmente propuesto por Straw (1991) y que más tarde fue retomado por teóricos como Shank (1994), Bennett y Peterson (2004). Justamente, partiendo de estos últimos, el artículo propone reflexionar sobre las prácticas que delimitan la escena criolla underground frente a otra escena musical criolla vinculada desde el repertorio a la industria discográfica peruana de la segunda mitad del siglo XX. Para analizar estos límites en la conceptualización de las escenas musicales, se analiza el caso de una escena translocal como la escena chilena de la música criolla peruana. Abstract: The concept of music scene emerged in 1991, representing a new perspective that considered the linkages between daily life and music. This research field was started by Will Straw and followed by many other scholars, such as Shank (1994) and Bennett and Peterson (2004). The widely known work of the latter is our point of departure to explore the musical and social phenomena that characterize the underground criolla music scene in Lima, and its differences from the commercial scene. At the same time, we discuss this conceptual framework through an initial approach to a translocal scene that has flourished in cities like Santiago and Valparaíso in Chile, the Chilean scene of Peruvian criolla music.

Made in Latin America serves as a comprehensive introduction to the history, sociology, and musicology of contemporary Latin American popular music. Each essay, written by a leading scholar of Latin American music, covers the major figures, styles, and social contexts of popular music in Latin America and provides adequate context so readers understand why the figure or genre under discussion is of lasting significance. The book first presents a general description of the history and background of popular music, followed by essays organized into thematic sections: Theoretical Issues; Transnational Scenes; Local and National Scenes; Class, Identity, and Politics; and Gendered Scenes.

El bats’i rock, rock tsotsil, rock en lengua tsotsil o etnorock, es un fenómeno musical juvenil del estado de Chiapas. En los últimos veinte años se ha llevado a cabo una serie de prácticas musicales en donde varios jóvenes indígenas han tocado rock y otros géneros extranjeros, y lo han cantado en su lengua materna. Su propuesta expone un sincretismo cultural-artístico de la mano de una cierta hibridación musical –aunque no en todos los casos–. En dicho movimiento los actores, receptores y mediadores implicados que se encuentran constantemente interactuando, ya sea implícita o explícitamente, constituyen una escena musical donde la música ejecutada esencialmente por bajo, guitarra, batería y voz es el principal vehículo comunicativo y expresivo. Asimismo, el discurso de sus creadores, principalmente, va en función de luchar contra la discriminación que les alude, así como la reivindicación de su cultura y lengua.
En la actualidad alteña de Chiapas, y a partir de un reconocimiento auto-referencial en el mundo globalizado y massmediatizado, los jóvenes tsotsiles han creado una plataforma de enunciación que está constituida y delimitada como escena musical. Desde una perspectiva semiótica, allí se llevan a cabo prácticas musicales que desprenden textos en contextos específicos y como metadescriptores culturales, por ejemplo, la incorporación y ejecución de instrumental utilizado en contextos locales religiosos, la rockerización de sones tradicionales, la disposición del repertorio en vivo en donde, al igual que en eventos festivos o de devoción en Zinacantán y Chamula, se comienza con el son tradicional o la pieza titular del pueblo, etcétera. Asimismo, el rock como música masiva ha llegado a los oídos de estos jóvenes que apropian y resignifican no sólo los elementos musicales o expresivos, sino las formas mismas de hacer música como la sociabilidad que implica. Los conciertos y ensayos, las labores de grabación y producción discográfica, la organización de festivales y participación en los medios masivos de comunicación, son algunas cuestiones en donde el batsirockero se ve inmiscuido y toma postura como agente activo.
En este sentido, la investigación determinó que la producción fonográfica y escénica está articulada por códigos y gramáticas provenientes de dos grandes campos de significación: el correspondiente al sistema musical local del costumbre, cuyas lógicas están apegadas a ámbitos de devoción y de perpetuación de una cohesión social; y el de los espacios de grabación y conciertos en vivo, cuyas lógicas están más bien gobernadas por códigos globales provenientes de la industria musical y de las instituciones culturales del Estado.
El bats’i rock se sitúa en la frontera semiótica de ambos campos de significación, de esta manera, las lógicas globales entran en diálogo intersemiótico con las locales y viceversa. Sin embargo, al percatar que los jóvenes se desplazan en ambas semiósferas, dimos cuenta de una serie de mecanismos de negociación, censura y ruptura que sugiere más bien el desprendimiento/surgimiento de un nuevo sistema semiótico. No obstante, el bagaje musical y la configuración epistémica que los constituye como jóvenes músicos tsotsiles apuntan que la semiósfera de lo local tiene más peso. Es decir, los dispositivos multitextuales como la música, la estética, la lengua, el performance, entre otros, corresponden a una episteme local que fundamenta la enunciación tsotsil en el bats’i rock.

El Archivo de la Fundación Federico García Lorca (AFFGL) es el punto de referencia más importante para la investigación lorquiana. En él se conservan todo tipo de objetos y documentos que alguna vez estuvieron en manos del autor: manuscritos, libros, documentos personales, cartas, efímeros, etc. En este ensayo pretendemos acercarnos a aquellas fuentes directamente relacionadas con la música, así como con las actividades musicales desarrolladas por Federico García Lorca. Ofreceremos la relación y descripción de los materiales encontrados en las sesiones de trabajo desarrolladas en la sede del Archivo durante el año 2019, incidiendo especialmente en aquellos que no están catalogados pero que podrían presentar algún interés de cara a futuras investigaciones.

Las expresiones audiovisuales relacionadas al tráfico de drogas han triunfado mediáticamente y diversas escenas musicales a lo largo del continente abrevan en sus representaciones. Desde estilos producidos de manera relativamente localizada, como la cumbia villera o el funk probidão, hasta escenas multisituadas de mayor alcance como el gangsta rap o el reguetón. El presente artículo abordará este fenómeno desde un caso paradigmático: los narcocorridos en el contexto fronterizo de México y Estados Unidos. Enmarcado por el aglutinante complejo de la "música norteña", los narcocorridos implican una variedad de expresiones sobre el mundo del narcotráfico en México. Por ello, propongo explorar el concepto de “escena musical” derivado de los estudios de música popular, con miras a reconstruir un breve itinerario de los narcocorridos en la región transfronteriza comprendida por la ciudad Mexicali (México), el condado de Imperial (California) y Yuma (Arizona). En consideración a la diversidad de agentes que conforman este entramado, me basaré en una serie de registros etnográficos sobre lugares donde son interpretados en vivo de forma regular (bares, antros, foros), así como entrevistas a los actores que los protagonizan (productores, músicos y escuchas), además de mapas de apoyo para su localización.

Los bakalas fueron una cultura juvenil que apareció en algunos lugares de España, entre ellos Madrid. Después de desaparecer, esta cultura ha sido reformulada de forma nostálgica por los neobakalas madrileños. Este artículo explora, a partir de datos etnográficos y entrevistas en profundidad, la forma en que estos neobakalas han transformado aquella cultura juvenil en una escena musical que ritualiza algunos de los elementos que la compusieron, especialmente sus músicas, produciendo un género musical. Además, este artículo constituye un esfuerzo por matizar ciertas formas de abordar la participación de personas adultas en escenas musicales, cuestionando la aplicabilidad del concepto de “ageing” (Bennet y Hodkinson 2012; Bennet 2013) y de “memoria cultural” (Bennet y Rogers 2016) en este caso de estudio. Por último, el caso de los neobakalas nos llevará a problematizar la forma en que St John (1999, 2011, 2014) analiza la ritualidad de las escenas relacionadas con la música electrónica.

Vernon Press invita a propuestas de capítulos para el libro “Escenas diversas: drama, humor y música”. Con la edición de este ejemplar se busca reflexionar sobre las escenas musicales de alcance local, regional y/o nacional donde convergen expresiones discursivas de drama y humor.
En primera instancia, se asume a la escena musical como el espacio local donde surge o es apropiado un estilo musical específico (Bennet, 2004), definición común entre músicos y críticos. Además, comprendemos que dicho término se ha utilizado para “[…] designar los contextos en los que grupos de productores, músicos y aficionados comparten colectivamente sus gustos musicales comunes y así, también colectivamente se distinguen de otros” (Heredia, 2017).
Sin embargo, nos subscribimos a una idea más diversa y porosa donde convergen, entrecruzan y dialogan discursos textuales, sonoros y performativos, posibles de estudiar desde las ciencias sociales, humanísticas y artísticas. De ahí que, asumimos a las escenas musicales como “[…] un espacio cultural en el cual un rango de prácticas musicales coexisten e interactúan entre ellas dentro de una variedad de procesos de diferenciación, y de acuerdo con una amplia variedad de trayectorias de cambio y transfertilización” (Straw, 1991).
Bajo ese tenor, se esperan contribuciones de capítulos que cubran las siguientes temáticas generales, entre otras que puedan proponer los autores:
- Escenas musicales como espacio de legitimación.
- Configuración de escenas musicales híbridas.
- Humor en las escenas musicales.
- Drama y sentidos musicales (trans-)locales.
- Escenas musicales y poder.
- Emergencia de nuevas escenas musicales.

Este artículo aborda la escena musical del reggae en México. Además de estudiar su desarrollo y conformación, trata la existencia e importancia de los niveles de localidad que existen dentro de la escena nacional. Estos niveles de localidad son relevantes porque en ellos se han generado diversas expresiones e identidades particulares a partir de la adopción y reinterpretación de este género en contextos distintos que son mediadas por la época y el lugar en que surgen, posibilitando la incorporación de determinados rasgos culturales mexicanos. Al mismo tiempo, estos niveles nos permiten observar la dinámica de escenas regionales que cuentan con un foco en una escena del reggae más fuerte que influye en las localidades a su alrededor. Estas escenas, tanto locales como regionales, se encuentran en comunicación entre ellas y también con otros países, tanto físicamente como a través de Internet, por lo que la escena del reggae en México, existe y se desarrolla simultáneamente como
escena local, translocal y virtual. Así pues, se presenta un panorama global de la escena del reggae en el país, no solamente centrado en la Ciudad de México por representar la principal escena local en torno a este género. Este acercamiento ha requerido de la creación de una herramienta metodológica basada en propuestas de la etnografía digital, que posibilitó la realización del “1er Censo de la Escena Musical del Reggae en México”. Siguiendo las ideas de la etnografía aplicada, se quiere aportar una herramienta que ayude a conocer y visibilizar esta escena. Estudiar y entender la escena del reggae en México desde esta perspectiva demuestra que no se trata de una única escena sino de varias (por generaciones, regiones, subgéneros, sectores) que se encuentran interconectadas de diferentes maneras.

Resumen. Los neobakalas son adultos que construyen su identidad a través del relato nostálgico de una música y unas tecnologías que sirven para proyectar una jerarquía sobre la Electronic Dance Music (EDM), otra escena musical protagonizada por jóvenes. Este texto explora, por medio de una etnografía expandida, esta construcción identitaria que es articulada desde el concepto de escena musical, desde las múltiples generaciones definidas por Feixa-X, @ y #-y desde distintas propuestas en torno a la nostalgia (de Appadurai y Herzfeld). Este artículo, no obstante, no da por sentado el relato nostálgico de los neobakalas y lo cuestiona, proponiendo uno alternativo, elaborado por medio de la memoria y la historia de los propios neobakalas para que, de esta forma, se puedan contrastar ambos. Esta contraposición entre pasado y presente pondrá de manifiesto cómo la nostalgia erosiona y transforma la memoria de unos sujetos que han producido distintas identidades en diferentes momentos de sus vidas y cómo estas mismas identidades responden, sobre todo, a las sucesivas necesidades de un contexto que altera constantemente sus condiciones de vida. Abstract. Neobakalas are adults who build their identity appealing to a nostalgic musical and technological discourse that is used to project a hierarchy over the Electronic Dance Music (EDM), another music scene produced by youngsters. This text explores, through expanded ethnography, the construction of this identity. To do so, it recurs to the concept of music scene, the generations (X, @ and #) defined by Feixa and several proposals around nostalgia (Appadurai, Herzfeld). Nevertheless, this article does not take for granted the nostalgic discourse of the neobakalas and questions it, proposing an alternative one based on memory and history so both can be compared. This comparison between past and present will allow to see how nostalgia erodes and transforms the memory of these subjects, how they have produced several identities in different moments of their lives and how these identities may be understood as answers to a context that constantly alters their lives.

Capítulo incluido en "Made in Latin America. Studies in Popular Music." El libro consiste en una antología de ensayos sobre la música popular latinoamericana contemporánea desde la perspectiva de las escenas musicales, editado por Julio Mendivil y Christian Spencer.  Los ensayos están organizados por ejes temáticos: aspectos teóricos, escenas transnacionales, escenas locales y nacionales, clases sociales, identidad y política, y cuestiones de género, escritos por distinguidos especialistas del área, abordando personajes, estilos, géneros y problemas relevantes de la música popular en América Latina, y proveyendo de un marco social e histórico para comprender la realidad actual de la música latinoamericana.