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    La Música Del Siglo XX

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    LA MÚSICA DEL SIGLO XX

    Aunque lo lógico sería situar el comienzo en el 1900, la entrada a la nueva era de la


    música occidental se puede situar en una fecha más significativa, entre los años 1907/1908,
    cuando Arnold Schoenberg rompió voluntariamente con el sistema tonal tradicional
    (específicamente en el 3º mov. del 2º cuarteto de cuerda op.10).

    Esto no fue una acción aislada ni radicalmente novedosa, ya que otros compositores
    habían experimentado anteriormente fuera de los límites tonales, como Wagner en Tristán e
    Isolda (1865) o Liszt en su Bagatela sin tonalidad (1885). También Scriabine, por esa fecha,
    desplegaba sus acordes formados por cuartas (el acorde Místico, en Prometeo, de 1909).
    Estos son solo algunos ejemplos representativos de una época en la que la música tonal
    parecía estar agotada ante la enérgica y rebosante creatividad de los compositores
    modernos.

    Pero todas estas músicas aún están atadas a la tradición, ya sea por el uso de los
    instrumentos convencionales, ya por los elementos técnicos (melodías, frases, motivos,
    desarrollos, variaciones, estructura formal…). A lo largo del siglo XX vemos como empiezan a
    romperse todos los límites creados por la herencia occidental, y como la música comienza a
    ser auténtico arte del sonido, en todas y cada una de sus facetas y posibilidades. Eso abre un
    universo casi infinito para investigar y experimentar hacia la búsqueda de nuevas estéticas
    sonoras.

    Se pueden generalizar tres grandes etapas:

    1ª) Cubre el período hasta el final de la Primera Guerra Mundial (aprox. 1918), y es testigo de
    la ruptura con el sistema tonal tradicional y su reemplazamiento por una serie de nuevos
    enfoques compositivos.

    2ª) Recoge desde el final de la Primera hasta el final de la Segunda Guerra Mundial (aprox.
    1945), revela una tendencia general hacia la consolidación de lo nuevo y vanguardista, y los
    esfuerzos por establecer nuevas ataduras con la tradición, así como una fuerte reacción
    contra lo emocional y subjetivo (Romanticismo)

    3ª) Estudia los acontecimientos que se desarrollaron después de la Segunda Guerra mundial
    hasta ahora, difiere de las dos primeras en no estar tan claramente definida por una línea
    dominante de desarrollo; por el contrario, su característica más sobresaliente podría ser su
    habilidad al acomodar, dentro del pluralismo que aparece por todas partes, las diferentes
    tendencias, incluso en un mismo compositor, a pesar de las contradicciones existentes entre
    algunas de ellas.
    Para una profundización sobre esta época, se recomienda el libro “La música del siglo XX”
    escrito por Robert P. Morgan, de la editorial Akal, que tiene una “Antología de la música
    del siglo XX” aparte, con las partituras escogidas para el análisis y mejor comprensión de
    cada estilo.

    LA MÚSICA DEL SIGLO XX (ESQUEMA)

    1) TRANSICIÓN

    -Posromanticismo (Mahler, Richard Strauss, Rachmaninov…)

    -Nacionalismo (Falla, Gershwin, Bartók, Ives, Coopland…)

    -Impresionismo (y Exotismo) (Debussy, Ravel…)

    -Expresionismo (Schoenberg, Anton Weber y Alban Berg)

    2) NUEVAS TENDENCIAS

    -Dodecafonismo (los anteriores) y serialismo integral (Boulez, Messiaen…)

    -Neoclasicismo (Stravinsky, Satie, Le Six: Poulenc, Milhaud, Honegger, Auric,


    Tailleferre y Durey)

    -Minimalismo (Steve Reich, Philip Glass..)

    -Música aleatoria o indeterminación (John Cage)

    -Música concreta, electrónica y electroacústica (Stockhausen, Schaeffer y Henry)

    3) OTRAS ESTÉTICAS

    -Música espectral.

    -Música estocástica (Xenaquis, Lutovslasqui…)

    -Música textural (Penderecki, Ligeti…)

    -Música puntillista

    -Composiciones en grupo.

    -Paisajes sonoros.

    -Collages

    -Música ambiental. ……etc.


    ESTÉTICA DE LAS DIFERENTES TENDENCIAS Y ALGUNOS EJEMPLOS

    El POSROMANTICISMO o post-romanticismo, hace referencia al estilo de ciertos


    compositores que siguieron ampliando aún más las formas del período clásico-romántico a
    través del desarrollo temático, armónico y formal. Sinfonías con cantantes solistas y
    coros, poemas sinfónicos, conciertos para solistas y orquesta, y canciones o lieder, más
    extensos y más complejos pero con la misma estética expresiva de sus antecesores.

    El NACIONALISMO del siglo XX se diferencia del decimonónico en que estos nuevos


    compositores hacen un estudio antropológico de la música de sus raíces. No incluyen
    ritmos, temas o algún elemento característico (como hicieron Chopin, Liszt o más
    intensamente como el checo Dvorak o El grupo de los cinco rusos), sino que graban los
    cantos y expresiones musicales del propio pueblo, la estudian, la analizan, la transcriben,
    sacan sus características formales, y a partir de ahí “inventan” nuevas obras utilizando sus
    mismos principios. (Ej: “El amor brujo” de Falla, “Danzas rumanas de Bartók, “Summertime” de la ópera
    Porgy and Bess de Gershwin, Appalachian Spring de Copland, etc. )

    El IMPRESIONISMO es un concepto pictórico que surgió en el siglo XIX a raíz de un


    comentario que un crítico hizo sobre el cuadro “Impresión: amanecer del sol” de Monet en
    1874. Lo que caracteriza este estilo de pintores, al igual que al movimiento musical
    posterior, es plasmar una sensación, una estampa, una atmósfera… Es vitalista, colorista y
    exterior ( “La mer” de Debussy, “La barca sobre el océano” de Ravel ) También se asocia al
    EXOTISMO (“Atardecer en Granada” de Debussy, “Bolero” de Ravel) y al SIMBOLISMO (“Preludio a
    la siesta de un fauno” de Debussy).

    El EXPRESIONISMO representa lo contrario, el “interior” más oscuro y más profundo:


    Los traumas, los miedos, los “monstruos” que tenemos dentro…Ejemplo representativo en
    el arte es el cuadro de munch “El grito” (Ej: Ópera Wozzeck de Alban Berg.)

    El DODECAFONISMO consiste en descentralizar una nota o tónica dándole


    importancia a las 12 notas de la escala occidental por igual. Para ello se crea una “serie”
    formada por las 12 notas en el orden que queramos sin que se repita ninguna antes de
    sonar el resto, y se trabaja con dicha serie como si de un tema o sujeto se tratara ( Suite
    para piano, Op. 25).

    El SERIALISMO INTEGRAL crea series, pero no solo de notas sino de todo tipo de
    elementos musicales: duración, timbres o ataques. Boulez escribió el manifiesto
    “Schoenberg ha muerto” para hacer notar que no hubo tanta fractura en Schoenber, ya
    que conservaba elementos de la tradición como temas, motivos, desarrollos, variaciones,
    forma, ritmo, cierta idea de melodía y acompañamiento, etc. Pero él crea una escuela que
    huye de cualquier lazo con la tradición, porque cualquier elemento sonoro puede ser válido
    como material para componer. (“ El martillo sin dueño” de Pierre Boulez, “Cuarteto para el fin de los
    tiempos” de Messiaen, etc).
    El NEOCLASICISMO utiliza técnicas, elementos o estéticas del pasado, como la
    polifonía, instrumentos antiguos o ideales griegos. Stravinski entiende que el compositor
    tiene a su disposición un abanico con todas las técnicas compositivas y como un obrero
    debe trabajar con ellas respetando los límites que cada una impone. (“Concierto para clave y
    cinco instrumentos de Falla”, “Las gymnopediés” de Satie y algunas obras de Stravinsky o Poulenc)

    El MINIMALISMO como su propio nombre indica, es un estilo que trabaja con


    pequeñas células o patrones rítmicos, melódicos y armónicos que se repiten continuamente .
    (“Violín Phase” de Steve Reich o “EinPhillip Glass)

    La INDETERMINACIÓN o MÚSICA ALEATORIA, representa una estética en la que


    ni el compositor sabe exactamente lo que va a sonar, hay muchas posibilidades, como los
    pianos preparados de John Cages. (4,33 de Cage o 300 del mismo autor)

    Las músicas CONCRETA, ELECTRÓNICA Y ELECTROACÚSTICA están muy


    relacionadas, y nacen de desarrollo exponencial de la tecnología desde mediados del siglo
    XX. La música Concreta usa sonidos musicales o cotidianos grabados y posteriormente
    manipulados electrónicamente (“El canto de los adolescente” de Stockhausen) . La Electrónica es
    generada directamente por medios electrónicos. Y la Electroacústica combina
    instrumentos acústicos tradicionales con sonidos pregrabados (“ Different trains” de Steve
    Reich). También puede ser que se modifique en vivo el sonido de voces o instrumentos con
    equipos competentes. La primera obra electroacústica de la historia es “Sinfonía para un
    hombre solo” de Pierre Henry/Pierre Schaeffer.

    La MÚSICA ESPECTRAL es un tipo de música electroacústica en la que se trabaja


    descomponiendo los espectros sonoros, jugando con sus armónicos para experimentar con
    timbres y/o frecuencias. Se entiende la música como un estudio científico del sonido.

    La MÚSICA ESTOCÁSTICA (tendencia hacia una meta) está asociada al campo


    matemático de la probabilidad. Es música casual e indeterminada pero dirigida a un final
    fijo. Destaca el compositor griego Iannis Xenaquis que era también matemático y
    arquitecto. (En la obra “3 poemas de H. Michaux” de Lutowlasqui las sopranos pueden elegir las notas que
    quieran dentro de una serie así la masa sonora que se oye está “controlada”)

    La MÚSICA TEXTURAL busca crear masas sonoras densas, homogéneas y empastadas,


    como el llamado “cluster”. No se perciben melodías ni ritmos como elementos individuales
    claros. Está representada principalmente en la obra de Penderecki ("Lamentación por las
    víctimas de Hirosima") y Ligeti (“Atmósferas”).
    TEXTOS

    “Poética musical” Igor Stravinsky

    Nacimiento de la sociología de la música en la obra de Jules Combarieu.

    “El envejecimineto de la nueva música” T.W. Adorno.

    “Schoenberg ha muerto” Pierre Boulez

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