Un sintetizador es un instrumento musical de tipo electrónico que, a través de

circuitos, genera señales eléctricas que luego son convertidas a sonidos

audibles. Una característica que diferencia al sintetizador de otros instrumentos
electrónicos es que sus sonidos pueden ser creados y modificados. Los
sintetizadores pueden imitar otros instrumentos o generar nuevos timbres.
Usualmente son ejecutados a través de un teclado. Los sintetizadores que no
cuentan con algún tipo de controlador son llamados "módulos" (o en el caso de
ser módulos verticales aislados en formato rack: modulares) y son controlados a
través de MIDI o control de voltaje.
Los sintetizadores usan varios métodos para generar y procesar una señal,
pudiendo ser de forma analógica o digital. Entre las más populares técnicas de
síntesis están: síntesis aditiva, síntesis substractiva, de modulación de
frecuencia, de modelado físico, modulación de fase y síntesis basada en
samples. Otras formas no tan comunes de síntesis (ver Tipos de síntesis)
incluyen síntesis subarmónica, una variante de la síntesis aditiva a través de
subarmónicos (usada por el mixture Trautonium), y síntesis granular, una
síntesis basada en samples a través de síntesis de sonidos, generalmente da
como resultado paisajes sonoros.

Índice

 1Primeros instrumentos eléctricos

 2Primeros sintetizadores auditivos – órganos de rueda tonal
 3Surgimiento de la electrónica y los primeros instrumentos
electrónicos
 4Sonido gráfico
 5Síntesis substractiva y sintetizadores polifónicos
 6Teclados electrónicos monofónicos
 7Otras innovaciones
 8Estudios de música electrónica como sintetizadores de
sonido
o 8.1Origen del término "sintetizador de sonido"
 9Del sintetizador modular a la música popular
 10Teclados polifónicos y la revolución digital
 11Impacto en la música popular
 12Tipos de síntesis
o 12.1Síntesis imitativa
 13Componentes
o 13.1Filtro
o 13.2Envolvente ADSR
 o 13.3LFO
 14Patch
 15Interfaces de control
o 15.1Fingerboard
o 15.2Controladores mediante aliento
o 15.3Otros
o 15.4Control MIDI
 16Roles típicos
o 16.1Synth lead
o 16.2Synth pad
o 16.3Synth bass
o 16.4Arpegiador
 17Véase también
 18Notas
 19Referencias
 20Bibliografía
 21Lectura adicional
 22Enlaces externos
Primeros instrumentos eléctricos[editar]
Uno de los primeros instrumentos eléctricos, el "telégrafo musical", fue inventado
por el ingeniero eléctrico Elisha Gray quien solicitó una patente el 27 de enero
de 1876.1Accidentalmente descubrió la generación de sonidos a través de la
propia vibración de un circuito electromagnético, e inventó un oscilador básico
de una nota. Este "telégrafo musical" usó una lengüeta de acero con
oscilaciones creadas por electromagnetos transmitidas por una línea telegráfica.
Gray también implementó una bocina sencilla en los siguientes modelos.
Constaba de un diafragma que vibraba en un campo magnético, haciendo al
oscilador audible.23
Este instrumento fue un instrumento musical electromecánico remoto que
usaba telegrafía y un zumbador eléctrico que puede generar un timbre con un
sonido fijo. Sin embargo, carecía de una función de síntesis de sonido arbitraria.
Algunos erróneamente lo han llamado "El primer sintetizador".45
Primeros sintetizadores auditivos – órganos de rueda
tonal[editar]
Consola del Telarmonio (1897) y Órgano Hammond (1935).

En 1887, Thaddeus Cahill inventó el telearmonio (o dinamófono) el cual

usaba dinamos (antiguos generadores eléctricos),6 era capaz de realizar síntesis
aditiva como el órgano Hammond, el cual fue inventado en 1934. Sin embargo,
el negocio de Cahill no fue exitoso debido a varias razones (el tamaño del
sistema, la rápida evolución de los electrónicos, diafonía en la línea telefónica,
etc.), e instrumentos similares pero más compactos que subsecuentemente
fueron desarrollados, como los órganos de rueda tonal.
Surgimiento de la electrónica y los primeros instrumentos
electrónicos[editar]

Izquierda: Theremin (RCA AR-1264; 1930). Centro: Ondes Martenot (7G model; 1978).
Derecha: Trautonium (Telefunken Volkstrautonium Ela T42; 1933).

En 1906, el ingeniero estadounidense Lee De Forest, guiado por la "era de los

electrónicos",7 inventó el primer bulbo amplificador, llamado Audión. Esto llevó al
desarrollo de nuevas tecnologías del entretenimientos, incluyendo la radio y
el cine sonoro. Estas nuevas tecnologías también influenciaron a la industria de
la música resultando en varios de los primeros instrumentos musicales
electrónicos que usaron bulbos, incluyendo:

 Audion piano por Lee De Forest in 1915 8

  Theremin por Léon Theremin in 1920 9
 Ondes Martenot por Maurice Martenot in 1928
 Trautonium por Friedrich Trautwein in 1929
La mayoría de los primeros instrumentos usaron "circuitos heterodinos" para
producir audiofrecuencias, y estaban limitados por sus capacidades de síntesis.
Ondes Martenot y Trautonium se encontraron en un desarrollo continuo por
varias décadas, finalmente desarrollaron cualidades similares a sintetizadores
posteriores.
Sonido gráfico[editar]

Sintetizador ANS y Sonido gráfico

En la década de 1920, Arseny Avraamov desarrollo varios sistemas de sonido

gráfico,10 y sistemas similares al sonido gráfico fueron desarrollados alrededor
del mundo, como los vistos en Holzer, 2010.11 En 1938, el ingeniero de la
URSS Yevgeny Murzin diseñó una herramienta de composición llamada ANS,
fue uno de los primeros sintetizadores aditivos en tiempo real
usando optoelectrónicos. Aunque su idea de reconstruir el sonido a partir de su
imagen era muy simple, el instrumento no fue llevado a cabo hasta después de
20 años, en 1958, Murzin era "un ingeniero que trabajó en áreas no relacionadas
a la música" (Kreichi, 1997).12
Síntesis substractiva y sintetizadores polifónicos[editar]
Hammond Novachord (1939) y Welte Lichtton orgel (1935)

En la década de los treinta y cuarenta, los elementos básicos requeridos para

la síntesis sustractiva analógica moderna — osciladores, filtros, controles de
envolventes, y varias unidades de efectos — ya habían aparecido y fueron
implementadas en varias instrumentos electrónicos.
Los primeros sintetizadores polifónicos fueron desarrollados en Alemania y en
Estados Unidos. El órgano Warbo Formant fue desarrollado por Harald Bode en
Alemania en 1937, era un teclado de cuatro teclas/voces con dos filtros de
formantes y un control dinámico de envolventes 1314 y posiblemente
manufacturado comercialmente por una fábrica en Dachau, acorde a 120 years
of Electronic Music,.15 El "Novachord" de la marca Hammond fue lanzado en
1939, era un teclado electrónico que usaba doce sets de osciladores por octava
con divisores de octavas para generar el sonido, con vibrato, un resonador
con banco de filtros y un controlador de envolventes dinámico. Durante los tres
años que Hammond manufacturó este modelo, 1069 unidades fueron enviadas,
pero la producción fue detenida debido al inicio de la Segunda Guerra Mundial.16
17
Ambos instrumentos fueron antecesores de los órganos electrónicos y
los sintetizadores polifónicos.
Teclados electrónicos monofónicos[editar]

Multimonica por Harald Bode (1940) y Ondioline de Georges Jenny (1941)

Durante los cuarenta y cincuenta, antes de que fueran populares los órganos
electrónicos y se introdujeran de los órganos combo, un número de
instrumentos monofónicos portátiles con pequeños teclados fueron desarrollados
y comercializados. Estos pequeños instrumentos consistían de un oscilador
electrónico, un efecto de vibrato, filtros pasivos, etc., y la mayoría de ellos
paréntesis (a excepción del Clavivox) fueron diseñadas para el uso con
ensambles convencionales, en lugar de instrumentos experimentales para
estudios de música electrónica que después estarían involucrados en
sintetizadores modernos. Algunos de estos pequeños instrumentos son:

 Solovox (1940) por la compañía Hammond: un

aditamento para instrumento con teclado monofónico
que consistía en un gran gabinete de tonos con una
pequeña unidad del teclado, tenía la intención de
acompañar pianos con una voz monofónica principal
de órgano o con un sonido orquestal.
 Multimonica (1940) diseñada por Harald Bode y
producida por Hohner: un instrumento con dos
teclados que consistía en un armonio eléctrico en la
parte de abajo y un sintetizador monofónico de ondas
diente de sierra en la parte superior.
 Ondioline (1941) diseñado por Georges Jenny en
Francia.
 Clavioline (1947) diseñado por Constant Martin,
producido por Selmer y Gibson, etc., este instrumento
fue incluido en varias grabaciones populares de los
años 60, incluyendo "Runaway" (1961) de Del
Shannon, "Telstar" (1962) de The Tornados y "Baby,
You're a Rich Man" (1967) de The Beatles.
 Clavivox (1952) por Raymond Scott.
Otras innovaciones[editar]

Electronic Sackbut (1948) de Hugh Le Caine y armonio electrostático (Wurlitzer modelo 44,
1953)

A finales de la década de los cuarenta, el inventor y compositor

canadiense Hugh Le Caine inventó el Electronic Sackbut, héroe de los primeros
instrumentos en permitir controlar en tiempo real tres aspectos del sonido
(volumen, tono y timbre), hoy en día, sensibilidad a la presión, perilla de tono.
Los controladores inicialmente fueron implementados como "teclados sensibles
a la presión multidimensionales" en 1945, después fueron cambiados a un grupo
pícaro de controladores recuperados por la mano izquierda en 1948.18
En Japón, a inicios de 1935, Yamaha lanzó el Magna organ,19 un instrumento
con teclado multi-tímbrico construido a partir de pastillas y orificios soplados de
manera eléctrica.20 Era similar al armonio electrostático desarrollado por
Frederick Albert Hoschke en 1934 y manufacturado por Everett y Wurlitzer hasta
1961.
Sin embargo, al menos un japonés no estaba satisfecho con esa situación en
ese entonces. En 1949, el compositor japonés Minao Shibata discutió acerca del
"concepto de un instrumento musical con un alto nivel de ejecución que pudiera
sintetizar cualquier tipo de ondas sonoras", y que "..fuese operado de manera
sencilla", prediciendo que con tal instrumento, "...la escena de la música
cambiaría de manera drástica".2122

Sintetizador (izquierda) y una consola de audio en Studio di fonología musicale di Radio

Milano

Estudios de música electrónica como sintetizadores de

sonido[editar]
Después de la Segunda Guerra Mundial, la música electrónica, incluida
la música electroacústica y la música concreta fue creada por compositores
contemporáneos, y numerosos "estudios de música electrónica" fueron
establecidos en todo el mundo, especialmente en Bonn, Colonia, París y Milán.
Estos estudios estaban comúnmente repletos de equipos electrónicos
incluyendo osciladores, filtros, cintas, consolas de audio, etc., y todo el estudio
funcionaba como un solo sintetizador de sonidos.
RCA Mark II Sound Synthesizer (1957) y el estudio Siemens Studio para música
electrónica (1959).

Origen del término "sintetizador de sonido"[editar]

Entre 1951 y 1952, RCA produjo una máquina llamada "sintetizador de música
electrónica"; sin embargo, era una "máquina de composición", debido a que no
producía los sonidos en tiempo real.23RCA desarrolló el primer "sintetizador de
sonidos programable", RCA Mark II Sound Synthesizer instalándolo
en Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1957.24 Compositores
prominentes incluyendo a Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton
Babbitt, Halim El-Dabh, Bülent Arel, Charles Wuorinen y Mario
Davidovsky usaron el sintetizador de RCA en varias de sus composiciones.25
Del sintetizador modular a la música popular[editar]
Artículos principales: Robert Moog y Sintetizador moog.
Entre 1959 y 1960, Harald Bode desarrolló un sintetizador modular y
un procesador de sonidos,2627 y en 1961, escribió explorando el concepto de un
sintetizador modular portátil usando las nuevas tecnologías de los transistores.28
29
Sus ideas fueron retomadas por Donald Buchla y Robert Moog en Estados
Unidos y Paul Knetoff en Italia 303132 al mismo tiempo: 33 entre ellos, Moog es
conocido como el primer diseñador de sintetizadores que popularizó la técnica
de "control de voltaje" en instrumentos musicales analógicos.33 En paralelo al
trabajo de Moog, Buchla y Ketoff otros luthiers electrónicos se encontraban
desarrollando invenciones alrededor de esta idea en distintas partes del mundo.
A mediados de la década del sesenta Raúl Pavón Sarrelangue desarrolla en
México un sintetizador analógico al que bautiza "Omnifón"34. El autor
explicará en su libro (décadas más tarde) que este sintetizador poseía un “un
oscilador de ondas senoidal, cuadrada y rampa, variables continuamente entre
10 hz y 20 Khz, y con una pureza de onda que no he visto hasta la fecha en
ningún sintetizador comercial”. Tenía además “un generador de envolvente, una
serie de filtros tímbricos, un generador de ruido blanco y otras facilidades”. Sin
embargo el Omnifón no logró trascender el hecho de ser un invento aislado
desarrollado para uso personal. Pavón Sarrelangue explica amargamente el
destino del instrumento: "¿Mis aparatos?, bueno, el tiempo ha pasado y no
tienen más valor ahora, si acaso, que el de haber sido los precursores de la
música electrónica en México, si es que no existe algún otro ingeniero más
fracasado que yo, con instrumentos más antiguos. También representan una
industria más que murió sin haber nacido, por obra y gracia de nuestra apatía e
indiferencia tradicionales (se ofreció la fabricación a varios fabricantes de equipo
electrónico). Así, el teclado electrónico volvió a su mudez primitiva, ante las
voces potentes de Moog, Buchla, EMS... y todos los que a cada momento
irrumpen con nuevas ideas y con capitales y apoyo para su fabricación y
comercialización, que seguramente encontrarán una aceptación calurosa en
ambientes más progresistas que el nuestro" 35.

El Sintetizador moog de los 1960-70.

Robert Moog construyó su primer prototipo entre 1963 y 1964, y fue encargado
por Alwin Nikolais Dance Theater en Nueva York; 3637 mientras que Donald
Buchla fue comisionado por Morton Subotnick. 3839 Hasta finales de los años
sesenta y principios de los años setenta, el desarrollo de componentes de
estado sólido pequeños permitieron a los sintetizadores ser instrumentos
portátiles, como lo había propuesto Harald Bode en 1961. A inicios de la década
de los ochenta, las compañías estaban vendiendo versiones compactas y de
bajo precio de los sintetizadores para el público. Esto, junto con el desarrollo del
protocolo Musical Instrument Digital Interface (MIDI), hizo más fácil integrar y
sincronizar sintetizadores y otros instrumentos electrónicos para su uso en la
composición musical. En los noventa, los emuladores de sintetizadores
comenzaron a aparecer para computadoras, conocidos como sintetizadores de
software. Posteriormente, VST's y otros plugins eran capaces de emular el
hardware de sintetizadores clásicos hasta cierto punto.
El sintetizador tuvo un considerable efecto sobre la música del siglo XX.40 Micky
Dolenz de The Monkees compró uno de los primeros sintetizadores Moog. La
banda fue la primera en lanzar un álbum implementando el sintetizador Moog
con Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. en 1967,41 el cual llevó a ser
número uno en las listas. El álbum The In Sound From Way Out! de Perrey and
Kingsley usando el moog y cintas fue lanzado en 1966. Unos meses después,
los Rolling Stones con "2000 Light Years from Home" y la canción principal del
álbum "Strange Days" (1967) de The Doors también incluyeron un Moog, tocado
por Brian Jones y Paul Beaver respectivamente. En el mismo año, Bruce
Haack construyó un sintetizador casero que mostró en Mister Rogers
Neighborhood. El sintetizador incluía un sampler que grababa, almacenaba,
tocaba y repetía sonidos controlados por switches, sensores de luz y el contacto
con la piel humana. Switched-On Bach (1968) de Wendy Carlos, grabado
utilizando sintetizadores Moog, influenció a diferentes músicos de la época y es
una de las grabaciones más populares de música clásica,42 junto con los discos
de Isao Tomita (en particular Snowflakes are Dancing de 1974), quien al inicio
de la década de los setenta utilizó sintetizadores para crear nuevos sonidos
artificiales (en lugar de usar instrumentos reales).43 44El sonido del Moog alcanzó
el mercado masivo con "Bookends" (1968) de Simon and Garfunkel y "Abbey
Road" de The Beatles el siguiente año; cientos de grabaciones populares
siguientes utilizaron sintetizadores, frecuentemente el Minimoog. Los halcones
de música electrónica de Beaver and Krause, Tonto's Expanding Head
Band, The United States of America y White Noise llegaron a alcanzar una
considerable audiencia y músicos pertenecientes al género de rock
progresivo como Richard Wright de Pink Floyd y Rick
Wakeman de Yes comenzaron a utilizar los nuevos sintetizadores portátiles de
manera activa. Stevie Wonder y Herbie Hancock también contribuyeron a la
popularidad de los sintetizadores en la música afroamericana.4546 Entre los
primeros usuarios se encontraban a Keith Emerson de Emerson, Lake &
Palmer, Todd Rundgren, Pete Townshend y Vincent Crane de The Crazy World
of Arthur Brown. En Europa, el primer sencillo número uno y en incluir un Moog
de manera prominente fue Son of My Father (1972) de Chicory Tip.47

Teclados polifónicos y la revolución digital[editar]

Véanse también: #Patch, MIDI y Sintetizador de software.

Prophet-5 un sintetizador de finales de los años setenta y principios de los ochenta.

En 1978, el éxito del Prophet-5, un sintetizador polifónico con

un microprocesador controlado por teclado, ayudó a la adaptación de los
sintetizadores hacia un entorno más moderno, en comparación a las unidades
modulares y más enfocado a instrumentos con teclado pequeños.48 Este factor
ayudó a acelerar la integración de los sintetizadores en la música popular, un
cambio desde el Minimoog, y posteriormente ARP Odyssey.49 Los primeros
instrumentos electrónicos polifónicos de los setenta, comenzaron
como sintetizadores de cuerdas antes de avanzar a multi-sintetizadores
incorporando funciones monopólicas y más, gradualmente pasaron de moda por
nuevos modelos sintetizadores que permitían asignar notas.50 Estos
sintetizadores polifónicos fueron principalmente manufacturados en Estados
Unidos y Japón a mediados de los años setenta y principios de los años
ochenta, como Yamaha CS-80 (1976), Oberheim polyphonic y Oberheim OB-
X (1975 y 1979), Prophet-5 (1978), y Roland Jupiter-4 y Roland Jupiter 8 (1978 y
1981).
El Fairlight CMI de finales de los setenta y principios de los ochenta.

Para finales de los años setenta, los sintetizadores digitales y

los samplers llevaron al mercado mundial (y son vendidos hoy en día),note 15152
</ref> como resultado de una investigación y desarrollo.note 1 Comparados con
los sonidos de los sintetizadores analógicos, los amigos digitales producidos por
estos nuevos instrumentos tenían un número diferente de características: un
ataque más claro y sonidos definidos, con una calidad tonal con contenido
enarmónico, y un complejo control de la textura del sonido, entre otras. Mientras
que estos nuevos instrumentos eran costosos, estas características eran
adaptas por los músicos de manera rápida, especialmente en Reino Unido 51 y
en Estados Unidos. Esto llevó a una tendencia en relación a la producción
musical utilizando sonidos digitales y sentó las bases para el desarrollo de
instrumentos digitales de bajo coste populares en la siguiente década.
Instrumentos relativamente exitosos, cada uno vendiendo cientos de unidades
por serie, incluyendo el NED Synclavier (1977), Fairlight CMI (1979), E-mu
Emulator (1981) y PPG Wave (1981).note 1
Algunos de los primeros sintetizadores digitales y samplers digitales exitosos
introducidos a finales de los años setenta y a inicios de los ochenta (vendiendo
cada uno cientos de unidades por series) son:

 NED Synclavier (1977-1992) por New England Digital,

basado en la investigación de Dartmouth Digital
Synthesizer desde 1973.
 Fairlight CMI (1979-1988, más de 300 unidades)
en Sídney, basado en los primeros desarrollos
de Qasar M8 por Tony Furse en Canberra desde
1972.
 Yamaha GS-1, GS-2 (1980, alrededor de 100
unidades) y CE20, CE25 (1982) en Hamamatsu,
basado en la investigación de síntesis por modulación
de frecuencias por John Chowning entre 1967-1973 y
los primeros desarrollos del TRX-100 y Programmable
 Algorithm Music Synthesizer (PAMS)
por Yamaha entre 1973-1979. (Yamaha, 2014)
 E-mu Emulator (1981-2000s) en California, vagamente
basado en la noción de síntesis mediante tabla de
ondas visto en el lenguaje de programación MUSIC-
N en los sesenta.
 PPG Wave (1981-1987, alrededor de 1000 unidades)
en Hamburgo, basado en síntesis mediante tabla de
ondas previamente implementada en PPG
Wavecomputer 360, 340 y 380 en 1978.
La mayoría de los productos en esta lista aún se venden en el siglo XXI,
ej. Yamaha DX200 en 2001, E-mu Emulator X en 2009, Fairlight CMI 30A en
2011 y los productos de síntesis mediante tabla de ondas por Waldorf como
nuevas versiones de PPG Wave.
La historia de la síntesis aditiva también representa una importante
investigaciones en relación a la síntesis digital, que no está en la lista anterior
debido a la falta de éxito comercial; la mayoría de los productos en la lista
anterior, y aun el Vocaloid de Yamaha (EpR basado en síntesis de modelado
espectra) en 2003 fue influenciado por ella. </ref>51525354

El Yamaha DX7 de 1983.

En 1983, sin embargo, el revolucionario sintetizador digital DX7 de Yamaha 5556

predominó a través de la música popular, llevando a la adopción y el desarrollo
de sintetizadores digitales de varias maneras durante los ochenta y el rápido
decline de la tecnología de los sintetizadores analógicos. En 1987, la compañía
Roland lanzó el sintetizador Roland D-50, el cual combinaba la ya
existente síntesis mediante muestreadonote 2 y los efectos digitales incluidos,57
mientras que el popular Korg M1 (1988) precedió la era de los sintetizadores con
estación de trabajo, basado en muestras de sonidos ROM para componer
y secuenciar canciones completas, en lugar de la síntesis tradicional de sonido.58
La serie Clavia Nord Lead lanzada en 1995.

A lo largo de los noventa, la popularidad de la música dance empleando sonidos

analógicos, y la aparición de sintetizadores analógicos digitales para recrear
estos sonidos, y el desarrollo del sistema sintetizador modular Eurorack,
inicialmente introducido con el Doepfer A-100 y desde entonces adoptado por
otros fabricantes, todo contribuyó al resurgimiento del interés de la tecnología
análógica. La llegada del nuevo milenio vio nuevas mejoras en la tecnología que
llevaron a la popularidad de sintetizadores de software.59 En los 2010, nuevos
sintetizadores analógicos, incluyendo un teclado y en su forma modular, fueron
lanzados junto con instrumentos digitales.60

Impacto en la música popular[editar]

Durante los setenta, Jean Jacques Perrey, Jean Michel Jarre, Larry
Fast y Vangelis lanzaron álbumes exitosos donde los sintetizadores eran
prominentes. A través del tiempo, esto ayudó a influenciar el surgimiento
del synthpop, un subgénero de la música new wave, a finales de los setenta. El
trabajo de bandas de música electrónica alemanas como Kraftwerk (1970)
y Tangerine Dream, artistas británicos como Gary Numan y David Bowie y la
banda japonesa Yellow Magic Orchestra fueron una influencia para el desarrollo
del género.61 Los éxitos "Are 'Friends' Electric?" y "Cars" (1979) de Gary
Numan usaron en gran parte los sintetizadores.6263 "Enola Gay" (1980)
de OMD usó una distintiva percusión electrónica y una melodía sintetizada. Soft
Cell usó una melodía sintetizada en su éxito de 1981 "Tainted Love".61 Nick
Rhodes, teclista de Duran Duran, usó varios sintetizadores incluyendo el Roland
Jupiter-4 y Jupiter-8.64
Éxitos en las listas incluyen "Just Can't Get Enough" (1981) de Depeche Mode,61
"Don't You Want Me" de The Human League 65 y "Flashdance... What a Feeling"
(1983) de Giorgio Moroder para Irene Cara. Otros grupos notorios dentro del
synthpop son New Order, Visage, Japan, Ultravox,61 Spandau Ballet, Culture
Club, Eurythmics, Yazoo, Thompson Twins, A Flock of Seagulls, Heaven
17, Erasure, Soft Cell, Blancmange, Pet Shop Boys, Bronski
Beat, Kajagoogoo, ABC, Naked Eyes, Devo y los primeros materiales de Tears
for Fears y Talk Talk. Giorgio Moroder, Howard Jones, Kitaro, Stevie
Wonder, Peter Gabriel, Thomas Dolby, Kate Bush, Dónal
Lunny, Deadmau5, Frank Zappa y Grimes (cantante) también utilizaron
sintetizadores. El sintetizador se convirtió en uno de los instrumentos más
importantes de la industria de la música.61

Tipos de síntesis[editar]
La síntesis aditiva fue utilizada en instrumentos como el Telearmonio en 1900 y el órgano
Hammond en 1930

.
La síntesis aditiva construye sonidos a partir de la suma de ondas (que
usualmente están armónicamente relacionadas). Los primeros ejemplos
analógicos de síntesis aditiva están en el telearmonio y en el órgano Hammond.
Para implementar la síntesis aditiva en tiempo real, la síntesis mediante tabla de
ondas fue de gran ayuda debido a las limitaciones de hardware y capacidad de
procesamiento,66 es comúnmente implementada en instrumentos
sencillos MIDI (como teclados educativos) y tarjetas de sonido.

La síntesis substractiva aún es utilizada en varios sintetizadores, incluyendo

sintetizadores analógicos virtuales.

La síntesis substractiva está basada en la filtración de ondas con gran

contenido armónico. Debido a su simplicidad es la base de los primeros
sintetizadores como el sintetizador Moog. Los sintetizadores substractivos
emplean un modelado acústico simple que asume que un instrumento puede ser
aproximado mediante un generador de señal (produciendo ondas de
sierra, ondas cuadradas, etc.) seguido de un filtro. La combinación de
modulaciones simples (como modulación PWM o la sincronización de
osciladores), acompañados de filtros paso-bajos exagerados, son responsables
del sonido de los "sintetizadores clásicos" comúnmente asociados con la
"síntesis análógica"— un término comúnmente empleado de manera errónea
cuando se refiere al sintetizador de software utilizando síntesis substractiva.

La síntesis por modulación de frecuencias tuvo un gran éxito en los primeros

sintetizadores digitales.
La síntesis por modulación de frecuencias (también conocida como síntesis
FM) es un proceso el cual involucra por lo menos dos generadores de señal
(generadores de ondas sinusoidales, comúnmente nombrados como operadores
solo en los sintetizadores FM) para crear y modificar una voz. Usualmente, esto
se hace a través de la generación de una señal analógica o digital que modula
las características tonales o de amplitud de una señal principal. La síntesis FM
comenzó con John Chowning, quien patentó la idea y se la vendió a Yamaha. A
diferencia de la relación exponencial entre la amplitud, la frecuencia y las
múltiples formas de onda en los osciladores clásicos de un voltio por octava, la
síntesis creada por Chowning emplea una relación lineal entre el voltaje, la
frecuencia y los osciladores de ondas sinusoidales. La forma de onda compleja
resultante puede ser compuesta por varias frecuencias y no existe un
requerimiento de que éstas compartan una relación armónica. Sintetizadores FM
más sofisticados como la serie Yamaha DX-7 pueden tener seis operadores por
voz. ICONA algunos sintetizadores con FM incluso pueden tener filtros y
diferentes tipos de aplicadores variables para alterar las características de la
señal en una voz sónica que puede imitar instrumentos acústicos o crear
sonidos únicos. La síntesis FM es especial debido a sus características en la
recreación de sonidos percusivos como lo son campanas, timbales u otro tipo de
percusiones.
La síntesis mediante distorsión de fase es un método implementado en los
sintetizadores Casio CZ. Es similar a la síntesis FM pero evita infringir la patente
de Chowning sobre la misma. Puede ser categorizada como síntesis mediante
modulación (junto con la síntesis FM) y la síntesis por distorsión junto con la
síntesis por modelado de ondas y fórmulas de sumatoria discretas.
La síntesis granular es un tipo de síntesis basado en la manipulación de
pequeñas muestras de sonido.
La síntesis mediante modelado físico es la síntesis del sonido utilizando
ecuaciones y algoritmos para simular un instrumento real o alguna fuente física
de sonido. Esto involucra el modelado de componentes de objetos musicales y
crear sistemas que definan dicha acción, filtros, envolventes y otros parámetros
a través del tiempo. Varios de ellos pueden ser combinados, por ejemplo el
modelado de un violín con las características de una guitarra de acero y la
acción del martillo de un piano. Cuando un set de parámetros iniciales es
ejecutado a través de una simulación física, el sonido simulado es generado. Sin
embargo, el modelado físico no fue un nuevo concepto en la acústica y en la
síntesis de sonido hasta el desarrollo del algoritmo Karplus-Strong y el
incremento del poder de procesamiento digital de señales a finales de los años
ochenta cuyas implementaciones comerciales fueron asequibles. La calidad y la
velocidad del modelado físico en las computadoras mejora con mayor poder de
procesamiento.
La síntesis mediante muestras de sonido puede ser uno de los métodos más populares
hoy en día.

La síntesis mediante muestras de sonido involucra la grabación de un

instrumento real como una forma de onda digitalizada y reproducido a diferentes
velocidades (tonos) para producir diferentes tonos. Esta técnica hace referencia
al "sampling". La mayoría de los samplers designan una parte de la muestra
para cada componente de la envolvente ADSR, repitiendo esa sección mientras
cambia el volumen acorde a la envolvente. Esto permite a los samplers variar la
envolvente mientras se toca la misma nota. Ver también síntesis mediante tabla
de ondas y síntesis vectorial.
El análisis/resíntesis es una forma de síntesis que utiliza una serie de filtros o
transformadas de Fourier para analizar el contenido armónico de un sonido. Los
resultados son utilizados para "resintetizar" el sonido usando una serie de
osciladores. El vocoder, la codificación productiva línea y otras formas
de síntesis de habla están basadas en el análisis/resíntesis.
Essynth es un modelo matemático para síntesis de sonido interactiva basado en
la computación evolutiva y usa operadores genéticos funciones ajustadas para
crear el sonido.
Síntesis imitativa[editar]
La síntesis de sonido puede ser usada para imitar fuentes sonoras acústicas.
Generalmente, un sonido que no cambia a través del tiempo incluye
una frecuencia fundamental o armónica y cualquier número de parciales. La
síntesis puede intentar imitar la amplitud y el tono de los parciales de una fuente
sonora acústica.
Cuando los sonidos naturales son analizados en el dominio de la
frecuencia (como un espectrograma), el espectro de frecuencias de sus sonidos
exhibe picos de amplitud en cada serie armónica respecto a una fundamental
correspondiente a las propiedades de resonancia de los instrumentos (los picos
dentro del espectrograma también son conocidos como formantes). Algunos
armónicos pueden tener mayores amplitudes que otros. Los armónicos en
relación a su amplitud se conocen como contenido armónico. Un sonido
sintetizado requiere una reproducción precisa del sonido original tanto en el
dominio de la frecuencia como del tiempo. Un sonido no necesariamente tiene el
mismo contenido armónico a través de su duración. Normalmente, los armónicos
en frecuencias agudas decaen de manera más rápida en comparación a los
armónicos en frecuencias bajas.
En la mayoría de los sintetizadores, para propósitos de re-síntesis, grabaciones
de instrumentos reales están integradas con diferentes componentes
representando las respuestas acústicas de diferentes partes del instrumento, los
sonidos reproducídos por el instrumento durante las diferentes partes de la
presentación o el comportamiento del instrumento bajo diferentes condiciones de
ejecución (tono, intensidad, rasgueo, etc.).

Minimoog bass

Funkorama (MacLeod,
{{{imagen Kevin) (ISRC
USUAN1100474).oga

MENÚ
0:00
A 1970s- Un ejemplo de funk - estilo
era minimoog}}} grooving synth bass por Kevin
MacLeo

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Componentes[editar]
Royalty Free Music : Funk – incompetech (mp3d). Kevin MacLeod
(incompetech.com).
Componentes básicos de un sintetizador analógico substractivo
Los sintetizadores generan sonido a través de técnicas analógicas y digitales.
Los primeros sintetizadores poseían un hardware analógico pero los
sintetizadores modernos utilizan una combinación de software
para procesamiento digital de señales y hardware o solamente software. Los
sintetizadores digitales comúnmente emulan los diseños clásicos de
sintetizadores analógicos. El sonido es controlable mediante un operador a
través de circuitos o etapas virtuales como:

 Osciladores electrónicos – crean sonidos con

un timbre que dependen de la forma de
onda generada. Voltage-controlled oscillators (VCO) Y
osciladores digitales pueden ser implementados. Los
sonidos resultantes de la síntesis aditiva armónica
de ondas sinusoidales puras, tienen relación hasta
cierto punto con los órganos, mientras que la síntesis
por "modulación de frecuencia" y la "distorsión
mediante fase" usan un oscilador para modular otro.
La síntesis substractiva depende de infiltrar un
oscilador con gran contenido armónico. La síntesis
mediante muestras de sonido y la síntesis
granular utilizan uno o más sonidos grabados en
lugar de un oscilador.
 Voltage-controlled filter (VCF) – "moldean" el sonido
generado por los osciladores en el dominio de la
frecuencia, usualmente bajo el control de una
envolvente o un LFO. Estos son esenciales para la
síntesis substractiva.
 Voltage-controlled amplifier (VCA) – después de
que la señal es generada por uno (o varios) VCOs, ha
sido modificada por los filtros, LFOs, su forma de
onda y ha sido modelada a través de un generador
ADSR de envolventes, pasa por uno o más
amplificadores controlados por voltaje (VCA). Un VCA
es un preamplificador que incrementa la energía de la
señal electrónica antes de llegar a un amplificador
 integrado o externo, controlando la amplitud (volumen)
usando un atenuador. La ganancia de un VCA se ve
afectado por un control de voltaje (CV) que proviene
de un generador de envolventes, un LFO, el teclado o
cualquier otra fuente.67
 Envolventes ADSR - proveen una modulación
envolvente a la forma del volumen o el contenido
armónico de la nota producida en el dominio del
tiempo con los parámetros attack (ataque), decay
(decaimiento), sustain y release. Estos son usados en
la mayoría de la síntesis. El control ADSR es
producido por "generadores de envolventes".
 Low frequency oscillator (LFO) – es un oscilador
con frecuencia ajustable que puede ser usado para
modular el sonido de manera rítmica, por ejemplo para
crear un tremolo o vibrato o controlar la frecuencia en
la que un filtro afecta la señal. Los LFO son usados en
varios de los tipos de síntesis.
 Otros otros procesadores de efectos
como modulación en anillo pueden ser encontrados.
Filtro[editar]

Varios modos de filtración acústica.

Los filtros electrónicos son particularmente importantes en la síntesis

substractiva siendo diseñados para filtrar regiones de frecuencias mientras otras
se encuentran atenuadas (sustraídas). El filtro paso bajo es comúnmente usado
pero la filtración por bandas y los filtros paso alto algunas veces se encuentran
disponibles.
El filtro puede ser controlado por una segunda envolvente ADSR. Un parámetro
de "modulación de envolvente" en varios sintetizadores que incluyen
envolventes con filtros determina qué tanto la envolvente afecta al filtro. Si no
son utilizados, el filtro produce un sonido pleno sin ninguna envolvente. Cuando
la envolvente está encendida se vuelve más notoria, expandiendo el rango
mínimo y máximo del filtro.
Envolvente ADSR[editar]
Diagrama de una envolvente ADSR

Attack Decay Sustain Release

Key on off

Una envolvente ADSR invertida

Cuando un instrumento musical acústico produce un sonido, el volumen y el

contenido espectral de dicho sonido cambia a través del tiempo de maneras que
varían de instrumento a instrumento. El "attack" (ataque) y "decay" (decaimiento)
de un sonido tienen un gran efecto sobre las cualidades sonoras de un
instrumento.68 Las técnicas de síntesis de sonido comúnmente emplean un
"generador de envolventes" que controla los parámetros del sonido en diferentes
puntos de su duración. Se la emplea en la llamada envolvente ADSR (Attack
Decay Sustain Release), la cual puede ser aplicada al control de la amplitud,
como filtro de frecuencias, etc. La envolvente puede ser un circuito discreto o un
módulo que está implementado en un software. El comportamiento de una
envolvente de ADSR está especificado a través de cuatro parámetros:

 Attack time (tiempo de ataque): es el tiempo que le

toma ir de un valor inicial a un valor pico. Comienza
cuando la tecla es presionada.
 Decay time (tiempo de decaimiento): es el tiempo,
posterior al ataque, que le toma llegar a un nivel
determinado de sustain.
 Sustain level (tiempo de sostenimiento): es el nivel
que mantiene la secuencia del sonido durante el
tiempo que dure el mismo hasta que la tecla se deja
de presionar.
 Release time (tiempo de liberación): es el tiempo que
le toma decaer al sonido, después del sustain, a un
 nivel igual a cero después de que la tecla se dejó de
presionar.
Una de las primeras implementaciones del ADSR se encuentra en el órgano
Hammond Novachord en 1938 (el cual antecede al sintetizador moog por 25
años). Una perilla de siete posiciones controla el parámetro ADS para las 72
notas y un pedal controla el tiempo de release.16 La noción del ADSR fue
especificada por Vladimir Ussachevsky (en ese entonces director del Columbia-
Princeton Electronic Music Center) en 1965 mientras se sugerían mejoras para
el trabajo de Bob Moog en los sintetizadores, sin embargo, las notaciones de
este parámetro fueron (T1, T2, Esus, T3) y posteriormente fueron simplificadas a la
forma actual (Attack time, Decay time, Sustain level, Release time) por ARP
Instruments.69
Algunos instrumentos electrónicos permiten que la envolvente de ADSR sea
invertida, dando como resultado un comportamiento opuesto al de la envolvente
ADSR normal. Durante la fase de ataque, el parámetro de modulación del sonido
va de un valor máximo de amplitud a cero y durante la fase de decaimiento
incrementa a un valor especificado por el parámetro de sustain. Después de que
la tecla tocada, ha sido liberada, el parámetro de sonido incrementa desde la
amplitud del sustain hasta un amplitud máxima.

una envolvente de ocho pasos en los Casio CZ.

Una variación común del ADSR en algunos sintetizadores, como el Korg MS-20,
fue el ADSHR (attack, decay, sustain, hold, release). Agregando el parámetro
"hold", el sistema permite que las notas se mantengan a un nivel de sustain por
un período de tiempo determinado antes de decaer. El circuito integrado General
Instruments AY-3-8912 incluía un parámetro de "hold"; el nivel de sustain no era
programable. Otra variación común es la envolvente AHDSR (attack, hold,
decay, sustain, release), en la cual el parámetro "hold" controla qué tanto la
envolvente estará en un volumen máximo antes de llegar a la fase de
decaimiento. Parámetros de attack, decay y release múltiples pueden ser
encontrados en modelos más sofisticados.
Algunos sintetizadores permiten un parámetro de delay antes del attack,
sintetizadores modernos como el Prophet '08 de Dave Smith Instruments tienen
envolventes DADSR delay, attack, decay, sustain, release). El parámetro de
delay determina duración del silencio al momento tocar una nota y con su
ataque. Algunos sintetizadores de software como el 3xOSC de Image-Line
(incluida en su DAW FL Studio) tienen envolventes DAHDSR (delay, attack,
hold, decay, sustain, release).

Sección LFO del Access Virus C

LFO[editar]
Artículo principal: Low-frequency oscillation
Un low-frequency oscillation (LFO) genera una señal eléctrica, usualmente por
debajo de los 20 Hz. Las señales LFO crean una señal de control periódico o
barrido, comúnmente usado para vibrato, tremolo y otros efectos. En ciertos
géneros de música distónica, la señal LFO puede controlar el corte de frecuencia
de un VCF para recrear un sonido wah-wah rítmico o un wobble bass en
el dubstep.

Patch[editar]

Una de las primeras memorias de patch (esquina inferior izquierda) en el Oberheim Four-
voice (1975/1976)

El "patch" (bahía de parcheo) de un sintetizador (algunos fabricantes utilizan el

término programa) es una configuración del sonido. Los sintetizadores
Moog utilizan cables ("patch cords") para conectar los diferentes módulos de
sonido. Debido a que estas máquinas no tenían una memoria para guardar las
configuraciones, los músicos anotaban las localizaciones de los cables
conectados y las posiciones de las perillas en una hoja (la cual usualmente
mostraba un diagrama del sintetizador). Desde entonces, cualquier configuración
de cualquier tipo de sintetizador se le conoce como patch.
A finales de los años setenta, una memoria de patch (permitiendo guardar y
cargar los "patch" o "programas") comenzó a aparecer en los sintetizadores
como Oberheim Four-voice (1975/1976),70 Model 700 Programmer (1977)
de Sequential Circuits y Prophet-5 (1977/1978). Después de que el MIDI fuera
introducido en 1983, surgieron más sintetizadores que podían importar o
exportar patches a través de los comandos MIDI SYSEX. Cuando el patch de un
sintetizador es cargado en una computadora que tiene software de edición del
patch instalado, el usuario puede modificar los parámetros del patch y
descargarlos nuevamente al sintetizador. Debido a que no existe un lenguaje
estándar de los patch es raro que el patch generado con un sintetizador pueda
funcionar en otro diferente modelo. Sin embargo, algunos fabricantes han
diseñado una familia de sintetizadores que son compatibles.

Interfaces de control[editar]

Una interface sin contacto (AirFX)

Una interface tangible (Reactable)

Perillas de pitch y modulacion con touchpad

Drum pad

Una interface con estilo de guitarra (SynthAxe)

Lo sintetizadores modernos usualmente tienen una apariencia de pianos

pequeños, algunos con perillas y botones adicionales. Estos son controles
integrados, donde la electrónica para la síntesis de sonido está integrada dentro
del mismo controlador. Sin embargo, varios de los primeros sintetizadores eran
modulares y carecían de teclado a diferencia de los sintetizadores modernos que
pueden ser controlados a través de MIDI, permitiendo otros tipos de ejecución
como:

 Fingerboards (controladores de listón) y touchpads

 Instrumentos electrónicos de viento
 Interfaces con estilo de guitarra
 Drum pads
 Secuenciadores
 Interfaces sin contacto como theremines
 Interfaces tangibles como la Reactable, AudioCubes
 Varios dispositivos auxiliares de entrada como: perillas
para pitch y modulación, pedales de expresión y
sustain, controles de respiración y detectores de luz,
etc.
Fingerboard[editar]

Izquierda: Ondes Martenot (6G en 1960)

Derecha: Mixture Trautonium (replica de 1952)

Fingerboard
en un monotron Korg
Controlador de liston
en Moog 3P (1972)

Un controlador de listón o cualquier interface parecida al violín puede ser

usada para controlar los parámetros de un sintetizador. La idea surge del
concepto de Léon Theremin en 1992,71 su Fingerboard Theremin y el teclado
Theremin,7273 Ondes Martenot (1928) de Maurice Martenot (un anillo de metal
que se desliza),74 Trautonium (1929) de Friedrich Trautwein (táctil) y después
fue utilizado por Robert Moog.757677El controlador de listón tiene partes que se
mueven, en lugar de eso, un dedo presiona el listón y se mueve a través de el
creando un contacto eléctrico en algún punto de la delegada y flexible banda
cuyo potencial eléctrico varia de punta a punta. Los antiguos fingerboards
usaban un largo cable que presionaba una placa con cierta resistencia. Un
controlador de listón es similar a un touchpad, pero el controlador de listón solo
registra el movimiento lineal. Aunque puede ser utilizado para operar cualquier
parámetro que se vea afectado por el control de voltaje, un controlador de listón
es comúnmente asociado con el pitch bending.
Algunos instrumentos que se controlan con Fingerboard son
el Trautonium (1929), el Hellertion (1929), el Heliophon (1936),787980 el Electro-
Theremin (Tannerin, finales de los cincuenta), Persefono (2004), y
el Swarmatron (2004).
Un controlador de listón es usado de manera adicional como un controlador en
el Yamaha CS-80 y el CS-60, el Korg Prophecy y la serie Korg Trinity, los
sintetizadores Kurzweil, el sintetizador Moog, entre otros.
El músico de rock Keith Emerson solo el sintetizador modular Moog desde 1970.
A finales de los años ochenta, los teclados en el laboratorio de síntesis de
Berklee College of Music estaban equipados con controladores de listón
formados por una membrana delgada que generaba valores MIDI. Funcionaban
como controladores MIDI, con su lenguaje de programación impreso en la
superficie, como herramientas de ejecución o expresión. Diseñados por Jeff
Tripp of Perfect Fretworks Co. eran conocidos como Tripp Strips. Dichos
controladores de listón serían como un controlador principal de MIDI en lugar del
teclado como un Continuum.
Controladores mediante aliento[editar]

Controlador de viento
Acordeón sintetizador

Artículo principal: Instrumento electrónico de viento

Los instrumentos electrónicos de viento (y los sintetizadores de viento)
sondeando actividad para los ejecutantes de alientos, debido a que están
diseñados para evitar instrumentos de viento. Usualmente pueden ser
analógicos o controladores MIDI y en algunas ocasiones pueden incluir sus
propios módulos de sonido (sintetizadores). Además de seguir arreglos y
pulsaciones, los controladores tienen transductores que detectan cambios de
presión a través del aliento, sensores de velocidad y de mordida. Algunos
controladores parecidos al saxofón incluyen el Lyricon y productos de Yamaha,
Akai, Casio. Las piezas van desde clarinetes a saxofones. El Eigenharp, un
controlador similar al fagot, fue lanzado por Eigenlabs en 2009. Controladores
parecidos a la melódica incluyen a la Martinetta (1975),81 el Variophon (1980),82
el Variophon (1980),82 y el Korg Pepe creado por Joseph Zawinul.83 Una
interface parecida a la armónica fue el Millionizer 2000 (1983).84
Entre los controladores similares a las trompetas podemos encontrar productos
de Steiner/Crumar/Akai y Yamaha. Controladores de aliento también pueden ser
empleados para controlar así señores convencionales, por ejemplo Crumar
Steiner Masters Touch,85 Yamaha Breath Controller and compatible products.86
Yamaha Breath Controller y productos compatibles.86
Controladores de acordeón usan los cambios de presión en los transductores
para articular.
Otros[editar]

Ondes Martenot

Theremin
Vocoder

Se puede mencionar otros controladores como: el Theremin, los botones (touche

d’intensité en el Ondes Martenot y varios tipos de pedaleros. Sistemas basados
en envolventes, siendo el más sofisticado el vocoder, son controlados por la
energía o la amplitud de una señal de audio. El Talk box permite al sonido ser
manipulado utilizando una voz, aunque es raro que sea categorizado como un
sintetizador.
Control MIDI[editar]
Artículo principal: Musical Instrument Digital Interface
Los sintetizadores se volvieron fáciles de integrar y sincronizar con otros
instrumentos electrónicos y controlados con la introducción del Musical
Instrument Digital Interface (MIDI) en 1983.87 Propuesto por primera vez en 1981
por el ingeniero Dave Smith de Sequential Circuits, el estándar MIDI fue
desarrollado por un consorcio ahora conocido como MIDI Manufacturers
Association.88 MIDI es una interface serial optoacoplada y un protocolo de
comunicaciones.88 Permite la transmisión de información de un dispositivo o
instrumento a otro en tiempo real. Esta información incluye eventos, comandos
para la selección de ajustes predefinidos de instrumentos (por ejemplo sonidos,
programas o patches previamente guardados en la memoria del instrumento), el
control de parámetros de ejecución como el volumen y niveles de efectos, así
como la sincronización, el control del transporte y otros tipos de datos. Las
interfaces MIDI hoy en día son ubicuas en el equipo musical y son disponibles
comúnmente en computadoras personales (PC's).88
El estándar software General MIDI (GM) fue concebido en 1991 para servir
como un camino consistente para describir un set de más de 200 sonidos
(incluyendo percusiones) disponibles en las PC para playback o partituras
musicales.89 Por primera vez, un preset MIDI dado consistente en un sonido
instrumental específico en cualquier dispositivo GM compatible. El
formato Archivo MIDI Estándar (SMF) (extensión .mid ) combinado con los
eventos MIDI con tiempos delta - una forma de marcar el tiempo- se convirtió en
una forma popular estándar para compartir partituras musicales entre
computadoras- En el caso de la reproducción de SMF usando los sintetizadores
integrados (como las computadoras o celulares), el componente de hardware del
diseño de la interface MIDI es frecuentemente innecesario.
OpenSound Control (OSC) es otra especificación de datos musicales diseñada
para su uso en línea. En contraste con el MIDI, el OSC permite a cientos de
sintetizadores o computadoras compartir música.

Roles típicos[editar]
Synth lead

George Duke

Jordan Rudess

Synth lead[editar]
En la música popular, un synth lead es generalmente usado para tocar la
melodía principal de un canción, pero también es utilizado para crear efectos
ritmos o de bajo. Aunque se puede escuchar comúnmente en la música dance,
los synth leads han sido utilizados extensivamente en el hip-hop desde los
ochenta y en canciones de rock de los setenta. La mayoría de la música
moderna emplea los synth leads en los hooks de las canciones para provocar en
el escuchante mayor interés a través de la canción.
Synth pad[editar]
Un synth pad es un acorde sostenido o un tono generado por un sintetizador,
comúnmente es empleado para crear una armonía de fondo o una atmósfera de
la misma manera en la que una sección de cuerdas es comúnmente usada en la
música acústica. Normalmente un synth pad toca varios tonos o semitonos,
algunas veces la misma nota de la voz principal o la frase musical completa.
Comúnmente los sonidos para los synth pads tienen un timbre parecido a los
órganos, cuerdas o voces. En gran parte de la música popular de los ochenta se
emplearon los synth pads, siendo el inicio de los sintetizadores polifónicos, así
como nuevos estilos de smooth jazz y música new age. Una de las canciones
más conocidas de la época que incorporaba un synth pad es "West End Girls"
por Pet Shop Boys, conocidos por ser usuarios de la técnica.
La característica principal de un synth pad es su largo ataque y tiempo de
decaimiento con sustains extendidos. En algunos casos la modulación por ancho
de pulsos (PWM) usando un oscilador de ondas cuadradas puede ser utilizado
para dar un efecto de sonido "vibrante".
Synth bass[editar]
El "sintetizador de bajos" (o "bajo sintetizado") es utilizado para crear sonidos en
el rango del bajo a partir de simulaciones de un bajo eléctrico o contrabajo a
sonidos distorsionados, generados y combinados con diferentes frecuencias.
Los patch de bajo sintetizado pueden incorporar un rango de sonidos y tonos
que incluyen el estilo de la síntesis mediante tablas de ondas y análoga, sonidos
generados a partir de frecuencia modulada, efectos de delay, efectos de
distorsión o filtros con envolventes. Los sintetizadores digitales modernos
emplean un microprocesador con un sintetizador de frecuencias para generar
señales de diferentes frecuencias. Mientras que la mayoría de los sintetizadores
de bajos son controlados por teclados electrónicos o pedales, algunos
ejecutantes deciden emplear bajos eléctricos con una interface MIDI para activar
el sintetizador de bajos.
Durante finales de los años setenta versiones miniaturizadas de componentes
de estado sólido permitieron que los instrumentos comenzaran a ser portátiles
como el Moog Taurus, un teclado de 13 notas que podía ser tocado con los pies.
El Moog Taurus fue utilizado en presentaciones en vivo dentro de los géneros
pop, rock y blues. Uno de los primeros usos de los sintetizadores de bajos puede
ser escuchado en álbum solista de John Entwistle (bajista de The Who)
titulado Whistle Rymes (1972). Mike Rutherford bajista de la
banda Genesis utilizó un "Mister Bassman" para la grabación del álbum Nursery
Cryme en agosto de 1971. Stevie Wonder introdujo los sintetizadores de bajos a
una mayor audiencia a principios de los años setenta, de manera más notable
con "Superstition" (1972) y "Boogie On Reggae Woman" (1974). En 1977 la
banda de funk Parliament con la canción Flash Light utilizó un sintetizador de
bajos. Lou Reed, considerado como un pionero de las texturas generadas por
la guitarra eléctrica, utilizó un sintetizador de bajos en la canción "Families"
(1979) de su álbum The Bells.
Cuando los secuenciadores estuvieron disponibles en los ochenta (como
el Synclavier), los sintetizadores de bajos solían ser usados para crear líneas de
bajo con ritmos sincopados y complejos y rápidas. Los patches de los
sintetizadores de bajos incorporaron un rango de sonidos y tonos, incluyendo la
síntesis mediante tabla de ondas y análógica, sonidos generados a partir de
frecuencia modulada, efectos de delay, efectos de distorsión o filtros con
envolventes. Una influencia particular del sintetizador de bajos fue el Roland TB-
303 seguido del Firstman SQ-01. Lanzado a finales de 1981, incluía un
secuenciador y posteriormente estaría asociado a la música acid house. Este
método adquirió popularidad después de que Phuture lo utilizó en el sencillo
"Acid Tracks" en 1987.90
Durante los 2000, varios fabricantes como BOSS y Akai produjeron pedales de
efectos de sintetizadores de bajo para bajos eléctricos, los cuales simulaban el
sonidos de un sintetizador de bajos analógico o digital. Con estos dispositivos,
un bajista podía utilizar el sintetizador para generar nuevos sonidos. El BOSS
SYB-3 fue uno de los primeros pedales que emulaban un sintetizador de bajos
analógicos a través del procesamiento digital de señal de una onda dientes de
sierra, cuadratura o de pulso además de un filtro ajustable. El pedal sintetizador
de bajos Akai utiliza cuatro osciladores con parámetros de (attack, decay,
envelope depth, dynamics, cutoff y resonance). Los software de sintetizador de
bajos permiten utilizar MIDI para integrar los sonidos del bajo con otros
sintetizadores o cajas de ritmo. Los sintetizadores de bajo usualmente incluyen
samples de bajos de los setenta y ochenta. Algunos sintetizadores están
construidos como pedaleros.
Arpegiador[editar]
Véanse también: Órgano eléctrico y Secuenciador.
Un arpegiador es una característica disponible en varios sintetizadores que
automáticamente reproduce tonos en una secuencia determinada a partir de
un acorde y por ende genera un acorde. Las notas normalmente pueden ser
transmitidas a través de un secuenciador MIDI para su grabación y posterior
edición. Un arpegiador puede tener controles para la velocidad, el rango y el
orden en el que se reproducen las notas; ascendente, descendente o en un
orden aleatorio. Arpegiadores más avanzados permiten al usuario reproducir
secuencias complejas pre-programadas de notas o tocar varios arpegios a la
vez. Algunos permiten mantener un patrón después de haber presionado las
teclas: de esta manera, la secuencia del arpegio puede desarrollarse a través de
tiempo presionando diferentes teclas, una después de otra. Los arregladores
también son comúnmente encontrados secuenciadores de software. Algunos
arpegiadores/secuenciadores tienen funciones expandidas como un
secuenciador de frases, el cual permite al usuario disparar múltiples y complejos
conjuntos de información secuenciada desde un teclado o un dispositivo de
entrada, normalmente sincronizados al tiempo de un reloj maestro.
Los arregladores han crecido desde los sistemas de acompañamiento de
los órganos eléctricos a mediados de los sesenta y setenta,91 y
posiblemente secuenciadores de hardware a mediados de los sesenta, como el
secuanciador analógico de 8/16 pasos en los sintetizadores modulares (la serie
Buchla 100 (1964/1966)). También fueron adaptados a instrumentos de teclado
a finales de los setenta y principios de los ochenta. Ejemplos los podemos
encontrar en el RMI Harmonic Synthesizer (1974),92 Roland Jupiter 8, Oberheim
OB-8, Roland SH-101, Sequential Circuits Six-Trak y Korg Polysix. Un famoso
ejemplo puede ser escuchado en la canción Rio de Duran Duran, en la cual el
arpegiador de un Roland Jupiter-4 se escucha tocando un acorde de Do menor
en modo aleatorio. Su fama disminuyó a finales de los ochenta y principios de
los noventa y estuvieron ausentes en los sintetizadores más populares de la
época, pero el resurgimiento de los sintetizadores analógicos durante los
noventa y el uso de arpegios rápidos en varias canciones de dance, los trajo de
vuelta.

Véase también[editar]
 Theremín
 Violín
 Otamatone

Notas[editar]
1. ↑ Saltar a:a b c List of commercially successful early
digital synthesizers and digital samplers introduced
during the late-1970s and early-1980s, each sold over
several hundred of units per series:
 NED Synclavier (1977–1992) by New England
Digital, based on the research of Dartmouth Digital
Synthesizer since 1973.
Note: Several sources point out that FM
synthesis of Synclavier was licensed from Yamaha,
who was an exclusively licensed from the original
inventor, John Chowning.
 Fairlight CMI (1979–1988, over 300 units)
in Sydney, based on the early developments
of Qasar M8 by Tony Furse in Canberra since 1972.
 Yamaha GS-1, GS-2 (1980, around 100 units)
and CE20, CE25 (1982) in Hamamatsu, based on
research into frequency modulation
synthesis by John Chowning between 1967–1973,
and early developments of TRX-
100 and Programmable Algorithm Music
Synthesizer (PAMS) by Yamaha between 1973–
1979.(Yamaha, 2014)
 E-mu Emulator (1981-2000s) in California, roughly
based on a notion of table-lookup oscillator seen on
the MUSIC language in 1960s
  PPG Wave (1981–1987, around 1,000 units)
in Hamburg, based on wavetable
synthesis previously implemented on PPG
Wavecomputer 360, 340 and 380 circa 1978.

etc. Most products listed above are still sold in the 21st
century, e.g. Yamaha DX200 in 2001, E-mu Emulator
X in 2009, Fairlight CMI 30A in 2011,
and Waldorf's wavetable synthesis products as the
reincarnations of PPG Wave.
In addition, the long history of additive synthesis is
notable for providing fundamental research that
underlies the technology used in various forms of digital
synthesis, but is not listed above due to the lack of
commercially successful products. Additive synthesis
has influenced most products in list above, and even
the Yamaha Vocaloid released in 2003 (Excitation plus
Resonance (EpR), which is based on Spectral modeling
synthesis (SMS)).

2. ↑ La síntesis mediante muestreado fue previamente

introducida por E-mu Emulator II en 1984, Ensoniq
Mirage en 1985, Ensoniq ESQ-1 y Korg DSS-1 en
1986.

Referencias[editar]
1. ↑ «Patent US173618: Improvement in electro-harmonic
telegraphs» (en inglés). United States Patent Office.
Consultado el 28 de marzo de 2016.
2. ↑ «Elisha Gray and "The Musical
Telegraph"(1876)», 120 Years of Electronic Music,
2005, archivado desde el original el 22 de febrero de
2009, consultado el 1 de agosto de 2011
3. ↑ Chadabe, Joel (1 de febrero de 2001), The Electronic
Century Part I: Beginnings, Electronic Musician, pp. 74-
90
4. ↑ «The Palatin Project-The life and work of Elisha
Gray». Palatin Project.
5. ↑ Brown, Jeremy K. (2010). Stevie Wonder: Musician.
Infobase Publishing. p. 50. ISBN 978-1-4381-3422-2.
6. ↑ US patent 580,035, Thaddeus Cahill, "Art of and
apparatus for generating and distributing msic
electrically", issued 1897-04-06
7. ↑ Millard, Max (octubre de 1993). «Lee de Forest, Class
of 1893:Father of the Electronics Age». Northfield
Mount Hermon Alumni Magazine.
8. ↑ «The Audion Piano (1915)». 120 Years of Electronic
Music. Archivado desde el original el 2 de marzo de
2012.
9. ↑ Glinsky, Albert (2000), Theremin: Ether Music and
Espionage, Urbana, Illinois: University of Illinois Press,
p. 26, ISBN 0-252-02582-2
10. ↑ Edmunds, Neil (2004), Soviet Music and Society
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11. ↑ Holzer, Derek (febrero de 2010), Tonewheels – a brief
history of optical synthesis, Umatic.nl
12. ↑ Kreichi, Stanislav (10 de noviembre de 1997), The
ANS Synthesizer: Composing on a Photoelectronic
Instrument, Theremin Center, «Despite the apparent
simplicity of his idea of reconstructing a sound from its
visible image, the technical realization of the ANS as a
musical instrument did not occur until 20 years later. /
Murzin was an engineer who worked in areas unrelated
to music, and the development of the ANS synthesizer
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Subotnick (with Ramon Sender) commissioned Donald
Buchla to design what became the Buchla Box, his goal
was an artist-friendly compositional tool that didn’t
depend upon recorded sound. ... The process of its
development by Don Buchla, initially a spinning light
wheel to create waveforms and then a modular system
with integrated circuits, is described in the Spring 2012
issue of Computer Music Journal. ... The Buchla
prototype was ready for the 1964-1965 season, but was
little used prior to Subotnick’s departure for New York in
1966. His theater piece Play 4 (1966) was the only work
for the Buchla that Subotnick completed in San
Francisco.»
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set up, the client list started to grow. ... as the total
number of CMIs and Series II / IIxs comes to about 300
(of which only about 50 made it to the UK).» (Note:
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electrónicos de Léon Theremin utilizados por su
orquesta eléctrica en su primera presentación en
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el Fingerboard Theremin, el teclado Theremin con un
controlador fingerboard y el Terpsitone (un instrumento
en el que un bailarín podría interpretar música a través
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Lectura adicional[editar]
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Germany, Bremen: Wizoobooks. ISBN 978-3-934903-
48-7.
 Schmitz, Reinhard (2005). Analog Synthesis.
Germany, Bremen: Wizoobooks. ISBN 978-3-934903-
01-2.
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Electronic Music: Throbbing Words on Sound. ISBN 1-
891024-06-X.

Enlaces externos[editar]
  Wikcionario tiene definiciones y otra información
sobre sintetizador.
 Wikimedia Commons alberga una categoría
multimedia sobre Sintetizador.
 Sound Synthesis Theory wikibook
 Principles of Sound Synthesis en la Universidad de
Salford
 Varios sintetizadores virtuales gratuitos VST y Audio
Units para PC y Mac.
 Sintetizador virtual ofrecido por google en el 78
aniversario del nacimiento de Robert Moog.

 Proyectos Wikimedia
 Datos: Q163829
 Multimedia: Synthesizers

 Identificadores
e
s  GND: 4124279-8
 LCCN: sh85131654
 NDL: 00940402
 AAT: 300042579

 Diccionarios y enciclopedias
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Theremín
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Theremín

Theremín moderno

Características

Clasificación Instrumento electrónico

Electrófono

Instrumentos Ondas
relacionados Martenot, sintetizador, otamatone

Inventor Léon Theremin

Desarrollado 1920

[editar datos en Wikidata]

 El theremín, originalmente conocido como eterófono, thereminófono,
termenvox o thereminvox, es uno de los primeros instrumentos musicales
electrónicos que se controla sin necesidad de contacto físico del intérprete o
thereminista con el instrumento. Su nombre deriva de la versión occidentalizada
del nombre de su inventor ruso Léon Theremin (Термен), que lo desarrolló en
1920 y lo patentó en 1928.
El instrumento está formado por dos antenas metálicas que detectan la posición
relativa de las manos del thereminista y los osciladores para controlar
la frecuencia con una mano y la amplitud (volumen) con la otra. Las señales
eléctricas del theremin se amplifican y se envían a un altavoz.
El theremín se ha utilizado en temas para programas de televisión como
la serie de ITV Los asesinatos de Midsomer. Esto ha llevado a su asociación con
situaciones inquietantes. Asimismo, este instrumento se emplea en música
clásica, especialmente en música experimental y en música clásica
contemporánea de los siglos XX y XXI; así como en géneros de música
popular como el rock.

Índice

 1Historia
 2Descripción
o 2.1Timbre
o 2.2Explicación técnica
 3Usos
o 3.1Música de cine y televisión
o 3.2Música popular urbana
 4Intérpretes notables
 5Véase también
 6Referencias
 7Enlaces externos

Historia[editar]
Léon Theremin era un músico chelista aficionado de San Petersburgo. En 1918,
tras la Revolución estaba desarrollando un aparato electrónico destinado a medir
la densidad de los gases, cuando se percató que el sonido que producía variaba
según la posición de su mano.
En marzo de 1922, después de obtener varias críticas positivas en algunas
conferencias de electrónica de Moscú, Léon Theremin presentó su instrumento
a Lenin, presidente de la naciente Unión Soviética. Lenin quedó impresionado
por el instrumento musical e incluso se inició en su aprendizaje. Se inició la
fabricación de 600 instrumentos para su distribución en toda la Unión Soviética,
y envió al propio Léon Theremin a un viaje alrededor del mundo para demostrar
la última tecnología soviética y la invención de la música electrónica. Después
de una larga gira por Europa, Theremin llegó a los EE. UU., donde patentó su
invención en 1928.
Esta primera versión del theremín estaba constituido por un oscilador basado en
un tubo a electrónico y dos antenas, todo ello dentro de una caja de madera.
Una de las antenas salía del costado y la otro por la parte superior. La del
costado, posicionada de forma horizontal, controlaba la amplitud (volumen) de la
onda generada, mientras que la que salía de la parte superior y estaba en
vertical, controlaba la frecuencia (tono).1
En EE. UU. se le recibió como un gran científico y se se equiparó la invención de
theremin con la de la radio. Atrajo la atención de la Corporación de Radio de
América (RCA) quien le propuso la compra de sus derechos por la cifra de
100 000 dólares estadounidenses con el propósito de fabricarlo. Léon Theremin
aceptó la oferta el 12 de marzo de 1929 y la RCA se convirtió en el primer
productor masivo de un instrumento electrónico. La RCA creía que el
instrumento remplazaría al piano de media cola y popularizaría la afición a la
musica ya que pensaba que "cualquiera que pudiera mover sus manos en el aire
o silbar una melodía podría hacer música con él en su casa". En septiembre
salieron a la venta las primeras unidades a un precio de $220. La crisis de
octubre de 1929 forzó el cese de la producción.
León Theremin mantenía una relación privilegiada con el personal técnico de
firmas como RCA, GE, Westinghouse, compañías aéreas y más, con los que
compartía sus últimos descubrimientos y avances. Fundó y dirigió sus propias
compañías manteniendo una relación directa con Amtorg, la corporación
comercial soviética en Estados Unidos. Todo ellos fue calificado de espionaje
por parte de algunos responsables estadounidenses.

Descripción[editar]
El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y
alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a
tocarlas. La derecha suele ser recta y vertical. Sirve para controlar el tono
o frecuencia: cuanto más cerca de ella esté la mano derecha, más agudo será el
sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle. Sirve
para controlar el nivel de volumen, que será más bajo cuanto más cerca esté de
la mano izquierda.
Originalmente, su versión más primitiva fue llamada ætherophone (que se podría
traducir como ‘eterófono’), y sólo estaba provista de la antena de tono. Pronto
este diseño fue mejorado por el inventor, que añadió posteriormente la antena
para control de volumen. Actualmente, algunos de los modelos caseros y
comercializados del theremín disponen tan sólo de la antena que controla
el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un eterófono, y con
frecuencia es un aparato que se usa para efectos especiales más que como
instrumento musical, al no poderse acentuar ni separar las notas interpretadas.
También se han llegado a producir theremines de manera más o menos
artesanal con modos de interactuar muy distintos, como por ejemplo, theremines
ópticos que miden la cantidad de luz que llega a un sensor. También la
empresa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor
de infrarrojos llamado D-Beam, con el que se puede controlar, no sólo el tono,
sino alternativamente el parámetro que se elija.
Timbre[editar]
Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre
un violonchelo y una voz humana. Su inventor, además de físico,
era violonchelista. Actualmente existen incluso modelos que participan de la
tecnología MIDI, lo cual posibilita que tengan, virtualmente, cualquier timbre que
se desee utilizando un sampler, pero dicho efecto rara vez produce sonidos
audibles, al no estar pensado el diseño original en ese sentido.
Explicación técnica[editar]
Los theremines originales estaban fabricados con las entonces
novedosas válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y
estabilidad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento y
que, aunque no son un peligro para el ejecutante, sí lo son para un intento de
mantenimiento por inexpertos.
Actualmente existen multitud de firmas que comercializan
versiones transistorizadas de theremines, los cuales son más robustos y
adecuados para el transporte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más
estables.
El funcionamiento del control de tono está basado en los mismos principios
utilizados en la radio (principio heterodino). La frecuencia del generador (media
frecuencia) está controlada por la capacitancia existente entre la antena y el
cuerpo del intérprete, dependiendo de la distancia entre ambos. Seguidamente
esta señal es demodulada para obtener sonidos en un campo de frecuencias
de audio (20 Hz-20 kHz). En la práctica, este instrumento presenta el
inconveniente de ver fuertemente limitada la cadencia en la ejecución de sus
notas, lo que sólo permite interpretar melodías armoniosas pero muy lentas,
como sucede igualmente con la sierra musical.
El volumen se controla de forma parecida, pero convirtiendo la frecuencia
obtenida en una tensión estable mediante un amplificador controlado por
tensión (VCA).

Usos[editar]

Imagen de un robot tocando un theremín.

Música de cine y televisión[editar]

El theremín fue muy utilizado en películas de serie B de Hollywood de las
décadas de 1940 y 1950, para ambientar películas de ciencia ficción y terror a
base de un uso efectista en la era anterior al sintetizador, su uso original era
bien distinto: la violinista y thereminista Clara Rockmore (1911-1998) lo utilizó en
un repertorio romántico clásico, dándole credibilidad como instrumento solista en
un entorno orquestal.

 En 1931 aparece en la película Odna con música del compositor ruso Dmitri
Shostakovich, que fue uno de los primeros en incluir partes para theremín en
piezas orquestales y música de cine.
 En 1945 aparece en la película Recuerda de Alfred Hitchcock. El
compositor Miklós Rózsa hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador
para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes
de cine negro en la década de 1940. Así en Recuerda el sonido del theremín
aparece cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de
John Ballantine (Gregory Peck).
 En 1945 aparece en la película Días sin huella de Billy Wilder que cuenta
también con música de Miklós Rózsa. Los momentos de embriaguez del
alcohólico Don Birnam (Ray Milland) se subrayan por este instrumento, que
adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delírium
trémens.
 En 1951 fue utilizado en la película Ultimátum a la tierra de Robert Wise. El
compositor de la banda sonora, Bernard Herrmann, incluyó dos theremines
en la orquesta para crear un ambiente futurista y para enfatizar la amenaza
procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia
 resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort.
Probablemente se trate del uso más conocido del theremín en una película
clásica.
 En 2004 aparece en la película El maquinista, donde es interpretado por
Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y sobrina nieta del propio Léon
Theremin, y que le enseñó su uso cuando era niña.
 En 2011 aparece en la serie de televisión The Big Bang Theory, en el
capítulo titulado «La utilización de los pantalones de autobús». Sheldon
Cooper (Jim Parsons) toca un theremin para molestar a sus amigos e
interrumpir su trabajo en una aplicación de teléfono. Más tarde lo usa para
consolarse a sí mismo cuando lo echan fuera de su apartamento.23
 En 2014 aparece en la película Frank de Lenny Abrahamson. Clara (Maggie
Gyllenhaal) toca el theremín en una banda llamada Soronprfbs.
 En 2014 aparece en la serie de televisión American Horror Story, en el
episodio titulado «Proteger el aquelarre». El personaje Myrtle Snow (Frances
Conroy) toca el theremín por sus efectos calmantes.
 En 2014 aparece en la película animada My Little Pony: Equestria Girls -
Rainbow Rocks de Hasbro. Cuando deciden que Twilight Sparkle se una a la
banda, Pinkie Pie le pregunta ¿qué instrumento tocará? dándole varias
opciones, la última es un theremín, expresando que su sonido es tan mágico.
Música popular urbana[editar]
Este instrumento se oye también, especialmente al final, en la película One Flew
Over the Cuckoo's Nest (Alguien voló sobre el nido del cuco) producida en 1975,
que ganó numerosos premios internacionales y fue la segunda película en
obtener los cinco principales premios Óscar: Película, director, actor (Nicholson),
actriz (Fletcher) y guion adaptado.
Casi olvidado durante décadas, en la década de 1990 tuvo un resurgimiento
gracias, entre otros factores, a la producción del documental Theremin, an
Electronic Oddysey (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de
gama media Etherwave Standard, diseñados en la fábrica de Robert Moog (por
entonces la empresa se llamaba Big Briar, luego nuevamente Moog). Dicho
modelo, aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue
fabricando en la actualidad. Debido a su alto precio, han aparecido multitud de
imitaciones en todo el mundo, por lo que se puede considerar que ese modelo
viene a ser al theremín lo que el modelo Stratocaster de Fender supone para las
guitarras eléctricas: Un emblema y el diseño de un theremín más
popular.[cita requerida]
Grupos avant-garde como los holandeses The Gathering, utilizan el theremín
combinando su sonido con guitarras eléctricas, para conseguir un sonido
distorsionado muy característico.
DJ Kilmore usó este instrumento durante un concierto en Francia en el
año 2006 en la canción «Sick Sad Little World» de Incubus.
El tecladista de DragonForce Vadim Pruzhanov lo utilizó en la canción «Reasons
to Live».
Mike Shinoda lo uso en presentaciones de «When They Come for Me»
También lo utiliza el músico y compositor Richie Kotzen en su tema «Walk with
me».

Intérpretes notables[editar]
Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en
una publicación acreditada.
Este aviso fue puesto el 10 de marzo de 2016.

Lydia Kavina, intérprete de theremín.

En el pasado las figuras más representativas asociadas al instrumento

fueron Clara Rockmore, Samuel Hoffman y Lucie Bigelow Rosen, entre otros.
Actualmente, un gran número de thereministas buscan seguir el legado de los
grandes virtuosos del instrumento, algunos de ellos son Jean Michel Jarre, Lydia
Kavina, Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Katica Illényi, Ernesto Mendoza, Peter
Pringle, Robby Virus, Xabier San Martín (miembro de la banda española La
Oreja de Van Gogh) y Pamelia Kurstin.

Véase también[editar]
 Violín
 Sintetizador
 Otamatone

Referencias[editar]
 1. ↑ Martin Vennard (25 de marzo de 2012). «El instrumento musical que promovió Lenin y
llegó a los Beach Boys». BBC Mundo. Consultado el 25 de marzo de 2012.
2. ↑ «Theremin Makes Cameo On Big Bang Theory, Jan 2011» (en inglés).
thereminworld.com. 8 de enero de 2011. Consultado el 26 de mayo de 2012.
3. ↑ «El theremín, ese sonido de cine». 7 de octubre de 2011. Consultado el 1 de junio de
2012.

Enlaces externos[editar]
 Wikimedia Commons alberga una galería multimedia sobre Theremín.
 El theremín de Lev Termen, artículo en español en 1000 Años de Música
Electrónica, de SONICplug; publicado en el sitio web FutureMusic.es.
 ThereminHispano.com, la mayor fuente de información en español.
 Theremin Argentina, el primer portal latinoamericano dedicado al theremín.
 Rara avis II: Léon Theremin, Clara Rockmore y el instrumento que se toca sin
ser tocado.

 Proyectos Wikimedia
 Datos: Q207691
 Multimedia: Theremin

e
s
 Identificadores
 AAT: 300042580
 Diccionarios y enciclopedias
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