The Chameleons - Monkeyland (Live) (1985)

Mañana vienen a Madrid a tocar en vivo The Chameleons, celebrando el 30 aniversario de su disco Script of the Bridge, el primer trabajo de la banda de Middleton (Manchester) que se supone interpretarán al completo, además de recordar temas de sus otro dos trabajos ochenteros y algún tema de la otra triada de este siglo. Grupo de culto del post-punk, siempre tuvo más importancia sus creaciones que sus ventas o popularidad, de ahí sus contínuas disputas con las discográficas.

Mañana espero oír entre otros este maravilloso Monkeyland, que además me encanta pinchar, aquí en una versión de directo en Londres en 1985.

Juan Perro - A la media luna (1997)

Juan Perro (Alter ego de Santiago Auserón) editó su segundo trabajo en solitario, dos años después de su primer trabajo "Raíces al viento", en 1997 "La Huella Sonora", dónde mezcla el ambiente caribeño-cubano de su primer disco con el aire rockero que siempre tuvo con Radio Futura. El viaje sonoro que propone el álbum tiene momentos excelsos, brillantes, con melodías realmente extraordinarias y su voz en estado de gracia, ya que cuando requiere que la interpretación sea contenida así lo hace, y cuando ha de ser desgarrada lo clava.

Me quedo con un tema que me recuerda mucho a los Radio Futura más rockeros, A la media luna, pero con una letra dedicada a los poetas andalusíes, aquí en directo.

PJ Harvey - Stories from de city, stories from the sea (2000)

Hablo hoy de un disco de una mujer, y ¡¡¡qué mujer!!! del año 2000, de la británica PJ Harvey. Este es su quinto trabajo de estudio, y claro está el más accesible de todos ellos, desde luego gracias a éste álbum dejó de ser una incomprendida y pasó a ser conocida por el gran público, pero sobre todo por una cosa fundamental, y es que el disco tiene CANCIONES, y qué canciones madre mía. Se titula Stories from the city, stories from the sea.

Polly Jean no descuidó para nada su lado artístico, ya que el disco lo producen ella misma, Rob Ellis y Mick Harvey y es de nivel muy alto, dando a los temas su crudeza cuando las canciones son de onda post-grunge y de delicadeza cuando nos hablan de sufrimientos y son más a medio tiempo. El álbum, no nos engañemos, habla de la frustración en la vida y la infelicidad, casi en los mismos términos que lo hacía Kurt Cobain, la amargura está presente en muchas de las letras. Pero al igual que le pasaba a Kurt, las melodías le salen maravillosas, jodidamente maravillosas, con lo que el resultado es simplemente excelente. También destacar la colaboración de Thom Yorke en tres temas del disco y como no, dándole su toque en esas canciones, pero sobre todo en la que él es la voz principal.

Big Exit abre el álbum, y las ganas de resolver todo con una pistola inundan el tema, además me encanta la guitarra con la que empieza, toda una declaración de intenciones y esa voz que desprende lo que es PJ, todo presencia, magnetismo y tonos precisos. Good fortune es una excelente canción de pop-rock con una melodía brillante, su voz maravillosa y siempre en la mente ese vídeo dónde ella meneaba el bolsito y tu querías ser el hombre que ella reclamaba en la letra para desterrar la mala suerte. A place called home es una delicia desde los primeros acordes, hablando sobre la esperanza, con un desarrollo brutal y ese piano casi escondido del final que es una locura, está justo en su punto... pero como de fondo. One line es el primer tema dónde colabora el líder de Radiohead, aquí está como segunda voz, Polly Jean empieza cantando acompañada de líneas de guitarra para luego irrumpir la melodía y sección rítmica, precioso tema. Beautiful feeling con esa textura rugosa de anteriores discos, también es acompañada por los coros de Thom Yorke, una balada silenciosa. The whores hustle and the hustlers whore vuelve a las guitarras dominantes y la voz de la diva en su salsa, además de una tema rápido y dónde ella se despacha a gusto con gritos y glamour. This mess we're in es una obra maestra en si misma, con una guitarra cadenciosa entra la voz de Thom Yorke que te mata directamente, gloriosa, a degüello, a la carótida, para luego entrar la Harvey a darle la réplica, delicioso ritmo que acompaña a los dos maestros... también con ese tono dramático, pero que lo bordan, y como York repite lo que dice ella, para luego unirse... glorioso. You said something, es otro temazo en el que dice más o menos que es mejor quedarse con lo bueno del pasado, un tema a medio tiempo precioso y delicado. Kamikaze nos trae a la PJ más punk, aquí desata toda su ira y lo borda, una vez que explota es un volcán en erupción, ella no necesita que nadie la cuide. This is love es otro trallazo descomunal, cancionaca sideral y donde dice una frase mítica "No me puedo creer que la vida sea tan compleja, cuando todo lo que quiero es sentarme y verte desnudarte" así de claro, un singelazo de tomo y lomo con ella tremenda en todos los aspectos. Horses in my dreams quizás sea el tema más lento y oscuro del álbum y acaba con We float con ese ritmillo de piano y una letra donde busca el amor y el éxito, enorme tema para acabar un gran disco con cierto increscendo lento pero seguro.

Este álbum, como algunos otros, está cargado de referencias explícitas a la ciudad de Nueva York, un año antes del 11-S (se citan en Manhattan, Brooklyn, etc.,), como en This mess we're in, con dos amantes que se citan y han terminado para siempre, algo solitarios e indefensos rodeados de rascacielos, perdidos ante su futuro más o menos inmediato. Me quedo con esa frase que canta ella y él le va repitiendo "Sólo quería decirte que no cambies nunca, y que gracias, no creo que volvamos a vernos, y ahora debes irte".

No es un disco que haya cambiado la historia del rock, pero está lleno de excelentes temas que da gusto escuchar una y otra vez.

Este post fue redactado por mi para Exile SH Magazine y readaptado para mi espacio.

Os dejo con el vídeo de This is love.

Los Ronaldos - ¿Qué vamos a hacer? (1988)

 

Uno de esos discos que tengo rayado de oírlo, sobre todo en una época juvenil, es el Saca la Lengua de Los Ronaldos de 1988. Un disco rockero, de un grupo que sonaba como una banda de amigos, pero con un sonido de lo más reconocible y la voz de Coque Malla inconfundible.

Pero curiosamente, el tema que más me gusta escuchar con el paso de los años, no es el mítico Adiós Papá (que también), o Por las noches (como no) sino el segundo tema del disco ¿Qué vamos a hacer?, una canción sencilla, sin grandes pretensiones pero que te invita a cantarla una y otra vez.

 

Os dejo con el videoclip, que estrenaron en su día en el programa de la 2 de Santi Alcanda, Klip.

 

Depeche Mode - Songs of faith and devotion (1993)

En el año 1993, Depeche Mode, que venían de un éxito abrumador con Violator, un disco que fue millonario en ventas con singles demoledores, editaron Songs of faith and devotion, para mi, su gran obra maestra. Con Violator demostraron que su apuesta por el tecno con cierto toque sombrío, en las letras sobre todo, era capaz de triunfar (que ya con su directo 101 había llegado a mucha gente), pero dónde realmente se convierten en unos auténticos emperadores es con este álbum, en el que a parte de volverse por primera y acertada vez más rockeros, y con una intrumentación más orgánica, despachan una colección de canciones realmente espectacular. La formación en aquel momento la componían (desde el segundo disco) Martin L.Gore, compositor de todos los temas del disco, y auténtico cabeza huevo del grupo que toca guitarras, sintetizadores, hace segundas voces e incluso canta dos temas del álbum, Dave Gahan al cante sobrado, Alan Wilder (un musicazo) que tocaba sintetizador, piano, batería, bajo, arreglos, producción y programación, más el amigo Andrew Fletcher que sólo tocaba sintetizador y gracias (bueno si, también daba palmas). Una de las características más curiosas de este disco grabado entre 1992 y 1993, es que la banda alquiló un chalet a las afueras de Madrid, dónde se fue cociendo el material (de hecho en el libreto original había una foto de ellos por la Plaza Mayor). Las fricciones entre Alan Wilder y el resto empezaban a ser fuertes, sobre todo con el palmero de Fletcher, cosa que en la gira llegó al límite. Por otro lado, es el único disco del grupo que tiene su edición en directo tal cual. A día de hoy, muchos temas de este disco siguen adornando sus directos y son básicos para la banda.

El disco comienza con I feel you, uno de los singles más acojonantes que he escuchado jamás, con ese chirriar de la guitarra inicial, rompedor, directo, con un ritmo de guitarra martilleante, esos cambios de ritmo tremendos y una voz imponente de Gahan, además de una base rítmica brutal, no se me olvidará jamás ese vídeo dónde Martin anda con el viento en contra tocando la guitarra a través de una zona desértica, mientras en la casa Dave anda con una churri. Walking in my shoes con esa intro de los teclados, para luego entrar la base rítmica y la voz de Gahan es caso aparte, una canción cuya letra me sé de pe a pá, con un estribillo magnífico y que en sus directos me pone la carne de gallina, auténtica joya, singelazo y temazo. Condemnation es el tema más vocal del álbum, e incluso diría que casi religioso, como si de una procesión de Semana Santa se tratara, dónde Dave canta otra vez de manera sublime, y toda la banda arropa a los coros. Mercy in you es la típica canción de Depeche Mode, pero que aquí suena más rockera ya desde el principio con la guitarra mandando, pero tiene ese tono sombrío del que siempre hacen gala. Judas es el primer tema que canta Gore en el disco, con gaitas de entrada, lento, con una preciosa letra, una balada delicada y excelente. Llegamos a In your room, palabras mayores, uno de esos temas que me dejan con los pelos como escarpias, con la voz de Gahan entrando desde las cavernas, desgranando la letra, para que luego la bestial entrada de la base rítmica irrumpa de tal manera que hace que la melodía explote, dentro de su preciosa oscuridad, y llegue al climax, brutal demostración de un grupo en estado de gracia. Get right with me es quizás el tema más tecno del álbum, el que demuestra que no se olvida de dónde vienen, una canción a medio tiempo muy bien rematada con coros góspel. Éste tema incluye una parte instrumental titulada Interlude #4, no incluída en los créditos. Rush es un tema rápido, determinante, y con una transición en casi parada, para retomar el ritmo sin concesiones. One Caress es una adorable pieza con arreglos de cuerda (música clásica) que acompañan la voz de Martin L.Gore que canta su segundo tema en el disco. Higher love es la canción que cierra el disco, un tema para mi muy emparentado con el anterior disco, incluso diría que hubiera pegado perfectamente en el mismo, ese típico tema subyugante de la banda inglesa, con un increscendo constante y una melodía muy buena.

El título "Canciones de Fe y Devoción" hace clara referencia a que la inspiración para la mayoría de las canciones fue la religión, tema que siempre ha sido de especial interés para Martin L.Gore, si bien fue Dave Gahan quien animó a sus compañeros a realizar una colección de canciones meramente rock (no en balde Gahan llegó al grupo de chiripa, cuando realmente quería estar en una banda de punk, y en cierto modo se reivindicó). Eso también lo muestra como un álbum no habitual, incluso rara-avis, no sólo para el grupo, sino para el concepto mismo de cierto reinado y anarquía del grunge que en esa época dominaba con bandas como Nirvana, Soundgarden o Pearl Jam, y con el que fue vinculado nada más aparecer. Lo que es indudable es el protagonismo que se le dio a Gahan no sólo en el álbum, sino también en la imagen del grupo, con cambio de look añadido. Pero los problemas en la banda, se hicieron muy patentes durante las dos giras que tuvo este disco, el Devotional Tour y el Exotic Tour, debido al éxito de abrumadora asistencia, lo que provocó la salida de Alan Wilder en 1995, pero aún él aguantó hasta el cierre de la promoción del disco, en medio de escándalos, hechos vergonzosos y una completa desunión del grupo, alegando su poco reconocimiento en su aportación a la banda.

Lo único que no me gusta, es que hay temas como In your room, que cuando los interpretan en vivo no lo hacen como en el disco y meten un remix que le hace perder al tema toda su grandeza, una pena.

Os dejo con el vídeo de Walking in my shoes.

Eels - Kinda Fuzzy (2013)

  

Eels, como he hablado aquí anteayer, sacó esta semana pasada su nuevo y precioso disco, que sólo se lleva un añito con su predecesor, ese fantástico Wonderful, Glorious. En ese anterior trabajo, el bueno de Mister E dejó claro que sigue estando en un nivel de composición muy alto y que le sobra calidad para dar y tomar. Uno de los temas que más me flipan de ese disco y del que hay vídeo es Kinda Fuzzy, con unos cambios de ritmo bestiales, con un teclado que da un juego tremendo y su característica voz. 

Os dejo con el vídeo, donde Mark Oliver Everett interpreta a un payaso bastante alcohólico cuya compañera le ayuda, y eso parece sacarle del pozo.

 

The Strypes - Hard to say no (2014)

The Strypes no paran, y acaban de sacar un EP de cuatro temas titulado 4 Track mind, que sigue en la senda de su primero y magnífico trabajo, pero digamos que lo que se nota aquí es la evolución a un sonido más compacto y no tan acelerado al del primer álbum. Son 4 composiciones propias que eso si, siguen al nivel de calidad del discazo del año pasado, recordaros que fue número 1 en este espacio.

El single de este EP es Hard to say no, un tema alucinante donde el guitarrista utiliza el slide manera gloriosa, también en el sólo.

Disfrutad de este vídeo del Hard to say no.

Eels - The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett (2014)

Este año Eels y Beck se han propuesto estar en lo más alto en cuanto a composición y discos que son un auténtico rayo de luz en la oscuridad, en plan songwriter. Pero claro, mientras el rubiales ha tardado 6 años en parir ese maravilloso Morning phase, el señor Mark Oliver Everett ha tardado tan sólo un añito desde su anterior y fantástico Wonderful, Glorious.

Pero Mr.E tiene algo diferente, aparte del genio que es, la profundidad de sus letras es asombrosa, y además es un tipo necesario, sus melodías tejidas con hermosura y laboriosidad no dan puntada sin hilo.

The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett, el undécimo disco de Eels, es un disco bonito a rabiar, porque se te mete en el cuerpo como algo necesario, y ya no se te va. Esa voz cruda, desgarrada, le pega a los temas de manera tremenda, es su estilo, pero me gusta. Aquí está el rockero más intimista, sin ningún lugar a la duda.

Es cierto que hay poco nuevo que decir, ya que hablamos de que este genio ya había hecho antes 10 discazos, siempre una apuesta firme y segura. Nos regala los oídos y hemos de seguir agradecidos.

El disco comienza con Where I'm at a modo de una sonata instrumental de vientos y piano, manera tranquila de introducir el primer tema acústico Parallels, una delicia de esas que compone como si fuera fácil Mr.E, algo a lo que nos tiene ya acostumbrados. Lockdown hurricane sigue por la senda marcada, con ese piano eléctrico, con una letra que describe los errores humanos, precioso y hondo tema. Agatha Chang con esos violines de fondo, que acompañan a la voz que te deja helado y esa guitarra acústica, es una pieza delicada pero brutal, una obra clásica de un rockero, ahí es nada. A swallow in the sun es otro tema natural, con esa intro de la guitarra con arpegios, aires soul y góspel es una pasada de tema. Where I'm from es una tonada muy alegre, con influencias de aquellos Simon & Garfunkel, una auténtica nana de cuna, para niños. Series of misunderstandings es una gozada, con ese sonido casi de caja de música que acompaña la delicada manera de cantar de Mark, una oda brutal de proporciones gigantes. Kindred spirit con esa guitarra sincopada del inicio es otra demostración del crack que este tipo, canción de amor a su estilo, gran desarrollo de la pieza. Gentlemen's choice es muy lenta, pero bella, despaciosa, locura de hondo calado, sólo acompañada de un piano. Dead reckoning es la canción más oscura y lúgubre con grandes arreglos de cuerda y esa descripción terrible de la soledad. Answers remonta algo el tono sombrío de los 3 anteriores temas y con esa caja de música sale otra vez a la superficie para dejarnos una melodía sublime. Mistakes of my youth es para mi la joyaca del álbum (tema del que hablé aquí), dónde por fin hay una percusión o batería que da ritmo al tema que lo pide a gritos, desgarrador tema, composición enorme, de esas canciones que te ponen la carne de gallina para siempre, ¡¡¡qué temazo leñe!!! Where I'm going cierra el disco como lo empezó, con otra sonata de vientos, y un piano delicado, pero esta vez con voz y letra, gran canción para acabar un disco espléndido e introspectivo.

Mr.E ha vuelto a demostrar que tiene muchos registros, lo mismo te hace un discazo de rock, que uno de estilo acústico, que te sale a tocar en chándal (se lo perdonamos al gafapastas), pero como todo musicazo tiene sus historias, eso si, ante todo su música prevalece y aquí hay algún que otro tema que es para subir al olimpo de los dioses.

Os dejo con Where I'm from en directo en Kexp y disfrutad.

Ramones 40 años después de su primer concierto.

The Ramones dan su primer concierto, el 30 de marzo de 1974 ante una audiencia de 30 personas y con un repertorio compuesto únicamente por versiones de otros artistas, la banda ya era conocida como Ramones. El resto de ese año, harían varios conciertos en el mítico CBGB de New York.

A partir de ese momento, todos los miembros llevarían el apellido Ramone (el mismo que utilizaba Paul McCartney en el periodo Silver Beatles), de modo que los tres miembros serían conocidos como Joey Ramone (Jeffrey Hyman), Johnny Ramone (John Cummings) y Dee Dee Ramone (Douglas Colvin). Este primer concierto resultó un desastre, causado principalmente por la imposibilidad de Dee Dee de tocar y cantar a la vez. Como solución, Dee Dee se dedicó solamente al bajo y Joey se hizo con el puesto de cantante. Para rellenar su hueco en la batería se eligió a Thomas, el representante y amigo de los componentes, que pasó a llamarse Tommy Ramone. Más tarde en 1978, Marky Ramone (Mark Steven Bell) reemplazó a Tommy Ramone a la batería al retirarse este último, curiosamente el único componente que queda vivo en la actualidad.

Como pequeño homenaje os pongo este Blitzkrieg Bop, del primer disco homónimo de 1976, curiosamente composición de Tommy Ramone, aquí en directo en 1977.

Pinchada de Dj Savoy Truffle en el Tributo de The Lucky Dados a Carl Perkins.

 

Este domingo 27 de abril The Lucky Dados rendirán tributo a uno de los músicos más pioneros que hubo en esto del rock and roll y que, conformaba junto a Elvis Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis el Cuarteto del Millón de Dólares, Carl Perkins. Realizarán un set acústico en La Barca Club, Calle Mallorca, 1, Metro Lavapiés o Atocha. Antes, en el descanso y después de su actuación, Dj Savoy Truffle amenizará a la concurrencia con diversas tonadas en la onda del tributo.

Como es lógico, el homenajeado tendrá su momento, con por ejemplo, con el Everybody's tryin' to be my baby de 1957, que tanto le gustaba a George Harrison y fue versioneada en el Beatles for sale de 1964.

 

También sonará esa versión beatle que cantaba Ringo del Honey don't, de 1964, aquí en la BBC en directo en 1965.

 

Mando Diao - Black Saturday (2014)

 

 

Mando Diao, que llevaban ya unos añitos calmados, vuelven, hace unos meses lo anunciaron, con nuevo disco titulado Aelita, del que harán la gira mundial correspondiente. Lo que no esperaba es que los chicos suecos viraran tanto en su estilo hasta parecer irreconocibles, ¿dónde están esas melodías que les hicieron un grupo bastante decente de pop-rock con buenas influencias sesenteras? Pues perdonadme, pero parecen haberse esfumado a tenor de el primer adelanto titulado Black Saturday... todo indica que los chavales han pisado mucho las discotecas en este tiempo.

 

Os dejo con el vídeo de este tema, y juzgad vosotros mismos.

 

Pinchada de Dj Savoy Truffle dedicada a Parálisis Permanente en Polyester Bar.

Este viernes 25 de abril Dj Savoy Truffle hará una sesión dedicada al grupo Parálisis Permanente, uno de los mejores de los años 80 y que desgraciadamente menos tiempo duró por la pérdida demasiado temprana de su líder Eduardo Benavente. Además la sesión será acompañada por grupos de la época como Gabinete Caligari, Radio Futura, Alaska & Pegamoides, etc... La cita será a partir de las 23:30 en Polyester Bar, Travesía de San Mateo 10, Metro Tribunal o Alonso Martínez.

Parálisis Permanente encarnan la leyenda negra del nuevo rock que se hacía a principios de los 80 en España. El grupo surgió como una idea de Nacho Canut que no veía totalmente satisfechas sus inquietudes en los Pegamoides, protagonizada por Eduardo Benavente, que se creyó a fondo la película y la llevó a término hasta sus últimas consecuencias. Su misión era implantar el after-punk en nuestro país (ellos habían flipado en conciertos de Killing Joke y similares) y así lo hicieron con su primer single "Autosuficiencia", un tema simple y perfecto interpretado con energía y fervor. Dicho tema venía en un EP compartido con Gabinete Caligari (en esa época era muy habitual compartir un EP). Después vendrían más singles como Quiero ser Santa y otros más luego el LP El Acto, dónde Nacho ya había dejado su puesto a Rafa y Ana Curra. En los conciertos el carisma de Eduardo era increíble y el grupo tenía mucha fuerza y consistencia. Luego la tragedia del accidente de tráfico. Su último single fue "Nacidos para dominar" en 1983. A partir de ahí lógicamente se disolvieron.

Os dejo con un par de temas que sonarán en la sesión.

Primero con el tema Nacidos para dominar de 1983, en su actuación en Musical Express.

Por otro lado un tema de sus grandes amigos y compañeros de sello al principio en Tres Cipreses, Gabinete Caligari, el Golpes, su primer single de 1981.

Eels saca nuevo disco hoy.

Mark Oliver Everett, el nombre que se esconde bajo el grupo Eels, está a todo trapo y hoy edita su nuevo trabajo, al año siguiente de su espléndido Wonderful, Glorious. Su título "The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett". De los temas que de momento se han adelantado, el que me llegó desde el primer momento fue esta barbaridad titulada Mistakes of my youth, una delicia dónde la guitarra conductora y la voz desgarrada de Mark son una pasada totalmente adictiva, de esos temas que no puedes dejar de oír.

Por cierto, que la edición Deluxe  tendrá un cd extra de otros 13 temas, seis en directo grabadas en varias emisoras de su anterior disco, Souljacker o Blinking lifgths and other revelations y una versión de Fleetwood Mac.

Os dejo con este temazo sideral... y gozad.

José Ignacio Lapido - Cuando por fin (2013)

 

 

Uno de los mejores discos nacionales de 2013, fue sin duda "Formas de matar el tiempo" de José Ignacio Lapido, el que fuera líder de 091. Y uno de los temas más redondos y que a mi me gustó desde la primera escucha es "Cuando por fin" cuyo vídeo ha sido realizado en fechas recientes, dirigido por Cristina Ferreiro en blanco y negro. Ese comienzo de guitarra stoniana, da paso a una melodía tremenda que contiene uno de los estribillos mejor rematados de este gran disco.

Os dejo con el vídeo de este temazo que es Cuando por fin.

 

Jack White bate el Record Guinness al disco más veloz.

 

Que Jack White es un verdadero genio, eso no creo que a estas alturas nadie tenga la osadía de discutirlo, que además tiene un sonido identificable plenamente es más que obvio, pero que encima tenga las santas narices de hacer el disco más rápido de la historia, le hace por derecho propio entrar en la leyenda. En el día del Record Store Day, hizo realidad su plan previsto de hacer el disco más veloz del mundo. Según su sello Third Man Records, el primer lote de vinilos de 7 pulgadas de Lazaretto de ayer, se grabó, imprimió, prensó, montó y puso a la venta en 3 horas y 55 minutos. Lazaretto es el single que da título a su segundo disco en solitario, que verá la luz el 9 de junio. Lo mejor del asunto, es que cuando el músico terminó la interpretación del tema en directo en su propio estudio, el máster de las grabaciones se llevó a fábrica para imprimir los singles, cuyo embalaje ha sido ilustrado con fotografías del directo en cuestión.

 

Este vinilo lleva como cara B una versión del clásico de Elvis Presley de 1969, Power of my love. Además y por si fuera poco, White y su grupo acabaron haciendo una actuación de alrededor de una hora, con varios temas que irán en su nuevo disco...

 

El adelanto que hay de ese nuevo álbum se llama High Ball Steeper, y aquí os lo dejo.

 

15 años de Honestidad Brutal de Andrés Calamaro.

Hace 15 años de la edición de este gran disco, quizás el más completo y de más alta calidad, bajo mi punto de vista, del músico argentino. Grabado entre New York, Miami, Madrid y Buenos Aires, entre los viajes de la gira de su anterior disco "Alta Suciedad". El álbum gira en torno a el tremendo dolor que había sufrido el artista, en su ruptura sentimental con la que entonces era su pareja, lo que provoca un enorme torrente de ideas y composiciones de una clase bestial. Pero es que además, este disco está repleto de frases que me han marcado por mucho tiempo. Me gustan los temas dolorosos como "El día de la mujer mundial", "Las Heridas" o "Más duele", los de derrotismo como "No son horas", o la cumbia vuelta balada "Mi propia trampa", el canto al amor inútil de "Paloma", "Negrita" o "Te quiero igual" o himnos eternos como "Socio de la soledad" o "Cuando te conocí"... 

Compuso 100 temas en un derroche, que la compañía (DRO) le obligó a recortar y se quedaron en 37, luego en "El Salmón" se tomaría cumplida venganza. Referencias a Dylan, Sabina, Loquillo, Stones o Randy Newman... todo junto. Todo cabe en este gran disco, hay rock, pop, reggae, tango, jam-session...

Recordemos ese tema titulado Te quiero igual.

The Kinks - The Kinks are the Village Green Preservation Society (1968)

The Kinks es quizás actualmente, y con el paso del tiempo, el grupo que más he llegado a adorar y llegar a tener una auténtica devoción por ellos, podría decir, que mi vida ha sido plena al descubrir de cabo a rabo su discografía, su tremenda discografía, porque hablamos de un grupo que hizo obras maestras absolutas en los 60, teniendo a los Beatles y a los Stones como rivales de lo más feroces, cambiaron el estilo y siguieron facturando joyas en los 70, e incluso en los 80 tuvieron la osadía de competir con multitud de bandas, que en esos momentos dominaban el panorama musical.

En 1968, se meten en el estudio para grabar un disco conceptual, como homenaje por parte de su líder Ray Davies, a la vida en las aldeas inglesas y por tanto a la inocencia e idealización de los tiempos pasados y a su gente. Una de las características esenciales del disco, es que se nota que está pulido al máximo, y que además, la evolución del cuarteto en ese momento alcanza un momento álgido, ya que siempre digo que para mi Face to face marca el comienzo de la cumbre del grupo, en Something else by the Kinks esa evolución es gloriosa, pero en esta obra alcanza cotas supremas. 

El álbum rebosa nostalgia y melancolía, pero como sólo Ray Davies, con sus majestuosas letras y no menos líneas melódicas, sabe hacer, para al final conseguir un compendio de temas de una factura memorable. El tema Village Green sirvió como base para el disco con esa letra que dice... "I miss the village green, and all the simple people..." ("Extraño la villa verde y toda su gente simple..."). Pero también hay emociones y experiencias de amigos perdidos, memorias, poesía rural, marginación social, fantasía infantil, abandono del hogar, etc... Desde luego, si hay un disco que debe servir de referencia a la hora de componer, uno de ellos sería esta joya mayúscula.

Como le pasa a muchas obras maestras, el disco en su momento pasó bastante desapercibido, además no tuvo nunca un single claro ni definido (quizás un hándicap de los discos conceptuales, que son toda una suite seguida), pero como suele pasar en estos casos, el disco se convirtió en álbum de culto con el paso de los años. 

Esta sinfonía deliciosa o simplemente tremenda comienza con The Village Green Preservation Society con esas guitarras acústicas y la batería de Avory muy presente, pero curiosamente a mi me parece un tema muy alegre para empezar, desbordando buen rollo. Do you remember Walter, recuerda a un amigo perdido, pero con esa manera de cantar de Ray Davies que te atrapa y los cambios de ritmo descomunales y esa melodía que resuena en tu cabeza... Y llega Picture book, si hay alguien que no le gusta esta canción, que venga que lo pongo fino... pero Dios del amor hermoso... voces, coros, ritmo, GLORIA, eso es componer ¡¡¡guauuu!!! (¿verdad Joserra Rodrigo?).

Johnny Thunder habla de un tipo marginado... el Juanito Truenos que luego en discos posteriores, el propio Ray Davies acogerá como Alter Ego, otra canción de coros memorables y unos cambios de ritmo preciosos. Last of the steam-powered trains es la canción más bluesera del disco sin duda, con ese aire a country también que le queda de lujo. Big sky vuelve a elevarme por encima del suelo unos palmos, y aunque Ray parece un narrador más que un cantante, al principio, es devastador como te cuenta su aceptación estoica de la vida, adoptando ambos roles a lo largo del tema (aquí empieza a gestarse su rama teatral). Si a estas alturas no se han rendido a este grupo... Sitting by the Riverside contínua por la senda de Big Sky, pero quizás de manera más oscura, y con multitud de notas y sonidos sonando detrás. Animal farm es una maravillosa poesía de las que sólo Mr.Davies sabe hacer gala, con esos arranques al cantar, para luego deleitarnos con una melodía soberbia, de las de dejarte clavado y decir "eres el mejor". Village Green es una pieza casi de la época de Mozart, es decir de música clásica, sonando un piano como clavicordio... cosas del melotrón... delicia sideral... La la la la... En Stratruck nos encontramos ante otra descomunal canción, porque lo de esta melodía es abrumador... quizás los Kinks no eran los mejores instrumentistas, pero se dejaban el alma en cada nota... Papa papa paraba... Phenomenal cat es una fantasía para niños, encantadora, como sólo Ray Davies sabe facturar. All of my friends were there es tan rimbombante y tan graciosa que ha pasado a ser joyaca con ese cambio en la melodía, y esa manera de cantar... bufff tela tela telita. Wicked Annabella es el tema más garagero, y psicodélico del disco, poco explotado por el grupo, pero cuando lo hacían era memorable, para describir a la pobre chica. Monica es otra tremenda melodía, donde Ray canta a sus anchas y navega sobre una melodía que le premite jugar. Y acaba esta abrumadora obra de orfebrería con People take pictures of each other, un tema muy animoso y de gran calidad para redondear esta maravilla.

En definitiva, una obra conceptual soberbia, donde hay pop, rock, blues, toques psicodélicos, sonidos melódicos y armonías de una calidad superior, con esas guitarras acústicas que te vuelven loco y 15 temas donde no hay altibajos, algo muy difícil de conseguir, y en eso la selección de canciones está clavada. Curiosamente un disco muy poco tocado por el grupo en directo, algo siempre misterioso que le da todavía más aliciente a lo de "disco de culto".

Este post fue redactado por mi para Exile SH Magazine y ahora reposa en mi espacio.

Os dejo con esa maravilla que es Picture book.

David Bowie - ...Hours (1999)

Después de meterse a fondo con el techno y la cibernética y publicar un discazo como Earthling, donde demostró lo camaleón que es, El Duque Blanco, David Bowie, se saca de la manga justo a final del siglo XX una obra maestra, basada en dos pilares fundamentales, bajo mi punto de vista, y es que por una parte recupera al Bowie más acústico, sacando otra vez la guitarra de 12 cuerdas, como en la época de Hunky Dory o Ziggy Stardust, y por otro a ese músico que sigue buscando cosas hasta en si mismo, como hizo por ejemplo en Scary Monsters. Eso en parte también lo reflejan la portada, la contraportada y el libreto interior del álbum, dónde Bowie sujeta a un David diferente de pelo corto, dos Bowies se meten en una especie de lavadora o tres Davids miran de forma diferente a una serpiente (el diseño de la portada es de Rex Ray). Este disco iniciaría además un tríptico con Heathen y Reality, bajo mi punto de vista de mucha grandeza, recuperando a un Bowie fantástico, tanto en la composición como en la voz y con una banda extraordinaria. Aquí sigue con Reeves Gabrels (amigos desde Tin Machine), un guitarrista virtuoso, creativo (casi todos los temas los componen a pachas), que junto con el genio, dan forma a una atmósfera de lo más atractiva, que tiene como principal virtud mantener la tensión desde el principio hasta el final. Completan la formación Mark Plati a las guitarras y también el bajo de Gail Ann Dorsey, además de Sterling Campbell y Mike Levesque que se turnan en las baterías.

Pero este disco tiene una cosa muy importante, y es canciones, cancionacas diría yo.

Hablemos de las canciones pues, primero de Thurday's child, un tema que alcanzó el status de single, una delicia de canción desde su comienzo, dónde se muestra la melodía, una canción intimista y reflexiva (un leit-motiv en el disco) hasta que entra la voz de Bowie, y ¡qué voz!, que luego es acompañado de unos coros femeninos en el estribillo, una perfecta canción pop. Something in the air, que fue el primer single, seduce ya sólo con su forma de cantar, canción eléctrica en la que Gabrels se luce en la guitarra, con esos ruiditos de programación que se unen e irrumpen en el cambio de ritmo bestial. Survive es una joya descomunal, tema acústico totalmente, adornado de manera perfecta con la guitarra eléctrica y una producción tremenda, de esas canciones que nos recuerda al David setentero, y con esa letra que habla de su pasado al que sobrevivió. If I dreaming my life entra con esa guitarra y la voz del Duque mandando, para luego encarrilar el cambio de ritmo con batería, bajo y guitarra, de esas canciones que se te quedan en la cabeza por tiempo y tiempo, con esos cambios de ritmo, paradas y aceleraciones. Seven es un caso parecido a Survive, otro temazo acústico embellecido al máximo con teclados, y cantado de lujo por el señor David Robert Jones, una melodía inolvidable y cuya letra es una locura "Seven days to live my life or Seven ways to die". What's really happening? es casi una odisea en si mismo, delicioso caos armonioso el que se forma y en el que Bowie está en su salsa y se pregunta que está pasando realmente a la vez que la melodía se desarrolla.  The pretty things are going to hell quizás sea la canción más rockera del álbum, sin duda, y la que me recuerda más a la época de Tin Machine y con ese aire a Pixies claro, donde Gabrels vuelve a ser gran protagonista. New angels of promise con esa intro estilo japonés nos mete de lleno es una canción más intimista con la voz  de David modulada en varios momentos, quizás el tema más oscuro. Brilliant adventure es una canción instrumental de aires asiáticos que nos anuncia casi el final del álbum, que viene con The dreamers, con esa sensación de banda sonora en su comienzo, para luego entrar la voz de Bowie y desarrollar una melodía que va en increscendo sin parar, para acabar el disco de forma especialmente acertada.

Este disco ha de ser visto como un bloque, y no se deberían destacar unas canciones por encima de otras, no llega a ser conceptual, pero en muchos momentos su temática en la mayoría de los temas es la misma, por lo que puede llevar a esa idea. Aquí nos encontramos a un Bowie dócil, accesible y preciosista, que juega con las melodías y las armonías, además de cantar de manera soberbia.

Aún recuerdo aquel especial de año nuevo, en el que Paco Pérez Brian entrevistaba a David y éste interpretaba luego en TVE temas de este disco (que un servidor se sabía de cabo a rabo), y yo con mi resaca antológica de nochevieja... cantando... como pasan los años.

Este post fue redactado por mi para Exile SH Magazine y ahora lo pongo en mi espacio.

Os dejo con el pedazo de vídeo de Thurday's child.

The Stooges - The Stooges (1969)

Año 1969, surge una banda en Detroit, aunque desarrolla su música y grabaciones en New York, llamada The Stooges, una formación que sería revolucionaria y clave, a pesar de su corta duración en discos y en años en activo en el desarrollo de la música rock, pero no sólo eso sino que además fueron los verdaderos primeros precursores de la música punk, que vendría a explotar años más tarde sobre todo con Ramones. Los Stooges, son una de las bandas de contra cultura con mayor fracaso que haya existido en sus comienzos, pero como toda cosa que es novedosa e irrumpe, con el paso de los años fue venerada, aunque la contradicción se basa en que surgió en plena generación del Flower Power, al igual que MC5, coetáneos, pero claro dentro de la banda se encontraba un personaje que marcaría una época, un tal James Newell Osterberg, conocido como Iggy Pop, La Iguana de Detroit (apelativo que venía de cuando tocó la batería en un grupo llamado The Iguanas), una leyenda del rock, que es caso aparte.

Pero esta banda bebía del rock fiero, la psicodelia y el blues con temáticas sobre drogas y sexo, un coctel molotov que no dejo de oir regularmente. El grupo lo completaban Dave Alexander al bajo, y los hermanos Asheton, Ron a la guitarra y Scott a la batería.

Lo que más me sigue sorprendiendo de este disco es que lo produjo John Cale, miembro de la Velvet Undergruond, que dotó al disco de un sonido no muy común en esos días, e incluso metió una viola en el tema We will fall. Pero, la presencia de Iggy en la banda, convirtió al grupo en leyenda rápidamente, ya que sus presentaciones en directo eran incendiarias, radicales, muchos de ellos convertidos en ceremonias, dónde se revolcaba en el suelo con trozos de botellas rotas, sus míticos bailes, se tiraba al público (el primero en hacerlo) en fin...

El álbum en si, comienza con 1969 con ese sonido de gua gua de Ron en la guitarra, y ese ritmo de la sección rítmica para que entre la voz de Iggy, cancionaca sideral, un tema mítico de la banda. I wanna be your dog es posiblemente una de las canciones que más me ha encendido en mi vida, es escuchar los primeros acordes de la guitarra y se me eriza el bello, y esa batería carnavalesca... ufff y el señor Pop diciendo "Quiero ser tu perro" ¡¡¡Viva el rock and roll coño!!!, cantaré esta canción hasta el final de mis días. We will fall es el tema más largo del disco y dónde la influencia de John Cale es clara y notoria, mucha psicodelia, voces de ultratumba, un tema tenebroso donde los haya y de levitación cadenciosa. En No fun volvemos al tema, al rock and roll, guitarra gua gua, desparrame, Iggy cantando a tope, ritmo, pasote, otro tema mítico de la banda. Real cool time es una canción antológica de guitarreo constante, con cierto aire sombrío, pero de una penetración interior bestial, temazo, con ese final de desparrame guitarrero. Ann es la balada del disco, un tanto éterea, también tenían su lado romántico, pero a su manera claro. Not right vuelve al lío, rock en estado puro, pre-punk total éste tema, con Iggy desatado y la banda a tope. Little Doll acaba de manera brutal el disco con aires de psicodelia y cierto aire también a The Doors, pero sin teclados claro... vaya final grandioso.

Un disco homónimo que en definitiva es pieza clave en el devenir de la música rock, acabando la década de los 60, nos estaban anunciando lo que vendría a mediados de los 70, unos auténticos visionarios y con himnos absolutos.

Este post fue escrito por mi para Exile SH Magazine y ahora lo pongo aquí.

Os dejo con el tema I wanna be your dog... y me altero.

Tom Petty & The Heartbreakers - Tom Petty & The Heartbreakers (1976)

Tom Petty había formado en su pueblo natal, Gainesville (Florida), una banda de rock llamada Mudcrutch junto con Mike Campbell y Benmont Tench.

Cuando se mudaron a Los Angeles, la discográfica Shelter Records escuchó sus cintas y decidieron ficharlos, pero querían lanzar a Tom Petty como artista en solitario. De esta forma el resto de la banda, asumió dicho contrato pasando a ser su banda de acompañamiento. Así incorporando a Ron Blair y Stan Lynch, nacieron los Heartbreakers, y leches... vaya banda de acompañamiento.

En 1976 publican su primer disco homónimo, en una época convulsa musicalmente dónde la new wave y el punk dominaban la escena, con lo que esta vuelta al rock and roll clásico tuvo un éxito casi al instante. No obstante, gracias a una gira por Gran Bretaña, el álbum tuvo primero más repercusión en las Islas Británicas que en USA, dónde el disco empezó a funcionar más tarde.

Hablamos de un disco redondo, sin desperdicio algúno, cátedra del rock de corte clásico y de buen gusto. Como no, las influencias están claras, desde los Byrds, Bruce o los Stones, hasta los inventores del cotarro, osea Chuck Berry, Gene Vincent o Elvis. Hablamos de sonoridades country, blues y folk, pero ojo en su propio estilo llegaban a hacer temas cercanos al power-pop.

Lo que más llama la atención a simple vista del disco, es la colocación de los temas, dejando la auténtica joya sideral de éste primer bombazo en último lugar, aún a día de hoy no me explico esa posición, pero con toda seguridad sea uno de los finales de álbum más alucinantes de la historia.

El disco comienza con Rockin around (With you) con esa introducción de bajo, las guitarras, y las voces de Petty y desarrollar la melodía, hasta un final frenético. Breakdown se ha convertido con el paso del tiempo en uno de los clásicos de la banda, una balada sideral, de proporciones astronómicas, no sólo por el teclado inicial, sino porque Petty canta aquí como los ángeles eunucos, es algo increíble, y por si fuera poco, ese cambio brutal, para la entrada de los coros de los Heartbreakers es una delicia soul de muchos quilates, y como remate el punteo solista del Sr.Campbell, ahí es nada. Hometown blues es un tema muy alegre, con reminiscencias del más primigenio rock and roll, auténtica demostración de banda de hechuras de calado. The wild one, forever es para mi la canción que tira más al Boss, un guiño claro, con esa introducción, esos parones, y ese aire a la primera E Street Band. En Anything that's rock 'n' roll volvemos al corte clásico por excelencia, pero desarrollando su propia personalidad y estilo, alto voltaje de un tema sencillamente genial con un estribillo bestial y unos coros de antología. Strangered in the night es quizás el tema más rockero de aire oscuro, el tema más de carretera, y el más americano claro, dónde Campbell vuelve a tener su momento de gloria, y destacar otra vez los coros. Fooled again (I don't like it) es un pasote de tema, de esos que te dejan para atrás a la primera escucha, con un Tom rompedor a la voz, la banda creando una atmósfera tremenda y dejando claro que este primer disco es una joya total. Mystery man es una canción de aires countries, pero deliciosa, interpretada con mimo y delicadeza. En Luna vuelven los sonidos y aire más genuinos, con un teclado casi omnipresente, y una atmósfera inquientante que Petty rompe con su delicada y precisa voz. Y llegamos a American girl que cierra el disco, sorpresa me llevé en su día por estar al final, cuando con toda probabilidad sea uno de esos temas que está en la conciencia musical de cualquier buen rockero, desde ese inicio de bajo y batería, rompe una melodía fantástica, con un estribillo demoledor, coros abrumadores... vamos un tema de 10, y de los más agradecidos para pinchar que conozco (no sé de nadie que no le guste).

En definitiva nos encontramos ante el primer disco de una banda, que dejó claro desde el primer instante que no estaban de paso, que estaban para quedarse y marcar una época. El Rubio de Florida montó una banda, ya fuese por los mandamientos de la discográfica (acertados o no) de un calado tremendo, que ha sufrido en su estructura básica pocos retoques a lo largo de los casi 38 años de existencia del grupo, y que ha tenido y tiene un estilo característico, que hace de muchos de sus discos y canciones algo atemporal y parte de la vida de muchos de nosotros.

Post originalmente escrito para Exile SH Magazine y dedicado a el gran Jesús del Cierzo, a quien sé de su gusto por esta banda y ahora puesto en mi espacio.

Os dejo con el tema American Girl interpretado en vivo en la BBC en 1978, ¡¡¡qué pasada!!!