Música electrónica

La música electrónica es aquel tipo de música

que emplea instrumentos musicales electrónicos y Música electrónica
tecnología musical electrónica para su producción Orígenes culturales Finales del siglo xix-
e interpretación.1 ​ En general, se puede distinguir principios del siglo xx.
entre el sonido producido mediante la utilización Instrumentos Instrumentos musicales
de medios electromecánicos, de aquel producido comunes electrónicos
mediante tecnología electrónica, que también
Popularidad Muy alta en todo el
pueden ser mezclados. Algunos ejemplos de mundo
dispositivos que producen sonido electro-
Subgéneros
mecánicamente son el telarmonio,2 ​ el órgano
Música electroacústica, música concreta, música
Hammond3 ​ y la guitarra eléctrica. La producción
industrial, wonky, dub, ambient, bass, breakbeat,
de sonidos puramente electrónicos pueden
chiptune, trip hop, downtempo, drum and bass,
lograrse mediante aparatos como el theremín,4 ​el electro, electrónica, EDM, EBM, IDM, glitch,
sintetizador de sonido o el ordenador.5 ​ hardcore, house, minimal synth, coldwave, synth
pop, techno, jungle dubstep, hardstyle, trance,
La música electrónica se asoció originalmente y electropop, reggaestep, rock electrónico,
de forma exclusiva a una manera de música culta chillstep, [[|Dub]]
occidental,6 ​ pero desde finales del año 1960, la
disponibilidad de tecnología musical a precios
accesibles propició que la música producida por medios 2:04
electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, Un ejemplo de sonidos electrónicos
la música electrónica presenta una gran variedad técnica y solo logrados sintéticamente
compositiva, abarcando desde formas de música culta
experimental hasta formas populares como la música
electrónica de baile o EDM (por sus siglas en inglés: Electronic Dance Music) o shuffle dance.7 ​

Orígenes: Finales del siglo xix y primeras décadas del

siglo xx
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la
producción de música electrónica, aunque esta no sea
absolutamente necesaria para ello. El primer dispositivo
conocido capaz de grabar sonido fue el fonoautógrafo,
patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de Martinville. Este
instrumento podía grabar sonidos visualmente, pero no
reproducirlos de nuevo.8 ​ En 1878 Thomas A. Edison patentó
el fonógrafo, que utilizaba cilindros similares al aparato de
Fotografía de un Telearmonio
Scott. Aunque se siguieron utilizando los cilindros durante
creado por Thaddeus Cahill (1897)
algún tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo de disco
en 1889. Por otra parte, otro invento significativo que
posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica fue la válvula audión, del
tipo triodo, diseñada por Lee DeForest. Se trata de la primera válvula termoiónica, inventada en
1906, que permitiría la generación y amplificación de señales eléctricas, la emisión de radio y la
computación electrónica.9 ​

Con anterioridad a la música electrónica ya existía un creciente deseo entre los compositores de
utilizar las tecnologías emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos que
empleaban diseños electromecánicos los cuales facilitaron el camino para la aparición de
instrumentos electrónicos. Un instrumento electromecánico llamado telarmonio (en ocasiones,
Teleharmonium o Dynamophone) fue desarrollado por Thaddeus Cahill entre los años 1898 y
1899. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño, nunca se llegó a utilizar.

Se suele considerar como el primer instrumento electrónico el

theremín, inventado por el profesor Léon Theremin alrededor
de 1919 y 1920.10 ​Otro primitivo instrumento electrónico fue el
Ondas Martenot, inventado por el violonchelista francés
Maurice Martenot,11 ​ que se hizo conocido al ser utilizado en la
obra Sinfonía Turangalila compuesta por Olivier Messiaen.
Este también fue utilizado por otros compositores,
especialmente franceses, como Andre Jolivet.

Nueva estética de la música

En 1907, justo un año después de la invención de la válvula
audión de tipo triodo, el compositor y músico italiano Ferruccio
Busoni publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música,12 ​
que trataba sobre el uso tanto de fuentes electrónicas como de Peter Theremin interpretando
otro estilo en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de música con un theremín (2015)
las escalas microtonales en la música, que fueron posibles
gracias al telearmonio de Cahill: «Solo mediante una larga y
cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse de este
material desconocido uno accesible y plástico para la generación venidera y para el arte». Como
consecuencia de este escrito, así como a través de su contacto personal, Busoni tuvo un profundo
efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.13 ​

Futurismo
En Italia el futurismo, un movimiento de las corrientes de vanguardia artística fundado por Filippo
Tommaso Marinetti,14 ​ se acercó a la estética musical como una transformación desde un ángulo
diferente. Una idea de la filosofía futurista era la de valorar el ruido, así como de dotar de valor
artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados como
musicales.

El Manifiesto Técnico de la Música Futurista de Francesco Balilla Pratella, publicado en 1911,15 ​

establece que su credo es "Presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los
trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a
los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de
la electricidad".
El 11 de marzo de 1913 el futurista Luigi Russolo publicó su
manifiesto El arte de los ruidos (original en italiano, L'arte dei
Rumori).16 ​En 1914 organizó el primer concierto del El arte de
los ruidos en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito
por Russolo como "instrumentos acústico ruidistas, cuyos
sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.)
eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y
megáfonos". En junio se organizaron conciertos similares en
París.17 ​

1919-1929
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos
electrónicos primitivos, así como las primeras composiciones
para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el
theremín, fue creado por Léon Theremin (nacido como Lev
Termen) entre 1919 y 1920 en Leningrado. Gracias a él se Portada del Manifiesto del
Futurismo (1914)
realizaron las primeras composiciones para instrumentos
electrónicos, opuestas a aquellas realizadas por los que se
dedicaban a crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su Primera Suite
Aerofónica para Theremin y Orquesta,18 ​ interpretada por primera vez por la Orquesta de
Cleveland y Leon Theremin como solista.

La grabación de sonidos dio un salto cualitativo en 1927 cuando el inventor estadounidense J. A.

O'Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta
magnéticamente. No obstante fue un desastre comercial. No obstante la cinta magnética también
se atribuye al ingeniero alemán Fritz Pfleumer quien patentara su descubrimiento en 1929.19 ​

Además del theremín, influyente instrumento que tuvo gran

influencia en la producción musical y cinematográfica debido a
su utilización como banda sonora en películas de ciencia ficción
y terror de los años 50,20 ​otro de los instrumentos precursores
de la música electrónica fue el Ondas Martenot. Inventado en
1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París,21 ​ está
formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja
frecuencia cuyo sonido se produce mediante un anillo metálico
que el intérprete se ha de colocar en el dedo índice de su mano Thomas Bloch interpretando música
derecha. con un Ondas Martenot (2009)

En 1929 el compositor estadounidense George Antheil creó por

primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos productores de ruidos, motores y
amplificadores, una ópera inacabada titulada Mr. Bloom.22 ​

El método foto-óptico de grabación de sonido utilizado en el cine, hizo posible obtener una imagen
visible de la onda de sonido, así como de sintetizar un sonido a partir de una onda del mismo.
En la misma época comenzó la experimentación del arte sonoro, cuyos primeros exponentes
incluyen a Tristan Tzara,23 ​Kurt Schwitters24 ​y Filippo Tommaso Marinetti25 ​, entre otros.

1930-1939
Laurens Hammond fundó una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos.
Junto a John M. Hanert fabricaron por primera vez en 1935 el órgano Hammond,26 ​basado en los
principios del telarmonio, junto a otros desarrollos como las primeras unidades de
reverberación.27 ​

Desarrollo: Décadas de 1940 y 1950

Música electroacústica en cinta

Ya desde aproximadamente el año 1900 se creó y se empleaba como soporte de grabación el
magnetófono de alambre magnético de baja fidelidad. A principios de 1930 la industria
cinematográfica comenzó a adaptarse a los nuevos sistemas de grabación de sonido ópticos
basados en células fotoeléctricas.28 ​

En la misma década la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el primer magnetófono de

cinta práctico, el Magnetophon K-1,29 ​ mostrado por primera vez en el Berlin Radio Show en
agosto de 1935.30 ​ Durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), Walter Weber redescubrió y
aplicó la técnica AC Bias que incrementó drásticamente la fidelidad de las grabaciones magnéticas
al añadir una alta frecuencia inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophon
K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB sobrepasando cualquier sistema de
grabación conocido en aquel tiempo.31 ​ En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación
en estéreo.32 ​ No obstante estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta
el final de la Segunda Guerra Mundial cuando varios de estos aparatos fueron requisados por Jack
Mullin y llevados a Estados Unidos. Estos sirvieron de base para los primeros grabadores de cinta
profesionales que fueron comercializados en este país como el Model 200 producido por la
empresa Ampex.33 ​

Música concreta (Francia)

La creación de la cinta de audio magnética abrió un gran
campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores,
productores e ingenieros. Este nuevo aparato era relativamente
barato y su fidelidad en la reproducción era mejor que
cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Cabe
señalar que, a diferencia de los discos, ofrecía la misma
plasticidad que el celuloide empleado en el cine: Puede ser
ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede
editarse también físicamente, e incluso pueden unirse El compositor y creador de la
diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen música concreta Pierre Schaeffer
continuamente determinados patrones de material pregrabado. presentando el sistema de sonido
La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron Acousmonium (1974)
aún más allá las posibilidades de la cinta como medio de
producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta
diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para
convertirse en máquinas de eco, produciendo así de modo complejo, controlable y con gran
calidad, efectos de eco y reverberación, lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios
mecánicos.

Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una
nueva técnica de composición llamada música concreta.34 ​ Esta técnica consiste en la edición de
fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Las
primeras piezas de esta música, registradas en 1948, fueron creadas por Pierre Schaeffer (1910-
1995) con la colaboración de Pierre Henry (1927-2017).35 ​ Compositor, escritor, maestro y
teórico de la música y pionero de la radio y la comunicación audiovisual Schaeffer ejecutó el 18 de
marzo de 1950 el primer concierto de música concreta en la École Normale de Musique de Paris.36
Posteriormente Pierre Henry colaboró con Schaeffer en la Symphonie pour un homme seul
(1950)37 ​ considerada la primera obra importante de música concreta. Un año más tarde
Radiodiffusion-Télévision Française (RTF), la organización pública francesa de radiodifusión, creó
en 1951 el primer estudio para la producción de música electrónica iniciativa que sería desarrollada
también en diferentes países convirtiéndose en una tendencia global.38 ​ También en 1951,
Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.39 ​

Elektronische Musik (Alemania Occidental)

El nacimiento e impulso de la denominada Elektronische
Musik se debió fundamentalmente a los trabajos del
compositor Karlheinz Stockhausen (1928-2007).
Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de Pierre
Schaeffer durante 1952 y posteriormente, durante varios años,
en el Estudio de Música Electrónica de la Westdeutscher
Rundfunk (WDR) de Colonia (Alemania).40 ​Un antecedente se
halla en la tesis de 1949 Elektronische Klangerzeugung:
Karlheinz Stockhausen en el
Elektronische Musik und Synthetische Sprache, escrita por el Estudio de Música Electrónica de
físico Werner Meyer-Eppler, quien concibiera la idea de WDR en Colonia (1991)
sintetizar música desde señales producidas electrónicamente.
De esta manera la Elektronische Musik se diferenciaba
notablemente de la música concreta francesa impulsada por Schaeffer que utilizaba sonidos
grabados a partir de fuentes acústicas.41 ​

El Estudio de Música Electrónica de la Westdeutscher Rundfunk alcanzó fama internacional. Su

fundación tuvo lugar en 1951 cuando el físico Werner Meyer-Eppler, el técnico de sonido Robert
Beyer y el compositor Herbert Eimert convencieran al director de la WDR, Hanns Hartmann, de la
necesidad de dicho espacio. En el mismo año de su creación fueron transmitidos los primeros
estudios de música electrónica en un programa de la propia radio y presentados en los Cursos de
Verano de Darmstadt. Bajo el liderazgo de Eimert, el Estudio se convirtió en un lugar de encuentro
internacional que acogió a compositores como Ernst Krenek (Austria / Estados Unidos), György
Ligeti (Hungría), Franco Evangelisti (Italia), Cornelius Cardew (Inglaterra), Mauricio Kagel
(Argentina) o Nam June Paik (Corea del Sur).42 ​
En 1953 hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de Colonia donde se
interpretaron siete piezas electrónicas. Los compositores de los estudios electrónicos eran Herbert
Eimert, Karel Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henri Pousseur y Karlheinz Stockhausen. El programa
comprendía las siguientes piezas:

Karlheinz Stockhausen: «Estudio II»

Herbert Eimert: «Glockenspiel»
Karel Goeyvaerts: «Composición No. 5»
Henri Pousseur: «Sismogramas»
Paul Gredinger: «Formantes I y II»
Karlheinz Stockhausen: «Estudio I»
Herbert Eimert: «Estudio sobre mezclas de sonido»
Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el estudio de música electrónica de Colonia se
convirtió en un emblema del avant-garde o vanguardismo, cuando se empezó a combinar sonidos
generados electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. En 1954 Stockhausen compuso
Elektronische Studie II la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.43 ​ Otros
ejemplos significativos son Mixtur (1964)44 ​ y Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967).45 ​
Stockhausen afirmó que sus oyentes decían que su música electrónica les daba una experiencia de
"espacio exterior", sensaciones de volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".

El impacto de la Escuela de Colonia ha sido significativo en la historia de la música en tres niveles:

el estudio se considera la “madre de todos los estudios”, la incorporación de Stockhausen ayudó a
la música electrónica a obtener respeto internacional y, finalmente, muchos de los compositores
iniciados en música electroacústica en Colonia han desarrollado las ideas que encontraron allí a lo
largo de sus carreras. En el año 2000 el estudio fue cerrado pero ese mismo año se anunció que un
cliente anónimo había comprado el edificio en el que Stockhausen había nacido en 1928 y que lo
estaba rehabilitando con la intención inicial de crear allí un espacio de exposición para el arte
moderno con el museo del WDR Estudio para Música Electrónica instalado en el primer piso.42 ​

Música electrónica en Japón

Aunque los primeros instrumentos electrónicos como el Ondas
Martenot, el Theremín o el Trautonio eran poco conocidos en
Japón con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos
compositores como Minao Shibata (1912-1996) o Tōru
Takemitsu (1930-1996) habían tenido conocimiento de ellos
en su momento.46 ​ Años después diferentes músicos en Japón
comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que
contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los
compositores experimentar con el último equipamiento de
grabación y procesamiento de audio. Estos esfuerzos dieron
lugar a una forma musical que fusionaba la música asiática con
un nuevo género y que sembraría las bases del dominio japonés
en el desarrollo de la tecnología musical durante las siguientes
décadas.

Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces como El compositor japonés Tōru
Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946,47 ​Shibata y Takemitsu, de Takemitsu (1961)

modo independiente, escribieron sobre la posibilidad de

utilizar la tecnología electrónica para producir música hacia finales de los años 40. En 1948,
Takemitsu concibió una tecnología que pudiese traer ruido dentro de tonos musicales atemperados
y en el interior de un pequeño y complejo tubo, una idea similar a la música concreta que Pierre
Schaeffer había aventurado en el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un
instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que pudiera "sintetizar cualquier tipo
de onda de sonido" y que sea "manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento
como ese, "la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año Sony desarrolló el
magnetófono magnético G-Type.48 ​

En 1950 el estudio de música electrónica Jikken Kōbō sería fundado por un grupo de músicos que
querían producir música electrónica experimental. Considerados un grupo avant-garde entre sus
miembros se encontraban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y contaban con el
apoyo de Sony, empresa que ofrecía acceso a su tecnología de audio. La compañía contrató a
Takemitsu para componer música electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Las
primeras grabaciones de Jikken Kōbō, compuestas por Kuniharu Akiyama en 1951, fueron
«Toraware no Onna» («Mujer prisionera») y «Piece B».49 ​ Muchas de las composiciones
electroacústicas del grupo fueron empleadas como música incidental para radio, cine y obras
teatrales. Sin embargo también ofrecieron conciertos en los que proyectaban diapositivas
sincronizadas con una banda sonora grabada. Más allá del Jikken Kōbō Japón vio desarrollar su
labor a muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa, Saburo Tominaga y Shiro Fukai
quienes, en 1952 y 1953, estaban experimentando con música electroacústica.

Muchos compositores jóvenes quieren escribir para orquesta pero es bastante raro que
se interprete. Mucha parte del público se han ido de la música nueva, de la música
contemporánea, y esto es culpa de los compositores. En los años 50 y 60 la nueva
música se estaba volviendo muy intelectual. (...) La forma matemática de construir
música es bastante buena, y ha ayudado, pero la música no es matemática. La música
es para la imaginación. Ahora, muchos compositores reconocen los esfuerzos de los
años 50 y 60. Ahora, no tenemos miedo de usar atonalidad, dodecafonía y electrónica.
Podemos usar todo. Podemos combinarlos en alguna forma ecléctica de composición
que tenga sentido. Muchos compositores están haciendo eso, y creo que es bueno, pero
parte de la música se escribe solo para entretener, y solo para divertirse.
Tōru Takemitsu50 ​

La música concreta fue introducida en Japón por Toshirō

Mayuzumi (1929-1997)51 ​quien fuera influenciado tras asistir
a un concierto de Pierre Schaeffer.52 ​A partir de 1952 compuso
piezas musicales para una película de comedia, un programa de
radio y una radionovela. Sin embargo el concepto de objeto
sonoro de Schaeffer no fue influyente entre los compositores
japoneses quienes estaban principalmente interesados ​en
superar las restricciones de la interpretación humana. Esto
llevó a que varios músicos electroacústicos japoneses hicieran El compositor japonés Toshirō
Mayuzumi (1960)
uso del serialismo y las técnicas dodecafónicas, evidente en la
pieza dodecafónica de Yoshirō Irino «Concerto da Camera»
(1951) en la organización de los sonidos electrónicos en la composición de Mayuzumi «X, Y, Z for
Musique Concrète» o, más tarde, en la música electrónica de Shibata en 1956.

A imitación del Estudio de Música Electrónica de la Westdeutscher Rundfunk, impulsora de la

Elektronische Musik de Karlheinz Stockhausen, la radiodifusora pública NHK estableció un
estudio de música electrónica en Tokio en 1955, que se convirtió en una de las principales
instalaciones de música electrónica del mundo. Impulsado por Toshirō Mayuzumi el estudio se
equipó con tecnologías como equipos de generación de tonos y procesamiento de audio, equipos de
grabación y radiofónicos, ondas Martenot, Monocordio y Melocordio, osciladores sinusoidales,
magnetófonos, moduladores en anillo, filtros paso banda, y mezcladoras de canales de cuatro y
ocho pistas. Los músicos asociados con el estudio incluyeron a Mayuzumi, Minao Shibata, Joji
Yuasa, Toshi Ichiyanagi y Tōru Takemitsu.53 ​ Las primeras composiciones electrónicas del estudio
se completaron en 1955 incluidas las piezas de cinco minutos de Mayuzumi «Studie I: Music for
Sine Wave by Proportion of Prime Number», «Music for Modulated Wave by Proportion of
Prime Number» e «Invention for Square Wave and Sawtooth Wave», producidas empleando las
diversas capacidades de generación de tonos del estudio, y la pieza estéreo de 20 minutos de
Shibata «Musique Concrète for Stereophonic Broadcast».

De repente, en 1959, me volví conservador. Escuché las campanas del templo en la

víspera de Año Nuevo. Eran tan conmovedoras que olvidé la música contemporánea y
comencé a estudiar música y estética tradicional. Estudié sintoísmo y budismo, no solo
zen, sino todo el budismo. Escribí la sinfonía «Nirvana» en 1959. He sido un
compositor de mentalidad tradicional.
Toshirō Mayuzumi54 ​

Música electrónica en Estados Unidos

La composición musical que se considera da origen a la música
electrónica en Estados Unidos se estrenó a principios de 1939.
El compositor John Cage (1912-1992),55 ​ uno de los artistas
más reseñables del género en su país, publicó la obra
Imaginary Landscape, n.º 1.56 ​ En esta pieza se emplean dos
tocadiscos de velocidad variable, grabadores de frecuencia, un
piano silenciado y platillos y, por tanto, fusionaban
instrumentos convencionales y dispositivos electrónicos.
Mientras trabajaba en Seattle Cage experimentó con el equipo
electrónico del estudio de grabación de la Cornish School y
compuso una parte para Imaginary Landscape No. 1 que
requería que las grabaciones del disco se realizaran en un
tocadiscos de velocidad variable.57 ​ Entre 1942 y 1952 Cage
creó otras cinco composiciones bajo la denominación
Imaginary Landscape con la intención de ejecutarse
principalmente como un conjunto de percusión aunque
Imaginary Landscape, No. 4 (1951) es para doce radios58 ​ e El compositor estadounidense John
Imaginary Landscape, No. 5 (1952) utiliza 42 grabaciones y se Cage (1988)

realizó utilizando como soporte físico la cinta magnética.59 ​

Un caso especial lo constituye la pieza William Mix (o Williams Mix),60 ​ en la que se utilizaban
ocho altavoces, cuya composición comenzó en 1951. El compositor y director de orquesta Otto
Luening indicó que era una pieza coescrita por el y John Cage, si bien figura como trabajo
colaborativo de Cage finalizado en 1952. En 1954 Luening afirmó que se interpretó, bajo el título
William Mix, en un Festival musical celebrado en Donaueschingen (Alemania). Según Luening la
recepción de Williams Mix fue un éxito donde causó una "fuerte impresión".61 ​

En 1951 con miembros de la Escuela de Nueva York se formó el denominado The Music for
Magnetic Tape Project (El Proyecto Música para Cintas Magnéticas). Integrado por John Cage,
Earle Brown, Christian Wolff, David Tudor y Morton Feldman sus actividades se prolongaron
durante tres años hasta 1954. De carácter experimental y vanguardista el grupo carecía de
instalaciones permanentes propias y tuvo que depender del tiempo libre que les cedían estudios de
sonido comerciales, incluido el estudio propiedad de Louis y Bebe Barron.62 ​ Sobre este proyecto
Cage reseñó: "En esta oscuridad social (...) el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian
Wolff continúa presentando una luz brillante, por la razón de que la acción es provocativa en
anotación, interpretación y audición". Ya posteriormente la utilización de sonidos creados
electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection
(1951)63 ​ de Morton Feldman. Esta pieza está pensada para vientos, metales, percusión, cuerdas,
dos osciladores y efectos de sonido.64 ​

Existen distintos tipos de música, y a la gente que ha dicho esas cosas (críticas duras
por su estilo agresivo y provocador) sobre lo que yo hago le gusta un tipo de música
diferente. Y a la mayoría de ellos, yo creo que lo que les gusta es un tipo de música que
sea expresiva de emociones y de ideas. No les interesan tanto los sonidos. A esos
críticos les interesan los sentimientos. Y a mí me gusta que los sentimientos se originen
en cada persona.
John Cage65 ​

También en 1951 la Universidad de Columbia (Nueva York) adquirió su primera grabadora, una
máquina Ampex profesional, para grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, que impartía clases en
la facultad de música, fue la persona encargada del dispositivo y casi de inmediato comenzó a
experimentar con él. Herbert Russcol indicó al respecto: "Pronto estuvo intrigado con las nuevas
sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiéndolos unos a
otros".66 ​Ussachevsky posteriormente afirmó: "De repente me di cuenta de que la grabadora podía
ser tratada como un instrumento de transformación del sonido". El jueves 8 de mayo de 1952,
Ussachevsky ejecutó, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia, diversas muestras de
música de cinta y efectos que creó en el denominado Foro de Compositores. Estos incluyeron
transposición, reverberación, experimento, composición y vals subacuático. En una entrevista
afirmó: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York
junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales". Otto Luening,
que había asistido a este concierto, comentó: " El equipo a su disposición consistía en una
grabadora de cinta Ampex y un dispositivo simple con forma de caja diseñado por el joven y
brillante ingeniero Peter Mauzey para crear retroalimentación, una forma de reverberación
mecánica. El resto del equipo fue prestado o comprado con fondos personales".67 ​

En agosto de 1952 Ussachevsky, invitado por Luening, viajó a Bennington (Vermont) para
presentar sus experimentaciones. Allí ambos colaboraron en varias piezas. Luening describió el
evento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición
para grabadora. Ambos improvisamos con fluidez y el medio disparó nuestra imaginación".67
Tocaron algunas de las primeras piezas de manera informal en una fiesta donde "varios
compositores nos felicitaron casi solemnemente diciendo: 'Esto es todo' ('eso' significa la música
del futuro)". La noticia llegó rápidamente a la ciudad de Nueva York. Oliver Daniel telefoneó e
invitó a la pareja a "producir un grupo de composiciones breves para el concierto de octubre
patrocinado por American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de
Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Henry Cowell puso a nuestra
disposición su casa y su estudio en Woodstock. Con el equipo prestado en la parte trasera del
automóvil de Ussachevsky, salimos de Bennington hacia Woodstock y nos quedamos dos semanas.
A fines de septiembre de 1952 el laboratorio ambulante llegó a la sala de estar de Ussachevsky en
Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones".67 ​ Dos meses después, el 28 de
octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de música grabada
en Estados Unidos. El concierto incluyó Fantasy in Space de Luening (1952), "una pieza
impresionista de virtuosismo" que emplea grabaciones manipuladas de flauta, y Low Speed (1952),
una "composición exótica que llevó a la flauta muy por debajo de su rango natural". Después de
que varios conciertos causaron sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening
fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de NBC para hacer una entrevista y
realizar la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: "Improvisé
algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky en ese momento las sometió a
transformaciones electrónicas".

Música estocástica
La aparición de los ordenadores como equipos utilizados para
componer música supusieron un importante desarrollo de la
música electrónica en contraposición a la manipulación o
creación de sonidos. El compositor rumano de origen griego
Iannis Xenakis (1922-2001) fundó la denominada música
estocástica (musique stochastique)68 ​ caracterizada por un
método compositivo que emplea algoritmos matemáticos de
probabilidad estocásticos cuyo resultado es la creación de
piezas bajo un set de parámetros.69 ​ De ideas contrarias al
totalitarismo, Xenakis luchó en el movimiento de la Resistencia
de Grecia en la Segunda Guerra Mundial y, tras escapar de una
condena a muerte, se instaló en París en 1947. La capital El compositor Iannis Xenakis (hacia
francesa será su centro de trabajo tanto en su desarrollo 1970)
musical como en sus facetas de matemático y arquitecto siendo
colaborador de Le Corbusier. Xenakis utilizó papel gráfico y
una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los glissandos para su
composición orquestal Metástasis (1953-1954),70 ​ utilizando posteriormente ordenadores para
componer piezas como ST/471 ​ para cuarteto de cuerda y ST/4872 ​ para orquesta. Otras obras
destacables a lo largo de su trayectoria incluyen Nomos Alpha (1965),73 ​ Cenizas (1974) y Shaar
(1982).74 ​

Muchos pensaron entonces que mi música debía ser una música fría, puesto que en ella
había matemáticas. Y dejaban de tener en cuenta lo que escuchaban. Esta
incomprensión llegó a afligirme mucho. (...) En este sentido, la música es
probablemente el arte en el que el diálogo consigo mismo es más difícil (...) apuntando
a la creación absoluta, sin referencia a nada conocido, cual un fenómeno cósmico, o
yendo más lejos, arrastrando de modo íntimo y secreto hacia una especie de abismo en
el que, felizmente, es absorbida el alma. (...) Por esta razón, es necesario inventar la
forma arquitectónica que libere la audición colectiva de todos sus inconvenientes."
Iannis Xenakis75 ​

Música electrónica en Australia

En Australia, se desarrolló la primera computadora del mundo capaz de interpretar música.
Denominada CSIRAC fue un prototipo dado a conocer en 1949 diseñado y construido por Trevor
Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó la computadora para tocar melodías
musicales populares de principios de la década de 1950. En 1951 interpretó en público la pieza
Colonel Bogey March, de la que no se guardan grabaciones pero sí una reconstrucción exacta.
Sin embargo el CSIRAC simplemente se utilizó como una
computadora con capacidad para interpretar un repertorio
musical estándar pero no se llegó a utilizar para otras prácticas
como la composición como si hiciera Iannin Xenakis. Las
interpretaciones registradas con esta computadora nunca se
grabaron aunque sí existen reconstrucciones de la música
reproducida con precisión. Las grabaciones más antiguas
conocidas de música generada por computadora fueron
interpretadas por la computadora Ferranti Mark I, una versión El prototipo de computadora
comercial para su venta fuera del circuito educativo de la australiano CSIRAC.
computadora Baby Machine creada por la Universidad de
Mánchester en el otoño de 1951. El programa musical
interpretado por la Ferranti Mark I fue escrito por Christopher Strachey.

Desde mediados hasta finales de 1950

En 1955 aparecieron más estudios electrónicos y experimentales. Fueron importantes la creación
del Estudio de Fonología, un estudio en el NHK de Tokio y el estudio de Phillips en Eindhoven,
Holanda, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.

El impacto de los computadores continuó durante 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson
compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, siendo la primera obra completa en ser
compuesta con la asistencia de un computador utilizando un algoritmo en la composición.
Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien
desarrolló el influyente programa MUSIC I. La tecnología del vocoder fue otro importante
desarrollo de esta época.

En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la primera gran obra del estudio de
Colonia, basada en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la
invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert Moog.

Otro de los hitos de la música electrónica estadounidense fue la publicación de la banda sonora de
Forbidden Planet (1956) compuesta y producida por Louis y Bebe Barron.76 ​ Película de ciencia
ficción, dirigida por Fred M. Wilcox y protagonizada por Walter Pidgeon, Anne Francis y Leslie
Nielsen, la música compuesta fue realizada empleando únicamente circuitos electrónicos
personalizados y grabadoras de sonido. Pese a la carencia de sintetizadores, en el sentido
contemporáneo ya que dicho instrumento tardaría algunos años en desarrollarse, su impacto en la
cultura popular fue notable ya que fue la primera ocasión en que un gran estudio de Hollywood
apostó por este tipo de sonidos para uno de sus proyectos.77 ​Sin embargo no fue bien recibido por
la Federación Americana de Músicos, a causa del hecho que no tenía arreglo orquestal, lo que
motivó que esas vanguardistas composiciones fueron denominadas “tonalidades electrónicas” en
lugar de “música”.78 ​

El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en 1957. A diferencia de los primeros
Theremin y Ondes Martenot, este era difícil de usar pues requería una extensa programación y no
podía tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico, el RCA
Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula termoiónica e incorporaba el primer
secuenciador. Fue diseñado por RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music
Center, donde sigue en la actualidad. Posteriormente, Milton Babbitt, influenciado en sus años de
estudiante por la "revolución en el pensamiento musical" de Schoenberg, comenzó a aplicar
técnicas seriales a la música electrónica.

Expansión: Década de 1960

Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la académica sino también para
algunos artistas independientes a medida que la tecnología del sintetizador se volvía más accesible.
En esta época, una poderosa comunidad de compositores y músicos que trabajaba con nuevos
sonidos e instrumentos se había establecido y estaba creciendo. Durante estos años aparecen
composiciones como Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premier de Kontakte de
Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. En esta última, Stockhausen abandonó
la forma musical tradicional basada en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este
nuevo acercamiento, que él denominó como "forma momento", se recuerdan las técnicas de
cinematic splice del cine de principios del siglo xx.

El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla, en 1963, siendo producto del esfuerzo
del compositor de música concreta Morton Subotnick.

El Theremin había sido utilizado desde los años 20, manteniendo una cierta popularidad gracias a
su utilización en numerosas bandas sonoras de películas de ciencia ficción de los años 50 (por
ejemplo: The Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante los años 60, el Theremin
hizo apariciones ocasionales en la música popular.

En el Reino Unido, durante este período, el BBC Radiophonic Workshop (creado en 1958) emergió
como uno de los estudios más productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie
de ciencia ficción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos más influyentes de este
período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su icónica ejecución en 1963 del tema central de
Doctor Who, compuesto por Ron Grainer y reconocida por algunos como la pieza de música
electrónica más conocida en el mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se encuentran Dick
Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy
Kingsland y Peter Howell, desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras,
atmósferas, sinfonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y sus emisoras de radio.

En 1961, Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in Israel en

la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén
para instalar su Creative Tape Recorder en el centro.79 ​

Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando

el sintetizador, que fue creado mediante el RCA en el CPEMC. Las
colaboraciones se realizaban superando las barreras de los
océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al
Columbia-Princeton Studio (CPEMC), siendo asistido por Mario El compositor israelí Josef Tal en
el Electronic Music Studio de
Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad del CPEMC, entre
Jerusalén (~1965). A la derecha,
otros, inspiró a la creación en San Francisco del Tape Music
el sintetizador Hugh Le Caine.
Center en 1963, por Morton Subotnick junto a otros miembros
adicionales, como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry Riley y
Anthony Martin. Un año después tuvo lugar el Primer Seminario de Música Electrónica en
Checoslovaquia, organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.
A partir de este momento, se siguieron desarrollando nuevos instrumentos, donde uno de los más
importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog introdujo el sintetizador Moog, el
primer sintetizador analógico controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje.
Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con un teclado llamado
Minimoog, que fue utilizado por multitud de compositores y universidades, haciéndose así muy
popular. Un ejemplo clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach, de
Wendy Carlos.

En 1966, Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación

Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica. Su programación está
estructurada a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y creación de la
música contemporánea y las tendencias en videoarte e imagen más actuales. Sus exhibiciones y
conciertos son reproducidas en tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfaces de audio-
vídeo y una plantilla de músicos y videoartistas nacionales e internacionales abiertos al uso de
tecnologías punta.

Música por ordenador

CSIRAC, el primer computador en reproducir música, realizó este acto públicamente en agosto de
1951.80 ​ Una de las primeras demostraciones a gran escala de lo que se conoció como computer
music fue una emisión nacional pregrabada en la red NBC para el programa Monitor el 10 de
febrero de 1962. Un año antes, LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la Universidad
del Estado de Iowa para reproducir canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz
amplificado adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos y de
diagnóstico.

Los años 50, 60 y la década de los 70, presenciaron también el desarrollo de grandes marcos
operativos para la síntesis informática. En 1957, Max Mathews de Bell Labs, desarrolló el programa
MUSIC, culminando un lenguaje de síntesis directa digital.

En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de investigación de música creada por

computador, desarrollando el sistema informático Sogitec 4X81 ​ que incluía un revolucionario
sistema de procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para 24 músicos y 6
solistas de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para transformar y dirigir a los solistas hacia un
sistema de altavoces.

Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a cabo por primera vez en los años 60 por
miembros del Milton Cohen's Space Theater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que se encontraban
Gordon Mumma, Robert Ashley, David Tudor y The Sonic Arts Union, fundada en 1966 por los
nombrados anteriormente, incluyendo también a Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales
ONCE, que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por Robert Ashley y
Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En 1960, John Cage compuso Cartridge Music,
una de las primeras obras de electrónica en vivo.

Los compositores y músicos de jazz, Paul Bley y Annette Peacock, fueron de los primeros en tocar
en concierto utilizando sintetizadores Moog hacia finales de 1960. Peacock hacía un uso regular de
un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en el escenario como en grabaciones de
estudio.
Con el transcurrir del tiempo, se empezaron a formar eventos sociales que trataban de aglutinar
una gran cantidad de conciertos con varios artistas en directo. Hasta el momento son muchos los
festivales que han manifestado la escena electrónica, marcando muchos de ellos récords de
asistencia masiva al evento. Algunos festivales más representativos y destacados del género son:

Love Parade Life in Color

Tomorrowland (festival) I Love Techno
Ultra Music Festival Festival de Música y Artes de Coachella
Street Parade Valley
Qlimax Trance Energy
Defqon.1 Barcelona Beach Festival
Electric Daisy Carnival Creamfields
Yo amo los 90
Actualmente siguen surgiendo megafestivales que buscan expandir la esencia del género
electrónico.

Sintetizadores
Véanse también: Minimoog y Korg.
Robert Moog (también conocido como Bob Moog), a finales de 1963, conoció al compositor
experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos electrónicos nuevos, inspiró a
Moog a crear su primer sintetizador, el Sintetizador Modular Moog.82 ​

El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la comunidad educativa y musical, fue
presentado a la sociedad en el otoño de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la
Convención de la Sociedad de Ingeniería de Audio, celebrada en Los Ángeles. En esta convención,
Moog ya recibió sus primeros pedidos y el negocio despegó.

La compañía Moog Music creció de forma espectacular durante los primeros años, haciéndose aún
más conocida cuando Wendy Carlos editó el álbum Switched on Bach. Bob diseñó y comercializó
nuevos modelos, como el Minimoog (la primera versión portátil del Moog Modular), el Moog
Taurus (teclado de pedales de una octava de extensión, con transposición para bajos y agudos), el
PolyMoog (primer modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis
MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.

Moog no supo gestionar bien su empresa y esta pasó de tener listas de espera de nueve meses a no
recibir ningún pedido. Agobiado por las deudas perdió el control de la empresa y fue adquirida por
un inversor. Aun así, continuó diseñando instrumentos musicales hasta 1977, cuando abandonó
Moog Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. La Moog Music se
derrumbó poco después.

En 1967, Kato se acercó al ingeniero Fumio Mieda, quien deseaba iniciarse en la construcción de
teclados musicales. Impulsado por el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de
teclado y, 18 meses después, Mieda le presentó un órgano programable. La compañía Keio vendió
este órgano bajo la marca Korg, hecha de la combinación de su nombre con la palabra órgano, en
inglés Organ.

Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a finales de los años 60 y principios de los 70,
pero, consciente de la competencia con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato
decidió usar la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al mercado de los
sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio (MiniKorg) fue presentado en 1973.
Después del éxito de este instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante
los años 1970 y 80 bajo la marca Korg.

Finales de la década de 1960 - comienzos de la década de

1980
En 1970, Charles Wuorinen compuso Time's Encomium, convirtiéndose así en el primer ganador
del Premio Pulitzer por ser una composición completamente electrónica. Los años 1970 también
vieron cómo se generalizaba el uso de sintetizadores en la música rock, con ejemplos como: Pink
Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake & Palmer, etc.

Nacimiento de la música electrónica popular

Véanse también: Rock progresivo, Escuela de Berlín, Krautrock, Space rock y Synth pop.
A lo largo de los años 1970, bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de
música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los
primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo, mientras que The Residents
creaban sus propias cajas de ritmos. También en esta época diferentes bandas de rock, desde
Genesis hasta The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.

En 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio
con su hit pop Cars, del álbum The Pleasure Principle. Otros grupos y artistas que contribuyeron
significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo
electrónico fueron Kraftwerk, Depeche Mode, Jean Michel Jarre, Mike Oldfield o Vangelis.

Nacimiento del MIDI

En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de acuerdo para estandarizar una interfaz
a través de la que diferentes instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y con el ordenador
principal. El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface). En agosto de
1983, la especificación 1.0 de MIDI fue finalizada.

La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el simple acto de presionar una tecla, controlar
una rueda, mover un pedal o dar una orden en un microordenador, se pudieran activar todos y
cada uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma sincronizada, respondiendo cada
dispositivo de acuerdo a las condiciones prefijadas por el compositor.

Miller Puckette desarrolló un software para el procesamiento gráfico de señal de 4X llamado Max,
que posteriormente sería incorporado a Macintosh para el control de MIDI en tiempo real,
haciendo que la composición algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que
tuviera un mínimo conocimiento de programación informática.

Síntesis digital
Véase también: Sample
En 1979, la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight CMI (Computer Musical Instrument),
el primer sistema práctico de sampler polifónico digital. En 1983, Yamaha introdujo el primer
sintetizador digital autónomo, el DX-7, el cual utilizaba síntetis de modulación de frecuencia
(síntesis FM), probada por primera vez por John Chowning en Stanford a finales de los años 1960.

Finales de la década de 1980 - década de 1990

Crecimiento de la música dance

Véanse también: Música electro, Techno, Música house y Acid house.
Véanse también: Rave, Jungle, Drum and Bass, Música trance y Trance.
Hacia finales de los años 80, los discos de música de baile que utilizaban instrumentación
exclusivamente electrónica se hicieron cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado
hasta el presente, siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el mundo.

Avance en la música
En los años 90, comenzó a ser posible llevar a cabo actuaciones con la asistencia de ordenadores
interactivos. Otro avance reciente es la composición Begin Again Again de Tod Machover (MIT y
IRCAM) para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos
del chelista. Max Methews desarrolló el programa Conductor para control en tiempo real del
tempo, la dinámica y el timbre de un tema electrónico.

Siglo xxi
A medida que la tecnología
informática se hace más
accesible y el software
musical avanza, la
producción musical es
posible utilizando medios
que no guardan ninguna
relación con las prácticas
Equipo de música electrónica en
Una fiesta nocturna rave de música
tradicionales. Lo mismo 2009.
Dance en Viena en 2005. ocurre con los conciertos,
extendiéndose su práctica
utilizando ordenadores portátiles y live coding. Se populariza el
término Live PA para describir cualquier tipo de actuación en vivo de música electrónica, ya sea
utilizando ordenador, sintetizador u otros dispositivos.

En las décadas de 1990 y 2000 surgieron diferentes entornos virtuales de estudio construidos
sobre software, entre los que destacan productos como Reason, de Propellerhead, y Ableton Live,
que se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen alternativas útiles y baratas para
los estudios de producción basados en hardware. Gracias a los avances en la tecnología de
microprocesadores, se hace posible crear música de elevada
calidad utilizando poco más que un solo ordenador. Estos
avances han democratizado la creación musical,
incrementándose así masivamente y estando disponible al
público en internet.

El avance del software y de los entornos de producción

virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos,
antiguamente solo existentes como hardware, estén ahora Un dj actuando en una fiesta de una
discoteca, año 2015.
disponibles como piezas virtuales, herramientas o plugins de
los software. Algunos de los softwares más populares son
Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y
ChucK.

Los avances en la miniaturización de los componentes electrónicos, que en su época facilitaron el

acceso a instrumentos y tecnologías usadas solo por músicos con grandes recursos económicos,
han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas electrónicas usadas para la creación
musical. Por ejemplo, durante los años 90, los teléfonos móviles incorporaban generadores de
tonos monofónicos que algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus equipos,
sino que permitieron a sus usuarios tener algunas herramientas de creación musical.
Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes computadores portátiles, computadores de
bolsillo y asistentes digitales personales (del inglés PDA) abrieron camino a las actuales tablets y
teléfonos inteligentes que permiten no solo el uso de generadores de tono, sino el de otras
herramientas como samplers, sintetizadores monofónicos y polifónicos, grabación multipista, etc.
Los que permiten la creación musical en casi cualquier lugar.

Véase también
Géneros de música electrónica
Música clásica electroacústica
Lista de teclistas que utilizaron el sintetizador Moog

Bibliografía
Blánquez Gómez, Javier (2018). Morera, Omar, ed. Loops 1: Una historia de la música
electrónica en el siglo XX. Penguin Random House Grupo Editorial España.
ISBN 9788417125813.
Blánquez Gómez, Javier (2018). Loops 2: Una historia de la música electrónica en el siglo XXI.
Penguin Random House Grupo Editorial España. ISBN 9788417125776.
Broughton, Frank; Brewster, Bill (2019). Anoche un DJ me salvó la vida: Brevísima historia de
los verdaderos innovadores de la música (Alejandro Alvarez Nieves, trad.). Ediciones Temas
de Hoy. ISBN 9788499987477.
Costa Plans, Luis (2017). ¡Bacalao!: Historia oral de la música de baile en Valencia, 1980-
1995. Contra. ISBN 9788494683398.
Denk, Felix; von Thülen, Sven (2015). Der Klang der Familie: Berlín, el techno y la caída del
Muro (Juan de Sola, trad.). Alpha Decay. ISBN 9788492837908.
Fuentes, Fernando (2010). Warm-up!: un vistazo a la prensa musical electrónica en España,
2000-2010. Nausícaä. ISBN 9788496633957.
 Gilbert, Jeremy; Pearson, Ewan (2003). Cultura y políticas de la música dance: Disco, hip-hop,
house, techno, drum n bass y garage. Grupo Planeta. ISBN 9788449314735.
Herbert y otros, Eimert (1974). ¿Qué es la música electrónica?. Buenos Aires: Ediciones
Nueva Visión.
Kyrou, Ariel (2006). Techno rebelde: un siglo de músicas electrónicas. Traficantes de Sueños.
ISBN 9788496453104.
Oleaque, Joan M. (2017). En éxtasis: El bakalao como contracultura en España. Barlin Libros.
ISBN 9788494668333.
Reynolds, Simon (2020). Energy Flash: Un viaje a través de la música rave y la cultura de
baile (Begoña Martínez Sarrà, Gabriel Cereceda Oyón, Silvia Guiu Navarro, trads.). Contra.
ISBN 9788418282041.
Saunders, Jesse (2007). House Music... the Real Story (https://archive.org/details/housemusicr
ealst0000jess) (en inglés). SandlerComm. ISBN 9781604740011.
Sicko, Dan (2019). Techno rebels: los renegados del funk electrónico (Héctor Castells
Albareda, trad.). Alpha Decay. ISBN 9788494821080.
Supper, Martin (2004). Música electrónica y música con ordenador: historia, estética, métodos,
sistemas. Alianza Editorial. ISBN 9788420681696.
Toop, David (2016). Océano de sonido: palabras en el éter, música ambient y mundos
imaginarios. Caja Negra. ISBN 9789871622528.

Notas y referencias
Esta obra contiene una traducción derivada de «Electronic music» de Wikipedia en inglés,
publicada por sus editores (https://en.wikipedia.org/wiki/Electronic_music?action=history) bajo
la Licencia de documentación libre de GNU y la Licencia Creative Commons Atribución-
CompartirIgual 4.0 Internacional (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0/deed.es).
la-musica-electronica-la-evolucion-del-arte-d
1. Junior Report (12 de junio de 2017). e-los-ruidos). Fahrenheit Magazine. 13 de
«Música electrónica: mucho más que un abril de 2020. Consultado el 7 de febrero de
sonido» (https://www.lavanguardia.com/vida/ 2022.
junior-report/20170612/423281653624/music
a-electronica-mucho-mas-sonido.html). La 7. J. Moratinos (29 de septiembre de 2015).
«El nuevo camino que impone la música
Vanguardia. Consultado el 8 de febrero de
2022. electrónica contemporánea» (https://burgand
o.com/2015/09/29/nuevo-camino-que-impon
2. «Telharmonium | IDIS» (https://proyectoidis.o e-la-musica-electronica/). burgando.
rg/telharmonium/). Consultado el 7 de Consultado el 7 de febrero de 2022.
febrero de 2022.
8. Rosen, Jody (27 de marzo de 2008).
3. «Historia de Hammond y Leslie» (https://ha «Researchers Play Tune Recorded Before
mmondspain.com/historia-de-hammond-y-le Edison» (https://www.nytimes.com/2008/03/2
slie/). HAMMOND SPAIN. Consultado el 7 7/arts/27soun.html). The New York Times
de febrero de 2022. (en inglés estadounidense). ISSN 0362-4331 (ht
4. Miller, Norman (6 de marzo de 2021). «¿Es tps://portal.issn.org/resource/issn/0362-4331).
este el instrumento musical más extraño Consultado el 7 de febrero de 2022.
jamás inventado?» (https://www.bbc.com/mu 9. Parra, Sergio (14 de abril de 2011). «La
ndo/vert-cul-55520447). BBC News Mundo. invención del audión: la bellota de la que
Consultado el 7 de febrero de 2022. surgió el roble que hoy abarca el mundo» (ht
5. «Música, electrónica y estética» (https://ww tps://www.xatakaciencia.com/quien-es/la-inv
w.lavanguardia.com/cultura/20100616/53945 encion-del-audion-la-bellota-de-la-que-surgio
768675/musica-electronica-y-estetica.html). -el-roble-que-hoy-abarca-el-mundo). Xataka
La Vanguardia. 16 de junio de 2010. Ciencia. Consultado el 7 de febrero de 2022.
Consultado el 8 de febrero de 2022. 10. Theremin, BBC (https://www.bbc.co.uk/dna/h
6. «Historia de la música electrónica: la 2g2/A520831)
evolución del arte de los ruidos» (https://fahr
enheitmagazine.com/arte/musica/historia-de-
11. García, Aura Antonia (15 de mayo de 2017). 18. Joseph Schillinger: First Airphonic Suite (http
«La música peculiar del ondes Martenot» (ht s://www.youtube.com/watch?v=_x2QcWKtR
tps://letraslibres.com/arte/la-musica-peculiar- Mk), consultado el 7 de febrero de 2022.
del-ondes-martenot/). Letras Libres. 19. «Magnetic Recording/Audiocassette - body,
Consultado el 7 de febrero de 2022. used, system, air, waves, History of
12. Busoni, Ferruccio; Salazar, Adolfo; magnetic recording» (http://www.scienceclari
Schonberg, Arnorld (21 de diciembre de fied.com/Io-Ma/Magnetic-Recording-Audioca
2013). Esbozo de una nueva estética de la ssette.html). www.scienceclarified.com (en
música (https://books.google.es/books?id=u inglés). Consultado el 8 de febrero de 2022.
bICnwEACAAJ&dq=Ferruccio+Busoni+Esbo 20. Jorge Sastre Martinez. «Historia de la
zo+de+una+Nueva+Est%C3%A9tica+de+la Música Electrónica: Influencia del Theremin
+M%C3%BAsica&hl=es&sa=X&redir_esc= en la producción musical y cinematográfica»
y). Amazon Digital Services LLC - KDP Print (https://www.merlot.org/merlot/viewMaterial.h
US. ISBN 978-84-96875-24-1. Consultado el 7 tm?id=458369821). MERLOT (en inglés).
de febrero de 2022. Consultado el 8 de febrero de 2022.
13. Paraskevaídis, Graciela (2002-07). «Edgar 21. Entre los compositores que utilizaron el
Varèse y su relación con músicos e instrumento se incluyen Boulez, Honneger,
intelectuales latinoamericanos de su tiempo: Jolivet, Koechlin, Messiaen, Milhaud,
Algunas historias en redondo» (http://www.s Tremblay y Varèse. En 1937, Messiaen
cielo.cl/scielo.php?script=sci_abstract&pid=S escribió Fête des belles eaux para 6
0716-27902002019800001&lng=es&nrm=iso Martenot, y escribió partes solistas para este
&tlng=es). Revista musical chilena 56 (198): instrumento en su Trois petites Liturgies de
07-20. ISSN 0716-2790 (https://portal.issn.org/resou la Présence Divine (1943–44) y en la
rce/issn/0716-2790). doi:10.4067/S0716- Sinfonía Turangalîla (1946–48/90).
27902002019800001 (https://dx.doi.org/10.4067%2F
22. Johnson, Julian (8 de enero de 2016). «Mr
S0716-27902002019800001). Consultado el 7 de
Bloom's electric opera.» (https://go.gale.co
febrero de 2022. m/ps/i.do?p=LitRC&sw=w&issn=0307661X&
14. Miguel Ángel Ferreiro (20 de abril de 2015). v=2.1&it=r&id=GALE%7CA635179010&sid=
«El creador del "futurismo", Filippo Tommaso googleScholar&linkaccess=abs). TLS. Times
Marinetti» (https://elretohistorico.com/marine Literary Supplement (en inglés) (5884): 23-
tti-2/). El Reto Histórico |. Consultado el 7 de 24. Consultado el 8 de febrero de 2022.
febrero de 2022. 23. «Primer Manifiesto DADA 1918, de Tristan
15. Foster, Hal; Bois, Yve-Alain; Buchloh, Tzara | ::Hipermedula.org» (http://hipermedul
Benjamin H. D.; Krauss, Rosalind E. (27 de a.org/navegaciones/primer-manifiesto-dada-
octubre de 2006). Arte desde 1900 (https://b 1918-de-tristan-tzara/). hipermedula.org.
ooks.google.es/books?id=1s_nCnKSX-sC&p Consultado el 8 de febrero de 2022.
g=PA90&dq=Manifiesto+T%C3%A9cnico+de 24. «Kurt Schwitters - Ursonate» (https://www.m
+la+M%C3%BAsica+Futurista&hl=es&sa=X useoreinasofia.es/coleccion/obra/ursonate).
&ved=2ahUKEwjwr5ys3e31AhXColwKHS5z www.museoreinasofia.es. Consultado el 8 de
CFUQ6AF6BAgCEAI). Ediciones AKAL. febrero de 2022.
p. 90-ss. ISBN 978-84-460-2400-2. Consultado
el 7 de febrero de 2022. 25. «La huella de Russolo» (https://linnemagazin
e.com/2013/02/26/la-huella-de-russolo/).
16. Russolo, Luigi (2020). El arte de los ruidos LINNE (en inglés). 26 de febrero de 2013.
(https://books.google.es/books?id=eTb6zQE Consultado el 8 de febrero de 2022.
ACAAJ&dq=El+arte+de+los+ruidos&hl=es&s
a=X&redir_esc=y). Casimiro. ISBN 978-84- 26. «BBC World Service - The Documentary
17930-25-7. Consultado el 7 de febrero de Podcast, A History of Music and Technology:
2022. The Hammond Organ» (https://www.bbc.co.
uk/programmes/p07dg6fs). BBC (en inglés
17. Berghaus, Günter (25 de octubre de 2012). británico). Consultado el 8 de febrero de
International Futurism in Arts and Literature 2022.
(https://books.google.es/books?id=LcshAAA
AQBAJ&pg=PA325&dq=Intonarumori&hl=es 27. «BBC Radio 6 Music - The Hammond: A
&sa=X&ved=2ahUKEwiR6fyV3u31AhWSfM Vital Organ, Episode 1» (https://www.bbc.co.
AKHXsGDCgQ6AF6BAgJEAI) (en inglés). uk/programmes/b00xj0th). BBC (en inglés
Walter de Gruyter. ISBN 978-3-11-080422-5. británico). Consultado el 8 de febrero de
Consultado el 7 de febrero de 2022. 2022.
28. Tyson, Jeff. «How Stuff Works - "How Movie 37. Symphonie pour un homme seul - Pierre
Sound Works" » (http://entertainment.howstu Schaeffer & Pierre Henry (https://www.youtu
ffworks.com/movie-sound1.htm). be.com/watch?v=OQOPHVTtio0),
Entertainment.howstuffworks.com. consultado el 8 de febrero de 2022.
Consultado el 20 de octubre de 2010. 38. Says, Sexy (26 de diciembre de 2013). «The
29. «AEG Magnetophon - Reel to Reel Tape ‘Groupe de Recherches Musicales’ Pierre
Recorder Manufacturers» (https://museumof Schaeffer, Pierre Henry & Jacques Poullin,
magneticsoundrecording.org/Manufacturers France 1951» (https://120years.net/wordpres
AEGMagnetophon.html). s/the-grm-group-and-rtf-electronic-music-stu
museumofmagneticsoundrecording.org (en dio-pierre-schaeffer-jacques-poullin-france-1
inglés). Consultado el 8 de febrero de 2022. 951/). 120 Years of Electronic Music (en
30. «Mix Online - 1935 AEG Magnetophone inglés británico). Consultado el 8 de febrero
Tape Recorder» (https://web.archive.org/we de 2022.
b/20130208162634/http://mixonline.com/TE 39. Schaeffer, Pierre (26 de noviembre de
Cnology-Hall-of-Fame/aeg-magnetophone-re 2012). In Search of a Concrete Music (http
corder-090106/). Mixonline.com. 1 de s://books.google.es/books?id=oagwDwAAQ
septiembre de 2006. Archivado desde el BAJ&printsec=frontcover&dq=Schaeffer+y+
original (http://mixonline.com/TECnology-Hal Henry+Orpheus&hl=es&sa=X&redir_esc=y#
l-of-Fame/aeg-magnetophone-recorder-0901 v=onepage&q=Schaeffer%20y%20Henry%2
06/) el 8 de febrero de 2013. Consultado el 0Orpheus&f=false) (en inglés). Univ of
20 de octubre de 2010. California Press. ISBN 978-0-520-26574-5.
31. «Tonbandmuseum - Sie sind im Bereich: Consultado el 8 de febrero de 2022.
AEG K4» (http://www.tonbandmuseum.info/a 40. Julian Brimmers y Peter Beste. «Inside
eg-k4.html). www.tonbandmuseum.info (en Stockhausen’s WDR Studio for Electronic
alemán). Consultado el 8 de febrero de Music» [En el interior del WDR Studio para
2022. Música Electrónica de Stockhausen] (https://
32. «Friedrich Engel and Peter Hammar, A daily.redbullmusicacademy.com/2017/08/sto
Selected History of Magnetic Recording (.pdf ckhausen-photo-essay).
document), p.6» (http://www.richardhess.co daily.redbullmusicacademy.com (en inglés).
m/tape/history/Engel_Hammar--Magnetic_Ta Consultado el 9 de febrero de 2022.
pe_History.pdf) (PDF). Consultado el 20 de 41. Meyer-Eppler, Werner (1949.). «Elektrische
octubre de 2010. Klangerzeugung : elektronische Musik und
33. «AMPEX Model 200/200A Tape Machine» (h synthetische Sprache /» (https://lib.ugent.be/
ttps://www.historyofrecording.com/AMPEX_ catalog/rug01:000670900). lib.ugent.be.
Model_200.html). HistoryOfRecording.com Consultado el 9 de febrero de 2022.
(en inglés). Consultado el 8 de febrero de 42. López, Alberto (18 de octubre de 2017). «El
2022. primer estudio de música electrónica del
34. Radar Clan, Music (26 de abril de 2020), mundo» (https://elpais.com/cultura/2017/10/
Pilares de la Música Electrónica: la Música 18/actualidad/1508277677_835557.html). El
Concreta (https://www.youtube.com/watch?v País. ISSN 1134-6582 (https://portal.issn.org/resourc
=ATTcDouHnc4), consultado el 8 de febrero e/issn/1134-6582). Consultado el 10 de febrero
de 2022. de 2022.
35. País, El (21 de agosto de 1995). «Pierre 43. Stockhausen Studie II (https://www.youtube.
Schaeffer, inventor de la música concreta» com/watch?v=_qi4hgT_d0o), consultado el 1
(https://elpais.com/diario/1995/08/22/agend de marzo de 2022.
a/809042401_850215.html). El País. 44. Karlheinz Stockhausen: Mixtur (1964) (http
ISSN 1134-6582 (https://portal.issn.org/resource/issn/ s://www.youtube.com/watch?v=0sAxyu2jOu
1134-6582). Consultado el 8 de febrero de g), consultado el 9 de febrero de 2022.
2022. 45. Karlheinz Stockhausen - HYMNEN Dritte
36. «Contrechamps | Pierre Schaeffer & Pierre Region (Elektronische Musik mit Orchester)
Henry – Symphonie pour un homme seul» (h [1969] (https://www.youtube.com/watch?v=q
ttps://contrechamps.ch/editions/pierre-schaef HVgAQR72qM), consultado el 9 de febrero
fer-pierre-henry-symphonie-pour-un-homme- de 2022.
seul/) (en fr-FR). Consultado el 8 de febrero 46. Holmes, Thom (22 de mayo de 2012).
de 2022. Electronic and Experimental Music:
Technology, Music, and Culture (https://book
 s.google.es/books?id=aT5nAQAAQBAJ&pg Computer Music Journal 21 (4): 11-22.
=PA147&lpg=PA147&dq=minao+shibata+ ISSN 0148-9267 (https://portal.issn.org/resource/issn/
m%C3%BAsica+electr%C3%B3nica&source 0148-9267). doi:10.2307/3681132 (https://dx.doi.org/1
=bl&ots=Dawz23Gmsb&sig=ACfU3U2YzWB 0.2307%2F3681132). Consultado el 11 de
jj_p2AwO-h8D1bIwhpcGWUA&hl=es-419&s febrero de 2022.
a=X&ved=2ahUKEwiZxZSgzvf1AhXq_7sIHc 54. Chapman, Christine (6 de diciembre de
PiDlMQ6AF6BAgZEAM#v=onepage&q=min 1995). «Beyond the Avant-Garde:Toshiro
ao%20shibata%20m%C3%BAsica%20elect Mayuzumi and His Mishima Opera» (https://
r%C3%B3nica&f=false) (en inglés). www.nytimes.com/1995/12/06/style/IHT-beyo
Routledge. p. 148. ISBN 978-1-136-46895-7. nd-the-avantgardetoshiro-mayuzumi-and-his
Consultado el 11 de febrero de 2022. -mishima-opera.html). The New York Times
47. Magazine, Estr@tegia (01-03-2020). «Sony, (en inglés estadounidense). ISSN 0362-4331 (ht
historia de un ingeniero, un físico y 1350 tps://portal.issn.org/resource/issn/0362-4331).
euros» (https://www.estrategiamagazine.co Consultado el 29 de septiembre de 2022.
m/glosario-de-marcas-famosas/sony-historia 55. Jimenez, Juan Carlos Pérez (22 de
-logo-imagen-primer-tv-trinitron-primer-siste septiembre de 1988). « "El silencio no
ma-de-video-walkman-disquete-primer-repro existe", afirma John Cage» (https://elpais.co
ductor-de-cd-primera-videocamara-playstatio m/diario/1988/09/23/cultura/590968804_850
n-nintendo-consola-ps-x/). Consultado el 11 215.html). El País. ISSN 1134-6582 (https://portal.
de febrero de 2022. issn.org/resource/issn/1134-6582). Consultado el
48. FMCMstaff (15 de junio de 2021). «75 años 2 de marzo de 2022.
de Sony: Del grabador de cinta G-Type y el 56. IMAGINARY LANDSCAPE Nº 1 JOHN
Walkman a los auriculares con cancelación CAGE (https://www.youtube.com/watch?v=G
de ruido» (http://www.futuremusic-es.com/75 LDxqnksY80), consultado el 15 de febrero
-aniversario-sony-junio-2021/). Future Music de 2022.
- SONICplug | Tecnología musical y sonido. 57. Net, Media Art (15 de febrero de 2022).
Consultado el 11 de febrero de 2022. «Media Art Net | Cage, John: Imaginary
49. «The art of noises: electronic music and Landscape No. 1» (http://www.medienkunstn
songs up to 1983» (https://www.song-bar.co etz.de/works/imaginary-landscape-1/audio/
m/song-blog/art-of-noise-electronic-music-an 1/). www.medienkunstnetz.de (en inglés).
d-songs-up-to-1983). Song Bar (en inglés Consultado el 15 de febrero de 2022.
estadounidense). Consultado el 11 de 58. «Imaginary Landscape No. 4 (March No. 2)»
febrero de 2022. (https://johncage.org/pp/John-Cage-Work-De
50. «Toru Takemitsu Interview with Bruce Duffie» tail.cfm?work_ID=104). johncage.org (en
(http://www.bruceduffie.com/takemitsu.html). inglés). Consultado el 15 de febrero de
www.bruceduffie.com. 6 de marzo de 1990. 2022.
Consultado el 29 de septiembre de 2022. 59. «Imaginary Landscape No. 5» (https://www.j
51. Chapman, Christine (6 de diciembre de ohncage.org/pp/John-Cage-Work-Detail.cf
1995). «Beyond the Avant-Garde:Toshiro m?work_ID=103). www.johncage.org (en
Mayuzumi and His Mishima Opera» (https:// inglés). Consultado el 15 de febrero de
www.nytimes.com/1995/12/06/style/IHT-beyo 2022.
nd-the-avantgardetoshiro-mayuzumi-and-his 60. «Williams Mix» (https://www.johncage.org/p
-mishima-opera.html). The New York Times p/John-Cage-Work-Detail.cfm?work_ID=24
(en inglés estadounidense). ISSN 0362-4331 (ht 6). www.johncage.org (en inglés).
tps://portal.issn.org/resource/issn/0362-4331).
Consultado el 15 de febrero de 2022.
Consultado el 2 de marzo de 2022.
61. Holmes, Thom (31 de marzo de 2008).
52. Edgardo Vigo (4 de septiembre de 2016).
Electronic and Experimental Music:
«Un punk de oficina» (https://www.pagina12. Technology, Music, and Culture (https://book
com.ar/diario/suplementos/radar/9-11766-20
s.google.es/books?id=Q0uTAgAAQBAJ&pg=
16-09-04.html). www.pagina12.com.ar.
PA104&lpg=PA104&dq=luening+williams+mi
Consultado el 2 de marzo de 2022.
x&source=bl&ots=tm8MkmeIan&sig=ACfU3
53. Loubet, Emmanuelle; Roads, Curtis; U3IJmLBcwXxt5iJfZjvY7lz5xoIvA&hl=es-419
Robindoré, Brigitte (1997). «The Beginnings &sa=X&ved=2ahUKEwiwt6_a4IH2AhUUTsA
of Electronic Music in Japan, with a Focus KHWphAY0Q6AF6BAgbEAM#v=onepage&q
on the NHK Studio: The 1950s and 1960s» =luening%20williams%20mix&f=false) (en
(https://www.jstor.org/stable/3681132).
 inglés). Routledge. ISBN 978-1-135-90617-7. vanguardia» (https://elpais.com/diario/2001/0
Consultado el 15 de febrero de 2022. 2/05/cultura/981327602_850215.html). El
62. Sfetcu, Nicolae (7 de mayo de 2014). The País. ISSN 1134-6582 (https://portal.issn.org/resourc
Music Sound (https://books.google.es/book e/issn/1134-6582). Consultado el 16 de febrero
s?id=kXyFAwAAQBAJ&pg=PT4989&dq=The de 2022.
+Music+for+Magnetic+Tape+Project&hl=es& 70. Iannis Xenakis - Metastasis (https://www.you
sa=X&ved=2ahUKEwi5hsb54IH2AhVXilwKH tube.com/watch?v=SZazYFchLRI),
T1QApYQ6AF6BAgIEAI#v=onepage&q=Th consultado el 16 de febrero de 2022.
e%20Music%20for%20Magnetic%20Tape% 71. Iannis Xenakis - ST/4, 1-080262 (w/ score)
20Project&f=false) (en inglés). Nicolae (for string quartet) (1956-62) (https://www.yo
Sfetcu. Consultado el 15 de febrero de 2022. utube.com/watch?v=BWltre1ddS4),
63. Marginal Intersection (1951) (First consultado el 16 de febrero de 2022.
Recording) (https://www.youtube.com/watc 72. ST/48 (https://www.youtube.com/watch?v=7
h?v=-30YnubQczo), consultado el 15 de 1xLJ1HoNxc), consultado el 16 de febrero
febrero de 2022. de 2022.
64. Jan Williams (22 de abril de 1983). «An 73. Iannis Xenakis - Nomos Alpha (w/ score) (for
Interview with Morton Feldman» (https://ww solo cello) (1965) (https://www.youtube.com/
w.cnvill.net/mfjw1.htm). www.cnvill.net (en watch?v=vweBaSujfP0), consultado el 16 de
inglés). Consultado el 15 de febrero de febrero de 2022.
2022. 74. Iannis Xenakis: Shaar (w. Score) (https://ww
65. Jimenez, Juan Carlos Pérez (22 de w.youtube.com/watch?v=2P3N33o4cjM),
septiembre de 1988). « "El silencio no consultado el 16 de febrero de 2022.
existe", afirma John Cage» (https://elpais.co 75. Alberto, G. Lapuente (27 de enero de 2011).
m/diario/1988/09/23/cultura/590968804_850 «Xenakis: la visión macroscópica» (https://w
215.html). El País. ISSN 1134-6582 (https://portal. ww.abc.es/cultura/abci-culturalmusica-20110
issn.org/resource/issn/1134-6582). Consultado el
1270000_noticia.html). ABC. Consultado el
29 de septiembre de 2022.
29 de septiembre de 2022.
66. Russcol, Herbert (1972). The Liberation of 76. David Cabello Bermejo (21 de febrero de
Sound: An Introduction to Electronic Music 2014). «10 Curiosidades que quizás no
(https://books.google.es/books?id=oH8sAAA
conocías de Planeta Prohibido» (http://www.l
AMAAJ&q=Russcol,+Herbert+(1972),+The+
ucesdesala.com/2014/02/21/10-curiosidades
Liberation+of+Sound:+An+Introduction+to+E
-que-quizas-no-conocias-de-planeta-prohibid
lectronic+Music&dq=Russcol,+Herbert+(197 o-de-fred-m-wilcox-1956/). Luces De Sala.
2),+The+Liberation+of+Sound:+An+Introduct Consultado el 1 de marzo de 2022.
ion+to+Electronic+Music&hl=es-419&sa=X&
redir_esc=y) (en inglés). Prentice Hall. p. 92. 77. Planeta Modular (ed.). «Louis & Bebe Barron
ISBN 978-0-13-535393-6. Consultado el 1 de – Forbidden Planet» (https://web.archive.org/
marzo de 2022. web/20110116221903/http://www.planetamo
dular.com/doce-pulgadas/louis-bebe-barron-f
67. Luening, Otto (1968-11). «An Unfinished orbidden-planet-bso/). Archivado desde el
History of Electronic Music» (https://journals.
original (http://www.planetamodular.com/doc
sagepub.com/doi/abs/10.2307/3392376).
e-pulgadas/louis-bebe-barron-forbidden-plan
Music Educators Journal 55 (3): 43-145.
et-bso) el 16 de enero de 2011. Consultado
ISSN 0027-4321 (https://portal.issn.org/resource/issn/
el 18 de noviembre de 2010.
0027-4321). doi:10.2307/3392376 (https://dx.doi.org/
10.2307%2F3392376). Consultado el 1 de 78. Manuel Rodríguez Yague (7 de noviembre
marzo de 2022. de 2011). «1956-PLANETA PROHIBIDO –
Fred McLeod Wilcox» (http://universodecien
68. «MEMORABILIA. COLECCIONANDO ciaficcion.blogspot.com/2011/11/1956-planet
SONIDOS CON... Kees Tazelaar. Parte I | a-prohibido-fred-mcleod.html). Un universo
Radio Web MACBA | RWM Podcasts» (http de Ciencia Ficción. Consultado el 1 de
s://rwm.macba.cat/es/investigacion/memora
marzo de 2022.
bilia-coleccionando-sonidos-kees-tazelaar-p
arte-i). rwm.macba.cat. Consultado el 16 de 79. Gluck, Robert J.: Fifty years of electronic
febrero de 2022. music in Israel, Organised Sound 10(2):
163–180 Cambridge University Press (2005)
69. Franco, Enrique (4 de febrero de 2001).
«Fallece el compositor francés Iannis 80. Doornbusch, Paul. «The Music of CSIRAC»
Xenakis, un impulsor de la música de (https://web.archive.org/web/200708290357
 09/https://www.csse.unimelb.edu.au/dept/ab 81. Schutterhoef 2007 (https://web.archive.org/w
out/csirac/music/introduction.html). eb/20100418170049/http://knorretje.hku.nl/w
Melbourne School of Engineering, iki/Sogitec_4X).
Department of Computer Science and 82. Libro: In estéreo. La industria de la música
Software Engineering. Archivado desde el actual:valor económico y social. el caso
original (http://www.csse.unimelb.edu.au/dep México.
t/about/csirac/music/introduction.html) el 29
de agosto de 2007.

Enlaces externos
Culturaelectronica.net' (http://www.culturaelectronica.net); Comunidad de música electrónica
en latinoamerica
Discovering electronic Music (http://www.archive.org/details/DiscoveringElectronicMusic);
documental de 1983, en inglés.
El primer Estudio para Música Electrónica de la historia y su apasionante fundación - Future
Music (http://www.futuremusic-es.com/estudio-para-musica-electronica-colonia-revolucion-son
ora/).
Mil años de Música Electrónica: Musical Telegraph de Elisha Gray (http://www.futuremusic-es.
com/mil-anos-de-musica-electronica-musical-telegraph-de-elisha-gray/).
El Fonógrafo de Thomas Edison (http://www.futuremusic-es.com/mil-anos-de-musica-electroni
ca-el-fonografo-de-thomas-edison/).
Telharmonium de Thaddeus Cahill (http://www.futuremusic-es.com/mil-anos-de-musica-electro
nica-telharmonium-de-thaddeus-cahill/).
Theremin, Lev Termen (http://www.futuremusic-es.com/mil-anos-de-musica-electronica-theremi
n-de-lev-termen/).
Del Ondes Martenot al órgano Hammond (http://www.futuremusic-es.com/mil-anos-de-musica-
electronica-del-ondes-martenot-al-organo-hammond/).
Música planeadora (https://www.youtube.com/watch?v=qPDrqXyN53E), dos ediciones de
marzo de 1981 del programa de TVE Musical Express, con Àngel Casas.

Obtenido de «https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Música_electrónica&oldid=161545545»